sábado, 25 de diciembre de 2010

Bela Mavrak- Besame mucho

FALIZ AÑO 2011, SON LOS MEJORES DESEOS DEL BLOG DEL ANDROIDE!


Bela Mavrak nació en Austria. En 1989 estudió en la academia de música de Belgrado y siguió su preparación en la Universidad de Música de Colonia donde recibió el diploma en artes en 1994. En 1991 fue contratado por un canal de TV para una gira por Estados Unidos donde fue una grata revelación como tenor y fue ovacionado de pie en sus presentaciones. Entre otros premios ha obtenido la medalla de oro a primer lugar en la competencia internacional de canto de Santa Margherita en Italia.




Hizo su debut en 1994 en la obra Réquiem de Verdi en el Beethoven Hall acompañado de la filarmónica de Hungría. En 1998 el teatro nacional alemán de Weimar, lo contrató por dos años como solista del evento cultural Weimar, ciudad cultural europea en 1999

El tenor europeo Bela Mavrak, solista principal de la orquesta de André Rieu, cumplió uno de sus más grandes sueños: grabar en español al lado de famosos músicos cubanos de Las Estrellas de Buenavista, lo que resulta todo un acontecimiento internacional.

Este CD que además contiene un DVD titulado Bela Mavrak and the Stars of Buenavista, ya se encuentra disponible en el mercado mexicano, con interpretaciones del cantante como Bésame Mucho, original de Consuelo Velázquez y que es la canción mexicana más grabada en todo el orbe; Veinte Años, Amada mía, Dos Gardenias, Lili Marlene, Golden Earrings, She, Smile (de la cinta Tiempos Modernos, del inmortal Charles Chaplin) y Damisela Encantadora, entre otras.

sábado, 18 de diciembre de 2010

Vicente Feliu- Creeme


Vicente Feliu Miranda (La Habana, (Cuba) 1947). Músico, cantante, guitarrista y cantautor.

Aprende a tocar la guitarra de mano de su padre , y simultáneamente comienza a componer en 1964, de manera intuitiva y necesaria, cuando cursaba la segunda enseñanza. Por aquellos años otros jóvenes en diferentes puntos de la geografía cubana descubrían a la vez las experiencias sociales y la canción, y años más tarde, en 1972, conformarían lo que se dio a conocer como el Movimiento de la Nueva Trova. Una de sus voces más representativas junto a Pablo Milanés, Silvio Rodríguez, Noel Nicola, Lázaro García y Augusto Blanca, entre otros, Vicente trabajó durante quince años en la organización ocupando diferentes responsabilidades incluyendo la presidencia.







Ha actuado en más de 20 países de las Américas, Europa y Africa, y compartido escenarios con numerosos cantores, entre los cuales se cuentan Silvio Rodríguez y Pablo Milanés (Cuba), Luis Eduardo Aute y Caco Senante (España), Isabel Parra e Inti Illimani (Chile), León Gieco y Mercedes Sosa (Argentina), Jackson Browne, Pete Seeger, Holly Near y Little Stevens (Estados Unidos), Daniel Viglietti y Alfredo Zitarrosa (Uruguay), y Luis Enrique y Carlos Mejía Godoy (Nicaragua).

Ha compuesto música para obras de teatro, televisión y espectáculos y ha colaborado en programas culturales como asistente de dirección y director musical. Fue asesor de música de la radio y la televisión cubanas y guionista, locutor y director de radio.

Actualmente dirige el centro cultural Canto de Todos, que promueve encuentros e intercambios, desde la canción, en los países de Iberoamérica.

sábado, 11 de diciembre de 2010

Yuja Wang- Mendelssohn piano Concerto No. 1



Nació 10 de febrero 1987 en Beijing , China ) es una pianista clásica. Comenzó a estudiar piano a los seis años no, y pasó a estudiar en la Conservatorio Central de Música de Beijing.

Wang proviene de una familia de músicos. Entró en Beijing el Conservatorio Central de Música a los siete años y estudió durante tres años. Wang se mudó a Canadá a los 14 años para aprender Inglés y estudio en el Mount Royal College en el Conservatorio de Calgary . Actualmente vive en Nueva York, pero viaja la mayor parte del tiempo dando conciertos en todo el mundo.





En 2001, Wang ganó el tercer premio y premio especial del jurado (que se concede a un superior, finalista en especial de menos de 20 años de edad, el premio en metálico de 500.000 yenes japoneses) en la sección de piano en el Primer Concurso Internacional de Música de Sendai , en Sendai , Japón.

En 2003, Wang hizo su debut en Europa con la Orquesta Tonhalle de Zurich, Suiza tocando Beethoven 's Concierto para piano N º 4, bajo la batuta de David Zinman .

Ella hizo su debut en América del Norte en Ottawa en la temporada 2005-06 sustituyendo Radu Lupu realizar el concierto de Beethoven con Pinchas Zukerman conductor.El 11 de septiembre de 2005, Wang fue nombrado el bienio 2006 Gilmore Young Artist ganador del premio, otorgado a la edad de los pianistas más prometedores de 21 y más joven. Como parte del premio, que recibió $ 15,000, se presentó en conciertos Festival Gilmore, y tenía una obra para piano nuevo encargado para ella

A partir de los quince años, estudió durante cinco años con Gary Graffman , que también era Lang Lang, profesor en el Instituto de Música Curtis en Filadelfia, Pennsylvania y se graduó en mayo de 2008. Ella está aumentando el número de conciertos que se está reproduciendo, y ha "desarrollado una reputación novela" de la sustitución de los pianistas enfermos, sin embargo, va a "entregar un rendimiento de octavos de final."

En 2006-2007, se realiza con la Filarmónica de Nueva York , la Sinfónica de Houston , la Orquesta Sinfónica de Chicago y San Francisco Symphony , la Orquesta Sinfónica de la NHK de Japón, la Filarmónica de San Petersburgo en los Países Bajos, la Orquesta Filarmónica de China en Pekín y el de Guangzhou Sinfónica y el Santa Fe Festival de Música de Cámara.

En marzo de 2007, Wang reemplazó a la legendaria pianista Martha Argerich en conciertos en Boston. [6] Argerich había cancelado sus presentaciones con la Orquesta Sinfónica de Boston en cuatro conciertos de abono de 8 marzo-13 marzo. [6] Wang realizó Tchaikovsky 's Piano Concierto N º 1, con Charles Dutoit realizar, recibiendo críticas muy favorables.

El 14 de marzo de 2007, Wang fue presentado en la National Public Radio de All Things Considered

Wang jugó dos veces en Albuquerque en el verano de 2007, y en tres conciertos de Kansas City con su Sinfonía en noviembre de 2007.

El 21 de enero de 2008, Wang jugó en la Colina Auditorio en Ann Arbor, MI y, en ovaciones de pie, volvió a los escenarios en varias ocasiones para una repetición triple que incluye Gluck 's Mélodie de Orfeo (de la transcripción Wang, después de Giovanni Sgambati ), Marcha Turca por Mozart ( Volodos 's y la transcripción), Rimsky-Korsakov 's El vuelo del abejorro ( Cziffra 's disposición virtuosa).

El 2 de abril de 2008, Wang jugaba con la Academy of St. Martin in the Fields en el Boston Symphony Hall , en un concierto que estaba previsto se llevará a cabo desde el teclado por Murray Perahia . en el 2008 participio en el Festival de Verbier con gran éxito.

En enero, Wang firmó un contrato exclusivo de grabación de cinco discos con Deutsche Grammophon . En marzo, hizo su debut con la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Sinfónica Nacional, Orquesta Sinfónica de Dallas y Pittsburgh Symphony Orchestra.

El 15 de abril 2009, Wang realizó en la Orquesta Sinfónica de YouTube evento celebrado en Nueva York en el Carnegie Hall . En mayo, se realizó Sergei Prokofiev Piano número Concierto para dos con el Francisco Sinfónica de San .

En agosto, jugó su tercera Concierto para piano en virtud de Claudio Abbado en el Concierto de Apertura del Festival de Lucerna , con transmisión en vivo y transmisión en el primer suizo nacionales programm SF 1 . En junio y julio, apareció, al igual que el año anterior, en el Festival de Verbier , y en noviembre, tuvo su primer concierto en solitario en Zúrich en el prestiguous Tonhalle de Zurich (su segunda visita después de su famosa debut europeo aquí en 2003, véase más arriba), con un programa con Liszt, Schumann y Chopin

Aunque hay informes de que Wang lanzó un CD debut en 1995, hay poca información disponible al respecto. Ella ha publicado dos CDs, Sonatas y Estudios y transformaciones, en la Deutsche Grammophon etiqueta. Su siguiente CD se informa de Rachmaninoff conciertos, con Claudio Abbado conductor.

Además, EuroArts ha lanzado un DVD en el que se realiza Sergei Prokofiev 's Concierto para piano N º 3 en Do Mayor , con la realización de Abbado.Sonatas y Estudios es el primer CD de Wang en el comunicado general. Fue grabado en noviembre de 2008 y puesto en libertad 20 de abril 2009. Fue nominado para el 2010 del Premio Grammy en la categoría de Mejor Solista Instrumental de rendimiento (sin orquesta).Esto incluye las siguientes pistas.Transformación es el segundo CD de Wang en el comunicado general. Fue lanzado el 13 de abril 2010.

sábado, 4 de diciembre de 2010

Arielle dombasle - Rhum and Coca Cola


Cuyo verdadero nombre Arielle Sonnery de Fromental nació el 27 de abril de 1953 a Norwitch, Connecticut (EE.UU.). Pasó su infancia y adolescencia en Mexico, donde su abuelo fue embajador en Francia. Formado en danza clásica, que se eleva también un pequeño teatro a la edad de doce años. En 1976 abandonó Mexico a París para estudiar teatro y canto. Es el Conservatorio Nacional de Música.



En 1978, Arielle se inició en el cine en "Perceval le Gallois" Eric Rohmer se convirtió en su musa hasta 1983, tanto en cine y teatro.

En 1981 Arielle sucediendo en el otro lado de la cámara mediante la realización de "Chassé Cruz" a seguir en 1987 con "Blue Pirámides". En junio de 1993 se casó con Bernard-Henri Lévy.

A pesar de sus muchas ocupaciones en el teatro y el cine sigue a dedicar a cantar, su primera y verdadera pasión y en 2003 lanzó su primer álbum, "éxtasis", que vende 200 000 ejemplares, donde canta en Gounod y Faure versión electrónica. Alentó y motivados por la positiva acogida del público, Arielle volver a finales de 2004 con una segunda obra con el prometedor título: "Amor Amor".

En 2006, Arielle Dombasle está de vuelta en los cines a ser el cartel de "Nueva Oportunidad". El mismo año publicó su obra troième, "C'est Si Bon", el álbum incluye títulos de América Judy Garland a Marilyn Monroe a través de Billie Holiday. En 2008 fue el cartel de "La Posibilidad de una Isla" y "Françoise Sagan". En 2009 regresó a la música con el álbum "Chicas lindas asesinato" llevada por el único "extra-terrestre". De pleno derecho artista Arielle Dombasle no deja de sorprender al público y con éxito todo lo que toca y muy bien así.

sábado, 27 de noviembre de 2010

Zap Mama- Brrrlak


El grupo Zap Mama está formado básicamente por mujeres con técnica vocal excelente y que experimentan con sonidos guturales que van desde la música pigmea y otros cantos tribales africanos, al pop árabe, reggae, soul y gospel; para ello, incorporan nuevas tecnologías y estilos más electrónicos como el hip-hop, el drum'n'bass y la electrónica.






Marie Daulne, natural de Zaire pero residente en Bélgica, formó Zap Mama en 1990 y, desde entonces, ha lanzado al mercado cinco discos, los últimos cuatro publicados por el sello Luaka Bop.

También conocemos la evolución de Zap Mama durante los últimos 13 años. A principios de los 90, las voces femeninas a capella sedujeron a todo el mundo con sus canciones Pygmy y melodias salsa. Pero mientras, Marie Daulne transformó su música en una cadena de sonidos que combinan hiphop, R&B, dub, Afropop y soul. “Listen Again to Zap Mama” (1991), “Sabsylma” (1993), “7” (1997) y “A Ma Zone” (1999) y mira: Marie Daulne quiere explorar nuevos horizontes.

Marie comenzó a sentir que había llegado una muerte final en Bélgica. Así que decidió irse a Nueva York. Trabajó, las cosas comenzaron a moverse en USA después del entusiasta lanzamiento para “A Ma Zone”. “Necesitaba encontrar nuevos horizontes”, dijo Marie. “Me sentía como Tintín: Después de Tintín en África y Tintín en Europa, era hora de pensar en Tintín en América. Nueva York era bastante duro para vivir, pero el trabajo bien hecho, era muy estimulante. Mi creatividad se alimentaba por día trabajado y floreció como nunca antes”.

Tras un año en la Gran Manzana, Marie temporalmente se fue a Filadelfia, donde pudo trabajar en el estudio de Roots. Su manager, Richard Nicols, estuvo de acuerdo en producir su nuevo álbum “Ancestry in Progress”, con inviados desdea.o. Erykah Badu, Guestlove, Common, Talib Kweli, Bilal y Bahamadia. “El álbum estaba listo a finales de 2002 y estábamos deseando lanzarlo a principios de 2003, pero la crisis en la industria de la música originó algún retraso. Luaka Bop se encontró con algunas dificultades pero yo quería realmente comenzar con ellos. “Prefiero un gran pez con un pequeño sello que un pequeño pez con un gran sello”.

No hubo frustración en absoluto sobre este retraso en la música para “Ancestry in Progress”. Las 15 canciones sonaban esperanzadores y positivas. “veo el mundo como un YingYang”, dice. “Hay mucho bueno y mucho malo, en un camino u otro, ambos se mantienen en una perfecta balanza”. Es mi tarea reflejar un mensaje positivo en mi música, porque eso es lo que el mundo necesita. Mis nuevas canciones son sobre cosas pequeñas, cosas de cada día”.

¿Cuál es la historia que está detrás del título “Ancestry in Progress”? “Zap Mama trae una mezcla de estilos diferentes. Música tradicional africana, clavada en sonidos modernos. En esa combinación de pasado, presente y futuro que me fescina – una jornada humanitaria que recalca el significado de la palabra “Amor”.

Hoy, Marie Daulne ha vuelto a vivir en Bruselas de nuevo después de 3 años en USA. Sin embargo, ella siempre mantendrá un punto de apoyo en Nueva York a causa de las grandes amistades que hizo allí con sus amigos/músicos. “Actualmente, siento que necesito ir a Inglaterra, porque muchas cosas interesantes están sucediendo allí. En mi grupo, hay muchos músicos jóvenes que me enseñan cosas complentamente nuevas. Me desafían y ese es el camino que me gusta. Por otro lado, también me gustaría mostrar mis propias experiencias de los últimos años con artistas de aquí. En los Estados Unidos, los artistas interactuan muy bien y nuevas ideas son rápidamente intercambiadas y eso es algo que quiero conseguir también en Europa – traer artistas y juntos sacar lo mejor de ellos.

En su último álbum, "A ma zo ne", esta 'ciudadana del mundo', como le gusta denominarse, contó con colaboradores como Manu Dibango, Speech de Arrested Development o el grupo The Roots, reputado grupo de hip hop estadounidense que la ha acercado a registros más propios del pop étnico urbano.

Tras un retiro obligado por su maternidad, en el cual Marie editó un EP de remezclas bailables a cargo de Roger Sanchez, Chris Cuben y Dj Wally, está ya preparando junto a The Roots y la cantante Erica Badu lo que será su nuevo trabajo discográfico.

sábado, 20 de noviembre de 2010

Los Machucambos - Pepito


Fue un trío formado a finales de los 50 y afincado en París. Formado por un Español, Rafael Gayoso, una Costaricaine, Julia Cortés (nieta del antiguo presidente León Cortés Castro) y uno Peruano, Milton Zapata reemplazado al finalizar el año 1960 por un Italiano, Romano Zanotti.


Los Machucambos grabaron aproximadamente 700 canciones a lo largo de su carrera artística que duro como 40 años, durante su carrera como interpretes estas canciones que ellos grabaron pues muchas casi en su totalidad del repertorio folklórico latinoamericano cuando todavía no había ese resurgimiento que después se da en Francia y este trió le canto a los mejores compositores de América latina de las canciones más conocidas en su repertorio; Pepito, que se volvió famosa alrededor del mundo en 1959 otra canción importante Esperanza , Cuando calienta el sol , LA BAMBA, basada en un famoso baile mexicano que Ritchie Valens grabará y popularizará en versión rock and roll, que casi siempre fue su tarjeta de presentación, Otra canción importante Granada

en 1958 hicieron giras por Europa y África de hecho fueron más conocidos en estos dos continentes que en la misma América. Su música, alegre y bailable, estaba enfocada en Sudamérica, aunque también grabaron otros tipos de canciones de autores franceses y españoles.




Sus grabaciones en Francia, tuvieron repercusión en España, donde actuaron muchas veces en la legendaria TVE de Prado del Rey y Miramar en Barcelona y como producto de sus presentaciones obtuvieron cuatro discos de oro y dos de platino cuando realmente los discos por sus ventas valían, grandes ventas y su única presentación en América la realizo este grupo la fundadora esta Julita Cortes de costa rica la realizo en 1963 en el cines palace allá en su natal costa rica.

El nombre extraño Los Machucambos es tomado al nombre dado por los Indios de América del Sur al armadillo, animal cuyo utilizan el caparazón para fabricar el charango, tipo de pequeña mandolina, instrumento usado por el grupo.

Julita Cortes quien forma este trió de los machucambos fue de las primeras ticas en abrirse paso en la escena internacional, ella desde los 12 años mostro un gran interés por la música, Julita dio sus primeros pasos como artista a los 20 años cuando se mudo a Madrid, España a trabajar como secretaria de la embajada de Costa Rica luego se fue a Roma, Italia y luego aparece en Francia específicamente en Paris donde se vinculo a los machucambos a estos integrantes y por cierto de uno de sus integrantes encontró el amor Rafael Gayoso y con el músico y abogado estuvo casado hasta el 2005 cuando firmaron el divorcio.

Se formaron en 1958 y para 1960 eran conocidos en gran parte de Europa .Ellos cantaban en restaurantes de París antes de que fueran conocidos , hasta que una vez los escuchó el cantante Charles Aznavour que los contacto con la disquera decca London y grababan su primer disco de acetato de esos long play de 33 revoluciones por minuto unos extraordinarios discos con una calidad suprema.

Cuando esta música latinoamericana allá en Europa poco se escuchaba, poca gente la conocía pues los machucambos con el cual debuto en esos escenarios europeos hizo una exitosa carrera que duro poquito menos de 40 años.

Con los Machucambos hicieron grandes éxitos como el otorrinolaringólogo, duerme negrita y la última vez que los costarricenses vieron cantar a Julita Cortes y los machucambos fue en junio del 2005 cuando la agrupación dio un concierto en el teatro popular Melico Salazar, ella muere el 21 de noviembre del 2008 de cáncer de garganta muere olvidada casi inadvertida y discreta sus cenizas que fue su voluntad fueron lanzadas a la montaña de Escazú, donde pasó sus últimos años.

“Mi vida no es muy interesante, es la realidad, pero me dejó una gran cosa: nuestra carrera musical ha sido fundamental. Comenzamos en el 58 y en el 60 ya éramos famosos”, contó la artista en una ocasión al suplemento Áncora .

A criterio del crítico de música Alberto Zúñiga, la pérdida de la cantante dejo un gran vacío en la escena musical no de Costa Rica sino del mundo entero.
“Ella cumplió una etapa, lo que ellos hacían nadie lo ha vuelto a hacer. Con ella muere una manera de cantar y un tipo de espectáculo”, aseguró el especialista.

Sin duda uno de los mejores grupos latinoamericanos fieles en sus interpretaciones a las composiciones de origen y que dieron a conocer como pocos la música latinoamericana y que no se les ha hecho justicia en reconocimiento a la gran labor que ellos llevaron a cabo, en verdad enormes interpretes.

sábado, 13 de noviembre de 2010

Los Tres Caballeros- El Reloj


Aunque el trío se forma en 1952, el éxito se tardó 4 años en llegar. Pero en 1956 sus canciones La barca y El reloj dominaban la escena musical en todo el territorio mexicano.

Leonel Gálvez, de Acapulco, primera voz de una altura insospechada; Chamín Correa, segunda voz y creativo musical del trío, dueño de un requinto imposible de imitar, sobre todo en la expresión, y Roberto Cantoral, de Tampico, tercera voz, uno de los más grandes compositores de México. Ellos fueron los integrantes originales de este trío que cosechaba un gran éxito en cada canción que grababan. De hecho, las 12 canciones del primer disco fueron éxitos cada una en lo individual. Recordemos: La barca, El reloj, Tu condena, No sé qué pasa conmigo, Dónde estás, Chamaca, El teléfono, Te me olvidas, Demasiado tarde, El gran bohemio, El libro, Volveré a buscarte.






Posteriormente Leonel sale del trío, y Raúl Shaw Moreno, que fuera primera voz de Los Panchos después de la primera época de Avilés y antes de Julito Rodríguez, se incorpora como primera voz de Los Tres Caballeros. Grabaron un disco con 10 hermosas canciones, entre otras: Cuando tú me quieras, Lágrimas de amor, Si supieras tú, Dónde fue tu amor, Tres palabras, Rival...

Posteriormente se reincorpora Leonel al trío, pero en 1964 se desintegra definitivamente. Chamín se convierte en arreglista de grandes cantantes: Luis Miguel, Julio Iglesias, Rocío Dúrcal, Gloria Stefan, Tania Libertad...

Leonel vive alternativamente en Acapulco y Laredo, Texas; Cantoral también, en México D.F. y Brownsville, Texas, y Chamín Correa en la ciudad de México.Cantoral es Presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de Música de México.

sábado, 6 de noviembre de 2010

Sinn Sisamouth- Tnorm jet


Sinn nació en 1935 en Stung Treng, ciudad situada en las orillas del río Mekong. fue un famoso y muy prolífico cantautor de Camboya en la década de 1950 hasta la década de 1970. Ampliamente considerado como el "Rey de la música jemer", Samouth, junto con Ros Serey Sothear, Pan Ron y otros artistas, fue parte de una floreciente escena musical pop en Phnom Penh, que mezclaba elementos de música tradicional en jemer con sonidos rhythm and blues y rock and roll para crear un sonido occidentalizado similar a la psicodelia o el gararge rock.





Él era el más joven de cuatro hermanos, con un hermano y dos hermanas. Su padre era guarda de la prisión en la provincia de Battambang y era entonces soldado durante el período colonial de Camboya . Su padre murió de la enfermedad y de su madre se volvió a casar y la unión dio lugar a dos más niños.

Ya desde pequeño se intereso por la música haciendo sus pinitos con la guitarra, al acabar se trasladó a la capital, Phnom Penh, para estudiar medicina. Esto no fue óbice para seguir componiendo hasta llegar a compatibilizar sus estudios con algunos bolos.

Ya siendo Camboya país independiente su fama se dispara hasta llegar a ser protegido de la reina. Así podemos encontrar desde baladas tan preciosas como "Waiting for the moon" (2.7) o "Moonlight my love" (4.19), temas propios influenciados por el sonido garage sesentero como "Nothing To Worry" (1.11) y versiones impagables, ese "Quando, my love" (1.1) versión del "dime cuando", "I'm still waiting" del "The house of rising sun" popularizado por The Animals, "I love petite woman" del "Black magic woman" de Santana o "Always Hope" (2.1.) que es el "Hey Jude" de The Beatles...

A mediados de los sesenta ya es un ícono popular, compatibiliza la grabación de nuevos temas y la composición para otros con apariciones en diversas películas donde tiene como compañeros a otros personajes de la escena khmer que estaba en su época dorada. Llega hasta un punto su fama que no tiene tiempo para componer, y es cuando echa mano de compositores locales y versiones foraneas, ya fuesen del mundo occidental como de la cercana Tailandia.

Sinn Sisamouth tenía una reputación para ser muy serio sobre su trabajo. En asuntos de negocio, según el editor Kruoch Polin, él entregaría siempre lo que él prometió. En el país, él era un hombre reservado, y no hablaría a veces más de diez palabras en un día entero. Cuando él no se realizaba, Samouth se trabaría en su sitio y dedicaría su tiempo a escribir más canciones. Su falta de socializar contribuyó a una reputación para ser elitista.

Pero en 1970 con el golpe de estado de Lon Nol cambia su suerte. Es obligado a cantar canciones favorables al nuevo régimen que apoyaba a los estadounidenses en la guerra de Vietnam (hasta entonces oficialmente el país era neutral) y en contra de la familia real en el exilio. Con la guerra de Vietnam todavía en marcha el ejercito jemer lanzo una ofensiva que acabó con la conquista de todo el país a pesar de los últimos intentos estadounidenses.

En contra de lo que se creía, Pol Pot, el jefe de los jemeres rojos, se hace con el poder y se dedica a "purificar" a la sociedad, en esos momentos el país tenía seis millones de habitantes, dos millones fueron asesinados y otros dos se fueron al exilio. Sinn debido a sus conexiones con el antiguo régimen es ejecutado.

Más de 1200 canciones grabo. Algunas fueron escritas y cantadas por él mismo, otras interpretadas conjuntamente a Ros Sereysothea o Pan Ron.

sábado, 30 de octubre de 2010

María Dolores Pradera - Amarraditos


(Madrid, 29 de agosto de 1923 87), conocida artísticamente como María Dolores Pradera, es una cantante melódica y actriz española.Es una de las intérpretes de su país que ha alcanzado mayor fama internacional por su excepcional voz y su difusión de la canción en español, difundiendo en España la canción popular latinoamericana y la obra de sus más grandes autores.

Nació en Madrid, el 29 AGOSTO DE 1926 y durante su infancia vivió en España y en Chile, donde su padre tenía negocios. En la década de 1940 comenzó a trabajar como actriz de cine y teatro, al tiempo que evidenciaba sus dotes para el canto. Intervino en filmes como Yo no me caso (1944, de Juan de Orduña) o Los habitantes de la casa deshabitada (1946, de Gonzalo Delgrás), en la que también intervino el actor Fernando Fernán Gómez, con quien estuvo casada desde 1947 hasta 1959, y con quien tuvo dos hijos: Fernando y Helena Fernán Gómez.






Posteriormente actuó en diversos teatros de España, Francia y México, representando obras de Enrique Jardiel Poncela, José Zorrilla, Federico García Lorca o Edmond Rostand.

Como cantante, estuvo acompañada durante muchos años por los guitarristas Santiago y Julián López Hernández, conocidos como Los Gemelos. Ha interpretado con gran sensibilidad y éxito internacional las canciones de compositores como el mexicano José Alfredo Jiménez, la peruana Chabuca Granda, el cubano Miguel Matamoros, el uruguayo Alfredo Zitarrosa, el argentino Atahualpa Yupanqui, la chilena Violeta Parra y muchos otros autores latinoamericanos. Su voz suave y su perfecta dicción en diversos registros —baladas, boleros, coplas, rancheras, fados, etc.—, así como sus grandes dotes dramáticas sobre el escenario, han convertido sus versiones de Flor de la canela, Fina estampa, Limeña o Rosario de mi madre, clásicos peruanos, en clásicos de la canción popular en habla hispana.

Ha obtenido numerosos galardones españoles e internacionales, tanto por su faceta teatral como por su carrera como cantante, como el Premio Nacional de Teatro, la Medalla de Bellas Artes y el Premio Lara. Entre sus últimos trabajos se encuentran diversas colaboraciones con Joaquín Sabina o Rosana sin olvidar su disco homenaje a Carlos Cano, cantautor andaluz con el que hizo la gira Amarraditos. En 2006 publicó un nuevo álbum junto a Los Sabandeños, titulado Al cabo del tiempo que alcanzó el disco de oro.

En 2007 lanza un recopilatorio en CD y DVD titulado En buena compañía, que recoge sus mejores duetos con artistas de la talla de Joaquín Sabina, Caetano Veloso, Rosana, Víctor Manuel o Maria del Mar Bonet.En noviembre de 2008 publica "Te canto un bolero" acompañada por Los Sabandeños y seleccionando once boleros entre lo mejor del repertorio clásico, donde se incluyen canciones como Contigo en la distancia, Cómo han pasado los años (muy popular en la voz de Rocío Dúrcal), Camino Verde, En un rincón del alma o No sé por qué te quiero, entre otras.

sábado, 23 de octubre de 2010

Julio Sosa - Rencor


Julio María Sosa Venturini (Las Piedras, Uruguay; 2 de febrero de 1926 – Buenos Aires, Argentina; 26 de noviembre de 1964), más conocido como Julio Sosa y apodado El Varón del Tango, fue un cantante de tango que alcanzó la fama en Buenos Aires en las décadas de 1950 y 1960.

Nació en el seno de una familia humilde, hijo de Luciano Sosa, peón de campo, y Ana María Venturini, lavandera. En su juventud, a causa de la pobreza, ejerció varios empleos (popularmente conocidos como "changas").





En 1942 se casó, con tan sólo 16 años, con Aída Acosta, de quien se separó dos años más tarde, en 1944. Sus comienzos profesionales fueron como vocalista en la orquesta de Carlos Gilardoni en la ciudad de La Paz. Se fue a Buenos Aires en 1949. Llegó a triunfar en el Río de la Plata, siendo considerado uno de los cantores de tango más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

Durante sus 15 años de trayectoria en Argentina, Sosa fue cantor de tres orquestas. La primera, Francini-Pontier (1949-1953), con la que realizó 15 grabaciones en RCA Victor, entre ellas Por seguidora y por fiel, Dicen que dicen, Viejo smoking y El hijo triste (Unica grabación a dúo de su discografía, junto a Alberto Podestá); la segunda, la de Francisco Rotundo (1953-1955), con el que grabó 12 temas en el sello Pampa, entre ellos Justo el 31, Mala suerte, Secreto, Yo soy aquel muchacho y Bien bohemio; y la tercera, la de Armando Pontier (1955-1960), ya desvinculado de Francini. En esta etapa Sosa grabó en total 33 registros, 8 de ellos para RCA Victor (1955-1957) y los 23 restantes en el sello CBS Columbia (1957-1960). Algunos temas destacados son: Tiempos viejos, Araca París, Cambalache, Al mundo le falta un tornillo, Padrino pelao, Tengo miedo, Margo, El rosal de los cerros, Brindis de sangre y Azabache.

Fue bautizado por el periodista Ricardo Gaspari como El Varón del Tango, llamándose así también su primer disco de larga duración. Leopoldo Federico hizo que el cantor se volviera famoso a través de sus composiciones.

En 1958 se casó con Nora Edith Ulfred, divorciándose poco después y poniéndose en pareja con Susana "Beba" Merighi. En el año 1960 escribió su único libro, Dos horas antes del alba.

Sosa tenía una pasión por los autos, y había tenido varios accidentes de tránsito por conducir a desmedida velocidad. Como consecuencia, falleció a los 38 años, a las 9:30 horas del 26 de noviembre de 1964, en un accidente automovilístico ocurrido en la esquina de la Avenida Figueroa Alcorta y Mariscal Castilla del barrio de Palermo de la ciudad de Buenos Aires.

Sus restos fueron velados en el Salón Argentina pero la multitudinaria concurrencia obligó a trasladar los cortejos fúnebres al Luna Park. Hoy sus restos están en el cementerio de Las Piedras, Canelones, Uruguay.

sábado, 16 de octubre de 2010

Calypso Limonense


Finalmente, después de un año completo de investigación, conciertos, grabaciones y trabajo de estudio, Papaya Music está presentando su nuevo disco, Calypso Limón Legends.

Calypso Limón Legends fue la confección de un nuevo sonido para el calypso limonense, en el que se conserva el espíritu festivo de la música de carnaval, pero se renueva gracias a la fuerza de un expresivo jazz piano al mejor estilo de Nueva Orleans. Esta fusión en nada sorprendió a los calypsonians limonenses, ya que la música de la cuenca del Mississippi había entrado a Puerto Limón en los acetatos de moda que alguna vez trajeron los barcos mercantes procedentes del sur de Estados Unidos. Por la naturalidad con que se mezclan ambos géneros, también es fácil adivinar su cercanía.









Con este disco, Papaya Music continua su labor de rescate y reinvención de la música centroamericana, ahora con el disco mejor producido que se ha hecho hasta ahora sobre el calypso limonense. Este disco reinventa el calypso costarricense gracias a un año completo de investigación acerca de los artistas y el repertorio clásico del tiempo más prolífico del calypso en Limón, un tiempo en que el Carnaval era una época mágica que transformaba a los vecinos en estrellas de la canción. También fue un año de trabajo de dirección musical conjunta entre Manuel Obregón y Manuel Monestel, quienes pusieron todo su talento, su experiencia y sus respectivas pasiones por el calypso limonense y el jazz de Nueva Orleans para crear un calypso jazz fresco, alegre y renovado.

Esta producción es el fruto de una larga investigación de los caminos paralelos del calypso y el jazz, que culminó en los conciertos “Miércoles de Calypso y Jazz”, una reunión periódica dirigida por Manuel Obregón y Manuel Monestel. Ellos partieron de una profunda investigación y de su talento en el jazz y el calypso, para experimentar al lado de algunas de las grandes leyendas de la época más floreciente del calypso limonense. El proceso de investigación, los conciertos y su grabación, fueron posibles gracias a la colaboración del Ministerio de Cultura y el Centro Cultural de España.

En esta producción grabada en vivo, revivimos temas emblemáticos de las décadas de los 50 y 60, cuando las comparsas de calypso de los barrios eran la principal atracción de los Carnavales de Limón. Calypso Limón Legends contiene la tradición de la era gloriosa de las comparsas de calypso, pero se refuerza con jazz piano de Nueva Orléans, lo cual le da un sonido fresco. El ingeniero de sonido Draxe Ramírez, es una estrella más de esta producción gracias a sus meses de trabajo de precisión para que las grabaciones de los conciertos pasaran de diamantes en bruto a brillantes joyas musicales.

Los Calypsonians

Cyril Sylvan fue pescador y carnicero del mercado municipal de Limón durante 40 años y cantante estrella de las comparsas “Lobsterband” y “Skelintan” del barrio Cieneguita, junto con sus hermanos, sobrinos, su hija y hasta su mamá.
Reynaldo Kenton “Shanty” formó parte Lobster y Skelintan junto a Sylvan, y siguió tocando clásicos con bandas como New Revelation, banda del barrio de Cieneguita fundada por Julio Medina.

Natural de Bluefields, Nicaragua, Emilio Álvarez “Junny” fue marinero y mecánico fuera de borda, pero también viajó por Centroamérica y las islas del Caribe con el grupo Bárbaros del Ritmo.

Herberth Glinton “Lenkí” impresiona por la voz desgarradora con que este calypsonian interpreta “Fire” y “Nowhere like Limón”. Apasionado de la música sureña, nos canta una versión del clásico del country “Please help me I'm falling”. Roberto "Congoman" Watts, sastre y barbero limonense criado en Panamá, confiesa que siempre los inspiró Clarence Martin "un musicazo" quien le enseño a amar el jazz.

Los Directores Musicales
Además de su larga trayectoria como compositor y concertista de piano, Manuel Obregón ha hecho de su carrera un completo muestrario de las formas musicales de la región centroamericana. El jazz ha sido la base de sus ideas musicales, de su experimentación, y el mejor vehículo para conectarse con la Naturaleza y con los músicos tradicionales. Obregón ha logrado una síntesis entre formación académica, tradición y experimentación, una habilidad que le fue reconocida en la cuna misma del jazz, Nueva Orleans. Allí recibió el premio de Mejor Concierto del Año en el 2000, otorgado por los críticos, y fue declarado Ciudadano Internacional Honorífico por el alcalde Marc H. Morial.

Un gran equilibrio entre conocimiento académico y talento musical siempre han distinguido a Manuel Monestel. Su profundo interés por investigar el calypso autóctono de Limón ha hecho posible que generaciones enteras conozcan y aprecien esta forma musical. Su amplia producción musical con diversas bandas, especialmente como director de Cantoamérica durante sus más de 25 años de existencia, compite con las múltiples publicaciones en casi treinta años de incansable curiosidad. Gracias a esta trayectoria, Manuel Monestel ha perfeccionado versiones de temas de Walter Ferguson, Lenkí, Buda, y otros compositores emblemáticos de Limón, además de haber acuñado un amplio repertorio de temas de su autoría. Recientemente publicó “Ritmo, Canción e Identidad: el Calypso Limonense”, el texto más profundo y mejor fundamentado que se ha hecho acerca de esta música.

sábado, 9 de octubre de 2010

Sarah Vaughan - Don't Blame Me

(Newark, 27 de marzo de 1924 – Los Ángeles, 3 de abril de 1990), conocida como Sarah Vaughan (pronunciado Vo:n) y apodada Sassy y La Divina, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Billie Holiday y Ella Fitzgerald, está considerada por muchos como la más importante e influyente voz femenina del jazz, aunque su magisterio se extiende a toda el área de la música popular.

La voz de Vaughan se caracteriza por su tonalidad grave, por su enorme versatilidad y por su control del vibrato; su tesitura, similar a la de una cantante de ópera, le permitía saltar del registro grave al de soprano con gran facilidad. Sarah Vaughan fue uno de los primeros vocalistas en incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, en su caso, al nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de la improvisación. A lo largo de los años, su voz se fue haciendo más oscura, aunque no llegó a perder nunca su poder y su flexibilidad. Fue también una maestra en el scat.





Vaughan cantó en su infancia, como otras muchas cantantes de jazz, en la iglesia; recibió, además, intensas lecciones de piano entre 1931 y 1939. Tras ganar un concurso para aficionados en el Apollo Theater, se unió a la big band de Earl Hines como cantante. No ha quedado registro sonoro de esta colaboración de los años 1943-1944. Cuando su gran amigo el también cantante negro Billy Eckstine formó su propia orquesta, Sarah se unió a él, haciendo su debut en la grabación discográfica. En la orquesta de Hines recibió la influencia de Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

Más allá de unos pocos meses con John Kirby entre 1945 y 1946, Sarah Vaughan desarrolló su carrera en solitario. Aunque hacia 1945 su imagen fuera mejorable (su primer marido George Treadwell la habría de ayudar mucho en este aspecto), su voz era ya incuestionable. Realizó unas primeras grabaciones para la compañía Continental entre las que destaca la del 25 de mayo de 1945, en la que estuvo acompañada por Gillespie y Parker. Sin embargo, fueron sus grabaciones de entre 1946 y 1948 para Musicraft (que incluían temas como "If You Could See Me Now", "Tenderly" y "It's Magic") las que demostraron su maduración como cantante y su fraseo orientado al bop aplicado a las canciones populares.

Firmó con Columbia y grabó para ella durante el periodo 1949-1953, consolidando su popularidad. Aunque algunas de estas grabaciones tienen un matiz típicamente comercial, sus ocho temas grabados con la banda de Jimmy Jones durante el 18 y 19 de mayo de 1950 se encuentran entre sus interpretaciones más memorables, demostrando su capacidad indudable para cantar jazz.

Durante los años cincuenta, Sarah grabó para Mercury música pop con orquestas, y material puramente jazzístico para el sello subsidiario de aquél, EmArcy, entre el que se encuentra su muy elogiada colaboración con Clifford Brown. Más tarde, grabaría para Roulette (1960-64), volvería a Mercury (1963-67) y, tras un periodo de inactividad de cuatro años, para Mainstream (1971-74); Vaughan estuvo también en el sello Pablo de Norman Granz desde 1977 a 1982.

Vaughan estuvo casada en tres ocasiones con George Treadwell (1946-1958), Clyde Atkins (1958-1961) y Waymond Reed (1978-1981). Siendo incapaz de tener hijos biológicos, Vaughan adopto a una bebé (Debra Lois) en 1961. Debra trabajó como actriz en los 80 y 90 bajo el nombre de París Vaughan.

La vida personal de Sarah Vaughan fue un cúmulo de paradojas. Tenía una personalidad mercurial y podía llegar a ser extremadamente difícil trabajar con ella (especialmente en otras áreas fuera de la música), pero numerosos colegas músicos recordaban sus experiencias con ella como algunas de las mejores de su carrera. Ninguno de sus matrimonios tuvo éxito, aunque mantuvo largas e íntimas amistades con algunos hombres dentro del negocio y estaba enteramente dedicada a sus padres y su hija adoptiva. A pesar de la aclamación efusiva del público, Vaughan era una persona insegura y sufría de miedo escénico, que en ocasiones casi la incapacitaba. Aunque tímida y a menudo al margen con los desconocidos, era bastante gregaria y generosa con sus amigos.

El apetito de Vaughan por la vida nocturna era legendario y solía quedarse de fiesta después de sus actuaciones hasta bien entrado el día. Vaughan era una bebedora empedernida aunque, que se sepa, nunca hubo ningún incidente de intoxicación obvia sobre el escenario, que afectara a su habilidad interpretativa. Vaughan fue, supuestamente, usuaria habitual de marihuana y cocaína a lo largo de su carrera, pero era discreta en su uso y nunca sufrió de adicciones que la debilitaran o problemas con la ley que acabarían descarrilando la carrera de muchos de sus colegas. Vaughan fue fumadora durante toda su vida, lo que casi con seguridad contribuyó a su muerte prematura por cáncer de pulmón a la edad de 66 años.

sábado, 2 de octubre de 2010

Anita Mui - Live Performance "Home Coming


(10 octubre 1963 hasta 30 diciembre 2003) fue una cantante popular y actriz nacida Hong Kong . También fue la hermana menor de la cantante de Hong Kong, Ann Mui . Durante su primer año hizo grandes contribuciones a la cantopop escena musical, al recibir numerosos premios y honores. Ella seguía siendo un ídolo en la mayor parte de su carrera, y fue considerado generalmente como un cantopop diva . [1] Una vez que se ha celebrado un concierto de espera vender en Hammersmith , Londres, Inglaterra, donde fue apodado el " Madonna de Asia ". Que el título se ha quedado con ella a lo largo de su carrera, y se ha utilizado como una comparación de ambos medios de comunicación occidentales y orientales.






En la década de 1980 la gangtai estilo de música fue revolucionada por su baile salvaje y la feminidad en el escenario. [7] Ella era famosa por haber impulsado vestimentas extravagantes y altas prestaciones también. [3] Su base de fans mucho más allá de Hong Kong, y en muchas partes de Asia, incluyendo Taiwán , China continental , Singapur , Malasia , así como el mercado de ultramar. En la industria del entretenimiento de Hong Kong, donde las estrellas suelen ir y venir, Mui fue capaz de seguir siendo una gran estrella en el centro de atención durante 20 años. Su carrera sólo se detuvo en 2003 cuando le diagnosticaron de repente con el cáncer cervical , murió a la temprana edad de 40 años. [1] [5] Aún así, su música y su legado continúa cine para vivir. Su éxito llegó mucho más allá del círculo de entretenimiento con la labor humanitaria, donaciones y las organizaciones benéficas que han jugado un papel importante en ayudar a la sociedad, incluso hasta bien entrado el día de hoy.

Mui experimentado muchas dificultades y las dificultades de su infancia. Ella era la hija menor de una familia con cinco hijos. [5] Su padre murió cuando ella tenía sólo cinco años, por lo tanto Mui y sus hermanos fueron criados en una familia monoparental de la familia. A temprana edad tuvo que ayudar a mantener a sus hermanos, que abandonan la escuela para hacerlo. Siguen otras dificultades en su familia cuando su madre tenía un bar, que también había sido incendiada. [3] Para ganarse la vida, Anita se, entró por primera vez el mundo del espectáculo a la edad de cinco años. [8] [4] Ella realizó chinos óperas y canciones pop en los teatros y las calles. [8] [4] Tanto Anita y su hermana mayor Ann Mui básicamente a cabo en cualquier club nocturno que les ofrecía la oportunidad de ganarse la vida
En 1982, la primera de Nuevos Talentos Canto premios se llevó a cabo. Mui tiene una gran oportunidad de ganar el concurso con la canción "la época de nortes" (风的季节), superando a más de 3.000 concursantes. [8] [9] A pesar de su título de "nuevos talentos" en ese momento, ella ya había sido un cantante por más de 10 años a partir de la calle y actuaciones club durante su infancia.

Como un premio al ganar el concurso de talento nuevo en el tiempo, primero álbum Mui fue lanzado con la empresa local de registro de artistas de Capital . [10] Su debut tuvo una respuesta poco entusiasta de la audiencia. Pero este álbum le siguieron le fue mucho mejor, ya que desarrolló su estilo personal y la imagen. En 1983 y 1984, ganó el RTHK Top 10 Premio de Oro Canciones espalda con espalda. [11] [12] Su racha continuó cuando ella ganó otro premio importante en 1985, su primer top 10 Solid Gold Mejor Cantante Jade Hombre de adjudicación . [ 13] Durante los siguientes cuatro años, ganó el premio consecutivamente cada año hasta 1989.

Mui lanzado 50 álbumes en total. [18] Su álbum más vendido fue el de 1985 "Bad Girl" (坏女孩), que vendió más de 400.000 copias (8x platino por las normas de Hong Kong). [10] En su carrera ha vendido 10 millones de álbumes. [8] [4] Cabe señalar que la población de Hong Kong en la década de 1980 fue sólo de 5 millones.

En cuanto a las actuaciones en directo, su primer concierto se celebró en 1985 una duración de 15 noches. A partir de finales de 1987, una serie de 28 conciertos consecutivos en el Coliseo de Hong Kong se llevaron a cabo hasta principios de 1998

Esto estableció un récord en la época y de la copia Mui el título de "Ever Cambio Anita Mui" (百变梅艳芳), que se había convertido en su marca registrada. [19] Su popularidad también fue adquiriendo una importancia fuera de Hong Kong. A medida que fue invitado a cantar en el Juegos Olímpicos de 1988 ceremonia de apertura en Seúl , Corea en el mismo escenario con Janet Jackson . [20] Ella se realizó en 300 conciertos en su carrera.

En 1990, Mui anunció que pondría fin a recibir premios de la música para dar una oportunidad a los recién llegados. Sostuvo despedida conciertos para 33 noches consecutivas antes de retirarse del escenario. A la edad de 28 se retiró de la industria, sólo para regresar de su retiro en 1994. [21] Anita mentor de varios cantantes de Hong Kong, que recién llegado se han convertido en las cuales destacan Andy Hui , Denise Ho , Edmond Leung y la banda de saltamontes . [10] Como un premio a la trayectoria en la música, Mui fue galardonado con el Premio Aguja de Oro RTHK en 1998.

Mui también era conocida como una actriz en toda la región asiática. A medida que protagonizó más de 40 películas en un período de 20 años. [23] Sus películas eran principalmente de la acción - thriller y kung fu variedad, pero también había tomado papeles cómicos y dramáticos. Su actuación primer premio como actriz secundaria fue ganado en el Hong Kong Film Awards para la película Destino en 1984. Tres años después, en 1987, la película Rouge ganó su mejor actriz en el Golden Horse Award . [5] Ella ganó el premio de nuevo en 1989 en el Hong Kong Film Awards . En 1993, protagonizó el heroico trío con Michelle Yeoh y Maggie Cheung , y ha demostrado ser una de sus películas de acción más populares. En 1995, se encontró con un cierto reconocimiento internacional trabajando junto a Jackie Chan en Rumble in the Bronx .

Más tarde, en 1997, también ganó el mejor otra actriz de reparto en Hong Kong Film Award con la película Dieciocho Springs. En 2002, ella ganó como Mejor actriz en Festival de Cine de Changchun Ciervo de Oro Premios a la mejor actriz con su actuación en julio Rhapsody . [24] Su habilidad para jugar con éxito una amplia gama de papeles de la comedia a la tragedia, le ha permitido tomar parte en muchas papeles principales. Anita fue lanzado originalmente para Zhang Yimou s '2004 de la película House of Flying Daggers . Ella renunció a su cargo en la película sólo dos semanas antes de su muerte. Zhang había celebrado sus partes de la filmación de la última debido a su mal estado de salud. [25] Por respeto a Anita, Zhang no reemplazó su papel con otra actriz. El guión fue modificado para tener en la historia de su carácter original.

Ella recibió una dedicación durante los créditos finales.
A principios de septiembre de 2003, Mui hizo el anuncio público de que había cáncer de cuello uterino a los medios de comunicación. [1] [8] Se cree ampliamente que renunciaron a adquirir el tratamiento temprano porque quería mantener la posibilidad de concebir . Sabiendo que no iba a hacerlo más allá de la enfermedad, había una serie final de la muestra titulada "Anita Clásico Momento Live Concert".

La serie constaba de ocho shows en el Coliseo de Hong Kong en 2003. Era su última serie de conciertos antes de su muerte. [10] invitados musicales incluidos Jacky Cheung , Sandy Lam , David Tao , Eason Chan , Andy Hui , Alan Tam , Lee Hacken y Kelly Chen . [26] Su acto simbólico final fue " casarse con el escenario ", que fue acompañado por su éxito" Puesta de sol Melody "(夕阳之歌) como ella salió del escenario por el tiempo final. Su última canción muy realizó en el escenario era "Cherish cuando nos reunamos otra vez" (珍惜再会时), una versión de El Manhattan "" Let's Just Kiss And Say Goodbye ". Mui finalmente perdió su batalla contra el cáncer de cuello uterino y murió de complicaciones respiratorias que conducen a una insuficiencia pulmonar en el Sanatorio de Hong Kong y el Hospital el 30 de diciembre de 2003 a las 02:50 ( hora local de Hong Kong ). [1] [5] [6] Ella era de 40 años de edad. [8] Miles de fanáticos asistieron a su funeral en North Point en enero de 2004. A lo largo de su carrera, el tabloide revistas fueron implacables. Los rumores nunca dejó de peste Mui, quien fue acusado de ser adicto a las drogas, se someten a cirugías plásticas, que se suicida, está vinculado a la muerte de una tríada de líder. [10] Los rumores de aventuras con protagonistas también eran conocidos.

En 2007 una serie de televisión fue producida en China titulada "Anita Mui Fei" (梅艳芳 菲) para decirle a los dramas muchos en su vida. El episodio 42 serie fue transmitida por Televisión Educativa de China . Miembro actores Andy Lau y Leslie Cheung fueron presentados también en la serie, aunque algunos de los temas sensibles, como su sufrimiento de cáncer, de suicidio de Leslie y su madre es real dilema de la propiedad de su se evitaron. [27] La actriz Alice Chan (陈炜) juega el papel de la Mui en la serie.

El 11 de octubre de 2008, un show en TVB fue dedicado a ella "Nuestros Anita Mui" (我们的梅艳芳). Muchos fans fuera de la escena y el personal que trabajó con ella tuvo la oportunidad de hablar sobre sus experiencias personales con la Mui. Los cantantes que participaron en el espectáculo incluía Andy Hui , Edmond Leung y Stephanie Cheng .

Sus cenizas están enterradas en el monasterio de Po Lin mausoleo s 'en la isla de Lantau .

sábado, 25 de septiembre de 2010

The Cranberries - Linger


Es una banda irlandesa de rock, formada en Limerick en 1989 bajo el nombre de The Cranberry Saw Us, más tarde cambiado por la vocalista Dolores O'Riordan. Aunque muchas veces es asociada con rock alternativo, el sonido de la banda también incorpora elementos de indie, indie pop, Rock, post-punk y pop rock

The Cranberries saltó a la fama internacional en la década de 1990 con su álbum debut, Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?, que se convirtió en un éxito comercial y vendiendo más de cinco millones de copias en Estados Unidos. El grupo fue uno de los grupos de rock más exitosos de los años 90 y vendió más de 14,5 millones de álbumes sólo en los Estados Unidos, mientras que a nivel mundial la cifra asciende a más de 40 millones de discos. La banda ha logrado cuatro top 20 álbumes en el Billboard 200 (Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?; No Need To Argue; To the Faithful Departed y Bury the Hatchet)2 y 20 singles en el puesto ocho de las Alternative Songs.2





En 1989 varios jóvenes se unieron con el propósito de formar un grupo: Noel Hogan (guitarra), su hermano Mike Hogan (bajo), Fergal Lawler (batería) y Niall Quinn (vocal). El grupo no poseía nada nuevo en lo que se refiere a originalidad: guitarras punk-pop, canciones melodiosas y letras cómicas. El vocalista de la banda, Niall, era quien componía las canciones. Aquella primigenia banda fue llamada originalmente The Cranberry Saw Us' (El arándano nos vio). En realidad el nombre es un juego de palabras, ya que se pronuncia igual que The Cranberry Sauce (Salsa de arándanos)Los hermanos Hogan vivian en un lugar de Limerick llamado Moycross (pegado al río Moy)y tras acabar la educación obligatoria, comenzaron a ayudar a sus padres en la panadería que regentaban. Una noche en un concierto conocieron a Fergal Lawler, quien compartía sus gustos musicales. Fergal (Limerick, 4 de marzo de 1971) se había criado en Parteen, donde ejercía de peluquero en la peluquería de su tío.

En ese momento nació lo que hoy conocemos como Cranberries
Tras la marcha de Niall Quinn de la banda, fue Dolores O'Riordan la vocalista de la banda. Ella sería quien escribiese la canción de «Linger». "The Cranberry Saw Us" dejaron de existir cuando Dolores entró a formar parte del grupo siendo "The Cranberries". Dolores tomó parte directamente del repertorio musical de Noel, y empezó a componer letras para las melodías. Finalmente, el grupo fue fichado por una pequeña casa discográfica de Limerick, Xeric Records. Con sus primeros demos tuvieron bastante éxito a nivel local. Su primer EP se llamó Uncertain.

En 1992 rompieron con Xeric Records y firmaron con Island Records, que contaba en sus filas a PJ Harvey y U2. El grupo empezó a grabar su primer álbum, producido por Stephen Street (Morrissey y Blur). El 1 de marzo de 1993 se publica el primer álbum de The Cranberries, Everybody Else Is Doing It, So Why Can´t We? (Todo el mundo lo hace. ¿Por qué nosotros no podemos?). Musicalmente, el disco fusiona el pop-rock tradicional inglés de finales de los 80, con el folk y los ambientes místicos irlandeses. Líricamente, sus letras expresan un punto de vista ingenuo, donde Dolores abandona el mundo terrenal para adentrarse hacia un mundo idealista lleno de esperanza y sueños. En el disco predominan canciones amables, afectuosas y afable para el oído, canciones que aportan la placidez para poder dejarse escuchar. El disco apenas tuvo acogida entre el público. Su sonido a pesar de traer un aire fresco entre diferentes corrientes provenientes de América como el grunge y el pop, se le comparó con el shoegazers de aquellos momentos por la ensoñación de sus canciones y poco más.

The Cranberries fue de gira por Estados Unidos teloneando a Suede y a The Matt Johnson. La gira sería suspendida por la escasa acogida de estas bandas entre el público estadounidense, que iban a ver a ese nuevo grupo salido de Irlanda. The Cranberries había triunfado en EE.UU. sin quererlo, teniendo mas éxito que las bandas que teloneaban. Se publicó el disco en Estados Unidos y pronto tuvieron un enorme éxito entre el ambiente independiente de las universidades norteamericanas vendiendo más de un millón y medio de discos. Se reeditaría el disco en Reino Unido, donde tuvo una enorme acogida y de allí al resto de Europa. El álbum llegaría a vender mas de 8 millones de copias en el mundo. Durante todo el año participaron en festivales de música por Estados Unidos y Europa. El 14 de enero de 1994 actuaron en el mítico concierto del Astoria 2, donde el repertorio de canciones traía algunas nuevas como Zombie y Empty.

En 1994 lanzan su segundo disco titulado No Need to Argue el cual inmediatamente tuvo mucho éxito entre el público llegando a vender más de 16.7 millones de copias. El disco traía sonidos nuevos mezclando más el sintetizador con la guitarra. El disco fue titulado como su obra maestra y con la que la mayoría del público los reconoce, en este disco más maduro e irónico que el anterior, Dolores hace alusión a la infancia en muchas canciones, donde ella reconoce "Los niños son el futuro del mundo, no entiendo como alguien quiere hacerles daño". En una gira que estaban haciendo Dolores conoció a Don Burton el productor de Duran Duran después de unas semanas juntos se comprometieron, concretándose un tiempo después en una polémica boda donde el número de reporteros era mayor al de invitados.

El año 1995 fue muy próspero para la banda debido a que sus canciones empezaron a escucharse más en las radios, traduciéndose en mayores ventas de sus discos. Hicieron su Unplugged de MTV y tanto fue el éxito que en la ceremonia de los MTV Europe Music Awards, «Zombie» recibió el premio como mejor canción del año.y mejor canción de rock.También cantó con Luciano Pavarotti en el concierto benéfico "Pavarotti & Friends: Together for the Children Of Bosnia" en 1995. En este evento Dolores cantó «Ave María» con Luciano Pavarotti, «Linger» con Simon Le Bon de Duran Duran y los temas «Turandot» y «Nessun dorma!» con todos los artistas al final del concierto.

En 1997 después de la agotadora y devastadora gira, la banda decidió tomarse un descanso, Dolores se dio tiempo para cuidar a su hijo, Fergal recorrió el mundo con la mochila al hombro; Noel quería reunirse con viejos amigos y Mike quería ver el fútbol. A mediados de 1997 el grupo volvía por fin a reunirse. Entonces, decidieron participar en el álbum tributo que se estaba preparando al grupo americano Fleetwood Mac. Poco después Fergal contraía matrimonio con la que había sido su novia, Lauri Guerin, en abril de 1997.

Durante el final de la década de los 90's la banda empezó con su nuevo disco que reflejaba una reconciliación y un sentimiento de querer empezar todo desde cero. En la celebración de la entrega del Premio Nobel la banda actuó interpretando "Linger", "Dreams" y "Promises", una de las canciones que se escucharía en su próximo disco. La banda habla más de temas como el amor, los hijos, el matrimonio y muchas emociones en el disco Bury the Hatchet, que se lanzó el 1 de abril de 1999. El álbum consiguio disco de oro en los Estados Unidos y vendió mas de 4 millones de copias en el mundo. La banda empezó una gira alrededor del mundo, pero mucho más relajada, para no cometer el error de las giras anteriores.

El canto a garganta o "Yodel Style" de Dolores es una de las características más representativas del grupo, tanto así que se ha convertido en una de las máximas exponentes de este registro vocal en la música moderna y su sencillo «Zombie» es la mejor carta de presentación.La personalidad de las canciones se debe a que Dolores pertenece a ese grupo de cantantes que durante los 80 y 90 hicieron de su interpretación vocal, un instrumento que rompen con los moldes de las reglas vocales melódicas y haciéndose totalmente protagonista de la canción.

Dolores posee una voz sobrecogedora que pasa del más mínimo susurro al grito sobrecogedor en tan solo un instante, enfrascando su voz entre las cuerdas y el bajo de los hermanos Hogan, y dejando constante que su voz es un instrumento más dentro de la canción y del disco.

En 2001 editaron el que es hasta el momento su último disco de estudio, Wake up and Smell the Coffee, el que no alcanzo mayor éxito convirtiendose en el álbum menos vendido de la banda con 1,4 millones de copias vendidas.En septiembre de 2002 editaron el disco compilatorio Stars - The Best of 1992 - 2002 , el que contenía todos sus éxitos, incluyendo dos temas ineditos. Este disco compilatorio tuvo más éxito que su anterior álbum de estudio. Hasta el momento ha vendido mas de 2,1 millones de copias.

Es The Cranberries, que traducido al español significa Arándanos, fruta parecida a la mora azul.El martes 25 de agosto del 2009, Dolores O´riordan confirma en la radio de Nueva York (101.9) la unión de "The Cranberries". El tour de reunión comenzó el 12 de noviembre en Estados Unidos y terminará a finales de Octubre en Latinoamérica.

sábado, 18 de septiembre de 2010

Frank Quintero- Química


Juan Francisco Quintero Mendoza, mejor conocido como Frank Quintero (Caracas, Venezuela, 27 de noviembre de 1952) es un músico, compositor e intérprete venezolano.Fue bautizado como Juan Francisco Quintero Mendoza por sus padres, el contrabajista José Quintero y Carmen Mendoza, ambos venezolanos. Tiene seis hermanos, de los cuales dos también se dedicaron a la música: Marycruz, quien es cantante; y Leonardo (Leo) Quintero, que es guitarrista y compositor.Inicia su vida musical a muy temprana edad, sin la aprobación de su padre, aunque éste se convirtió en la influencia más cercana y determinante para su formación, al igual que el ambiente musical que siempre hubo en su hogar.









A pesar de la negativa de su padre, éste le regaló su primer instrumento musical al cumplir los diez años de edad: una batería profesional. Según relataría años más tarde el intérprete, entre los siete y los ocho años su padre le enseñó la ejecución del ritmo del bossa nova, aparentemente por haber visto a su hijo intentando tocar percusión con objetos domésticos o que emitieran sonidos que simularan tambores. Dos años después, le regalaría la batería, que perteneció hasta entonces a un músico de un programa musical de la épocaEn 1964, con sólo doce años de edad y al tiempo que cursaba la educación secundaria en el Liceo Militar "Gran Mariscal de Ayacucho", formó el grupo musical Licmilaya.

El nombre del mismo lo obtuvo combinando las tres primeras letras del nombre del instituto. En 1966, próximo a cumplir los catorce años, su padre lo inscribió en la Escuela de Música "José Angel Lamas", en Caracas, donde realizó estudios formales de teoría, solfeo y armonía con profesores como el director de bandas Pedro Antonio Ramos y el maestro Vicente Emilio Sojo. Un año después (1967), participó como baterista en la banda de rock "Loving King",
Al llegar el año 1968, luego de algunos cambios en la formación de "Loving King", Frank Quintero inicia con su hermano Leo, y luego junto a Ivan Velásquez, el grupo "La Fe Perdida", proyecto musical con el cual se daría a conocer. Con ella comenzó su actividad de vocalista y compositor, sin dejar de interpretar la batería. Al principio, el grupo centró su trabajo en hacer versiones de bandas de rock, tanto inglesas como estadounidenses. Sin embargo, posteriormente, comenzó a componer, de manera tal que el grupo se inició en la interpretación de material propio. La agrupación permaneció trabajando desde el año 1968 hasta 1971, tiempo en el cual llegaron a grabar cuatro discos de 45 RPM, A comienzos de 1972, el grupo "La Fe Perdida" se disuelve y a finales de ese año Quintero entra formar parte del coro del grupo de La Onda Nueva de Aldemaro Romero. La actividad desarrollada en esta agrupación duró poco más de un año (hasta 1973), tiempo en el cual la agrupación realizó una gira por Europa, recorriendo Suiza, Francia, Suecia, España y Grecia.Una vez separado de "La Onda Nueva", en el año 1973, Frank Quintero incursiona en el campo de la producción musical, realizando arreglos, componiendo y, en líneas generales, produciendo grabaciones para artistas como Diana Fontalvo.

En 1974, a raíz del trabajo desarrollado en el campo de la producción de música para publicidad y grabaciones como cantante, y en unión de otros músicos, formó una banda que en un primer momento se llamó "Frank Quintero y su Grupo", y que unos meses más tarde se dio a conocer como Frank Quintero y Los Balzehaguaos, contratada por la filial venezolana de CBS Columbia. El trabajo musical de esta agrupación amalgamaba una gran variedad de estilos que iban desde la música impresionista hasta la psicodelia, pasando por el rock, el jazz, la balada y la música latina, aunado esto a la continua experimentación con nuevos sononidos e instrumentos. De esta experiencia salieron canciones como La Dama de la Ciudad, Apóyate en Mí y Por Tenerte Cerca. En 1978, la agrupación se disuelve debido, principalmente, a las limitaciones de tiempo que cada uno de los integrantes tenía para dedicarle a la banda, y a la decisión de Quientero y su hermano Leo de viajar al exterior para estudiar música en el Berklee College of Music de Boston, Massachusetts, Estados Unidos.

Carrera como Solista A partir del año 1979, mientras estudiaba en Boston, Frank Quintero inició su carrera como cantante solista y compositor, mientras desarrollaba en paralelo su trabajo de ejecutante; hecho que desembocó en la realización de su primer LP en esta nueva etapa "De Noche y Con Poca Luz" (1980), cuyo tema promocional, Canción para Ti, resultó todo un éxito, permitiéndole entrar en el gusto de las masas y consolidando su carrera.En agosto de 1980, Quintero se presentó en el Poliedro de Caracas junto a su banda, convirtiéndose en el primer cantante venezolano de música pop que se presenta solo en ese escenario y lograra llenarlo. De igual manera, en ese mismo año, Zildjian Cymbals, firma dedicada a la fabricación de platillos para instrumentos de percusión, lo contrató como imagen de sus productos, actividad que desempeñó con dicha firma hasta el año 1992.

Durante la serie de conciertos del Festival Musical de Berklee, del año 1981, denominada Berklee Concert Series Award 1981, la agrupación de Quintero ganó el primer premio como mejor Banda y el intérprete obtuvo el premio Buddy Rich como mejor baterista. De igual manera, se presentó en diversas ciudades de los Estados Unidos como Atlanta y New Jersey. También, en ese mismo año, Frank Quintero se presentó en el programa 300 Millones de Televisión Española (TVE), el cual se transmitía a toda Iberoamérica, e igualmente logró formar su productora independiente denominada Señora Luna, por el nombre de una de sus composiciones.Durante este período, realizó un trabajo constante como solista y grabó los discos "Letra y Música" (1981) y "Pájaros y Estrellas" (1981), con la compañía CBS Columbia. Esta última producción sólo incluía un tema instrumental, poseía menos influencia del género jazz, y contaba con una mayor tendencia hacia los temas vocalizados y al pop.En 1982, obtiene en Berklee los títulos de Músico Ejecutante en Batería y de Productor, dentro de la mención Músico Profesional. Ese año regresa a su país con la intención de continuar ampliando su vida profesional, mientras de manera esporádica continuó viajando a Los Ángeles y Nueva York con la misma finalidad.En 1984 salió al mercado el disco "A través de Mis Ojos", primer álbum en su carrera grabado tanto en Estados Unidos como en Venezuela. Los temas que se extrajeron de este álbum para ser difundidos en las emisoras de radio lo llevaron a realizar su tercera gira por Venezuela.

Luego, en 1985, es contratado por la empresa disquera, hoy desaparecida,Sonorodven, emprendiendo entonces un viaje a los Estados Unidos para grabar su sexto larga duración, el cual llevaría por nombre La Calle del Atardecer. El alto índice de promoción que recibió este material por parte de la compañía disquera y el estilo musical que en éste se manejó, lo convirtieron en un éxito importante, pues la mayor parte de los temas fueron radiados. Las ventas elevadas de esta grabación le hicieron merecedor de un "disco de oro" y un "disco de platino". También le permitió realizar su cuarta gira nacional, dentro de la cual se presentó por primera vez en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela, el 16 de diciembre de 1986. Así mismo, dos de los temas del disco fueron incluidos en la banda sonora de la película venezolana La Generación Halley, realizada ese mismo año, además de otro tema que no forma parte de ninguno de los álbumes que conforman su producción: el Tema de Amor de Sonia.A partir de entonces, Quintero alternará las presentaciones con sesiones de grabación, a través de diversos discos realizados para el sello Sonorodven, destacando entre las giras la realizada durante los meses de agosto y septiembre de 1989 en Venezuela junto a su colega Ilan Chester a la que se le dio el nombre de "Amigos en concierto", a la par de reiniciar sus actividades como productor y compositor para otros artistas nacionales, ya que asumió diversos proyectos para artistas de diferentes sellos disqueros, labor en la que se mantuvo por espacio de tres años aproximadamente.

A finales de agosto de 1990, mientras realizaba de forma individual la gira promocional del disco "Buscando Soles", Quintero tomó la decisión de salir de su país y radicarse en Los Angeles, Estados Unidos. Esta decisión fue motivada porque Quintero pensaba que para la mayoría de los artistas latinos populares, Estados Unidos constituía una base importante por residir allí las oficinas de las principales compañías discográficas transnacionales. Además, había recibido ofertas para crear música publicitaria y la posibilidad de componer canciones para otros artistas. Este hecho vino a representar una oportunidad significativa en la carrera musical de Frank Quintero, ya que su campo de trabajo se amplió, permitiéndole desarrollar una actividad constante como intérprete, compositor e instrumentista con la compañía Latin Music Expo. En Este periodo, grabó como vocalista, en calidad de invitado especial, con Sheena Easton, Manoella Torres, John Warren y Willie Colón. También, conformó en la ciudad de Los Angeles una agrupación integrada por músicos de dicha ciudad, presentándose semanalmente en el club Le Café, banda con la cual se dedicó a interpretar material propio, además, grabó un comercial junto al cantante mexicano Luis Miguel y acompañó, como invitado especial, a José Feliciano en la gira de 1991.

De regreso a Venezuela, en ese mismo año, (1992), alternó nuevamente con Ilan Chester en el Teatro Teresa Carreño y participó en la grabación del tema 20 Millones de Corazones, junto a Oscar D'León, Franco de Vita, Soledad Bravo, Ilan Chester, Carlos Mata, Guillermo Dávila, Gustavo Aguado y Yordano. Esta pieza, compuesta y grabada sin fines de lucro, fue estrenada en cadena nacional de radio el 7 de abril de ese año con la intención de promover una visión positiva sobre el país en contraposición a la tensa situación político-social que experimentaba Venezuela durante ese periodo.En 1994 la empresa Sony Music edita un disco realizado con grabaciones tomadas directamente de sus conciertos efectuados en el Celarg (Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos) con el nombre de Francamente Acústico. También en este año, formó conjuntamente con los intérpretes y músicos Guillermo Carrasco, Pedro Castillo y Willie Croes el grupo "Nosotros 4", organización de una trayectoria corta. En ella, Frank Quintero, al igual que los demás integrantes, se desempeñó como cantante e instrumentista.

En 1995 comenzó su actividad como locutor de radio en Caracas, con el programa Francamente, actividad que continúa realizando hasta el momento. Con Francamente, su actividad de locutor la realiza de manera individual ya que en 1991, y por espacio de dos años consecutivos, Quintero incursionó junto a Ezequiel Serrano, Pedro Castillo y Guillermo Carrasco en la conducción del programa No Todo Es Tan Malo.En febrero de 2000 participó como cantante en la grabación del tema Dale la Cara a la Vida, junto a otros músicos e intérpretes venezolanos, con el fin de recaudar fondos para la reconstrucción del Núcleo de la Universidad Simón Bolívar ubicado en el Litoral Central, afectado a consecuencia de la Tragedia de Vargas en diciembre de 1999. Ese mismo año, aproximadamente en septiembre, Quintero compuso el tema Mientras Pueda Soñar, escrito para la telenovela "Amantes de Luna Llena", del canal televisivo Venevisión. Esta pieza le valió notoriedad a nivel de difusión radial, alcanzando nuevas cuotas de popularidad entre el público, lo cual condujo a la publicación del sencillo correspondiente.Paralelo a estas actividades, Frank Quintero fue contratado por la fabricante alemana de instrumentos de percusión Meinl, como imagen de sus productos. Además, participó como ponente en el Primer Encuentro Internacional de Percusionistas, celebrado en la Universidad Central de Venezuela..

Actualmente, Frank Quintero prepara material nuevo para un posible nuevo disco, preparando un segundo volumen del álbum dedicado a los niños ("Canciones Para Mis Pequeños Amigos") y realizando diversas presentaciones en Venezuela con motivo de sus 35 años de vida artística en compañía de otros artistas amigos.Paralelo a todo esto se ha dicho que está escribiendo un libro de memorias titulado tentativamente: "Cómo sobrevivir un Grupo de rock en un país subdesarrollado", con lo cual explora y muestra a la vez una nueva faceta dentro de su carrera.

sábado, 11 de septiembre de 2010

Alondra de la Parra - Mi Alma Mexicana


Generalmente se espera ver a un hombre maduro en el podium como director de una orquesta, un oficio en el que generalmente la batuta la llevan los hombres. Pero Alondra de la Parra rompe el estereotipo y hoy en día es una de las mujeres más importantes en la dirección orquestal.

Adentrémonos en el camino lleno de triunfos de Alondra de la Parra. Ella nace en Nueva York el 31 de octubre de 1980 sus papas estaban estudiando una maestria en Nueva York, pero crece en México, y su pasión por la música empieza a muy temprana edad. Desde los siete años estudió piano y a los trece comenzó a aprender a ejecutar el chelo. Su devoción a la música se vio impulsada por su abuela, la famosa escritora Yolanda Vargas Dulché, creadora de exitosas historietas como Memín Pinguín, y precisamente es ella quien le regala su primer piano. Durante la adolescencia, Alondra descubre el gusto por la conducción de orquesta, por lo que a los dieciséis años se muda a Londres a seguir estudiando la preparatoria y música en St. Leonards Mayfield School.






Finalmente en el 2000 y con tan sólo diecinueve años de edad se muda a Nueva York, donde estudió piano en la Manhattan School of Music obteniendo un BM en Piano Performance bajo la dirección de Jeffrey Cohen. En el 2004, a la edad de veintitrés años, Alondra de la Parra funda en Nueva York la Filarmónica de las Américas (POA por sus siglas en inglés), cuya misión es promover la música y los jóvenes talentos intérpretes y compositores del continente americano. Sus estudios en dirección orquestal estuvieron a cargo de su mentor Kenneth Kiesler, recibiendo un MA en el 2008.

Entre las presentaciones más relevantes de Alondra De la Parra, destacan el Concierto de Gala de la Washington National Opera con Plácido Domingo, los conciertos con las orquestas sinfónicas de Dallas, Houston, Phoenix, la Orquesta de Cámara de Los Ángeles, la Orquesta del Nuevo Mundo de Miami y la New York Pops en su debut en el legendario Carnegie Hall. También destaca su participación en Rusia, Uruguay, Argentina y Venezuela. En México, Alondra ha dirigido también las orquestas de Aguascalientes, Jalisco, Sinaloa, Xalapa y la Orquesta Sinfónica Nacional en el Palacio de Bellas Artes.

En el 2008 junto con la POA participa en los Latin Gramys en un homenaje a Gloria Estefan y ese mismo año realizan la musicalización de la película Interior Design del aclamado Michel Gondry, orquestada y producida por De la Parra.

Esta respetada estrella de la música clásica no podía pasar por alto su vestuario, así que ha elegido al reconocido diseñador mexicano Christian Cota como responsable de su guardarropa. Imagínense qué espectáculo: súper-talento + súper-fashion = wow.
Con motivo del Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución Mexicana, De la Parra lanzo un disco narrando los cien años de la historia sinfónica de México, un disco que todos los mexicanos deberíamos tener.

Alondra de la Parra está casada con Carlos Zedillo Velasco hijo del Ex presidente Ernesto Zedillo se casaron el 2 de Agosto del 2008 en Tulum.

Premios

• Premio Pablo Casals, Escuela de Música Manhatthan
• Liga de Orquestas Americana, la realización de otorgar a las mujeres
• Mujer York Nueva Agenda - Rising Star de 2007
• 1010 gana el "Periodistas del Mañana" Premio - ganador en la categoría Artes y Entretenimiento
• "Banda de Honor", el más alto honor dado a los conductores por el Sistema de Orquestas de Venezuela (FESNOJIV)
• Gabe Wiener de Becas al Mérito de un Estudiante Sobresaliente
• Manhattan School of Music Taki Concordia de Becas para Conductores Premio Mención de Honor
• "El Micrófono de Oro", (Precio Máximo asignado anual de la Asociación Mexicana de Radiodifusión)
• Mérito prensatelas Beca de la Escuela de Música de Manhattan
• Amigos de la Música Music Award, Cuernavaca, Morelos

sábado, 4 de septiembre de 2010

Geraldo Pino - Heavy Heavy Heavy



Uno de los pioneros inventores del afrobeat ese sonido funky-jazz-rock procesado por África y hecho suyo.....

Gerald Pine más tarde Geraldo Pino nació un 10 de febrero de 1939 en Freetown Sierra Leona, fundó un grupo llamado los Heartbeats e influido por el sonido Motown y James Brown en su música sentó las bases de lo que sería el afrobeat e influyendo a gente como Fela Kuti.







Geraldo Pino fue una figura clave en la escena musical de Nigeria. Originario de Sierra Leona, que había pasado algún tiempo en Ghana durante los años 1960 y emigró a Lagos a principios de 1970 con una marca única de Funky Soul africanos que inmediatamente ajustar la ciudad en llamas. Incluso Fela Kuti créditos Geraldo Pino por haber sido una gran influencia para él, así como para toda la escena. Geraldo Pino aparece aquí con su bomba de 1978 la pista de baile "African Hustle".

Hizo grandes giras por äfrica causando sensación, hizo dinero, se compró un canal de televisión en Lagos en Nigeria, y hasta un hotel, padeció muchas enfermedades (diabetes, cáncer) y murió el 10 de noviembre del 2008, dejando una de las huellas más indelebles en la música, gracias a las reediciones se le empieza a reconocer y a dar su lugar.

El disco Heavy Heavy Heavy, además de esas maravillosas guitarras rasgadas y un ritmazo bárbaro tiene un organito genial, más que recomendable.

sábado, 28 de agosto de 2010

Nikki Yanofsky- I Believe


(nacida el 08 de febrero 1994) es una cantante canadiense de jazz-pop nació en Hampstead , Quebec . Admira a Stevie Wonder , Aretha Franklin , Ella Fitzgerald , The Beatles , Simon and Garfunkel , etc Le encanta la época de los 60's y 70's. [1] Se ha presentado internacionalmente en festivales de jazz y salas de conciertos importantes, tanto en solitario y junto a artistas como Wyclef Jean , Celine Dion , Marvin Hamlisch y El conde Basie Orquesta . Ella está involucrada en causas benéficas y ha lanzado su primer álbum de estudio en su propio sello, 440 espectáculos, y en Decca Records fuera de Canadá. Yanofsky cantó el himno nacional de Canadá en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Invierno 2010 en Vancouver . Ella también se realizó durante la ceremonia de clausura y la ceremonia de apertura Paralímpicos .






Yanofsky registró la de Ella Fitzgerald clásico "correo aéreo especial" para el sello Verve Records y fue lanzado en junio de 2007 en el álbum We all Ella Amor: Celebración de la Primera Dama de la Canción . Producido por Tommy LiPuma , esta canción hizo Yanofsky la cantante más joven jamás a grabar para Verve.

Nikki y se había registrado " Gotta Go My Own Way "en Inglés y Francés para Walt Disney gran éxito de High School Musical 2 . El tema fue incluido como material extra en el lanzamiento mundial de la Blu-ray , DVD y Soundtrack CD .

A raíz de eso, ella colaboró con premios Grammy , ganador músicos Herbie Hancock y Will.i.am (de El Negro Eyed Peas ) para grabar una versión crossover del era del swing golpe " Stompin 'at the Savoy ". Fue lanzado el Kareem Abdul-Jabbar 's de libros de audio, sobre los hombros de gigantes .

En septiembre de 2008, lanzó su Yanofsky de larga duración en el primer álbum, un CD / DVD titulado paquete de conciertos de Ella ... De ti me Swing. Con el apoyo de su compañía de producción, A440 Entertainment, Inc. y se distribuye en Canadá y Japón por Universal Music , que logró el aplauso de crítica y le valió dos premios Juno nominaciones en 2009: "Artista Revelación del Año" y "Jazz Vocal Album del Año ». Ella también ganó "artista de jazz favoritos" en el 2009 Premios de la Música Independiente de Canadá.

Compositores Stephan Moccio y Frew Alan eligió para cantar Yanofsky CTV tema de difusión de la Juegos Olímpicos de Invierno 2010 , " Yo creo ", que azotó las ondas de radio a finales de enero de 2010 y se jugó a lo largo de los Juegos Olímpicos en todos los medios de comunicación socios de la CTV.

Yanofsky grabó su primer álbum de estudio con 14 premios Grammy, el productor ganador Phil Ramone . [2] Junto con el álbum-el lanzamiento de "I Believe", que incluye algunos de Yanofsky la primera obra original-escrito en colaboración con Jesse Harris (de Norah Jones fama), así como compañeros de compositores canadienses Ron Sexsmith y Feist . Fue lanzado en abril de 2010 y será apoyado por una gira internacional.

"I Believe" alcanzó el número uno en el Canadian Hot 100 en la semana de febrero 27,2010. Esto la convirtió en la primera artista canadiense de tener una canción número uno en esa carta, ya que " Novia "de Avril Lavigne encabezó la lista en 2007.

Yanofsky comenzó su carrera como cantante profesional mediante la realización en el 2006 Festival Internacional de Jazz de Montreal . [2] Esta actuación la convirtió en la artista más joven nunca para encabezar en este festival. Ella ha regresado a este festival cada año desde entonces, culminando en 2009 con una actuación al aire libre muy especial para el 30 º aniversario del festival. Sus actuaciones canadiense otro festival incluyen Toronto ( Luminato y centro de la ciudad ), Ottawa ( Jazz y Blues ), Vancouver , Victoria, Quebec , Edmonton, Saskatoon , y Fredericton .

Sus apariciones en festivales internacionales incluyen dos visitas a Jamaica y El Jazz Festival de Blues, así como Ginza Festival de Jazz Internacional en Japón, donde ella jugó a una casa completa en Tokio histórica Kabuki-za .

El 8 de febrero de 2008 - décimo cuarto día de su cumpleaños - Yanofsky inició una gira por varias ciudades con el famoso compositor y director de orquesta, Marvin Hamlisch en el Carnegie Hall .

Esta gira incluyó presentaciones en otros lugares de la clase del mundo como el Avery Fisher Hall , también en Nueva York, así como el Centro Kennedy en Washington, DC Este tour también incluye paradas en Seattle, San Diego, Milwaukee y hasta su ciudad natal de Montreal. En noviembre de 2008 hizo su debut orquestal canadiense con la Orquesta Sinfónica de Edmonton , y desde entonces ha pasado a cantar con la Orquesta del Centro Nacional de las Artes para un homenaje a Oscar Peterson , así como la Orquesta Sinfónica de Saskatoon - ambas dirigidas por el pianista canadiense, el senador y Orden de Canadá oficial, los bancos Tommy .

Yanofsky ha realizado los canadienses y estadounidenses himnos nacionales en los eventos deportivos de varios incluyendo Montreal Canadiens en el Bell Centre , Ángeles Lakers de Los en el Staples Center , Florida Panthers en el BankAtlantic Center , uno de Montreal NASCAR evento en el circuito Gilles Villeneuve , la Grey Cup 2008 en Montreal Olímpicos Estadio y, más recientemente, tanto a la apertura y clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2010 en Vancouver, BC, Canadá. También el 22 de mayo 2010 de la Copa Stanley playoffs partido entre los Flyers de Filadelfia y Montreal Canadiens en el Bell Centre .

Otros lugares interesantes donde Yanofsky ha llevado a cabo son los Bell Centre , tanto para una aparición con Wyclef Jean, así como una actuación en solitario en el UNICEF se unen contra el Sida en los beneficios. Ella también se realizó un concierto privado para The Globe and Mail en frente de la Biblioteca de Celso en el 2000-año de edad ruinas de Éfeso en Turquía .

En julio de 2010, Yanofsky toco en Napa Valley Festival del Sole .

sábado, 21 de agosto de 2010

Los Xochimilcas- Cocula



Es necesario destacar la aportación hecha por un cuarteto fuera de serie. Hay que revalorar la labor de un grupo que se adelantó a su momento y, como suele suceder en estos casos, padeció la crítica de quienes no fueron capaces de comprender la profundidad de su exuberante talento. Me refiero al sesancional grupo Los Xochimilcas.

De 1940 a 1970 y un poco mas…Este grupo se destacó por su singular estilo para hacer la música ya que en aquellos tiempos el hacer música era algo muy serio que necesitaba de mucho estudio y preparación, (ahora aunque igual de serio el asunto hay mas libertad para crear cosas diferentes), en aquel entonces se tenían que cuidar muchos detalles, algunos tan simples como el hecho de que la gente no notara el momento de agarrar aire en el transcurso de una canción, parte de esto fue lo que hizo de este un grupo tan especial.






Pero cada uno de los músicos era extraordinario en su instrumento, por ejemplo, el contrabajista al que apodaban Glostora (nombre de un artículo para el pelo de aquel entonces), no solamente dominaba su instrumento sino que hasta se montaba realmente en él y al momento que tocaba se equilibraba, o en otras ocasiones en su papel de homosexual se bajaba del escenario para ir a sentarse en las piernas de algunos de los espectadores lo cual provocaba un alboroto en aquellos tiempos.

Pero el trompetista y vocal principal del grupo no se quedaba atrás; en cuanto a singularidad se refiere, en aquel entonces se hacían unos festivales (llamados festivales cerveza estrella) en la arena coliseo de esta ciudad, la cual no era un lugar muy pequeño que digamos, pues cuenta la gente que asistía a dichos festivales que el trompetista no necesitaba micrófono más que para cantar y que aún así con griterío del público y los otros instrumentos de los otros músicos, el con la pura potencia de sus pulmones inundaba el lugar entero con su sonido, incluso este músico llegó a ser considerado uno de los mejores trompetistas de aquellos tiempos.

En su estilo lo menos que había era seriedad, no queriendo decir con esto que el grupo no tocara bien, al contrario ellos también se distinguen por ser unos excelentes músicos en cualquiera de los estilos que fuera ya que a petición de la gente igual tocaban un Blues que un Twist que un Danzon o lo que fuera que la gente les pidiera, pero además cada uno de ellos destacaba en su instrumento sin dejar de lado la picardía y alegría que tenían a la hora de tocar.

El acordeonista siempre aparentaba estar de mal humor. Era el patiño. El baterista, siempre anclado por su instrumento, desbordaba energía y con frecuencia estaba del lado del personaje travieso. Por su parte, el trompetista era el típico genio musical: Muy inspirado pero también muy distraído.

El peso de la comicidad estaba a cargo del bajista. Este personaje era del planeta de Régulo y Madaleno pero con una diferencia notable y distintiva: era gay. Sí, también en esta faceta Los Xochimilcas se adelantaron a su tiempo. Ahora ya no llama la atención ver que en las compañías de comedia sea constante la presencia de algún actor que hace el papel de un gay.

Como verán Los Xochimilcas fue un grupo singular pero todo esto sale sobrando basta con oír algunas de sus tan variadas canciones para darse una idea de lo que estoy hablando. Por eso los invito a descargar este sensacional disco de edición especial de los fabulosos Xochimilcas.