Debi Nova- Corazon Abierto

FELIZ AÑO NUEVO 2012!! , LES DESEA SU AMIGO EL ANDROIDE!!

Deborah Nowalski, conocida artísticamente como Debi Nova, (n. 6 de agosto de 1980 en San José) es una cantante y compositora costarricense. Actualmente radica en Los Ángeles, California.1 Debi Nova combina el bossa nova, el hip hop y todo lo que está en el medio y le da vida a un género suyo: el tropical soul.



Es hija de José Abraham Nowalski Rowinski y Raquel Kader Lechtman. Comenzó tomando clases de piano a los cuatro años. Posteriormente, dirigió una banda musical en Costa Rica, la cual tuvo el apoyo de fans a través de esta nación. A los 17 años, tomó la decisión de irse a vivir a Los Ángeles, California, en donde continuó sus estudios en la Universidad de California.

Ha trabajado con artistas como Sean Paul (en la canción "International Affair", del disco Dutty Rock), Sérgio Mendes, Black Eyed Peas, Mark Ronson, Belinda, RBD y Ricky Martin, quien la invitó a participar en su video "Qué más da". Recientemente, escribió una canción para el último disco de la banda mexicana RBD, llamada "Camino al Sol".

En el 2004, se convirtió en la primera costarricense en llegar al número uno en la lista de música dance de Billboard con el tema "One Rhythm".
Su sencillo "Drummer Boy" fue una de las canciones más escuchadas en Costa Rica de la lista de música anglo en mayo de 2010.

Luna Nueva, su último disco, salió a la venta el 18 de mayo del 2010, y el cual es una combinación de ritmos latinos y potentes tonos pop.

Debi Nova fue una de las artistas invitadas a cantar en el traspaso de poderes el 8 de mayo del 2010 en Costa Rica y donde a Laura Chinchilla se le nombró oficialmente como la presidenta de Costa Rica en el período 2010-2014.6 En el año 2011 colaboró con Franco De Vita en la canción Si Quieres Decir Adios de su álbum más reciente "En Primera Fila".

Tokyo Ska Paradise Orchestra - Raindrops Keep Fallin' On My Head

FELIZ NAVIDAD LES DESEA SU AMIGO EL ANDROIDE!!

(東京スカパラダイスオーケストラ), frecuentemente abreviado por sus seguidores como "Skapara", es una banda de música jazz y ska formada en 1985 por el percusionista Asa-Chang. Inicialmente estaba compuesta por más de 10 músicos, veteranos de la escena underground de Tokio. Por aquel entonces, el sonido de la banda era muy distinto al de las otras bandas de la novísimo ska japonés, y en el tiempo que ha transcurrido desde entonces, han llegado a influir en la música japonesa en general.



Su sonido, el producto de la mezcla de las influencias musicales de todos sus componentes, da como resultado algo común al ska, al jazz y al rock. En sintonía con el ska más tradicional, muchas de las canciones del grupo son instrumentales. Desde sus principios, la banda ha hecho multitud de tours abarcando completamente la geografía de su país y muchos países a lo largo del mundo. Skapara ha colaborado con muchos cantantes ajenos a la banda, incluidos Shiina Ringo, Yusuke Chiba de Thee Michelle Gun Elephant, Takao Tajima, PUFFY y Tamio Okuda.

Discos

• Tokyo Ska Paradise Orchestra (東京スカパラダイスオーケストラ) (1989)
• Skapara Toujou (スカパラ登場) (Skapara's Intro) (1990)
• World Famous (ワールドフェイマス) (1991)
• World Famous Remix (1991)
• Pioneers (1993)
• FANTASIA (1994)
• JUST A LITTLE BIT OF TOKYO SKA PARADISE ORCHESTRA (vinilo) (rare) (1994)
• WATERMELON/高橋幸宏 (featuring 東京スカパラダイスオーケストラ) (1995)
• Grand Prix (1995)
• Tokyo Strut (トーキョー・ストラット) (1996)
• Arkestra (1998)
• Full-Tension Beaters (2000)
• Stompin' On Down Beat Alley (2002)
• High Numbers (2003)
• Answer (2005)
• Wild Peace (7/6/06)
• Perfect Future (26/3/08)
• Paradise Blue (04/2/09)
• World Ska Symphony (10/3/10)
• Goldfingers - (Mini-Album 10/27/2010 Cutting Edge)
• Heroes (mini album para la pelicula de One Piece)

Los Wendys - Caballito

Forman parte del colectivo mexicano «La Super Cumbia Futurista». que reúne a varios proyectos Electro Cumbiancheros.

«Los Wendy´s» fue formado en Nuevo México por Paulina Lasa (cantante y
artista plástica), Bill Tigrillo (guitarras y composición) y Amado Valiente (producción y programación). Surgen en el año 2005 con un interés muy especial en la cumbia electrónica romántica.



El concepto es muy sencillo: teniendo como base de harina el magnífico ritmo de la cumbia, Los Wendy´s mezclan en una licuadora de alta potencia diversos Beats de HipHop, Cactus Saguaros, Palmeras de Cocos, Pistolas y Flechas, Desiertos y Playas, Pueblos Fantasmas y todos los Clichés del antiguo y salvaje Oeste, obteniendo como resultado, después de haber horneado a balazos de revolver Colt y rifles 30/30, un delicioso Pie de sabores tropicales.

Los Wendys actualmente trabajan en su primer disco, el cual pronto
estará acabado y listo para degustarse.

Con los destellos de Andres Almeida, la originalidad de Imanuel Miralda, la voz de Paulina Lasa, en las guitarras Bill Tigrillo y en la producción Amado Valiente, cuentan que se pasan de pueblo en pueblo tocando sus canciones, atrapando a bandidos y cobrando recompensas.

En las cantinas de los pueblos se hace retumbar sus nuevas canciones "I Only Have my Heart", "Corvette Wendy" y "Caballito"; este demo contiene al igual los tracks que también os han hecho retumbar en el viejo oeste como "Amor Internacional", "Todo o Nada", "Cumbia Nacar" y "La Peligrosa.

Bebo Valdes- La Comparsa

(*Quivicán, 9 de octubre de 1918) es músico de música cubana y jazz, Bebo Valdes considerado como una de las figuras centrales de la época dorada de la música cubana. Además de pianista, su faceta más conocida, ha sido compositor, arreglista y director.Es el padre de otro destacado pianista de jazz cubano: Chucho Valdés.

Tocó en La Habana, desde los años cuarenta, en las orquestas Ulacia, García Curbelo, Julio Cueva y Orquesta Tropicana, y grabó discos con grupos dedicados a interpretar jazz afrocubano.



Conocido entre sus familiares y amigos con el apelativo cariñoso de Caballón por su considerable estatura, compuso mambos, como La rareza del siglo, que reviste el género recién introducido por Cachao y que cambiaría el curso de la música cubana. En, 1952, el productor Norman Granz, entusiasmado por la reacción al jazz afrocubano en Nueva York, encarga a Valdés una grabación de jazz cubano pionera en el momento, con Beny Moré como vocalista. Tras haber brindado grandes éxitos a su orquesta Sabor, en 1960 se trasladó consecutivamente a México, Estados Unidos, España y Suecia, donde se estableció en 1960. Actualmente vive en Málaga (España).

Su primera etapa en México la pasó como director musical del bolerista chileno Lucho Gatica. Tras una gira europea con los Havana Cuban Boys, decidió exiliarse en Estocolmo. Tras treinta años de relativo anonimato, el 25 de noviembre de 1994, Valdés recibió una llamada de Paquito D'Rivera, quien le invita a grabar un nuevo disco en Alemania. Se produce un nuevo inicio en su carrera a los 76 años con la grabación de Bebo Rides Again.

Además de su participación en el documental musical de Fernando Trueba, El milagro de Candeal y Calle 54 (2000), Bebo grabó junto con Cachao y Patato Valdés el álbum El Arte del Sabor (2001) por el que recibió un premio Grammy al Mejor Álbum Tropical Tradicional.

En 2002, Fernando Trueba produjo Lágrimas negras, disco que une al cantaor flamenco Diego el Cigala con Bebo Valdés al piano. Tras su publicación en 2003 se convirtió en un éxito internacional reconocido con un Grammy, tres Premios de la Música, un Premio Ondas, cinco Premios Amigo, tres Discos de Platino en España y uno en Argentina, México y Venezuela. El diario The New York Times lo alaba como Mejor disco del año en el apartado de música latina2 y les abre las puertas a una gira por, entre otras, París, Nueva York, Londres, La Habana, Buenos Aires, Tokio, México DF, Madrid y Barcelona. A finales de 2004 el disco había vendido más de 700.000 copias en todo el mundo.

Ahora vive retirado, en Benalmádena, un pueblo de la provincia de Málaga, España.

Caro Emerald - That Man

(Ámsterdam, Países Bajos, 26 de abril de 1981), nacida como Caroline Esmeralda van der Leeuw, es una cantante de música Jazz holandesa. Hizo su debut musical como solista el 6 de julio de 2009 con el sencillo "Back It Up".Estudió la carrera de vocalista de Jazz en el Conservatorium van Amsterdam (Conservatorio de Ámsterdam), obteniendo su título profesional en el año 2005.

Caro Emerald es uno de las 6 miembros del grupo musical holandés Les Elles, así como uno de los 44 miembros de la Philharmonic Funk Foundation. A su vez, tiene participaciones regulares en el festival musical holandés Kinderen voor Kinderen (Niños por los niños), también es maestra de música en la academia Babette Labeij1 y en el show televisivo musical holandés X-Factor.



Con su música inspirada en Michael Jackson, Prince, Eva Cassidy, Amy Winehouse, Aretha Franklin, etc; Caro Emerald saltó a la fama con su primer sencillo titulado: "Back It Up". Este sencillo fue escrito por los productores y escritores holandeses Jan van Wieringen y David Schreurs, además del afamado escritor canadiense Vince Degiorgio, escritor que previamente trabajó con grupos como: A-Teens, 'N Sync, Atomic Kitten, etc. Emerald fue invitada a grabar el demo en mayo del 2007, y posteriormente añadió la canción a sus propio repertorio, para finalmente darla a conocer en un show televisivo transmitido por el canal holandés AT5.

La presentación oficial de este primer sencillo ("Back it up") por parte de Grandmono Records fue el 6 de julio de 2009. La canción alcanzó el Top 40 dentro de las listas holandesas (Dutch Top 40), lugar donde se mantuvo 12 semanas consecutivas, llegando a alcanzar el puesto número 12. Posteriormente, en diciembre de ese mismo año Caro Emerald presentaría el segundo sencillo, esta vez titulado: "A Night like this". El sencillo llegó a colocarse en la segunda posición del Dutch Top 40 durante 3 semanas, además de mantenerse en la lista 26 semanas; a la postre este sería el tema oficial de la campaña publicitaria 2009-2010 de la afamada marca de vermú Martini.

Después de haber lanzado con éxito los sencillos "Back it up" y "A Night like this", Grandmono Records sacó a la venta el álbum debut de Caro Emerald titulado '"Deleted Scenes from the Cutting Room Floor"'. El 29 de enero de 2010 el disco fue un rotundo éxito y llegó rápidamente a las listas de los discos más vendidos en los Países Bajos (Dutch Albums Top 100), colocándose en el primer lugar en ventas.

"Deleted Scenes from the Cutting Room Floor" fue galardonado como disco de platino en los Países Bajos tras haber vendido más de 50.000 ejemplares en menos de 6 semanas, y doble disco de platino después de haber vendido mas de 100.000 copias hasta junio de 2010. Este material discográfico fue lanzado al mercado en la primavera del 2010 en Francia por medio de Sony Music Entertainment France, y en Escandinavia por la disquera Bonnier Amigo, el lanzamiento en otras partes del mundo aún está pendiente.

Jessie Evans - Is It Fire?

La música es el lugar donde ella pone su corazón, nunca un medio para proyectar su drama personal, sino para crear un paraíso al cual pueda escapar. Jessie Evans nació en California, pero es una niña de mundo que bien pudo dormir abrazada de su saxofón en algún huerto abandonado de Londres, Dublin, Amsterdam o España.

Es conocida por colaborar con varias agrupaciones de punk rock, new wave y gótico de los 70s y 80s, y por sus sesiones en vivo con el baterista Toby Dammit (Iggy Pop). Sin embargo, hoy logra consumar una placa discográfica titulada “Is It Fire?”, grabada entre Berlín, Tijuana, Acapulco y la Ciudad de México.



Recordemos que años atrás Jessie conformó bandas como The Vanishing y Subtonix, además de haber trabajado junto artistas de la talla de Lydia Lunch y bandas como Malaria!, Lost Sounds, Siouxsie and the Banshees, Iggy Pop & The Stooges. En los próximos meses, tras giras exitosas por todo el continente europeo

Para su álbum discográfico en solitario contó con la colaboración de Dammit en la batería y percusiones, así como Budgie (The Creatures), Martin Wenk (Calexico), Namosh y Thomas Stern (Einstürzenden Neubauten y Crime and The City Solution, respectivamente). El tijuanense Pepe Mogt (Nortec Collective) participó en la mezcla y co-producción en Tijuana.

Según comenta Evans, en un viaje a Ciudad de México, en el cuarto de lavar de un antiguo edificio, creó un estudio de grabación, donde plasmó sus ideas mientras niños merodeaban en bicicleta, gritando “¡Tamales! ¡Tamales!” con megáfonos, en tanto caían tormentas eléctricas.

Poco después cantó a todo pulmón en Playas de Tijuana y Acapulco, recorriendo cientos de kilómetros de bosques cocoteros hasta llegar a una playa con vista al Océano Pacífico, logrando un increíble ensamble celestial que podrá ser escuchado hoy viernes 31 de julio a las 8:00 pm en La Mezcalera Salón de Baile, ubicado en Calle Sexta, entre Revolución y Madero.

Luego de esta presentación, Jessie Evans continuará su gira por Oaxaca, Monterrey, Ciudad de México, Puebla, Guadalajara y Francia, para entonar temas como “Niños del Espacio”, “Golden Snake”, “To the Sun”, “Será el Fuego”, “Let Me On”, “Class Magic” y “Scientist of Love”.

Valery Obodzinsky- Эти глаза напротив

(en ruso, Валерий Ободзинский) (24 de enero de 1942, Odesa, actual Ucrania - 26 de abril de 1997, Moscú, Rusia) fue un cantante soviético. Artista de Honor de la RSSA de Mari (1974).

En los años 1960 - 1970 fue un cantante popular en la URSS. El primer intérprete de las canciones de "Los ojos de frente" ( D. Tukhmanov - T. Sashko), "Canción del Este" ( D. Tukhmanov - O. Gadzhikasimov ), "Aflicción" ( A. Flyarkovsky - L. Derbenev ), "tocar el órgano" ( D. Tukhmanov - M. Plyatskovsky ), "Eterna Primavera" ( D. Tukhmanov - I. Shaferan ), "Espejismo" ( A. Zatsepin - L. Derbenev ), "El Día" (S. Kastorsky - V. Gene ) y etcétera.




Valery Obodzinsky nació en Odesa, en un apartamento comunal. Los padres fueron al frente. La educación desempeña su abuela, Kuzminichna Domna, que vivía en ese momento con otro de sus hijos, Leónidas, que era dos años mayor que Valery. Según los recuerdos de familiares, durante la ocupación alemana no fue un incidente que podría haber sido fatal para los niños. Furioso por el robo de niños mayores de embutidos, un oficial alemán amenazó con disparar a los dos y sólo la intervención de Domna Kuzminichna logró evitar la masacre. Después de la escuela, Obodzinsky trabajó en varias profesiones: trabajaba como bombero, se puso a vender colchones en los muelles, trabajó brevemente en la granja, e hizo cerraduras para muebles. El comienzo de su carrera profesional comenzó a trabajar en el buque " Almirante Nakhimov ". Luego fue a trabajar como solista en la Filarmónica de Kostroma, cuyos dirigentes estaban en ese momento, Valentina Makarova, y su esposo, el director artístico, Valery. Después de este punto de su trabajo fue la Filarmónica de Tomsk, con conciertos de la que ha viajado por toda Siberia, y luego - y el conjunto de Rusia.

En 1966-1967, trabajó en la orquesta de Oleg Lundstrem. En 1967-1972 trabajó como solista en la Orquesta Filarmónica de Donetsk. En 1973-1977 trabajó como director artístico en la Cooperación con VIA "verdaderos amigos". Obodzinsky estaba en un estilo único, distintivo de cantar, una demanda muy alta en la década de 1970. En esencia, Obodzinsky seriamente estudió canto, su impresión vocal del aficionado hace que las notas altas suenan aplastando cuando está cantando. En esencia, Obodzinsky tenía un carácter muy avanzado del instinto musical, el rumor, con un tono agradable y suave de voz (tenor lírico).

La popularidad Valery Obodzinsky en la primera mitad de la década de 1970 era enorme, de acuerdo con numerosos contemporáneos, como Muslim Magomayev, quien competía con Obodzinsky en esos años. Obodzinsky tenía una voz suave y muy dulce, como un tenor. Las canciones en su epertorio eran, en su mayoría, poemas de amor. Obodzinsky siempre cantaba sincero, apasionado, caliente, en ocasiones cantaba en lo grotesco. Millones de lectores de sus discos vendidos por completo en muy poco tiempo después de la graduación. Los críticos musicales han notado el crecimiento creativo del cantante en la década de 1970, ampliaba su repertorio.

La vida más creativa del cantante no era precaria. Por alguna razón, algunos críticos han declarado de una manera específica que el cantar de Obodzinsky era al estilo "occidental", tal vez debido a las excesivas demostraciones de afecto, que se confunde con la laxitud o la papilla. Desde la década de 1970, Obodzinsky ya había sido criticado a menudo, burlándose de él en diversos sketches. Debido a algunas razones personales, Obodzinsky no le gustaba el Ministro de Cultura de la URSS E. Furtseva y presidente de la Radio y Televisión de San Lapin. En la construcción del comunismo, el cantar canciones de amor se consideró inadecuado. En 1987 Obodzinsky abandonó la escena por completo. Él trabajó como vigilante en una fábrica de empate y llevó a la manera apropiada de la vida.

En los años 90 Obodzinsky decide reanudar sus actividades creativas y graba un disco de canciones de Alexander Vertinsky. En septiembre de 1994, en una sala de conciertos "Rusia", fue la primera actuación Obodzinsky después de siete años. El cantante por un corto tiempo para reanudar su actividad de conciertos, participa en el festival de retro-"Golden Hit-96" (Mogilev). Obodzinsky murió el 26 de abril 1997. Fue enterrado en el cementerio de Kuntsevo (parcela número 10).

Arabella La Sonera Mayor- Callejon

Margarita Pinillos es el verdadero nombre de “Arabella” la rutilante estrella de la salsa dura que brillara en los años 80s y 90s y que por cosas de la vida no ha seguido su carrera musical. Muchos, la califican como la sucesora natural de la inmortal Celia Cruz.

Ella nació en Bogotá, Colombia, ahí hizo sus pininos, pero se consagró en Venezuela. Posee un sabor muy especial siendo apodada "La dinamita de la Salsa" y "La sonera mayor". Arabella cuenta así cómo fue su ingreso al mundo de la música: “Nací en Bogotá, Colombia. Pero por extrañas cosas de la vida, parecía que la cigüeña se había equivocado el lugar donde depositarme, ya que dentro de mí , la música que retumbaba , era la del trópico, sentía profundamente un ritmo y una cadencia que me hacían sentir lo que cantaba desde muy niña de una manera muy diferente, a las cantantes nativas de mi ciudad.



Aunque siempre parecía una campanita cantando y bailando por doquiera, no contemplaba la idea de ser profesional en la música. Solo fue hasta un día, que un compañero de estudios me inscribió sin consultármelo, en un concurso de radio, que para ese entonces era el más prestigioso.

Algo así como el American Idol Colombiano. Se llamaba la Orquídea de Plata Phillips. Y en donde al no tener ninguna preparación, fui descalificada. Contaba para ese entonces con casi trece años de edad. A pesar de haber sido eliminada ésa tarde en el radioteatro de Caracol, una productora de televisión me pidió hacer un programa esa misma noche en una estación llamada Tele Tigre en donde por tretas del destino tampoco pude cantar.

Ella comenta: la música me buscó a mí, y nuevamente volvieron a llamarme muy interesados y querían una presentación mía...”Arabella ha visitado Perú tres veces, dos de sus visitas han sido de caridad en apoyo de la Teletón y una vez fue contratada pero tuvo poca publicidad. Alegre y desternillante por momentos, ha paseado por toda América su música.

A parte de cantante es una extraordinaria compositora. Le cedió la canción “mi vida es cantar” a Celia Cruz para uno de sus últimos álbumes, aparte, a compuesto para varios salseros temas que han sido éxitos.

Lamentablemente, su actividad artística se ha reducido a Miami y grabó un CD con boleros memorables y remasterizó sus mejores temas en una disquera de su propiedad, sus producciones son difíciles de conseguir.

Susan Wong - You've Got A Friend

Ella nació en Hong Kong, y emigró a Sydney, Australia con su familia a la edad de siete años. Inclinación por la música desde muy temprana edad, aprendió a tocar el piano a los cinco años y más tarde también aprendió el violín. En Kambala School Girls en Sidney , cantó alto en el coro, y apareció en el drama de la escuela ( Gilbert & Sullivan y similares) y entró en una serie de concursos de piano. Ella recibió un diploma de asociado (ATCL) en el piano de Trinity College London .

Su primera oportunidad en el mundo de la música fue a la edad de dieciséis años cuando sus padres la inscribieron en un concurso de canto en Sydney. Fue organizado por TVB y al ganador le ofrecían un contrato de grabación con una de las grandes empresas musicales en Hong Kong. Ella ganó el concurso y se fue a Hong Kong, donde se reunió con la TVB productores que quería firmar con uno de los sellos discográficos. Después de muchas deliberaciones se decidió que una carrera musical no era adecuado para ella en ese momento y lugar, volvió a Australia para estudiar en la universidad.



Después de graduarse de la universidad, regresó a Hong Kong en 1997 para ayudar a administrar el negocio familiar de contabilidad, en este momento, obtuvo su CPA certificación. Uno de sus alumnos, que era la enseñanza del piano, estaba trabajando para un sello independiente de Hong Kong, y Susan le preguntó al jefe si quería ser cantante. Susan comenzó a grabar sus canciones favoritas Inglés e hizo 'Close To You "del álbum. Cuando el disco salió en 2002, fue ampliamente aclamado y se convirtió rápidamente en un favorito de las tiendas de música a tocar. El álbum fue pronto subir las listas de ventas en países como [Hong Kong, Singapur , Tailandia y Indonesia . Los lanzamientos de discos desde que cuatro 'Close To You "también han disfrutado de un gran éxito de crítica y público el establecimiento de Susan como probablemente el cantante N º 1 la venta de idioma Inglés femenino de su género en todo el sudeste asiático .

A principios de 2007, Susan Wong firmó un acuerdo de grabación de nuevo con Hong Kong evolución limitada y lanzó su primer álbum en la evolución en agosto de 2007.

El primer lanzamiento bajo este acuerdo, Someone Like You (alguien como tú), fue grabado en Nashville, EE.UU., y se apresuró a ganar éxito crítico y comercial en todo el sudeste asiático. El éxito de la versión SACD, en particular, dio testimonio de la producción de bien, la interpretación vocal y el dominio por ganador del premio Grammy ingeniero Doug Sax. El álbum fue lanzado a nivel nacional en Japón en septiembre de 2008.

En el verano de 2008, Susan comenzó a trabajar en nuevas ideas para su siguiente álbum. En septiembre de 2008 Susan viajó a Ginebra, Suiza para trabajar en los demos con el productor Adrien Z. Como explica Susan "Él trajo mis ideas musicales a la vida. Él fue capaz de transformar las canciones que quiero cantar en el estilo que me atrevo a juicio. "La grabación del álbum fue completado en febrero / marzo de 2009. En su blog, Susan, dijo del álbum: "Creo que tomó una" mano más sobre "enfoque con este álbum, más que cualquiera de los anteriores, ya que sentí la necesidad de dar voz a mi persona, ser más individualista e independiente para mi trabajo. "recibió bossa nova versión de Susan inspirada de Billie Jean de Michael Jackson, una gran cantidad de atención y el juego de radio y el álbum vendió ampliamente en toda la región.

Inspirado por la respuesta positiva a 511, Susan estaba ansioso por empezar a trabajar en su próximo disco y pocos meses después de la liberación de los 511 que se estaba formando ideas para nuevas grabaciones, la elección de nuevo para trabajar con el productor y arreglista Adrien Zerbini Ignacio Lamas. Con canciones de los álbumes en su mayoría provenientes de la finales de 1960 / principios de 1970, Susan y su banda trabajó en un ambiente relajado y natural de pop acústico, liderado por la guitarra de Ignacio.

Sandra Carrasco - Solilla

Nació en 1981 en Almonte, Huelva. Estudió magisterio musical, tomando a la vez cursos de Flamenco en la Universidad de Huelva.

Ha ganado varios premios todos ellos vinculados al flamenco, como El Premio de la Asociación de Nerva en Sevilla y a la mejor interpretación Antonio Rengel y becas con las que ha podido recibir formación con Paco Taranto, José el de la Tomasa y Adelita Domingo entre otros.



Grabó en la banda sonora del cortometraje “Rebeca ha muerto”. Al igual que con la productora onubense del ayuntamiento de Almonte.

Ha llevado el flamenco con su voz a lugares tan dispares como Washington D.C., la Bienal de Sevilla, el auditorio de Madrid, México, Croacia, los tablaos más importantes de Madrid, Alemania, Nicaragua, Guatemala, Ecuador, Roma.

Ha participado en los discos de artistas de la talla de Estrella Morente, Arcángel, El Pele, Manolo Sanlúcar, Carmen Linares, José Mercé, Pepe de Lucía, Javier Limón, Anoushka Shankar, etc.

Ha protagonizado el musical “Enamorados Anónimos” dirigido por Blanca Li. Ha grabado un tema a beneficio de Haití junto a artistas como Alejandro Sanz, Bebe, Carlos Jean, etc. Su primer disco colaboraron artistas de la talla de Avishai Cohen, Kudsi Erguner, Josemi Carmona, y Pepe Habichuela.

Bing Crosby - Moonlight Becomes You

Harry Lillis "Bing" Crosby (Tacoma, Estado de Washington, 3 de mayo de 1903 - Alcobendas, España, 14 de octubre de 1977) fue un cantante (crooner) y actor estadounidense con una carrera artística de medio siglo.

Fue uno de los primeros artistas multimedia. Entre 1934 y 1954, Crosby tuvo un casi imbatible éxito de ventas con sus discos, grandes ratings en las emisoras de radio y películas mundialmente vistas.1 Es usualmente considerado como uno de los actores musicales más populares de la historia y es actualmente la voz humana más grabada electrónicamente.2 El prestigio artístico de Crosby es universal, máxime si tenemos en cuenta que fue una de las mayores inspiraciones para otros grandes intérpretes masculinos que lo secundaron, tales como Frank Sinatra, Perry Como, y Dean Martin.



Su familia se mudó a Spokane (Washington) en 1906 con el objetivo de conseguir algún trabajo. Fue el cuarto de siete hijos: cinco hombres, Larry (n. 1895-1975), Everett (n. 1896), Ted (n. 1900), Harry (n. 1903) y Bob (1913-1993); y dos mujeres, Catherine (n. 1905) y Mary Rose (n. 1907). Su padre, Harry Lowe Crosby (1871-1950), era un contable de ascendencia inglesa-estadounidense, y su madre Catherine Harrigan (1873-1964) era hija de un constructor de County Mayo de ascendencia irlandesa-estadounidense. Sus ancestros paternos, Thomas Prence y Patience Brewster, nacieron en Inglaterra y emigraron a los Estados Unidos en el siglo XVII. La familia Brewster arribó al continente en el famoso barco Mayflower.

Bing Crosby no tenía certificado de nacimiento; la fecha, por tanto, fue un secreto hasta que la iglesia católica de su juventud en Tacoma reveló su acta de bautismo que contenía la datación exacta de su nacimiento.

En 1910 Harry Lillis, con seis años de edad, descubrió una página completa en la que aparecía un artículo en la edición dominical del Spokesman-Review, The Bingville Bugle. El Bugle, sección escrita por el humorista Newton Newkirk, era en realidad una parodia que aparecía publicada en dicho periódico. Un vecino de quince años de edad, Valentine Hobart, compartía el entusiasmo de Crosby por estas parodias y llamó al diario Bingo por Bingville. De aquí surgió el apelativo de Crosby: suprimida la última vocal de la palabra Bingo, Crosby adoptó el nombre de Bing.

En el verano de 1917 Crosby trabajó en el Auditorium de Spokane, donde fue testigo de los mejores actos del día, incluyendo una actuación de Al Jolson de quien Crosby diría: «Para mí él fue el mejor artista que ha existido».

En el otoño de 1920, Bing se matriculó en la Universidad jesuita Gonzaga College en Spokane, Washington con la intención de graduarse como abogado. Mantuvo un promedio de notas de B+. Estando en Gonzaga, compró un set de batería por correspondencia. Tras una ardua práctica sus habilidades crecieron manifiestamente y fue invitado a unirse a una banda local compuesta en su mayoría por niños escolares llamada Musicaladers, conducida por Al Rinker. Logró ganar tanto dinero con este trabajo que decidió dejar los estudios durante su último año para dedicarse al mundo del espectáculo.

En su madurez, Bing Crosby viajaba a la ciudad de La Paz (Baja California Sur, México). En esa ciudad alternó sus vacaciones familiares con una gran labor social. En Las Cruces, un balneario casi aislado, disfrutó (según sus propias palabras) de algunos de los mejores días de su vida, siempre en compañía de su familia.

Era muy aficionado al golf y falleció inesperadamente, al parecer por un infarto mientras lo practicaba, en la zona residencial de La Moraleja sita en Alcobendas, cerca de Madrid (España).

En 2005, salió una biografía no autorizada escrita por sus hijos, quienes lo pintaban como un mal padre, egoísta, avaro y mezquino.
Datos Curiosos

• Aunque parcialmente eclipsado por la fuerza de otros intérpretes, sobre todo por Frank Sinatra, Bing Crosby fue con toda probabilidad la figura más popular e influyente de la música popular a lo largo de toda la primera mitad del siglo XX; sus ventas son multimillonarias y su impacto en otros cantantes, aparte de Sinatra, es indiscutible: Perry Como,3 Dean Martin, Michael Buble, etc.

• Bing Crosby fue, ante todo, una estrella de la radio, a través de la cual se hizo presente en el hogar de millones de estadounidenses materializando una forma nueva de contacto, más íntima, más individualizada, entre el cantante y su público. El uso del novedoso micrófono le permitió amoldar su voz a las letras y no preocuparse de la fuerza como era lo habitual hasta el momento.

• La voz de Crosby es cálida y basada en los graves, próxima a la de un barítono, y su forma de interpretar es ligeramente enfática en cuanto al tono. Su repertorio, vinculado sólo ocasionalmente al jazz, incluye temas de musicales, música para películas, country, canciones del oeste, estándares patrióticos, himnos religiosos, baladas étnicas (irlandesas y hawaianas) y, por supuesto, los temas de los grandes compositores estadounidenses: Kern, Porter, Van Hauesn, G. y I. Gershwin...

• La novedad que introduce Crosby en sus comienzos está en que, lejos de seguir el patrón rítmico de la música europea, asume las innovaciones del jazz emergente y aporta a la canción popular el sentido del swing.

Mercedes Medina- Dios Nunca Muere

Cantante y estudiosa de la música tradicional mexicana. Desde hace algunos años trabaja en la búsqueda de partituras y canciones tradicionales en colaboración con diferentes instituciones académicas y culturales. Medina Alatriste es egresada de la Universidad de Guadalajara, Jalisco y del Conservatorio Nacional de Música, doble becaria de la CONACULTA en difusión de patrimonio cultural, en donde ha vivido grandes experiencias en los conciertos de lujo donde ha participado. Suele acompañar sus presentaciones con un mariachi y con el Grupo Folclórico Quetzal. Becaria en varias ocasiones por el FOECA (Jalisco) y por el FONCA, en el área de difusión de patrimonio cultural.



Esta Intérprete de Música Tradicional Mexicana, cuenta con reconocimiento por parte de varias Instituciones Culturales y Académicas en el área de la difusión de patrimonio cultural. Folklorista y cantante de Ranchero. Con una propuesta única en su género. Reúne en un solo espectáculo varias diciplinas artísticas y es un proyecto original que puede ser presentado tanto para un público conocedor al igual que puede presentarse en explanadas, ya que es interactivo, con mucha dinámica y sumamente divertido.Marichi, Ballet Folklorico, Performance, un espectaculo extraordinario enmarcando una voz exepcional.

Cuenta con un repertorio variado, mediante el cual invita al público que la escucha a un recorrido por el tiempo musical en México. En sus conciertos propone mostrar una visión coherente y estética de los diferentes géneros musicales que han aparecido en México a raíz del mestizaje. Recopilando los estilos nacionales más representativos, Mercedes Medina ofrece distintos conciertos: la época de las primeras cancioneras de finales del siglo XIX y hasta los años cuarenta; la música vernácula en sus inicios con temas arraigados en el público nacional y extranjero, está plasmado en el concierto ¡Qué padre es la vida!. Otros de sus conciertos son: Mi México de ayer y Viene la muerte cantando. Este último incluye en su repertorio cantos ceremoniales en purépecha y zapoteco, así como canciones tradicionales de diferentes regiones de México.

Ha sido invitada por diferentes instituciones culturales, participa en proyectos con artistas plásticos y escritores, con países de la Comunidad Europea. Ha participado en el Festival Cultural Fiestas de Octubre, La Feria Internacional del Libro y con instituciones de la iniciativa privada. Anualmente realiza presentaciones en diferentes países del mundo para presentar sus espectáculos dentro de los festivales de verano.

Charles Trenet - Boum

Louis Charles Auguste Claude Trénet (Narbonne, Francia, 18 de mayo de 1913 - Créteil, Francia 19 de febrero de 2001), más conocido como Charles Trenet, fue un compositor y cantante francés llamado por algunos "el padre de la canción francesa".

Trenet enfermó de fiebre tifoidea a la edad de 7 años. Fue durante su convalecencia, con el propósito de entretenerse, cuando empezó a desarrollar sus habilidades artísticas, iniciándose en la música, la pintura, y la escultura.



A pesar de odiar las matemáticas con pasión, en 1927 terminó su bachillerato con honores y se fue a Berlín a estudiar arte. A su regreso a París en 1930 Trenet ejerció trabajos varios de poca monta en un estudio de películas, estableciendo contacto frecuente con el medio artístico en el vecindario de Montparnasse.
Formando un dúo junto con el pianista Johnny Hess trabajó en el cabaret Le Fiacre hasta que fue llamado a cumplir el servicio militar en 1936. Fue luego de terminado su servicio militar que Trenet recibió el sobrenombre que le acompañaría toda su vida: "Le fou chantant" (el loco cantante).

Durante la Segunda Guerra Mundial, Trenet con frecuencia actuaba en los cabarets Folies-Bergère y Gaieté Parisienne enfrente de un publico compuesto a menudo de oficiales y soldados alemanes. Sus enemigos en la prensa quisieron comprometerlo diciendo que el nombre Trenet ocultaba sus orígenes reales, y publicaron que su apellido era un anagrama de "Netter", un nombre judío. Trenet fue capaz de defenderse demostrando por medio de su árbol genealógico que no tenía antecedentes judíos. Este acto de defensa, una vez terminada la guerra, fue mencionado con frecuencia como reproche de su conducta. Al igual que un considerable número de artistas de la época, Trenet decidió seguir en el medio artístico entreneniendo a las masas, evitando así causar daño a su carrera, al tiempo que mostraba poco interés en los problemas de discriminación nazi. Cuando los alemanes se lo pidieron, Trenet aceptó ir a los campos de detención de prisioneros franceses para cantar y entretenerlos.

Al finalizar la guerra Trenet se mudó a Estados Unidos, donde vivió por unos años y logró gran éxito. Luego de una serie de conciertos en el Bagdad en Nueva York, Trenet recibió ofertas de la industria de Hollywood. Allí conoció a Louis Armstrong e inició una larga amistad con Charlie Chaplin.

Su canción más famosa "La Mer" (El Mar), la cual según la leyenda compuso junto a Leo Chauliac en un tren en 1943, fue grabada por primera vez en 1946. "La Mer" es quizás aún más conocida gracias a sus versiones en otros idiomas, contándose más de 400 de éstas. En inglés fue traducida como "Beyond the Sea" (Más allá del mar), y fue un éxito en la voz de Bobby Darin. Una de sus versiones más recientes es la del cantante inglés Robbie Williams, para quien esta canción no es típica de su habitual estilo. La canción es también uno de los temas musicales utilizados por la empresa de cruceros Carnival Cruises en sus propagandas por televisión, además de haber aparecido siendo cantada en numerosas películas (tales como Soñadores de Bernardo Bertolucci) y series de televisión (más recientemente en la serie estadounidense Lost). También uno de sus temas, Boum!, es central en la película “Toto Le Heros” de Jaco Van Dormael (1991). Trenet compuso y cantó un variado grupo de canciones que se han convertido en clásicas canciones de estilo popular en Francia. Entre estas se incluyen: "Fleur bleue", "Y'a de la joie", "Je chante", "Douce France", "Que reste-t-il de nos amours?" así como "La mer".

En 1951, Trenet regresó a Paris, actuando en el Théâtre de l'Etoile. En 1954 actuó por primera vez en el famoso teatro Olympia de París. El año siguiente compuso la famosa "Route Nationale 7" (en homenaje al establecimiento de vacaciones pagadas).
En 1958, Trenet era el acto central de los shows del Bobino y la Alhambra. En 1960 volvió al Théâtre de l'Etoile, apareciendo por primera vez sin el famoso sombrero con el que siempre aparecía en el escenario y que hasta entonces siempre le había acompañado convirtiéndose en parte característica de su actuación.

En 1970, Trenet viajó a Japón representando a Francia en la Exposición Universal en Osaka. El año siguiente tuvo una memorable actuación de nuevo en el "Olympia".
En 1973, la prensa francesa celebró con gran cobertura sus 60 años. En 1975 Trenet anunció por sorpresa que se retiraba. Su último concierto de despedida ese año en el Olympia fue muy emotivo.Al morir su madre en 1979, Trenet se aisló por completo del mundo durante los siguientes dos años.

A pesar de su retiro 6 años antes, en 1981 Trenet volvió grabando un nuevo álbum, dedicado por entero a recuerdos sentimentales de su infancia. Luego de este álbum volvió a un estado de retiro parcial, regresando esporádicamente tan sólo para alguna actuación especial de gala en Francia o en el extranjero.

En 1999, más de 50 años después de componer su legendario clásico "La Mer", a la edad de 86 años Trenet volvió a grabar un álbum ("Les poètes descendent dans la rue") con 14 nuevas canciones. En vista del éxito del álbum, Trenet se presentó de nuevo en persona. Sus conciertos fueron un éxito total, con la audiencia aplaudiendo con auténtico fervor espontáneo.

En abril del año 2000 Trenet fue hospitalizado de urgencia luego de sufrir un accidente cerebrovascular. Tras estar varias semanas recuperándose en el hospital y meses en su hogar, en octubre logró encontrarse lo suficientemente recuperado como para visitar a su amigo Charles Aznavour, quien presentaba un show en el Palais des Congrès. Esta fue la última aparición pública de Trenet, pues falleció 4 meses más tarde, dejando una huella imborrable. La casa donde nació Trenet ha sido convertida en un pequeño museo dedicado a él.

Soraya- Quedate

Nació en Bergen Country, Nueva Jersey, un 11 de marzo de 1969. Antes de cumplir su primer año, sus padres regresaron a Colombia, donde vivió hasta los 9 años. A los cinco años Soraya comenzó a tocar la guitarra de una forma auto didacta guiada únicamente por su gusto hacia la música, posteriormente tomó clases de violín clásico y siendo parte de la Sinfónica Juvenil logró pisar escenarios como el Carnegie Hall de Nueva York.

Una de sus grandes influencias ha sido el ídolo británico Sting pues dice que se sentía obsesionada con sus canciones.En la secundaria le encantaba la lectura y, especialmente, la poesía. Durante esa época descubrió algo que la llevaría un paso más adelante en su camino vocacional, pues según sus propias palabras se dio cuenta de que con la música podía unir ambos mundos.En la Universidad Rutgers, de donde se graduó en 1991, decidió especializarse en literatura inglesa y se saturó de las obras de William Shakespeare, D.H. Lawrence y Virginia Wolf.



A lo largo de la rica trayectoria de Soraya, se han usado miles de adjetivos para describir su música: Orgánica, original, incisiva, lírica. Soraya fue una luchadora en su carrera y en la vida. Música de bellas melodías contrarrestadas por una letra inteligente, propia de una escritora colombiana con alma internacional. Una música donde el atractivo comercial nunca doblega la sofisticación y elaboración artística. La de la joven cantautora que enamoró al público latino y no latino con sus temas bilingües y sonido moderno. La de la estrella en ascenso cuyo brillo fue súbitamente coartado por su encuentro con el cáncer. La de la mujer luchadora que, contra todas las expectativas, supera su enfermedad y vuelve triunfante al escenario. Con una entusiasta acogida, Soraya debutó en 1996 con su álbum En Esta Noche/On Nights Like This (Polygram Latino/Island Records). Su carrera despegó cuando una canción de este álbum ocupó el primer lugar en las listas del Billboard de la Canción Latina Pop, en 1996, y otra ocupó el sexto lugar. Al lanzar simultáneamente versiones en inglés y en español de una misma producción escrita y grabada por ella, produjo un instantáneo éxito transcultural con el tema "De Repente"/"Suddenly". El éxito fue inmediato en Latinoamérica y en el mercado hispano en los Estados Unidos, y luego de componer la banda sonora para una serie internacional de televisión, le siguieron ventas de cientos de miles de discos en Alemania y Australia. Una estrella había surgido y su potencial era ilimitado.

En 1998 ella continuó rápidamente con “Torre de Marfil”, coautora de la pista principal con su ídolo musical Carole King. Su inconfundible voz y el poder de las melodías le significaron invitaciones a una gira internacional con Sting, Alannis Morisette, Michael Bolton y Natalie Merchant. En el 2000, dos semanas antes de iniciar su propia gira nacional para promocionar su tercera producción “Cuerpo y Alma”, a sus 31 años de edad sufrió un duro revés: le diagnosticaron cáncer de mama en etapa 3, una enfermedad que le había costado la vida a su madre, a su tía y a su abuela.

Luego de dos años de intenso tratamiento contra el cáncer del seno, la salud de Soraya le permitió volver a la música. Dedicó un año a hablar públicamente y a escribir Soraya, el registro sonoro de ese momento exuberante en su vida. Ella inmediatamente acudió a los estudios para coordinar, ejecutar y producir este exquisito e inspirador CD. "Soraya" contiene 11 canciones en español y una en inglés; canciones tan íntimas y llenas de energía que se unen con naturalidad para conformar un álbum en el que Soraya comunica cómo se siente hoy: positiva, llena de poder, energía y dedicación, tanto en su música como en su mensaje de esperanza para las mujeres con cáncer.

El primer corte del álbum es el tema “Casi” cuya esencia es definida por la artista como el "canto del triunfo de la vida". Sea que busques tu camino de salida tras una pérdida amorosa, la tristeza o el cáncer, Soraya encuentra esa fibra común en la desgracia, el lugar en donde la tragedia es vencida y la dicha surge nuevamente, comprobando que sin el dolor no conoceríamos la alegría y la dulzura. Y "Casi", definitivamente estimula.

El disco combina géneros como el folk, música latina, R&B, pop y country, todo ello dentro de un estilo muy suyo. La Fundación Susan G. Komen para el Cáncer de Mama (The Susan G. Komen Breast Cancer Foundation) la eligió como su vocera latina, y Soraya ha hecho incansables giras por Estados Unidos, Puerto Rico, Costa Rica y México, así como por Centro y Sudamérica, generando una sustancial actividad a nivel de los medios en lo relacionado con la conciencia sobre esta enfermedad, tarea que combina con la promoción de su material discográfico.

Gracias a este disco Soraya resulto ganadora de un Grammy Latino en el 2004 en la categoría de mejor cantautora, llevándose la estatuilla por encima de 'monstruos' como Joan Sebastián, Juan Gabriel y Joan Manuel Serrat.Su última producción se llama 'El Otro Lado de Mí', y aunque su nombre dice mucho, no lo dice todo. Es un álbum de contrastes, desde el rojo de su carátula hasta los acordes iniciales y roqueros de su primera canción, 'Ser'. Escrito por Soraya, y producido por ella misma junto con Sebastián Krys (productor de Carlos Vives, Obie Bermúdez y Gloria Estefan, entre otros), 'El Otro Lado de Mí' es un viaje de estilos y culturas, una muestra de lirismo romántico, pop comercial y comentario social.

A pesar de su constante lucha, su temple y su fuerza por dar un mensaje de fortaleza y conciencia sobre la enfermedad que la aquejó durante años, finalmente el 10 de mayo de 2006 su voz se apagó. Soraya falleció a los 37 años de edad en Miami, luego de una recaída en su estado de salud, que la mantuvo en un estado crítico y por la cual escribió una emotiva carta en su página en internet dirigida a sus seguidores.
"Mi historia física puede llegar a su fin, pero estoy segura que la que existe en el corazón de ustedes seguirá presente por la eternidad"...

"Confío en que mi existencia dejará huella en la vida de ustedes beneficiando en un futuro a muchas mujeres y que la luz de mi vida iluminará la de muchas familias más", añadió la misiva de Soraya, quien ese año celebró una década en el mundo de la música.

En la carta publicada en su sitio oficial, finalizaba diciendo: "hoy no pierdo esta batalla porque sé que lo que he luchado no es en vano, si no que ayudará a vencer una batalla mayor, la de la detección temprana y prevención de este terrible mal"... "Ahora les toca a ustedes seguir con nuestra misión. Deseo de corazón contagiarles mi amor a la vida y que seas tú un canal que lleve a mucha gente este mensaje que puede salvarles la vida".

Andy Montañez - Pillo Buena Gente

(*San Juan, Puerto Rico, 7 de mayo de 1942), mejor conocido como Andy Montañez, es un famoso cantante de Música salsa de Puerto Rico. Montañez, es nativo del área Trastalleres del barrio de Santurce en San Juan, Puerto Rico. Es conocido también por el apodo "El Niño de Trastalleres".

Andy se inicia como bolerista del grupo de Luis Morales en plena adolescencia, luego de que hiciera las veces como segunda voz en el Trío Los Duendes; agrupación que formó junto a sus compañeros de escuela Pachequito y el Gran Pucho. En 1962, por recomendación de Sammy Ayala, integrante del Combo de Rafael Cortijo, el pianista Rafael Ithier, unió la voz de Andy a la de Pellín Rodríguez, convirtiéndolo en una de las figuras claves del naciente El Gran Combo de Puerto Rico.



Durante los 15 años que permaneció con la agrupación, grabó 37 discos de larga duración en los cuales se encuentran aciertos musicales como "El barbero loco", "Julia", "Guaguancó de El Gran Combo", "Un verano en Nueva York", "Vagabundo", "Milonga sentimental", "Las hojas blancas", "La soledad" y "A mi manera". En 1977, Andy abandonó a los llamados Mulatos del Sabor para enfrentar una de las pruebas más arriesgadas de su carrera al aceptar la irresistible oferta que le hiciera la popular orquesta salsera venezolana, Dimensión Latina, para sustituir a Oscar D'León.

Con la Dimensión Latina grabó ocho elepés, colocando a la agrupación en los primeros lugares de popularidad y ventas. El primer trabajo con la agrupación lo marcaron los éxitos "El eco del tambor", "Mujer impura", "Ritmos cubanos". Luego continuaron los aciertos como son "Las perlas de tu boca", "Como canto yo", "Nuestra tierra", "Vuelve", "Rumberos de ayer", "Son del bohío", "Ave María Lola", "Mi son oriental" y "Cantante errante", entre otros. Posteriormente Andy grabó con la agrupación Puerto Rico All Stars tres elepés, destacándose con temas como "Reunión en la cima" e "Isla bonita".

Para 1981 recibió la oferta del sello disquero LAD, subsidiaria de TH Rodven, con los que grabó su primer álbum como solista titulado "Salsa con caché". De éste se derivaron éxitos como "Una emisora en el cielo", "El juicio de los animales", "Las calabazas" y "Milonga para una niña". A renglón seguido el disco "Versátil" produjo éxitos como "Qui, qui, qui", "Villarán cuenca", "A pesar de todo" y "Bebiendo ron sin bañarse". Su tercer elepé como solista se tituló "Simplemente Andy Montañez" del cual se difunden los temas "Dulce veneno" y "Payaso". Esta tercera producción como solista marcó el debut de su hijo mayor Andy Jr. con el tema "Genio y figura" de Tite Curet Alonso. Este álbum permaneció 30 semanas en las listas tropicales de Billboard.

De su cuarta producción, "Me lo estás poniendo difícil", en la cual debuta su también hijo Harold, surgen los éxitos "Cobarde, cobarde", "Te voy a enseñar" y "Cuando yo te vi".

En 1988 graba su quinto álbum titulado "El eterno enamorado", con los renombrados éxitos "Aquella noche", "Te voy a saciar de mí", "Vivir sin ti" y "Casi te envidio". Con el sello Rodven sigue su producción discográfica y graba en 1990 "Todo nuevo" con los éxitos "Fantasma" y "Cena inconclusa". Para 1991 graba "El catedrático de la salsa" en alusión a su participación en la Universidad de la Salsa como le dicen a El Gran Combo de Puerto Rico.

Para el verano de 1992 integra a su orquesta a la joven Ednaliz Montañez para así establecer, junto a sus hermanos mayores, "La Dinastía Montañez" donde el talento musical se manifiesta como patrimonio familiar. Represento a su país natal, Puerto Rico en la Exposición Mundial de 1992 en Sevilla, España.

Con el álbum "El swing de siempre" (1992), donde se destacan "Chemen, chemen" y "El santo", el reconocido cantante termina su contrato con el sello TH Rodven. Recesó las producciones discográficas por tres años. Esto le permitió aceptar invitaciones de sus antiguos compañeros para presentarse junto a El Gran Combo en su debut en Japón en 1993, así como en la ciudad de Los Angeles y en Colombia en 1994. También fue invitado de honor junto a "La Dinastía Montañez" y "La Dimensión Latina" a los carnavales de Venezuela en 1995.

Para 1996, el Niño de Trastalleres acepta la invitación que le hiciera Ismael Miranda para grabar a dúo boleros. De esta forma grabaron los compactos "Al son del bolero", "Románticos de nuevo" (1997) y "Con alma de niño" (1998).

Andy participó en la película venezolana "Cien años de perdón" (1998) como intérprete de dos de los temas que acompañan la trama, en la que se destaca el actor puertorriqueño Daniel Lugo.

Con anterioridad, el popular salsero nacido en el barrio Trastalleres de Santurce, había debutado como actor e intérprete en el cine venezolano en la película "La boda", que produjo en 1980 el cineasta Thaelmman Urguelles. Cuatro años más tarde interpretó dos de los temas de la película "El atentado" del mismo cineasta venezolano.

Participó junto a otras estrellas de la salsa y peloteros de Grandes Ligas en el proyecto discográfico "Roberto Clemente: Un tributo musical". En él Andy interpretó los temas "Roberto y Tirabala" y "La fuerza latina". Del mismo modo, el cantante fue invitado especial del concierto "Puerto Rico sabe a plena" que produjo la Fundación Nacional para la Cultura Popular en el Coliseo Roberto Clemente en 1999, así como debutó en teatro en la comedia "Lo mejor está por venir".

Con la llegada del nuevo siglo Andy ha continuado afianzándose como una de figuras de respetable arraigo en su pueblo. Ejemplo innegable del buen arte puertorriqueño, en tiempos difíciles para la industria discográfica y, por consiguiente para el ritmo afroantillano, Andy ha estado activo en nuestros escenarios. Y, en muestra de su repercusión internacional, Ediciones Puerto editó el libro “Andy Montañez: el ser humano y el artista”. La publicación, que aparece bajo la Colección En Voz Propia de la casa editora, se concentra en una serie de entrevistas realizadas por el escritor cubano Alfonso Quiñones.

Dos de los hijos de Andy, Harold y Andy Jr. también han incursionado como cantantes de salsa. Y su hija actuó por primera vez en la Expo 92 de Sevilla junto a sus dos hermanos.

En años recientes se ha unido a otro cantante de salsa Ismael Miranda para producir algunos boleros y música bohemia. Para el 2005 comenzó a experimentar una mezcla entre los ritmos de salsa y reggaetón, llamándolo Salsatón. En este esfuerzo se unió a raperos como Daddy Yankee y Julio Voltio.

El 2 de noviembre de 2006, Montañez ganó su primer Grammy Latino por el mejór albúm tradicional junto con Pablo Milanés.

Karukaya Makoto - Life is one way

Todo empezó en 1979, cuándo Bob Marley, pisó por primera vez el País de Japón, esto ayudó a Karukaya Makoto impulsar sus sentimientos al Reggae. es una total fan de Marley..de hecho tiene dos discos de homenaje con canciones de Bob y también grabo Legend completo.



En el país nipón, existió un "Boom" de música, impresionante, de la nada empezaron a surgir artistas sumamente talentosos como: Nahki, Naoya Matsuoka, Minako Yoshida.

Dicho "Boom" tubo un significativo crecimiento en el Ska, Dub, Reggae y Dancehall.

Karukaya, ahora es uno de los exponentes más importantes del Oriente en el género del Reggae. Sin embargo, en System of Jah, encontramos una mezcla suave entre Dub amp; Reggae, sin duda uno de los mejores discos de Japón, referente a los géneros musicals ya mencionados.

Esta propuesta musical de la hermosa japonesa Karukaya Makoto, nos comparte un muy buen disco System of Jah, quiza al ser una mujer solista pensamos en el reggae lover pero no, es un buen disco de roots, salvo un dancehall que se colo ahi., ademas Karukaya tiene una hermosa voz, quiza parecida a Alika pero mas rustica, recomendado para todos, mas que nada una rareza este buen reggae japones hecho por una queen rastafari de la cual es difícil encontrar info en la web.

Kings Of Convenience - Boat Behind

Son un dúo de Indie pop - Folk Pop formado por Erlend Øye y Eirik Glambek Bøe y procedente de Bergen, Noruega. Su música se basa en las guitarras acústicas, añadiendo ocasionalmente arreglos de cuerda o pianos, y recibe una gran influencia de bandas actuales como Belle & Sebastian y de otras clásicas como Simon & Garfunkel . También pueden distinguirse algunas pinceladas de Bossa Nova en la sonoridad de sus guitarras.

Los dos integrantes del dúo, nacidos en 1975 y amigos desde los once años, formaron el grupo Skog junto con otros amigos a la edad de dieciséis años, banda con la que llegaron a grabar un EP.



Ya en formato de dúo como Kings of Convenience, en 1999 firmaron un contrato con la discográfica independiente estadounidense Kindercore. En 2001 se instalaron en Londres y grabaron su primer disco Quiet is the New Loud,
Poco después se editó el álbum Versus, donde artistas como Ladytron, Röyksopp, Four Tet o Alfie remezclaban las canciones del dúo. Meses más tarde Erlend Oye se instaló en Berlín, donde grabó una sesión para la serie DJ Kicks y un disco en solitario titulado Unrest, donde cambiaba los sonidos acústicos por el Synth pop.

En 2004 apareció su segundo disco de estudio, Riot On Empty Street precedido del single Misread, donde incidían en la línea acústica y melódica de su debut. El álbum contó con la colaboración de la cantautora Feist en varias de sus canciones. El vídeo de su segundo sencillo, I'd Rather Dance with You,1 fue elegido como mejor vídeo europeo del año por la cadena MTV.

En 2006, Erlend Oye grabó su primer disco con su proyecto paralelo The Whitest Boy Alive

Los dos integrantes del dúo, nacidos en 1975 y amigos desde los once años, formaron el grupo Skog junto con otros amigos a la edad de dieciséis años, banda con la que llegaron a grabar un EP.

Ya en formato de dúo como Kings of Convenience, en 1999 firmaron un contrato con la discográfica independiente estadounidense Kindercore. En 2001 se instalaron en Londres y grabaron su primer disco Quiet is the New Loud,Poco después se editó el álbum Versus, donde artistas como Ladytron, Röyksopp, Four Tet o Alfie remezclaban las canciones del dúo. Meses más tarde Erlend Oye se instaló en Berlín, donde grabó una sesión para la serie DJ Kicks y un disco en solitario titulado Unrest, donde cambiaba los sonidos acústicos por el Synth pop.

En 2004 apareció su segundo disco de estudio, Riot On Empty Street precedido del single Misread, donde incidían en la línea acústica y melódica de su debut. El álbum contó con la colaboración de la cantautora Feist en varias de sus canciones. El vídeo de su segundo sencillo, I'd Rather Dance with You,1 fue elegido como mejor vídeo europeo del año por la cadena MTV.

En 2006, Erlend Oye grabó su primer disco con su proyecto paralelo The Whitest Boy Alive

Discografía

Álbumes
• Riot on an Empty Street (CD) - Astralwerks - (2004)
• Versus (CD) - Astralwerks - (2001)
• Quiet Is the New Loud (CD) - Astralwerks - (2001)
• Declaration Of Dependence (CD)- no title - (2009)

Joaquin Sabina - Quien me a Robado el Mes de Abril

(Úbeda, Jaén, 1949) Cantautor español, considerado uno de representantes más destacados del folk-rock urbano español de los noventa. Joaquín Sabina figura entre los pocos cantautores que ha sabido evolucionar con los tiempos y ampliar su número de seguidores hasta límites insospechados.

Interesado desde la temprana adolescencia por la poesía y la música, se inició como compositor musicando los espectáculos de un grupo teatral de Granada. En 1976, tras una estancia en Inglaterra, fijó su residencia en Madrid y se convirtió en un habitual de La Mandrágora, local en el que compartió tablas con Javier Krahe y Alberto Pérez. Tras firmar contrato con la discográfica Movieplay, en 1978 sacó a la luz su primer álbum, Inventario, al que seguiría en 1980, con el sello Epic, Malas Compañías (con arreglos de Hilario Camacho y José Antonio Romero), álbum que contenía sus primeros éxitos: Pongamos que hablo de Madrid, Calle Melancolía o Círculos viciosos.



Un año después se publicó La Mandrágora, un disco que recoge una actuación en directo con sus compañeros de escenario Javier Krahe y Alberto Pérez y que tuvo una magnífica aceptación. Sus temas empezaron a aparecer en el repertorio de multitud de figuras consagradas como Ana Belén, Miguel Ríos, Javier Gurruchaga, Hilario Camacho, Juan Antonio Muriel (que interpretó Princesa en una edición del Festival de Benidorm) y Los Secretos.

Tras intervenir en la serie de programas Si yo fuera presidente de Fernando García Tola y componer sintonías de televisión (Con las manos en la masa y Esto es lo que hay), en 1984 edita Ruleta rusa y en 1985 (ya con el sello BMG-Ariola) Juez y parte, acompañado del grupo Viceversa. A partir de entonces se disparó su popularidad, sobre todo con la puesta en circulación del disco Joaquín Sabina y Viceversa en directo, en cuya emisión por televisión fue censurado el tema Cuervo Ingenuo, interpretado por Javier Krahe, por su alusión al presidente Felipe González.

Álbumes como Hotel, dulce hotel (1987), El hombre del traje gris (1988) y otros trabajos posteriores fueron dibujando un Joaquín Sabina cada vez más ecléctico, con temas como "Con un par" del álbum Mentiras piadosas (1990), y "Nos dieron las diez" de su siguiente trabajo Física y Química (1992). Esta última canción fue compuesta a medias con los integrantes de Los Secretos; el grupo la grabó también, modificando en parte la letra. Joaquín Sabina logró atraer la atención de un público más joven que el de su propia generación y consagrarse como digno heredero de un trono ocupado durante décadas por Joan Manuel Serrat. Así lo puso de manifiesto el éxito de sus siguientes trabajos: Esta boca es mía (1994), con su famoso tema "Ruido", compuesto por él y Pedro Guerra; Yo, mi, me, contigo (1996), que se colocó en el número uno de la lista de ventas de Afyve (80.000 copias vendidas en su primera semana en el mercado); Enemigos íntimos (1998), álbum realizado al alimón con Fito Páez, que contiene el tema "Llueve sobre mojado", compuesto e interpretado por ambos; y el memorable 19 días y 500 noches (1999).

En noviembre de 1999 recibió el premio Ondas al mejor artista español, que unió al que ya había merecido como mejor autor pop rock en la primera edición de los premios de la Música de España (1997), creados por la Sociedad General de Autores de España (SGAE) y la Asociación de Intérpretes o Ejecutantes (AIE). Tras una larga gira por España y Latinoamérica para ofrecer a sus seguidores de siempre 19 días y 500 noches, presentó Nos sobran los motivos (2000), un disco doble en directo donde recogió canciones de toda su carrera musical y un nuevo tema inédito, "Rosa de Lima".

En 2001 publicó Ciento volando, libro de sonetos inspirados y dedicados a cineastas, actores, escritores, toreros y cantantes. Después de algunos meses retirado de los escenarios tras sufrir una isquemia cerebral, regresó para grabar un nuevo disco, Dímelo en la calle (2002), y publicar un libro con todo su cancionero, Con buena letra (2002). Al año siguiente presentó el poemario Ciento volando de catorce, del que se vendieron 150.000 ejemplares. También en 2003 editó Diario de un peatón, un doble CD en formato disco-libro en el que se incluyeron algunas rarezas, temas inéditos y caras B.

En septiembre de 2005 presentó el disco Alivio de luto, un trabajo que tuvo varios títulos provisionales (como "Números rojos" o "Doce más una"), y que, en palabras del propio Sabina, es un disco "en torno a asuntos de introspección y meditación". El cantante había sobrellevado dos años de delicada salud que le hicieron pensar en abandonar las giras, pero, plenamente recuperado, continuó su labor con su energía acostumbrada, como se demostró en un recital en el Palacio de Congresos de Madrid, el 20 de diciembre de ese mismo año. En el verano de 2006 volvió a la carga con una gran gira llamada "Carretera y top manta". Ante la polémica suscitada por tal denominación, Sabina se enfrentó con su humor y socarronería habituales a las desmesuradas críticas vertidas por parte de algunos directivos de las discográficas y de las sociedades de derechos de autor.

En 2007 realiza una gira junto a Joan Manuel Serrat llamada Dos pájaros de un tiro, que comienza el 29 de junio y que los lleva por 30 ciudades españolas y 20 americanas. En ella, el catalán interpreta las mejores canciones del ubetense mientras éste hace lo propio con el repertorio del noi del Poble-sec. De los conciertos celebrados en Madrid se graba un disco en directo y un DVD con más material que es puesto a la venta en diciembre de 2007.

El 5 de marzo de 2009 se anuncia la concesión a Joaquín Sabina, junto a José Tomás, Raúl González Blanco y Paloma O'Shea, de la Medalla de Oro de la Ciudad de Madrid que otorga anualmente el Ayuntamiento como reconocimiento a personajes públicos que han contribuido con su trabajo a fomentar la buena imagen de la ciudad. El galardón lo recibe el 15 de mayo del mismo año.35 El 17 de noviembre de ese año publica su decimoquinto álbum de estudio, titulado Vinagre y rosas y cuyo sencillo, «Tiramisú de limón», es cantado junto al grupo Pereza, el cual se encarga además de ponerle música así como de los coros y la producción. Para presentar este nuevo álbum inició una gira en Salamanca, donde dio sus 2 primeros conciertos los días 20 y 21 del mismo mes.36 Esta gira, según ha afirmado, será la última que realice por grandes escenarios.37 El 16 de noviembre de 2010, la revista Rolling Stone le otorgó el premio como Artista del año.

En 2011, el cantante inició la gira El penúltimo tren en la cual tenía previsto cantar por primera vez en Estados Unidos.39 Sin embargo, en mayo de 2011, Sabina suspendió los conciertos en ciudades mexicanas y estadounidenses debido a una «diverticulitis aguda con riesgo de complicaciones» y los pospuso para el mes de octubre.40 Ya recuperado, regresó a los escenarios el 2 de julio en el festival Músicos en la naturaleza, celebrado en Hoyos del Espino (Ávila, España), en el que actuó junto a Andrés Calamaro.

Curiosidades de Joaquín Sabina

Tiene 2 hijas, Carmela (1989) y Rocío (1991). Por otro lado, su padre, comisario de policía, le detuvo a los 19 años por pertenecer al Partido Comunista.

En 1974, el ex beatle George Harrison le dio una propina de 5 libras cuando Sabina tocó para él en su cumpleaños, y el propio Bob Dylan le prohibió tocar la versión paródica que hizo del tema In the beginning, que él llamó Con su bikini.

El director de la discográfica CBS le ofreció su primer contrato con la referencia de una canción suya que sonaba entonces por TVE, “¡Qué demasiao!”: la cantaba Pulgarcito en el “Popgrama” de Carlos Tena.

La canción Pongamos que hablo de Madrid fue grabada por Antonio Flores antes que por Sabina, y alcanzó el número 1 en los 40 Principales.

En 1997 le recibió Fidel Castro, con quien conversó durante cinco horas.

Sergio Esquivel - San Juan de Letrán

Nació un 8 de Diciembre en Tikúl, en el estado de Yucatán en México.

Estudio en la Ciudad de México en la Escuela Superior de Educación Física y regresó a Yucatán para ejercer su profesión.

Mientras estudiaba en la Ciudad de México escribió su primera canción, Rocío, dedicada a su hermana, la hizo tal vez estar lejos de su familia o por calmar un poco la soledad que aqueja a todos los que alguna vez vivimos en el exilio.



En Abril de 1971, ya con algunas canciones publicadas, participa en el El Primer Festival de la Canción Popular Nacional e Internacional en donde le tocó enfrentarse a gente de la talla de Don Pedro Vargas quien participaba con una canción del mismísimo Armando Manzanero, Gualberto Castro y Carlos Lico. Sergio logró 3er. lugar con su canción ¿Donde está mi amor ?

Sergio Esquivel ha participado en eventos internacionales de música y siempre a dejado constancia de su calidad. Tiene un buen lugar en el gusto del público romántico y es reconocido en países como Chile, Venezuela, Colombia, Uruguay, Costa Rica, Guatemala y América Latina en general.

Ha participado en el Festival de Viña del Mar, en el Carifesta, en el OTI y fue el primer autor mexicano que ganó este certamen internacional con la canción en voz de la Señora Imelda Miller. Cabe aclarar que en la canción "Qué alegre va María" nunca aparece el nombre de Sergio, esto es porque le regaló la canción a la mujer que la inspiró, su esposa, Celia Bonfil.

El Señor Esquivel es como cualquier persona de este mundo, con la única particularidad de que le pone música a sus sentimientos, si tú -amigo visitante-, alguna vez has estado enamorado, entonces Sergio Esquivel ya escribió alguna canción que te queda como anillo al dedo.

Le ha cantado a los novios, los esposos, las viudas, los amigos, al amor que se fue, al que no ha llegado, a la vida, a los hijos, a los padres, a la muerte, a la vida, a la felicidad, a la tristeza, en fin, a todos los sentimientos que nos motivan a ser mejores cada día de nuestra existencia.

Sería interminable el pretender describir con palabras lo que él hace tan extraordinariamente con sus canciones y su música, te invito a que conozcas algo de la gran persona y del excelente cantautor que la vida nos dio la oportunidad de conocer.

Sergio Esquivel vive en Yucatán y se dedica actualmente a producir para nuevos valores.

Richard Bona - Te Dikalo

Es un cantante, compositor y multiinstrumentista camerunés de jazz y jazz fusión, especializado en el bajo eléctrico, instrumento del que es uno de los máximos exponentes actuales a nivel mundial.

Bona nació el 28 de octubre de 1967 en Minta, una pequeña localidad del Camerún oriental. Richard comenzó tocando el balafón con tan solo cuatro años, estimulado por su madre y su abuelo, quien le había construido el instrumento que el niño tocaba más de doce horas diarias.1 Con cinco años el pequeño Bona ya actuaba en la iglesia local, donde rápidamente se convirtió en una pequeña leyenda local, un niño prodigio cuyos espectáculos en bodas, bautizos y pequeñas fiestas todos querían contemplar. Con 11 años se trasladó con su padre a la localidad portuaria de Douala y allí se dio cuenta de que para atraer más público necesitaría aprender un nuevo instrumento, más moderno. Usando flautas y guitarras que él mismo se había fabricado con latas de aceite y alambres de bicicleta, finalmente encontró trabajo como guitarrista2 en una banda de Douala.



En 1980 el dueño de un club local pidió a Bona que formase una banda de jazz para su establecimiento, dándole acceso a su colección de vinilos. Cuando Bona escuchó impresionado el disco de debut de Jaco Pastorius, decidió cambiar de instrumento principal, adoptando desde entonces como instrumento principal el bajo eléctrico.
Tras la muerte de su padre en 1985, Bona decidió abandonar Camerún para instalarse en París en 1989 con tan sólo 22 años. Allí su fama como virtuoso no hacía más que crecer en cada una de sus apariciones en los clubs de jazz locales, junto a músicos como Didier Lockwood, Marc Ducret, Manu Dibango o Salif Keïta. Richard continuó profundizando su estudio de la obra de grandes músicos de jazz como Miles Davis, Chet Baker o Ben Webster.

Se inscribió en una escuela de música para perfeccionar sus habilidades como compositor y creó una banda propia llamada Point Cardinale. Finalmente, el teclista Joe Zawinul, en su constante búsqueda de nuevos talentos, advirtió la presencia del joven bajista en los clubes parisinos y lo fichó para su álbum de 1992 We the people, lo que supuso el estreno discográfico del bajista como acompañante de un nombre de relevancia internacional. En 1995, animado por el guitarrista Mike Stern, Bona abandonó París para establecerse en Nueva York, en cuya jam scene causaría un inmediato y notable impacto; de repente, Richard se encontró trabajando con los mayores nombres de la escena de jazz mundial, como Mike Stern, Randy Brecker, Michael Brecker, Bob James, Chick Corea, Bobby McFerrin o Branford Marsalis entre otros muchos.

En 1998, Bona grabó el primero de sus cuatro álbumes en solitario, Scenes From My Life, y un año más tarde se embarcaría como corista y percusionista en una gira mundial con Pat Metheny Group, junto a Steve Rodby, el bajista de la banda. En el 2004 Bona forma su propio sexteto fijo con el que ha recorrido los principales festivales de jazz del mundo. Aunque desde entonces el músico se ha focalizado en su proyectos en solitario, aún mantiene una apretada agenda de colaboraciones, además de actuar esporádicamente con Mike Stern, Steps Ahead o la Jaco Pastorius Big Band en distintos locales de Nueva York.

Es fácil comprobar mediante un rápido vistazo a su trayectoria que Bona ha trabajado con los más importantes músicos de la escena neoyorquina, y que lo ha hecho abarcando una amplísima variedad de registros estilísticos, que van desde el jazz hasta el funk o el pop.

Bona es un cantante muy capaz y un multinstrumentista con una increíble capacidad natural de aprender a tocar cualquier instrumento nuevo tan sólo mirando como es ejecutado.4 En lo que respecta a sus aportaciones en el bajo eléctrico, Bona es uno de los mayores virtuosos de la actualidad y una de las figuras que más atención atrae de parte de las revistas especializadas y de los aficionados al instrumento. Bona es músico y compositor antes que bajista, y su música es una obra integral donde cada instrumento tiene un papel diseñado para contribuir equitativa y musicalmente a la esencia del tema5 y un espacio cuyo centro está ocupado por la melodía, y no por ningún instrumento particular. Esta concepción, además de contribuir a acercar las propuestas de Bona a un público mucho más amplio, le ha proporcionado una credibilidad como compositor entre los críticos especializados que no es nada fácil encontrar en muchos de sus colegas bajistas.

El lenguaje de Bona en su doble vertiente de compositor y músico, refleja sus múltiples y variadas influencias (desde las complejas armonías características del jazz6 hasta los intrincados poliritmos característicos de las músicas tradicionales africanas, pasando por la importancia de la melodía que se deriva del interés del músico en el pop y el soul).

Aunque Richard Bona posee un amplio arsenal de bajos eléctricos, mantiene desde hace años un contrato de endorsement con la firma norteamericana Fodera que le lleva a usar preferentemente los instrumentos fabricados por esta marca en los conciertos y grabaciones del artista.

Chicago (Band) - Old Days Live

Es, junto con Blood, Sweat & Tears (BS&T), la banda más representativa de lo que se dio en llamar Jazz Rock. Se fundó en la ciudad de su mismo nombre, en 1967, aunque inicialmente se denominó "Chicago Transit Authority", nombre que debieron recortar por problemas jurídicos con el ayuntamiento de la ciudad.

La banda estuvo integrada, inicialmente, por Lee Loughnane (trompeta), James Pankow (trombón), Walter Parazaider (saxos, flauta), Robert Lamm (voz, piano, órgano), Terry Kath (guitarra, voz), Peter Cetera (bajo, voz) y Danny Seraphine (batería, percusión). Al contrario que BS&T, Chicago mantuvo esta formación bastante estable, a lo largo de su historia. El grupo se formó en el invierno de 1967, a partir del núcleo de la banda de Kath, Parazaider y Seraphine, que se llamaba The Missing Links, durante una jam session en la Universidad DePaul, cuando se les unieron en el escenario Pankow y Loughnane. El nuevo grupo se llamó The Big Thing, y se completó poco después con Cetera y Lam. Fue éste quien embarcó a la banda en una gira a Los Ángeles, donde, ya bajo el nombre de Chicago Transit Authority, cosecharon un inesperado éxito.




Ese mismo año, el productor James William Guercio, decidió tutelarlos y, por ello, renunció a producir el primer disco de BS&T, tal como le había pedido Al Kooper. Sí produjo, sin embargo, el segundo, aunque sólo después de que CBS le hubiese dado luz verde a la grabación del primer álbum de "sus chicos".

El primer álbum apareció bajo el nombre del propio grupo, Chicago Transit Authority (Columbia, 1969) y se trató de un disco doble. Algunos de los cortes incluidos en este primer álbum doble son esenciales en el sonido del rock americano de finales de esa década: el progresivo y, como se decía entonces, underground I'm a man; la electrizante Free form guitar; temas robustos y sólidos, como Introduction; verdaderas joyas pop como Does anybody really know what time it is? o Beginnings, con su set final de percusión.1 El álbum tuvo un impacto mediático enorme y logró índices de venta suficientes en todo el mundo, como para que el grupo realizara una primera gira por Europa, en otoño de 1969.

Un año más tarde, la banda publicó su segundo álbum doble, bajo el título de Chicago II (1970). Este nuevo disco contenía varios hits, como 25 or 6 to 4, y algunas de sus obras maestras: La suite Ballet for a girl in Buchanan, en siete partes, o el tema Poem for the people. El tercer disco, también doble, llamado, por supuesto, Chicago III (1971), abundó en la misma línea que el anterior, y tiene también un buen nivel creativo, aunque es inferior a los dos anteriores. Incluyó también tres suites, entre las que destaca la poderosa An hour in the shower, cantada por Kath. No hubo, en este caso, ningún superhit, aunque el disco logró muy buenas ventas.

Ese mismo año, la banda rizó el rizo con la publicación de un cuádruple álbum en directo, Chicago IV (1971), que no aportó realmente nada a su discografía. Su época de oro musicalmente hablando, pareció claramente concluida con el disco Chicago V (1972) que, aún cuando contenía algunos buenos temas (Dialogue, A hit by Varese...) y algún hit remarcable (Saturday in the park), carecía ya del nivel creativo de los tres primeros. Sin embargo, fue el primero de sus discos en alcanzar el nº1 en EEUU, y el comienzo de una racha que duró hasta el undécimo disco. Ese mismo año, se publicó otro álbum en directo, Live in Japan (1972).

Los siguientes años vieron cómo el grupo sacaba nuevos discos a un ritmo elevado (6 discos en 5 años). El grupo se había reforzado con un percusionista, Laudir de Oliveira, que ya había colaborado con ellos en algunas giras, y la producción seguía en manos de Guercio, pero su música fue perdiendo fuelle creativo, lo que no obstó para que mantuvieran un considerable éxito comercial, especialmente con su álbum Chicago X (1976), que contenía su más conocido hit: If you leave me now, una hermosa balada, cantada por Cetera, que fue un éxito a nivel mundial y motivó una nueva gira por Europa.

En 1978, Guercio abandona definitivamente la producción del grupo, y la banda entra en una profunda crisis. Terry Kath muere de un disparo cuando jugaba a la ruleta rusa, y su puesto lo cubre el guitarrista Donnie Dacus. Los siguientes discos, Hot streets (1978) y XIII (1979), producidos por Phil Ramone, son un relativo fracaso comercial y artístico, igual que el mediocre XIV (1980). Por primera vez desde la aparición del grupo, un nuevo disco de Chicago no entraba en el Top 50 de Billboard, ni siquiera en los últimos puestos.

Musicalmente, la banda cae en una repetición monótona de esquemas, abusando de los sonidos Soft Rock, y clonando sucesivas baladas cantadas por Cetera, en un intento de reeditar el éxito de 1976. Durante la gira 1982-83, Dacus es sustituido por Bill Champlin (que luego volvería en distintas giras), y el disco que se publica ese año, Chicago 16, vuelve a entrar en los primeros puestos de las listas de ventas.El primer sencillo de este álbum, "Hard to say i´m sorry", alcanza el número 1 en Billboard y en otros listados de popularidad en el mundo. Así, parece terminarse la crisis.

disco Chicago 17 (1984) es el último que graba Peter Cetera, que contiene dos de los más grandes éxitos soft rock cosechados en la historia de la banda: "Hard Habit to break" y "You're the inspiration". Peter Cetera decide abandonar la banda e iniciar una aventura discográfica de manera solitaria. Y el elegido, tras realizar numerosas audiciones, es Jason Scheff, quien se ajustaba a lo que la banda estaba buscando (un buen cantante, con un cierto toque "Cetera" y un bajista sólido, hijo del bajista que solía acompañar a Elvis Presley). Algunos cambios más se producen en la década de 1990, año en que Danny Seraphine abandona el grupo y es sustituido por Tris Imboden. Algunos años después (1995), Keith Howland se une al grupo como guitarrista definitivo, al convencer al resto de la banda. Según declaraciones de miembros de la banda, desde la muerte de Terry Kath no habían encontrado el sonido ni el toque de guitarra que buscaban, hasta la aparición de Keith Howland

En todo este período, Chicago sigue sacando discos con regularidad y realizando giras por EE.UU.. Los discos de estudio, desde luego, ya no tienen ningún interés musical, refugiados en su cómodo soft-rock, ni tampoco logran grandes ventas. No es el caso de los recopilatorios, que se siguen editando cada cierto tiempo y que logran mejores resultados comerciales.

El grupo sigue en activo en 2010 y con una amplia agenda de conciertos, tras sus dos últimos discos de estudio, Chicago XXX, publicado en 2006, y Chicago XXXII- Stone of Sisyphus, publicado en 2008. En 2009, Lou Pardini sustituye a Bill Champlin en los teclados.

Roberto Polaco Goyeneche- Balada para un loco

nacido en Urdinarrain (Entre Ríos) el 29 de enero de 1926 y fallecido en Buenos Aires el 27 de agosto de 1994— fue un exitoso cantor argentino de tango de ascendencia navarra,1 muy reconocido por su calidad interpretativa y por su particular modo de frasear con rubato las melodías del tango. Esta particularidad se basaba en no hacer coincidir el tempo de la letra que cantaba con el tempo del acompañamiento musical. La frase siempre quedaba por delante o por detrás del compás, cosa bastante infrecuente en el tango (Carlos Gardel, precursor del estio, como también Ángel Vargas también practicaban este modo de rubato). En cambio en el jazz, este rubato es más usual (por ejemplo en Louis Armstrong).



Por obra y gracia de un tren que bajaba del Norte argentino, Roberto Emilio Goyeneche nació el 29 de enero de 1926 en Urdinarrain. Su madre tuvo que interrumpir su viaje hacia Buenos Aires para ser internada en el hospital local —al no encontrarse médico de guardia en ese momento— fue ayudada en el parto por una enfermera rubia y muy joven. La ya desaparecida doña Santiaga Bondioni de Boero fue quien trajo al mundo al Polaco, y lo recordó siempre como un bebé pelirrojo y muy pecoso..., el mismo que con el transcurrir del tiempo cambiaría los primeros llantos por el tango.

De adolescente, Goyeneche, comenzó a frecuentar cafés y cabarés donde se presentaban los grandes cantantes de tango de la generación de los años cuarenta.

El Polaco trabajó como chofer de colectivos, taxista y mecánico y aunque nació en Urdinarrain, Entre Ríos, de muy joven se traslada al barrio de Saavedra (Buenos Aires), donde conoció al amor de su vida, el Club Atlético Platense, al que seguiría hasta el día de su muerte.

Su primer éxito fue a los dieciocho años en un concurso para voces nuevas, en 1944. Ese mismo año inició su carrera como cantor en la orquesta de Raúl Kaplún. Formado en la caudalosa corriente gardeliana, alcanzó un estilo personalísimo de dicitore.
En 1952 fue convocado por Horacio Salgán para reemplazar al cantor Horacio Deval y formar rubro con Ángel Díaz, quien fue el que lo bautizó «El Polaco», por ser flaco, tener el pelo largo y rubio, similar a los jóvenes de origen polaco de la época. Con Horacio Salgán registró cuatro grabaciones para el sello RCA Victor, Alma de loca, Yo soy el mismo, Un momento y Siga el corso. En 1954 siguió grabando con Salgán en el sello TK otras seis grabaciones, dos de ellas a dúo con Díaz.

En 1956, a los treinta años, se convirtió en el cantor de la orquesta de Aníbal Troilo, de quien fue admirador y entrañable amigo. Con él grabó 26 temas. Unos años después, ya solista, se volvieron a asociar en dos LP titulados Nuestro Buenos Aires (de obras compuestas especialmente por Armando Pontier y Federico Silva), en 1968 y ¿Te acordás Polaco?, en 1971.

El repertorio de Goyeneche fue muy extenso y variado, los tangos bien antiguos y los más modernos desfilaron en su trayectoria discográfica. Cantó los tangos Afiches, Maquillaje y Chau, no va más (de Homero Expósito). También una versión de Malena, de Lucio Demare (poesía de Homero Manzi) y Naranjo en flor.

Lo mismo sucedió con los de otros cantantes, como por ejemplo Floreal Ruiz (con Naranjo en flor), Edmundo Rivero (con La última curda), Raúl Berón (con Qué solo estoy), Francisco Fiorentino (con Gricel y Garúa), entre otros. También fue intérprete del repertorio de Carlos Gardel.

En Estados Unidos grabó un disco de tangos clásicos (Volver, Sur, la milonga Los ejes de mi carreta, de Atahualpa Yupanqui) con extrañísimos arreglos jazzísticos de Carlos Franzetti (pianista y compositor argentino de jazz radicado en EE. UU.).
En 1969 grabó Balada para un loco, de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer, en un acto de audacia artística, luego del escándalo que el estreno del tema significara y el debate sobre lo que debía ser aceptado como tango.

Se consagró como solista después de ser cantor de orquesta y el reconocimiento le llegaría a la madurez de su voz para no abandonarlo hasta su muerte. Fue mítica la colaboración que Goyeneche prestó al quinteto de Astor Piazzolla durante la breve temporada (mayo de 1982, en plena guerra de las Malvinas) en el Teatro Regina de Buenos Aires, y de la cual se conserva registro discográfico.

Entre 1985 y 1987 participó de los programas televisivos Operación Porcel y Las gatitas y ratones de Porcel, ambos encabezados por Jorge Porcel.

En octubre de 1987, filma la película Sur que dirige Pino Solanas y que cuenta entre los músicos que lo acompañan al guitarrista Raúl Luzzi y al bandoneonista Néstor Marconi.

En el momento de su muerte, ocurrida el 27 de agosto de 1994 en Buenos Aires, era considerado el mayor cantante de tangos en actividad. En su homenaje, una avenida del barrio de Saavedra, en la ciudad de Buenos Aires, lleva su nombre.3 4 Curiosamente, la fecha de su deceso coincidió con la de otra referente del tango de Buenos Aires, Beba Bidart

Mohamed Mounir - Madad Ya Rasulallah

es un cantante nubio-egipcio nacido en Asuán, Egipto el 10 de Octubre de 1954. Su música de estilo pop tiene sus raíces en varios géneros de música tradicional egipcia y música africana. Sus letras tienen a menudo mensajes sociales y políticos, con los que Mounir se convierte en un portavoz de la fraternidad religiosa y cultural de Oriente y Occidente. Mounir es considerado el ídolo de la juventud egipcia.



Su primera actuación en España fue en Zaragoza con motivo de la Expo 2008. Desde el principio tuvo algo diferente. Su música fluye en ritmos y melodías folclóricas procedentes de la cultura de Nubia, la región donde confluyen el Mediterráneo y el África subsahariana, en contraste con la mayoría de la música poop egipcia, que está dominada por los sonidos tradicionales de la música egipcia.

Álbumes

• Alemony Eneeki (Your Eyes Taught Me) (1977)
• Bentweled (We're Born) (1980)
• Shababeek (Windows) (1981)
• Etkalemy (Talk) (1983)
• Bareea (Innocent) (1986)
• West El Dayra (In the Middle of the Circle) (1987)
• El Malik Howwa El Malik (The King is The King) (1988)
• Shokolatta (Chocolate) (1989)
• Eskendreya (Alexandria) (1990)
• Meshwar (A Long Journey) (1991)
• El Tool We Lon Wel Horreya (Length, colour and freedom)(1992)
• Efta Albak (Open Up Your Heart) (1994)
• Momken (Maybe) (1995)
• Men Awel Lamsa (From The First Touch) (1996)
• El Maseer (Destiny) (1997)
• Habeebty (My Love) (1998)
• Maadarsh (I Can't) (1998)
• El Farha (Happiness) (1999)
• Fe Eshq El Banat (On Loving Girls) (2000)
• Alby Massaken Shabeyya (My Heart Is Public Houses) (2001)
• El Ard... El Salam (Earth... Peace) (2002)
• Ahmar Shafayef (Lipstick) (2003)
• Embareh Kan Omri Eshrin (Yesterday I Was 20) (2005)
• Ode To Liberty DUNIA (Dunia Movie Songs) (2006)
• Ta'm el beyoot (The Taste Of Home) (2008)

Mireille Mathieu - Himno al amor

cantante francesa.Conocida en su propio país como La Dama de Avignon grabó en distintos idiomas. Descubierta en 1965, es el arquetipo de la cantante popular de los años 60 y 70, periodo en el que conoció sus mayores éxitos, es considerada un símbolo de la canción francesa, ha vendido 150 millones de discos por todo el mundo ha grabado en 11 idiomas (francés, alemán, inglés, español, italiano, ruso, finlandés, japonés, chino, catalán y provenzal), celebró en noviembre del 2005 sus cuarenta años de carrera.

Nació en Avignon, Vaucluse, Francia, 22 de julio de 1946) es la mayor de una familia humilde de 14 hermanos, (Su padre de nombre Roger de oficio Cantero realizó la tumba de Albert Camus).Ella comenzó a cantar desde pequeña, apareciendo en publico a la edad de 4 años cantando en la iglesia de su comunidad. Ya de joven trabajó en una fabrica de donde ahorró dinero para ayudar a su familia y pagar sus lecciones de canto. Con obstinación se presenta tres años consecutivos en el concurso "On chante dans mon quartier"(En mi barrio se canta) organizado por la alcaldía de Avignon donde se eleva con la mítica canción "La Vie en Rose" que se convierte desde entonces en su fetiche, su canción insignia para todos los conciertos o giras, el asistente del alcalde de Avignon, Raoul Colombe decide apoyar su carrera, haciéndola participar en numerosas galas e inscribiéndola en el famoso segmento televisivo "Jeu de la Chance"(Juego de la suerte).



Descubierta por Johnny Stark agente de Johnny Hallyday, fue asesorada por el director de orquesta Paul Mauriat y el compositor André Pascal quien escribió para ella: "Mon credo", "Viens dans ma rue", "La première etoile". Después de su aparición en televisión en 1965 y su debut en el Olympia de París, fue inmediatamente señalada como la próxima Édith Piaf debido a su voz.

Sencillos como: "Mon Credo" y "C`est ton nom" la hicieron una estrella inmensa en Francia y toda Europa mientras que consolidaba como éxito en Norteamérica y México a su versión francesa de la canción The last Waltz (El último vals) de Engelbert Humperdinck "El último vals" generó mucha publicidad en Gran Bretaña, y hit tras hit pronto viajó a Canadá y a los Estados Unidos de América donde apareció en el "Show de Ed Sullivan" y el "Show de Dany Kaye. En las Vegas cantó al lado de Dean Martin y Frank Sinatra cosechando numerosos aplausos. Es apadrinada por el gran Maurice Chevalier a quien ella le consagra una canción-homenaje en 1980 Le canotier de Maurice Chevalier y el cineasta/documentarista François Reichenbach filma Le Conte de fée de Mireille Mathieu (El cuento de hadas de Mireille Mathieu) que se difundió en 1966 por la televisión francesa.Este film muestra en particular su encuentro con Maurice Chevalier y su primer viaje a los EE.UU.

Su imagen como cantante « oficial», « voz de la Francia» se construye a partir de esta época con la interpretación de la que permanece como una de sus canciones la más emblemáticas: Paris en Colère. Escrita por Maurice Vidalin con música compuesta por Maurice Jarre para el largometraje de Renè Clement: Paris brûle-t-il?, la canción es desde su salida, un inmenso éxito y permanece hasta hoy como la canción símbolo de la liberación de París, al punto de que en el 2004, el alcalde de Paris, Bertrand Delanoë, le pidió que la cantara frente al palacio de gobierno en presencia de Jacques Chirac para la celebración del sexagésimo aniversario de la liberación de Paris.

En 1967 fue la adaptación en francés del éxito de Engelbert Humperdinck The last waltz bajo el título La Dernière Valse que le abre las puertas de las listas de popularidad del Reino Unido y el honor de participar por primera vez en un concierto real frente a la reina Isabel II del Reino Unido lo que se repitiría dos veces más en el curso de su carrera. Participó, a finales de los años 60, en los shows de más renombre en el Reino Unido, Canadá y Estados Unidos, lo que le permitió confrontarse con los más grandes artistas de la época: Tom Jones, Dusty Springfield, Burt Bacharach, Dany Kaye, Des O’Connor, John Davidson..

Mientras que sus éxitos en francés de encadenan (J’ai gardé l’accent con letra de Gaston Bonheur en 1968; La première étoile escrita por André Pascal con música de Paul Muriat en 1969, que es retomada en sueco por Agnetha Fältskog antes de reunirse con el grupo ABBA), Mireille comienza pues una gran historia de amor con el público alemán, en 1969, con Hinter der Kulissen von Paris durante los años 70 sus éxitos en el idioma de Goethe compuestos y arreglados la mayor parte de ellos por Christian Bruhn van a sucederse uno tras otro y hacer de ella el símbolo de la amistad franco-alemana iniciada por Konrad Adenauer y el General Charles de Gaulle.

En la justa dimensión de las cosas algunos de sus éxitos en alemán serán igualmente éxitos en Francia y en numerosos países: « Acropolis Adieu» (1971), « Santa Maria de la Mer» (1978), « Mille Colombes» (1977) (Estos dos últimos con la participación de los célebres "Petits Chanteurs à la Croix de Bois" en los coros y La «Paloma Adieu» que en 1973 se convierte en éxito fenomenal en Europa, tanto la versión en alemán como en francés. Es en aquel año su paso por el Olympia durante cerca de un mes.

El final de los años 80 está marcado por una gira en China en 1986 siendo una de las primeras artistas occidentales en realizar una gira por el paísPlantilla:Ref requerida y otra en URSS en 1987. Igualmente canta el himno de francia (La Marseillesse) para el centenario de la Estatua de la Libertad en duo con Andy Williams en Nueva York ante los presidentes Ronald Reagan y François Mitterrand. En 1987 recibe el orden national del mérito[cita requerida], Jacques Chancel le consagra un gran espectáculo donde canta canciones clásicas. Su primera autobiografía « Oui, je crois» es escrita con Jacqueline Cartier.

En 1988 la puesta en venta del single « L’Enfant que je n’ai jamais eu»(incluido en un recopilatorio que será certificado como doble dico de oro[cita requerida]) marca la entrada en una nueva casa de discos; Carrère (depués de Barclay de 1966 a 1972, Philips de 1973 a 1982 y Ariola de 1983 a 1987) y el comienzo de una colaboración con Didier Barbelivien y Pascal Auriat.Mireille será nombrada Caballero de la Legión de Honor (1er orden)Plantilla:Ref requerida, el 9 de diciembre de 1999 por Jacques Chirac, presidente de la República Francesa.