martes, 31 de marzo de 2009

Kudai - Nada es Igual y LLevame

Kudai es una banda de música pop. Este cuarteto originario de Chile fue formado en 2001 como una propuesta infantil llamada CIAO: el poder de los niños, y que hasta 2002 tenía la misma formación: Pablo, Nicole, Tomás y Bárbara. Dos años más tarde regresan cambiando su nombre a Kudai, con un estilo mucho más orientado hacia el público adolescente, reformulación a cargo de su manager Pablo Vega y Gustavo Pinochet como productor musical. En 2006, Nicole Natalino se alejó de la banda y se integró a la ecuatoriana Gabriela Villalba.
En la actualidad, Kudai es una de las bandas adolescentes más populares en Latinoamérica y han ganado diferentes premios, entre los que se cuentan los Premios MTV Latinoamérica en categorías de mejor artista pop y mejor grupo, entre otras.


El grupo se remonta al año 2000, cuando fue organizada una banda tributo compuesta por niños que rindiera homenaje a la música italiana de la década de 1980. Esta banda que recibió el nombre de Ciao, produjo un sólo disco con relativo éxito. Desde ese momento, comenzaron a prepararse para un desafío posterior, siendo sometidos a clases de canto e interpretación musical de diversos instrumentos y trabajando bajo la producción de Guz (Gustavo Pinochet). Es justamente Guz el autor de todos los temas de la nueva banda de este cuarteto, que en 2004 reaparece bajo el nombre de Kudai que según ellos señalan es una adaptación del mapudungun kudai, "joven trabajador" (aunque en realidad esto se diga weche küdawfe y kudau sea una forma castellanizada de escribir küdaw, "trabajo"). Ese año lanzaron su placa debut "Vuelo". Su primer single, Sin Despertar, escaló rápidamente a los primeros lugares de los ránkings musicales chilenos. A comienzos del año 2005 lanzaron su segundo tema, la balada Ya nada queda, que también obtuvo gran éxito, al igual que su tercer sencillo, Escapar. En agosto obtuvieron un disco de platino por "Vuelo".

En septiembre de 2005, fueron nominados como "Mejor Banda Central" y "Mejor Nueva Banda Central" en los MTV Video Music Awards Latinoamérica 2005. En ese mismo mes, estrenaron su primer disco en formato DVD, que comprendía la gira 2004-2005 de la banda. Su disco fue editado en más de seis países y el grupo pasó a formar parte del catálogo de la casa discográfica EMI.

Desde comienzos de junio de 2006, se supo que la integrante de la banda Nicole Natalino había dejado a Kudai en medio de su gira internacional para regresar sola a Chile. El 21 de junio, la prensa chilena confirma la salida de la joven de la agrupación de manera definitiva por estrés y cansancio, aunque surgieron rumores de conflictos económicos y laborales con su representante, lo que coincide con la salida de la encargada de prensa y además, del cerebro y creador musical de la banda, Guz, por las mismas razones. Dichas especulaciones se confirmarían cuando Natalino entablara una demanda contra el manager Pablo Vega durante febrero de 2007 por "apropiación indebida".


A los tres miembros restantes de la banda chilena, Pablo, Barbara y Tomás, se les sumó la participación de la ecuatoriana Gabriela Villalba que tiene entre 4 y 5 años más que el resto. Gabriela participó como suplente de Nicole momentáneamente y en octubre de 2006 fue anunciada finalmente su inclusión oficial como miembro de la banda. Luego del oficialismo, regrabaron su última placa en estudio, Sobrevive con la voz de Gabriela, eliminando por completo la participación de Nicole Natalino. Con el relanzamiento se agregó un tema nuevo que compuso Koko Stambuk (antiguo miembro de Glup! y creador de otras agrupaciones como Supernova y Stereo 3).


Tras haber rechazado un ofrecimiento para la versión del año 2006, la banda se presentó con éxito en el XLVIII Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, el 24 de febrero de 2007 pese a las críticas negativas de la prensa especializada chilena y a un público difícil debido a las notables presentaciones de Gustavo Cerati y Ana Torroja.


A nivel latinoamericano, el grupo obtuvo gran éxito. El 11 de septiembre de 2006, Kudai obtiene el premio por Grupo latino del año en los premios Orgullosamente Latino 2006, con más de 300 mil votos, y el 19 de octubre siguiente, recibió una lengua en los Premios MTV Latinoamérica 2006, bajo la categoría Mejor artista pop, donde habían sido nominados para Artista revelación y Mejor artista Central. Al año siguiente, El 11 de septiembre de 2007, Kudai recibe tres nominaciones para los Premios MTV Latinoamérica 2007 en las categorías Mejor grupo o dúo, Mejor artista Central y Artista del año, ganando el premio regional Central y Pablo Holman recibió el premio al artista "fashionista" como el de mejor estilo de la gala.


A mediados de
2008, lanzaron su nuevo disco Nadha, por el cual ganaron dos trofeos en los Premios MTV 2008 como Mejor artista pop y Mejor grupo o dúo. Además, participaron en la campaña de Coca Cola para el lanzamiento del single Hoy quiero en Chile y en la banda sonora de la película de Disney, Bolt.

sábado, 28 de marzo de 2009

La Verbena Popular - Hiereme

La Verbena Popular nace en Monterrey, N.L. con la idea de amigos de juntarse a tocar, con la necesidad de expresar en canciones lo que cada quien tenia individualmente, empezamos a tocar y descubrimos que había magia entre nosotros para realizar cosas nuevas y proponérsela a toda la gente.

Considerado como estilo rockero, La Verbena Popular trata de satisfacer los gustos del público que los sigue, sin dejar el concepto que los ha caracterizado como guapachosos, alegre y fiestero. Se han compactado los estilos musicales de cada integrante. Por lo que el fusionarse se conforma una mezcla de música y letras que forman La verbena Popular.


Cada unos de los integrantes tienen un recorrido por los caminos musicales ya que han tocado con grupos de rock, en fiestas, han tocado banda, cumbias y lo que en su momento les exigía su trabajo musical, así trabajando o alternando con bandas como El Gran Silencio, Los Plebeyos, Los Cadetes de Linares y bandas por demás norteñas de México.


A continuación una charla con los integrantes de La Verbena Popular;
Todos tenemos una variada influencia musical, puesto que cada uno de nosotros viene de distintos grupos. En la Verbena Popular podemos encontrar a gente a trabajado tanto en grupos de rock, ska hasta en grupos populares, de cumbias, de fiestas, etc. No tenemos ningún problema con esto, puesto que ha servido para hacer una fusión muy diferente.


Se suponía que el grupo era de rock, pero como se escucha en el disco, no nos salió bien, jajaja... Pero nos ha gustado por que puedes escuchar desde un reggae, un merengue, un heavy-ranch, flamenco, ragge-cuambia, huapango, ballenato. Para definir nuestra música, no necesitamos complicarnos la vida, de cierta manera es muy sencillo, pues no queremos definir nuestra música como experimental, es música simple, con letras simples y alivianadas. Es una música "no comercial", sobre todo es muy digerible. En las letras, pretendemos manejar un lenguaje directo, que lo entienda desde un niñito hasta nuestras abuelitas...


Las letras de la Verbena Popular habla sobre cuestiones muy populares, tomando un lenguaje simple y narrativo. Hablamos sobre cosas cotidianas, de vivencias personales. El fiel reflejo de ello es el tema llamado "Cotidianidad". Tratamos de mostrar la realidad de las colonias populares de Monterrey. Simbolizamos las costumbres sobre los mercados.

La Verbena Popular ha sido muy bien aceptada en la sultana del norte. Para el tiempito que tenemos consideramos que si hemos sido acogidos satisfactoriamente por la raza. A pesar de que no tenemos el apoyo de un sello discográfico grande que nos respalde.


Hemos tenido la oportunidad de presentarnos en varios lugares, con distintos grupos de rock, de fiestas, de cumbias, inclusive hemos estado tocando con grupos como Los Plebeyos y Los Cadetes de Linares. Hemos alternado en varias ocasiones con Liquids, El Gran Silencio, Resorte, Zurdok, Jumbo, Cabrito Vudú, entre otros.


En Monterrey hay un fenómeno muy curioso, en el que se divide la música rock, un tanto fresca y juvenil y por otro lado, la música colombiana, guapachosa. Esta dividida en clases sociales y hemos tenido la oportunidad de ser tocados en ambas clases sociales, la alta y la baja.
En la Verbena Popular no nos interesa que solamente nos escuche la gente de dinero, sino que tambien nos escuche la que no lo tiene. Nos interesa que nos escuche la raza, que nos conozcan todos, y la prueba esta en que la ha aceptado todo tipo de gente. No nos interesa definirnos en un solo tipo de gente, queremos llegarle a todos.


Hace unos días nos presentamos por primera vez en el D.F., en un festival de raggae. Sentimos que fuimos muy bien acogidos por todos los presentes. Sinceramente nos sentimos muy contentos, pues nos estamos desvirginando en esta ciudad, tanto musical como espiritualmente, pues el raggae es una música muy espiritual.


En cuanto a los planes de volver a Distrito federal, te diré que tenemos pensado regresar en el mes de mayo, para poder promocionar ampliamente nuestro disco "MERCADO JUAREZ". Seguramente estaremos presentándonos en distintos foros para la música en vivo. Ojalá, tengamos una buena aceptación dentro del publico DeFeño.


Nuestro disco ya esta a la venta desde hace unos meses y la verdad es que nos ha ido muy bien. Estamos muy contentos con la respuesta de la gente. Además, tenemos el apoyo de una disquera independiente, en la cual nos sentimos muy bien apoyados. Hace un tiempito grabamos el video del tema "Mercado Sobre Ruedas", el cual esta en el mercado Juárez de la ciudad de Monterrey. Muy pronto estará rolando en canales de videos como MTV y TeleHit.

jueves, 26 de marzo de 2009

Kazumi Watanabe - Ring Of Life

Kazumi Watanabe (渡辺香津美) nació el 14 de octubre, 1953 en Tokio, Japón. Es una fusión de jazz y el rock instrumental guitarrista y compositor. Ha sido elegido Mejor Jazzman 24 veces en una fila por Swing Diario anual de la encuesta. Similares son los artistas intérpretes o ejecutantes de jazz Jamaaladeen Tacuma, John Scofield, Vernon Reid, Marc Bonilla, Trevor Rabin y Al Di Meola.

En 1979, se unió a un grupo de músicos innovadores como Ryuichi Sakamoto, Akiko Yano, Yukihiro Takahashi, Yasuaki Shimizu, Toshiyuki Honda y Shuichi "Ponta 'Murakami para formar la legendaria banda de estrellas KYLYN, haciendo un impacto en la escena musical japonesa . En otoño del mismo año, participó en la gira mundial de Yellow Magic Orquesta. Su gran éxito que el nombre Kazumi un reconocimiento internacional.


A lo largo de la década de 1980, trabajó con un elenco estelar de músicos establecido, incluyendo Tony Levin, Sly y Robbie, Wayne Shorter, Patrick Moraz, Marcus Miller, Richard Bona y Peter Erskine.


Aunque esporádicamente activo desde comienzos del decenio de 1990, su producción en el decenio anterior se considera algunos de los mejores instrumentales de jazz fusión de la época, informó con un mordisco y la variedad de enfoques. Su sal de la vida se libera en un formato de cuarteto en lo que era esencialmente una reunión de batería Bill Bruford 's tarde 70's conjunto Bruford, con el bajista Jeff Berlín y el tecladista Dave Stewart con Kazumi reemplazando Allan Holdsworth. A pesar de ello, la sal de la vida no es fácil Álbumes ser agrupados con los de una década antes Bruford.


Él es conocido por gran respaldo y el uso de guitarras por Steinberger y Paul Reed Smith.

martes, 24 de marzo de 2009

Roberto Alagna - abballati

Roberto Alagna (n. 7 de junio de 1963) es un cantante de ópera francés, con voz de tenor.
Proviene de una familia de emigrantes sicilianos. De joven, Alagna comenzó a cantar en cabarets parisinos. Influido por las películas de Mario Lanza y las grabaciones de tenores históricos, cambió a la ópera. Es un cantante sobre todo autodidacta, pero aprendió la mayor parte de su repertorio del contrabajista cubano y aficionado a la ópera Rafael Ruiz.

Después de ganar el Concurso Vocal Luciano Pavarotti, Alagna debutó profesionalmente en 1988 como Alfredo Germont en La Traviata con la compañía del Festival de Glyndebourne. Esto llevó a muchos compromisos en ciudades pequeñas de Francia e Italia, principalmente como Alfredo, un rol que ha llegado a cantar más de 150 veces.

Creció su reputación y pronto fue invitado a cantar en los mejores teatros como La Scala (de nuevo como Alfredo, bajo la batuta de Riccardo Muti) en 1990, Covent Garden en 1992 y en la Metropolitan Opera como Rodolfo en La Bohème.
Sus interpretaciones de Romeo en Romeo y Julieta de Charles Gounod en Covent Garden en 1994 lo catapultaron al estrellato internacional.

Alagna ha desarrollado una particular afinidad por la ópera francesa y los papeles italianos más líricos, aunque algunos observadores muestran preocupación para asumir un repertorio italiano progresivamente más dramáticos, como el rol titular de Otello.


Su primera esposa, Florence Lancien, murió de tumor cerebral en 1994; tenían una hija, Ornella, nacida en 1992. En 1996 se casó con la soprano Angela Gheorghiu. La pareja ha cantado junta en muchas ocasiones en el escenario y tienen varias grabaciones juntos, tanto de duetos como de arias y óperas completas. Los dos cantantes protagonizaron también la versión fílmica de la ópera de Puccini Tosca dirigida por el francés Benoît Jacquot.


Alagna abrió la temporada 2006-07 en La Scala el 7 de diciembre de 2006 con la nueva producción de Aida de Franco Zeffirelli. Al comienzo de la segunda representación (10 de diciembre de 2006) fue abucheado y silbado por el público sentado en el loggione (aficionados a la ópera que se sientan en los lugares más baratos de la Scala). El tenor abandonó el escenario. El papel de Radamés fue asumido inmediatamente por Antonello Palombi, que entró en el escenario vestido de calle, con vaqueros y camisa[1]. Más tarde, Alagna se disculpó aduciendo que quiso volver a entrar, aunque Palombi no le dejó.

Fue condecorado con la orden de la Legión de honor.

sábado, 21 de marzo de 2009

Soda Estereo - El Rito y Musica Ligera

Soda Stereo es una banda de rock argentina formada en Buenos Aires en el año 1982 por Gustavo Cerati (guitarra y voz), Héctor "Zeta" Bosio (bajo y coros) y Carlos Alberto Ficicchia (Charly Alberti, batería). Es considerada como una de las más importantes de la historia del rock iberoamericano.[1] En 1997 se disolvió por problemas personales y por diferencias de criterios artísticos entre sus integrantes. A fines de 2007 la banda anunció su regreso para realizar una única gira continental llamada Me Verás Volver en la que reunió a más de un millón de seguidores.


Cuatro de sus álbumes han sido incluidos en la lista de los 250 mejores de todos los tiempos del rock iberoamericano o latino: Canción animal (Nº 2), Comfort y música para volar (Nº 15), Signos (Nº 40) y Sueño Stereo (Nº 41).

Su canción "De música ligera" ha sido considerada la cuarta mejor de todos los tiempos, tanto del rock latino en general,[4] como del rock argentino en particular. [5] [6] Las canciones "Te hacen falta vitaminas" y "Nada personal" han sido consideradas la Nº 73 y Nº 74 respectivamente entre los mejores temas de rock argentino.

Los videos de "En la ciudad de la furia" y "Ella usó mi cabeza como un revólver" fueron finalista y ganador respectivamente del entonces único premio MTV a la música latina. El video "Cuando pase el temblor" fue nominado finalista del 12° "World Festival of Video and TV" en Acapulco.[7]
En 2002 recibieron el Premio Leyenda de MTV Latinoamérica por su trayectoria musical, el primero que entregó la entidad.[7] En sus catorce años de existencia continuada realizaron 1.488 recitales en 97 ciudades de 18 países de América y Europa.[8]


Comenzó su exitosa carrera en el año 1982 como herederos directos de la new wave y protestando por la pasada guerra de las Malvinas, el nombre Soda (por lo burbujeante) Stereo (por que sus oyentes podían encontrar dos canales complementados, uno: el de la calidad y el otro canal del Stereo fue la masividad) sonaba ridículo, así también como el sonido. Pero no le fue nada mal, ya que al poco tiempo fue contratada por conocidos bares de la época como: Zero (donde también tocaba Sumo, que en una ocasión subió al escenario Luca Prodan a tocar con ellos y donde una vez, charlando con sus integrantes, Roberto Petinatto, en ese entonces saxofonista de Sumo, les había augurado que serían Los Beatles argentinos), Einstein, Stud Free Pub, Le Paradise, Caras Mas Caras, Prakultural y la Esquina del Sol. "Nuestro debut fue en un desfile de modelos de la discoteque Airport, que quedaba cerca de donde ensayábamos en Buenos Aires. Nadie nos dio bolilla.


La segunda presentación sí fue importante, en un pub muy chiquitito. El grupo que tocaba en ese momento falló, y nos llamaron a nosotros justo cuando estábamos comiendo tallarines en la casa de Charly, que quedaba muy cerca." Contaba Gustavo Cerati sobre los primeros shows del grupo.


En el otoño de 1983, Soda Stereo le grabó un demo a un periodista deportivo llamado Marcelo Tinelli, uno de los primeros en difundir el comienzo del grupo en las radios. La primera presentación importante de Soda stereo fue en febrero de 1984, en Marabú donde también tocaron Los abuelos de la nada, Los Twist y Virus. Allí fue donde les ofrecieron un contrato. Y luego de poco más de un año de espera, llegó el primer disco llamado "Soda Stereo". Con el sello "Sony Music" y producido por Federico Moura, líder y cantante de entonces del grupo "Virus". La banda que tocó en el disco era: Gustavo en voz y guitarra, Zeta en bajo y coros, Charly en batería, Daniel Melero en teclados y "el Gonzo" de los Twist en saxo. En un disco que retrata con humor y percepción los valores de la naciente posmodernidad criolla: la obsesión por la silueta y el hedonismo (en temas como "Dietético" –título de su primer video clip, "Mi novia tiene bíceps", "Afrodisíacos"), la omnipresencia de la televisión (en temas como "Sobredosis de TV", "¿Por qué no puedo ser del jet-set?") y las tensiones de los últimos años de Guerra Fría ("Un misil en mi placard"). Zeta Bosio decía: "Entusiasmo e incertidumbre. No, incertidumbre no, entusiasmo. Alegría. Tocábamos, no iba a ver gente y estábamos grabando un disco. Con eso nos bastaba." Cerati decía "Federico Moura fue muy importante porque en la Argentina no se tenía ni idea de lo que era un productor artístico. Un disco caótico pero el placer de escuchar tu voz en un cassette era grande", acerca del primer disco, "Nuestra música es dietética. Tratamos de mantener los cuerpos sanos y las mentes desaceleradas. Proponemos la vuelta al baile". Con ese álbum, el trío pasó de promesa a revelación, que había vendido 40 mil copias y fue presentado en el teatro Astros en diciembre de ese año.

El show ofrecía una propuesta estética que ya se deslumbraba como novedosa: escenografía, vestuario y maquillaje perfilaban un estilo que haría historia. A fines de diciembre se presentaron en la Esquina del Sol y tocaron los temas: Afrodisiacos, Sobredosis de TV, Tele-K, Te hacen falta vitaminas, Danza rota, Ecos, Un misil en mi placard, Dema-Gogo (un tema inedito), Mi novia tiene biceps, Dietetico, ¿Porque no puedo ser del jet-set? y Vitaminas (bis).


Soda stereo seguía recorriendo el circuito underground de Buenos Aires. En junio de 1985 volvieron al Teatro Astros, con un escenario decorado con una playa de plástico, con palmeras, reposeras y demás elementos, respondendo irónicamente a quienes los tildaban de "plásticos" y "pasatistas". En julio, se presentaron en el Pinar de Rocha tocando los temas: El tiempo es dinero, Afrodisiacos, Nada personal, Vitaminas, Tratame suavemente, Estoy azulado, Ni un segundo, Un misil en mi placard, Tele-K, Cuando pase el temblor, Dietético, Jet-set y Sobredosis de TV. 1985 fue el año de su segundo disco, "Nada personal", donde llegó la hora de la consagración. El grupo, ya más cercano del dark The Cure que del pop burbujeante, mostró una rápida maduración. El bajista decía: "Sigue la alegría, pero con un poco más de responsabilidad. Empezamos a explorar sonidos". Luego el líder decía: "Con el avenimiento de las cámaras de reverberación y los trucos sonoros de los 80 empecé a aprender a hacer canciones". Y empezó a fotografiar con originalidad un momento cruzado de pasiones y soledades: "Comunicación sin emoción, una voz en off con expresión deforme" decía el tema central que le daba el nombre al disco. "Busco algo que me saque este mareo, busco calor en esa imagen de video. Nada, nada personal". El trabajo de imagen, un rubro en el que fueron claramente pioneros, les permitió darse a conocer mejor y más rápido. Soda fue uno de los primeros en darle tanta importancia a los videoclips. El de "Cuando pase el temblor" en el Pulcará de Tilcara (Jujuy) y al final en la presentación del disco en Obras ante más de 20 mil personas y junto a una orquesta (toda una innovación para la época y ganador del premio al mejor video conceptual en México), el carnavalito-pop de "Nada personal", los mostró como una banda de look ¿londinense? pero latinoamericana en esencia. "En nada personal nos pusimos las pilas e hicimos algo tremendo: queríamos conseguir un sonido grosso. Entonces llevamos un equipo de sonido para tocar en vivo y lo instalamos en el estudio Moebio. Eso contribuyó al salto de sonido". Decía Cerati. "Para los recitales tratamos de reunirnos con gente que tenga onda con nosotros, para que las cosas salgan bien o mejor de lo que esperamos, por eso hicimos videos con super calidad y nuestros discos suenan bien. Queremos centrarnos en lo que es la creatividad en sí". Luego, Alberti decía: "Me reuní con los chicos y empezamos a formar Soda Stereo y realmente me di cuenta de que se podía. La primera vez que me junté con ellos, el primer día, hablamos un rato y les dije: Nosotros vamos a cambiar la historia, vamos a hacer lo que ningún grupo ha hecho. Los tres confiábamos en el proyecto y éstos resultados son la recompensa de todo el esfuezo que hicimos". "No nos encabillamos en un género. Queremos divertirnos y no quedarnos quietos nunca". En marzo y en octubre, la banda se presentó en los festivales "Chateau Rock" y "Rock & Pop", respectivamente, y la popularidad del grupo se propaga. Ese último disco provocó la primer gira de Soda por Latinoamérica y comenzó una escalada que llegaría a posicionarla como la banda más popular y trascendente del continente. Fue la primer banda de rock argentino que tocaba fuera del país. "Nada personal fue una explosión en Argentina y entonces entre nosotros y Alberto Ohanian, el manager de entonces, decidimos viajar a Chile a ver qué pasaba. Fuimos a todas las radios, hicimos notas con diarios y revistas y estaban alucinados con nuestros peinados y maquillaje".


A principios de 1986 tocaron en el Teatro Radio City en Mar del Plata. En abril se presentan por primera vez en el mítico estadio del rock nacional Obras Sanitarias con invitados especiales como Fabián Von Quintero en teclados, Richard Coleman en guitarra y el Gonzo en saxo, donde tocaron los siguientes temas: Sobredosis de TV, Imagenes retro, Ecos, Si no fuera por, Juego de seduccion, Un misil en mi placard, Obsevándonos (satelites), Danza rota, Te hacen falta vitaminas, Afrodisiacos, Tratame suavemente, Cuando pase el temblor, Estoy azulado, Tele-K, Dietetico, Jet-set y Nada personal. También tocaron en un Festival llamado Rock in Bali, donde los temas Juego de seducción y El temblor los cantaron en inglés y donde presentan dos temas que serían incluidos en su próximo disco: Prófugos y Persiana americana. Y ese año llegó el tercer disco, "Signos". Uno de los mejores trabajos de Soda. Con temas clásicos como "Persiana americana" y "Signos". Con los siguientes músicos invitados: Fabian Von Quintero en teclados, Celsa Mel Gowland en coros, Richard Coleman en guitarra, Diego Urcola en trompeta, Pablo Rodriguez en saxo alto, Sebastián Schón en saxo tenor y Marcelo Ferreira en trombón. Para la crítica no solo fue un avance sustancial con respecto a su producción anterior, sino que significó el indudable talento de Gustavo Cerati como compositor, guitarrista y cantante y la definitiva cohesión de un trío que tenía más que ofrecer que antes. "Signos" fue disco platino en Argentina y doble platino en Chile. Cerati le contó a la televisión: "Signos fue el disco que más música pusimos, arrancamos de cero, es el más natural." Y también dijo que "El resultado de una ansiedad más tortuosa. Estaba solo y era un momento muy raro, nos costaba ver la belleza y lo tortuoso nos parecía lo más interesante. Vivíamos bastante drogados, parecía que estábamos lejos del arte y sin embargo fue uno de nuestros discos más profunfos, quizás porque no la estábamos pasando bien. Inaugura una parte épica del grupo con canciones como Prófugos"
En enero de 1987 volvieron a tocar al Festival Rock in Bali en Buenos Aires. También se presentaron en Superdomo (Mar del Plata) para el programa Musica Vinilo. En mayo de ese año ocurrió una trajedia. Soda se presentaba en una discoteca de San Nicolás, donde un derrumbe terminó con la vida de cinco chicos. Con una carga emocional muy fuerte aún sin digerir y un estado de ánimo algo apagado, una semana después van a tocar a Obras, con Daniel Sais en teclados, presentando los temas: Signos, Estoy azulado, Sin sobresaltos, No existes, Final caja negra, Juego de seduccion, Danza rota, El rito, Cuando pase el temblor, Persiana Americana, Sobredosis de TV y el Vita-set (Vitaminas - Jet-set).

En junio tocan en Superdomo (Mar del Plata). Cerati contaba: "Al principio nosotros teníamos como idea salir a tocar a todos lados, pero no pensábamos en Latinoamérica. Después nos llegaron noticias de que en Perú un tema estaba primero en el ranking, porque a un loco se le ocurrió pasarlo mucho por la radio, partimos a Perú... Así fue pasando, esa es la verdad". Contaba Cerati. El verdadero proceso de la conquista Latinoamericana la contó así Cerati: "No digo que no hubo ningún tipo de planificación, porque nuestro representante tomó aviones, fue, avanzó, ofreció. Pero el éxito real fue otro proceso: de Argentina saltamos a Chile, de ahí a Perú, a Paraguay; de Perú se contagió Ecuador, de ahí Colombia, como algo que sube por su propia presión". "No sé como sucedió, pero cuando volvimos a Chile fue una cosa increíble: se había producido realmente una sodamanía. Era una locura: mil personas día y noche en la puerta del hotel, actuaciones para 30 mil personas en pueblos desconocidos del Sur... En fin, una cosa que nos superaba por completo. Después tocamos en el Festival de Viña del Mar, básicamente porque The Police lo había hecho unos años antes. Pensamos: Bueno, no está tan mal, tiene cierto prestigio. Ese show de televisión lo vio todo Chile y buena parte de América Latina. Es como si te dijera acá ni Tinelli. Eso nos llevó a un lugar de popularidad increíble. Lo mismo pasó en Perú. En Venezuela tocamos en algunos lugares muy chicos. En México fuimos en tren de promoción. Cuando volvimos más tarde, pasó igual que en Chile: explotó". Zeta dijo: "Latinoamérica. Los viajes, las aventuras. Iba a ser una película, un documental, pero no alcanzó el presupuesto". En febrero de ese año participaron en el Festival Viña del Mar en Chile, en abril batieron récords de público debutando en Paraguay y a fin de año tocan en México para 36.000 personas en sus once recitales por todo el país. Ese año hicieron 22 shows en 17 ciudades latinoamericanas cerrando la gira ante 25 mil personas en Obras, dieron contenido al siguiente álbum del grupo, "Ruido blanco", con Daniel Sais como invitado, que dejó testimonio de cómo sonaba el grupo por entonces y también funcionó a la manera de un primer grandes éxitos.


Finalizada la gira llamada Signos Tour o Ruido blanco, en Junio de 1988 Soda viaja a Nueva York para grabar "Doble vida". Producido por Carlos Alomar, guitarrista puertorriqueño que había trabajado con John Lennon, David Bowie, Paul Mc Cartney, entre otros. Con hits como "En la ciudad de la furia" (con un video filmado en las calles de Buenos Aires y ganador como mejor video del año de la cadena televisiva MTV), "Lo que sangra (la cúpula)" y "Corazón delator" atrajeron más al público local. En cuanto a las presentaciones en vivo, tocaron en Superdomo (Mar del Plata), en el programa Badia y companía, en La puerta de Alcala, Mexico D.F en septiembre, en Monumental Plaza de Toros Monterrey, Nuevo Leon, Mexico en octubre, en Plaza de Toros Calafia Mexicali, B.C., Mexico en noviembre, en Buenos Aires, la presentación del disco, se celebró ante 25 mil personas en las adyacencias del estadio Obras, a principios de Diciembre del 88, con la participación de Alomar en guitarra y con varias pantallas de video. Los acontecimientos de desorden militar que tuvieron lugar durante ese fin de semana , no lograron opacar el brillo y esplendor de Soda. La lista de temas fue: Juego de seduccion, La ciudad de la furia, Lo que sangra (La cúpula), Estoy azulado, En el borde, El cuerpo del delito, Languis, Doble vida, Danza rota, Corazon delator, El ritmo de tus ojos, Pic-nic en el 4to "B", Final caja negra, El tiempo es dinero, El rito, Signos, Cuando pase el temblor, Sobredosis de TV. El 25 de diciembre tocaron en la disco La Casona y el 27 cierran el año en la avenida 9 de Julio tocando para el festival "Tres días por la democracia", el evento más multitudinario de la época en la Argentina, con un concierto ante 150 mil personas, donde primero tocaron, entre otros, Baglietto, Charly García, Ratones paranoicos, Fito Paez y Luis Alberto Spinetta. Juego de seducción, La ciudad de la furia, Lo que sangra (La cupula), Pic-nic en el 4to. B, Doble vida, Danza rota/good times, Corazon delator, El ritmo de tus ojos, Final caja negra, Signos y Cuando pase el temblor fueron los temas del recital que posicionó al grupo como la gran bestia pop de la década. Aunque 10 años después de grabar el disco dijo: "Escucho Nueva York, ahí es uno de los discos que menos me gusta, nuestro lado más funky y uno de los menos profundos a pesar de que tiene algunos clásicos".


La única novedad discográfica de Soda en 1989 fue el maxi "Languis" con sólo cuatro temas, tres de "Doble vida" y uno nuevo: "Mundo de quimeras". En ese año superan el primer millón de discos vendidos y emprenden su quinta gira por Latinoamérica, en la cual a los países ya visitados se le suma Estados Unidos. En octubre tocan en la gira Languis Tour o Mundo de quimeras Tour en Plaza de Toros Calafia Mexicali, B.C., Mexico.


El trío llegó a 1990 con su séptimo disco, "Canción animal", grabado y mezclado en Miami, Estados Unidos, un disco notable –para muchos el mejor- que lo acercó más que en ningún otro momento a las raíces del rock argentino. Con la vuelta al grupo de Daniel Melero y con músicos invitados como: Fabián "Tweety" Gonzalez y Andrea Alvarez. En ese momento Soda ya ocupaba un lugar en la música nacional que nunca pudo serle arrebatado. Con videos como "Cae el sol" y "de Música Ligera" al frente, esta obra posibilitó que la banda volviese a las rutas fuera del país, donde a los otros países se le suma Puerto Rico. Mientras, Cerati decía: "Es un disco más rockero. Es el reflejo de que somos un grupo pop, pero absorbimos la cultura rock. Donde más nos distorsionamos, uno de nuestros puntos más altos. Creo que es un disco muy de los ´90. Hay un espacio entre el pop y el rock and roll, Soda estaría en el medio de esos dos géneros, donde hay muchas influencias". Y como local en la ciudad de la furia siguió siendo especialmente fuerte: En octubre, Soda emprende la gira nacional mas espectacular que recuerde la historia del rock en Argentina, llevando durante dos meses a 30 ciudades del interior del país varias toneladas de equipos, dos escenarios móviles y una troupe de 70 personas a través de un recorrido de 14 mil kilómetros. En noviembre se presentan en Estadio Atenas La Plata. En diciembre cierran el año con una recordada presentación ante 45.000 personas en el estadio Velez Sarsfield donde tocaron los temas: En el septimo dia, Juego de seduccion, Hombre al agua, Un millon de años luz, Cancion animal, Sueles dejarme solo, De musica ligera, Lo que sangra (La cupula), Final caja negra, Corazon delator, En la cuidad de la furia, Entre canibales, Pic-Nic en el 4to. "B", En el borde, Te para tres, Cuando pase el temblor, Un misil en mi placard, Sobredosis de Tv y De musica ligera (bis). Luego la Gira Animal seguía por Punta del Este, Venezuela, Palacio de los Deportes (Mexico D.F.), Monumental plaza de toros Monterrey, N.L. (Mexico) en febrero, Auditorio del Estado Mexicali, B.C. (Mexico), Palacio de los Deportes Mexico, D.F, (Mexico) en marzo, en junio en un ciclo de 14 shows llenan el Teatro Gran Rex (otro de los récords históricos que logró Soda Stereo), donde tocaron: Hombre al agua, Sin sobresaltos, Un millon de años luz, Cancion animal, 7mo. dia, El rito, Tratame suavemente, No necesito verte, En el borde, Final caja negra, Corazon delator, No existes, Lo que sangra (La cupula), En la ciudad de la furia, Te para tres, En camino, De musica ligera, Cae el sol, I want you (She's so heavy), Cuando pase el temblor, Persiana americana, Profugos, Signos y Sobredosis de TV.


Y como testimonio de los recitales en el teatro, en el año 1991, fue editado el segundo maxi, "Rex Mix" con registros de esas actuaciones, un tema nuevo, "No necesito verte (para saberlo)" y algunos mixes. "Un pastiche dificil, una combinación un poco rara de canciones, pero un mundo nuevo. El paso previo a Dynamo". Decía Cerati acerca del disco de mixes. En cuanto a la gira animal, continúan shows en Colombia, Venezuela, producción de clips y cierran el año, nuevamente, en la avenida 9 de Julio al aire libre, pero esta vez en el cierre del ciclo de conciertos "Mi Buenos Aires Querido", en una de sus mayores hazañas, ante una multitud de 250.000 personas. Los temas tocados fueron: De musica ligera (introduccion), Hombre al agua, Sin sobresaltos, Un millón de años luz, Canción animal, (En) El 7mo. dia, Tratame suavemente, En el borde, Final caja negra, Corazón delator, No existes, Lo que sangra (La cupula), En la ciudad de la furia, Te para tres, En camino, Cae el sol, I want you (She's so heavy), Cuando pase el temblor, De musica ligera, Persiana Americana, Profugos, No necesito verte (para saberlo) y Sobredosis de TV. Luego, quizá para escapar de ese gigantismo que los abrumaba, Cerati graba su primer disco fuera del grupo. Uno a dúo con su viejo amigo Daniel Melero, que se llamó "Colores santos".


A principios de 1992, presentan shows en los estadios de las principales ciudades de Argentina (como el Estadio Mundialista de Mar del Plata). En mayo emprenden una gira a España con conciertos en Barcelona, Sevilla, Valencia y Madrid. Y el proyecto Soda Stereo siguió en pie. Tras la gira por España e insistentes rumores de su disolución, en septiembre, el trío se encerró en su propio estudio, se puso a jugar con las máquinas y la distorsión y surgió "Dynamo", el disco más áspero de su carrera (rock sónico), pero también uno de los más atractivos que, según la crítica, los ubicó nuevamente en una actitud de vanguardia. Con otra colaboración de Daniel Melero, Tweety Gonzalez y Flavio Etcheto, entre otros y más instrumentos como MPC-60, sampler, sintetizador y padanth voice. Sobre este período, dijo Cerati un tiempo después: "Decidimos cambiar el rumbo porque llegó un momento en que no quisimos seguir inflando más al monstruo que habíamos creado. Las 250.000 personas en la 9 de Julio fueron algo problemático porque, ¿adónde íbamos a ir después? Ya estábamos medio podridos y cansados del grupo y yo personalmente tenía pocas ganas de seguir. Pero después encaramos el desafío de no perder las ganas de hacer música. Juntarnos fue duro pero nos sorprendió lo que fue surgiendo. Fue una nueva experiencia, además de grabar en nuestro propio estudio. Por medio de la música surgieron las canciones y fue una puerta para hacer otras cosas. Los grupos más chicos ven a Soda Stereo como una punta para hacer cosas que no se hacen dentro del pop, entonces Soda Stereo está en el centro y eso es lo que nos asusta y con este disco nos corremos un poco al costado. Pero "Dynamo" no está por debajo de otros discos como "Nada personal" en cuanto a ventas". El disco fue presentado en Obras, los días 18, 19, 20, 22, 23 y 25 de diciembre de ese mismo año con un show soberbio, que incluyó un par de gestos simbólicos que hablan del espíritu inquieto que siempre movió al grupo. Primero: a la misma hora que Soda tocaba su disco en Obras, a apenas 10 cuadras de allí, en la cancha de River, Serú Girán concretaba su cacareada pero poco feliz reunión después de 10 años. Lo nuevo versus lo viejo: esa parecía la opción. Segundo: para números de apertura, el trío eligió a cuatro representantes de la –por entonces flamante- movida sónica. Babasónicos, Juana la Loca, Martes Menta y Tía Newton eran frecuentes animadores de la escena under de Buenos Aires, y su participación como teloneros de Soda Stereo les llegó como una bendición. Fue un gesto generoso que funcionó como doble legitimación, pues por un lado Soda presentaba en sociedad a sus herederos, y a su vez probaba que su brusco cambio estético tenía estrecha relación con el sonido de la nueva generación. Apoyado por un diseño de luces poco habitual (el estadio teñido de rojo y la coreografía –con bailarina y una gran pelota colorada- para "Luna roja" es una imagen que quedará en la memoria), pantallas de video atrás y en el techo del escenario, y un sonido también poco común para el lugar, Soda desafió a sus fans tocando casi todas las canciones de "Dynamo" y muy pocas de su viejo repertorio. Las bases secuenciadas, las capas, las capas de guitarras y las letras decididamente ambiguas generaban un clima hipnótico sacudido por furiosos golpes de electricidad que sólo daban tregua en los escasos momentos en que el trío decidía viajar al pasado con temas como "En la ciudad de la furia" o "Cuando pase el temblor". La lista completa fue: En remolinos, Primavera 0, Secuencia inicial, Juego de seduccion, Camaleón, Signos, Luna Roja, Toma la ruta, En el 7mo dia, Fue, En camino, Nuestra Fe, Cuando pase el temblor, Ameba, Claroscuro, La ciudad de la furia, Texturas, Hombre al agua y de Musica Ligera. Cerati, Zeta y Charly –más Tweety González en máquinas y teclados y Flavio Etcheto en trompeta y guitarra- sonaron con precisión de computadora y a un volumen brutal. Y pusieron al rock argentino en la órbita de los sonidos que –comprobaríamos más adelante- alimentaron la música de la década. Y luego vino otra gira por Latinoamérica: Paraguay, Chile, Venezuela y una gira de un més y medio, empezando en marzo, en México (en lugares como la Plaza de Toros Calafia Mexicali, B.C. o el Gimnasio Juan De La Barrera Mexico, D.F.) hasta abril de 1993.


Luego de "Dynamo", llegó "Zona de promesas" con mixes de los años 1984 a 1993 ("En la ciudad de la furia", "Cuando pase el temblor" y "Primavera 0", entre otros) y sólo un tema nuevo, el que le da nombre al disco. En 1993 la intención de continuar juntos no dio para mucho más. Cerati hizo su primer disco solista, "Amor amarillo", con la colaboración de Zeta Bosio, quien luego se dedica a la producción artística de grupos nuevos como "Aguirre" y "Peligrosos gorriones" y Charly Alberti produjo "Plum", el disco debut de su novia de entonces, la modelo Déborah de Corral. Entre ese año y el 94 el grupo estuvo virtualmente separado.
Pero cuando parecía que el final estaba decretado, a fines del 94 Soda se juntó de nuevo y Charly Alberti decía: "Nos reencontramos con ganas de tocar de nuevo para ver qué pasa". Y Cerati dijo: "Sueño stereo es un disco que nos engloba, que tiene guiños a todo lo que habíamos hecho antes. Nos aislamos de lo que estábamos acostumbrados en los últimos años, la familia, y nos encerramos como en otras épocas para hacer el disco porque si hacíamos las dos cosas (prestarle atención a sus familias y hacer el disco) al mismo tiempo nos hubiera llevado un montón de tiempo y hubiera sido un "Disco eterno" (nombre de uno de los temas del disco)". Y Zeta decía: "Este disco es el reconocimiento de que somos clásicos". Entonces, a fin de junio, Soda renació con un disco "autorreferencial", grabado en Londres y titulado "Sueño stereo", que a 15 días de su edición en Latinoamérica, se convirtió en disco platino. Esta vez con el sello "BMG", ya que en los últimos años no había buena relación con la gente de "Sony Music". Utilizando, además de los instrumentos de "Dynamo", violines, cello y la computadora que pasa a tener más importancia. Con videos como "Ella usó mi cabeza como un revolver" y "Zoom", el cual fue grabado con fans de Soda en el planetario. Y fue presentado en septiembre, nuevamente en un ciclo espléndido en el Teatro Gran Rex, llenándolo durante 9 días y con una crítica que los llenaba de elogios. Los temas que tocaron fueron: Planta, Disco eterno, Ella uso mi cabeza como un revolver, Danza rota, Juego de seduccion, Persiana americana, Terapia de amor intensiva, Entre canibales, Final caja Negra, Hombre al Agua, Crema de estrellas, El ojo de la tormenta, En remolinos, Primavera 0, Fue, Pasos, Signos, De musica ligera, Cuando pase el temblor, Zoom, Un millon de años luz, La ciudad de la furia, Paseando por Roma y Profugos. En Noviembre se presentan en la Plaza Moreno de La Plata ante 200.000 personas por el Aniversario de La Plata. Luego tocaron en Venezuela. Ese mismo mes tocan en el Teatro Monumental de Santiago de Chile.


En 1996 la gira por Latinoamérica continuaba en : Colombia, Perú, Honduras, Panamá, Costa Rica, México (donde tocaron en Parque fundidora (hoy auditorio coca-cola) Monterrey y en el Teatro Metropolitan de Mexico D.F.) en febrero y Miami (Estados Unidos) en marzo. Ahora sí, los tres podían dar por cerrado el círculo del primer sueño de sus vidas. Cuando finalizaba la gira de "Sueño stereo", Soda mostró una faceta poco conocida, la acústica, con una actuación en el ciclo "Unplugged" de MTV, en la ciudad de Miami el 12 de Marzo de 1996, que dejó un disco, "Comfort y música para volar" o "Soda Stereo Plugged" con estos músicos invitados: Tweety Gonzalez, Pedro, Diego y Ezequiel Fainguersch, Andrea Echeverry y Iain Baker. En el recital grabado en vivo, tocaron temas viejos como "En la ciudad de la furia" (en una nueva versión), "Entre caníbales", "Té para tres", los últimos temas: "Ella usó mi cabeza como un revólver", "Pasos" y "Ángel eléctrico" y tres temas nuevos: "Planeador", "Coral" y "Superstar". "¿Cuál es la joda de agarrar una guitarra acústica y tocar lo mismo que hacés con una guitarra eléctrica? Más que Unplugged, entonces, pensamos en algo cool, en versiones más aggiornadas de nuestras canciones sin traicionarles el espíritu". Decía Cerati. Zeta dijo después: "Una buena excusa para hacer un disco. Ya estábamos en otra etapa y había que reflejarla. La idea de Comfort y música para volar yo la asocio más con el placer que con el aburguesamiento". Luego de ese disco, todo se queda en un silencio solo interrumpido por versiones no oficiales de la separación del grupo. En octubre se presentan en el estudio de la radio argentina Rock & Pop.


En 1997, "No estábamos entusiasmados con seguir dando pasos juntos, pero no es una separación enemistada" dijo Cerati. "Una diferencia entre nosotros y otros grupos que se separan, es que nosotros no nos agarramos a trompadas." Decía Charly. "La disolución de Soda es atribuible en gran parte a la falta de comunicación entre nosotros. Y bueno, ya es tarde... Soda Stereo es Soda Stereo y nadie nos puede quitar esa condición. Cada grupo ocupó su lugar y Soda llegó donde tenía que llegar. Creo que cada uno entregó lo suyo. Yo cumplí todos los sueños de mi vida. Peleo por eso a morir, trabajo a más no poder, conozco mis miles de limitaciones, pero trabajo para conseguir lo que quiero. Soda somos tres personas. Yo no podría haber hecho nada si no hubiera tenido a un Gustavo Cerati ni a un Zeta Bosio, nada. Ni ellos sin mí. Definitivamente eso fue Soda Stereo: La unión de 3 personas inteligentes. Se trata de que esta separación sea lo menos traumática posible, porque no tengo ganas de pelear ni con Gustavo ni con Zeta, ni nada. Son como mis hermanos, crecí junto a ellos." Continuaba Alberti. Zeta Bosio dijo: "Nos parecía mentira que las cosas salieran tan bien, porque hacíamos lo que realmente sentíamos. En ningún momento adoptamos una pose y eso fue fundamental para que todo saliera como salió. Creo que se nos fue la mano. Llegamos mucho más lejos de lo que nos habíamos propuesto en un principio. No se muy bien lo que voy a hacer, pero voy a tratar de que explote algo. Realmente hay que tener mucha energía para armar una banda, y voy a esperar que esa energía llegue, no voy a forzar nada. No voy a borrarme. La música me fascina y no me quiero privar de semejante placer. En un momento nos dimos cuenta de que estábamos cayendo en el mismo vértigo que estabamos generando. Nos estaba comiendo. En nuestra vida, Soda fue algo muy mágico. Fuimos pasando situaciones muy difíciles y superándolas, yendo siempre a más". Entonces ahora sí las versiones son realidad, el grupo había anunciado su separación y para cerrar su exitosa carrera, en una gira monstruosa por las ciudades más importantes del continente y cerrando en Buenos Aires, el 20 de septiembre, grabó "El último concierto" en el estadio River Plate ante más de 70 mil personas, Cerati, Bosio y Alberti salían al escenario, luego de la ovación, el líder de la banda dijo: "Llegó el día , la hora, minuto, instante" para poner más expectantes a los tantos seguidores de Soda. "La lista de temas no intenta ser cronológica, sino más bien justa con todos los discos, pero fundamentalmente con las canciones. Quizás el que menos tocamos es el primero, porque la cercanía temática y sonora sería hoy un poco forzada. En cambio, Cancion Animal siempre ha sido un disco muy potente para hacer en vivo. Por eso es que le dimos una gran importancia. No en cantidad, pero sí en lugares de la lista". Decía Cerati acerca de los temas que compondrán el último recital del trío. "¿Cuál es la idea de este show? Es dejar una impresión, si pudiéramos, eterna." Charly Alberti dijo: "Puedo hacer cuarenta shows, no me importa. Para mí el último será sólo el de River. Ahí sí que no sé lo que me puede llegar a pasar." También habló después del último concierto en México. "Cuando estábamos tocando sentí la sensación de decir: bueno, no está tan mal, entonces, por qué me estoy separando? Pero me di cuenta de que esta gira va a ser así, porque como es la última vamos a tener otra sensación." Tocaron sus mayores éxitos de todas las épocas: "Cuando pase el temblor", "En la ciudad de la furia", "Persiana americana", "Signos", "Primavera 0", "Ella usó mi cabeza como un revólver" y muchos más, y cerrando el recital con "de Música Ligera" (con el cual salió un nuevo video grabado en ese mismo recital) y dando la famosa frase de Cerati: "No solo no hubiéramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo a nuestro alrededor desde el comienzo, algunos siguen hasta hoy. ¡Gracias... totales!". La banda más importante de Latinoamérica de todos los tiempos había ofrecido 1.488 shows, habían tocado en más de 20 ciudades del mundo y en la gira del último concierto convocaron a más de 250.000 personas.


Al poco tiempo después, Cerati explicó que el grupo no daba para más y que las relaciones estaban gastadas, pero la separación del trío fue en términos amistosos y les abrió nuevos horizontes, siempre ligados a la música. " No hay nada que me parezca tan importante como hacer una buena canción. Por otro lado, sé que funciono muy bien como administrador de energías. Además de las que yo genero, con mis composiciones o lo que sea, el hecho de utilizar energías ajenas y conformar algo es, precisamente, en lo que estuve inmerso todo este tiempo con Soda Stereo. Una cosa es que extrañe Soda, y otra es que extrañe esa energía. No me gustaría sentirlo, así es que ese aspecto social va a estar presente en lo próximo que haga, al revés de Amor Amarillo, que era bien para adentro". Decía Cerati ya disuelto el grupo. Hoy, Charly Alberti es empresario de informática, toca en el grupo tecno, "Audioperú" y pertenece al sello URL records. Zeta Bosio produce grupos nuevos en Sony Music. Y Gustavo Cerati comenzó su carrera como solista.

jueves, 19 de marzo de 2009

DJ Bobo - Chihuahua

René Baumann (Kölliken, Suiza, 30 de febrero de 1968), también conocido como DJ BoBo, es un exitoso músico de Eurodance.

Como un prometedor productor de música dance, su primer gran éxito vino con el single "Somebody Dance with me" ("Alguien baila conmigo"), que es similar en sonido a "Somebody's Watching Me", de Rockwell. El single llegó a ser número uno en China. Luego de eso, se rankeó bien con los singles "Keep on Dancing" ("Mantén el movimiento") y "Take Control" ("Toma el control").


René ha recibido diversos discos de oro y platino por sus canciones y ha alcanzado el éxito en Europa (principalmente Alemania y Suiza), Israel y Sudamérica. Las canciones más recientes de René son una desviación del Eurodance, pero él continúa produciendo decentes canciones de Eurodance como en "Moscow" ("Moscú", 2001), "No More Pain" ("No más dolor", 2003), y "Amazing situation" ("Vida asombrosa", 2005).

Uno de sus singles, "Chihuahua", fue usado en un comercial español de la Coca-Cola. En el 2003 fue relanzada debido a su gran éxito y pasó a ser el segundo single mejor vendido en el año a nivel mundial. En diciembre del 2004, la versión cantonesa de Chihuahua fue escrita por Wyman Wong como la canción principal del mismo producto. Esta versión fue cantada por Jony Yung.

En el 2004, como resultado del éxito de "Chihuahua", René fue galardonado con el Premio Suizo del Espectáculo en los premios Suizos, un evento anual dedicado a reconocer los grandes logros alcanzados por gente nacida en ese país.

En diciembre de 2007, la televisión suiza lo eligió como representante helvético para el Festival de Eurovisión Helsinki 2007 en el que interpretó "Vampires are alive". Aunque partía como uno de los claros favoritos para hacerse con la victoria, finalmente no pudo conseguir acceder a la final, alcanzando una decepcionante vigésima posición en la semifinal.

martes, 17 de marzo de 2009

Fania All Stars - Quitate Tu

Fania All-Stars es un grupo de música latina formado en Nueva York (Estados Unidos) en 1968 por los artistas más conocidos del sello Fania Records, a menudo aumentados por estrellas invitadas procedentes de otros sellos de música latina y de otros estilos. Aunque el sello fue vendido en 1997 (aunque editaba muy pocos discos al año durante su última época), la banda sigue reuniéndose periódicamente para realizar distintas giras.

El director artístico de la mayoría de las grabaciones de Fania All-Stars es Johnny Pacheco, fundador, junto con Jerry Masucci del sello. En 1968 Pacheco inventó una "superbanda" llamada Fania All-Stars ("Estrellas de Fania" en castellano) que agrupó a la élite de los músicos y cantantes de salsa para ejecuciones y grabaciones de grupo. En las filas de este super-grupo han militado algunos de los más importantes músicos de salsa y jazz latino de los últimos cuarenta años (en especial, los que han vivido en los Estados Unidos), provenientes tanto de las filas de Fania como de otros sellos. Entre las estrellas invitadas procedentes de otros géneros que han colaborado a menudo con Fania All-Stars están Manu Dibango, Jorge Santana (hermano de Carlos) y Eric Gale, entre muchos otros.

Más tarde Jerry Masucci compró la participación en la empresa Fania Records de su socio Johnny Pacheco y se convirtió en único dueño de la compañía y de muchas otros subsellos, entre ellos varios en Suramérica que él adquirió y creó, hasta su muerte en Buenos Aires en 1997.

La historia de la banda representa la ascensión y difusión de la salsa como etiqueta comercial para la música latina. El comienzo de la banda fue un evento promocional con varios artistas bien conocidos y estrellas invitadas de otros sellos, como Tito Puente de Tico Records y Eddie Palmieri, Ricardo Ray y Bobby Cruz de Alegre Records. El primer concierto de los All-Stars se grabó y editó en dos discos de larga duración: Live At The Red Garter, volúmenes 1 y 2, pero ninguno de los dos se vendió muy bien.

En 1971 el segundo concierto de la Fania All-Stars fue grabado y filmado en vivo, resultando en los volúmenes 1 y 2 de Fania All-Stars Live at the Cheetah. Esta grabación se convirtió en el álbum latino más vendido grabado en un solo concierto.

Después de sus conciertos en Puerto Rico, Chicago (Estados Unidos) y Panamá, la orquesta de Fania tuvo su primera actuación en el Yankee Stadium, con una capacidad de 64.000 espectadores, el 24 de agosto de 1973, con sus lumbreras principales. Antes del evento fue ambiciosamente pronosticado que el concierto iba a revolucionar la industria musical, como lo hicieron The Beatles en los primeros años sesenta y Woodstock en 1969. Material de su concierto en el Yankee Stadium y también de su concierto en el Coliseo Roberto Clemente de San Juan (Puerto Rico) constituyen la mitad de su grabación Latin-Soul-Rock (1974).

En 1974, la presentación de los All Stars en el estadio Statu Hai (con una capacidad de 80.000 espectadores) en Kinshasa (Zaire) fue grabada por Leon Gast y estrenada como la película Live in Africa en 1974 (distribuida en video en el Reino Unido bajo el título Salsa Madness en 1991). Esta representación zaireña ocurrió en el festival de música que se llevó a cabo en combinación con el combate boxístico por el título de los pesos pesados entre Mohammed Ali y George Foreman. La Fania All-Stars compartió tarima con Stevie Wonder y otros artistas muy conocidos.

La Fania volvió al Yankee Stadium en 1975, resultando en dos volúmenes musicales titulados Live At Yankee Stadium (1975), en la cual se destacaron los vocalistas de Fania y Vaya Records. Pero se debe dejar claro que la música en esos discos realmente corresponden a las grabaciones de la Fania en el Coliseo Roberto Clemente. El tema de Héctor Lavoe, "Mi gente", expresa esto claramente.

En la búsqueda del sello Fania por un mercado más amplio para la salsa llegó a un acuerdo con Columbia Records para grabar una serie de álbumes con la intención de cruzar géneros musicales norteamericanos con el sonido latino. El primer proyecto fue el acoplamiento de Steve Winwood con los músicos de los All-Stars reducido a una sección rítmica compuesta por Pacheco, Barretto, Roena, Marrero, Valentín y Lucca, para grabar el poco memorable Delicate & Jumpy (1976), estrenado por Columbia en los EE.UU. e Island Records en el Reino Unido. Por las mismas fechas, Island sacó en Gran Bretaña la colección del sello Fania titulada Salsa! y Live, también grabado por la Fania All Stars.

En 1976 la Fania All-Stars realizó su única presentación en el Reino Unido con un memorable concierto, que fue completamente vendido, en el Lyceum Ballroom de Londres, con Winwood como invitado especial.

A la vez que salían los discos editados a través del acuerdo con Columbia, seguían saliendo discos de la Fania All-Stars publicados por el sello Fania, como el tributo a Tito Rodríguez, que supuso la introducción por primera vez de Rubén Blades en los All-Stars. La serie de Columbia, que continuaba con poco éxito, estrenó el LP Rythm Machine, integrado otra vez con la sección rítmica de la Fania All-Stars, el pianista Bob James (productor ejecutivo) y el guitarrista invitado Eric Gale. Por su parte, Spanish Fever (1978) contó con los invitados Maynard Ferguson, Hubert Laws, David Sanborn, Gale y otros.

El año 1978 también vio el estreno de Live, un álbum de la Fania All-Stars, de nuevo producido por Fania Records, con una versión completa de la orquesta grabada en concierto en el Madison Square Garden de Nueva York en septiembre de ese mismo año. La última grabación de la serie con Columbia, Crossover, fue lanzada el siguiente año, a la vez que Havana Jam, en este caso por Fania, que proviene de un concierto histórico grabado el 3 de marzo de 1979 en La Habana, con los All Stars junto a Billy Joel, Rita Coolidge, Kris Kristofferson, Stephen Stills, Weather Report y las bandas cubanas Irakere y Orquesta Aragón.

Desde 1980 la Fania empezó a disminuir en popularidad, lo cual fue atribuido a una película que fracasó comercialmente, quejas por parte de los músicos por falta de incentivos y el fracaso de los tratos de distribución con Colombia y Atlantic Records para lanzar la salsa al mercado convencional norteamericano como había sido anticipado. Además, la escena salsera de Nueva York, a la cual Fania Records estaba inextricablemente unida, fue eclipsada por el merengue dominicano en la primera mitad de la década y, después, por el impulso de la salsa romántica que se puso de moda en los últimos años 80 y primeros 90.

Reflejando el deterioro de la compañía, los estrenos de la Fania All Stars disminuyeron casi por completo ya para los últimos años 80. Sus elepés entre 1980 y 1989 incluyeron un intento al jazz latino, titulado California Jam, y el particularmente débil Guasasa - Social Change (1981), con los músicos invitados Steel Pulse y Gato Barbieri, que resultó en otro fracasado intento de cruzar géneros musicales; Bamboleo (1988), que incluía la interpretación de cuatro éxitos de los Gipsy Kings "salsificados", y también los más robustos Commitment, Latin Connection, Lo que pide la gente y Viva la charanga.

Para celebrar el 20 aniversario de la banda se estrenó en 1986 Live in Africa, grabado en Zaire en 1974, y Live in Japan, grabado en el Japón en 1976. Los 30 años de Fania Records, fueron conmemorado en el 1994 con un gira de cuatro ciudades (San Juan, Miami,Cali y Nueva York) por los integrantes originales de los All Stars.

sábado, 14 de marzo de 2009

ILLapu - Negro Jose y Mande Mandela

Desde sus inicios en 1971, ILLAPU —Rayo en voz quechua— ha venido desarrollando un trabajo estético singular, innovador, experimental y bellamente concebido que se ha convertido al correr de los años en una propuesta musical y poética que sintetiza con fina sensibilidad los sueños y aspiraciones de varias generaciones.

La genealogía musical de ILLAPU se remonta a las raíces ancestrales del mundo andino. Desde esa fuente inagotable nacen sus construcciones armónicas y sonoras. El tiempo y el contacto con el mundo contemporáneo le han abierto a ILLAPU nuevos horizontes musicales y concepciones estéticas. Es así que la discografía de ILLAPU revela hoy una variada gama de sonidos, texturas, ritmos, melodías, atonalidades y polifonías armónicas que logran una amalgama única y característica imposible de separar.


ILLAPU ha cantado a los problemas emergentes y urgentes de Chile, de América y la humanidad. Sus canciones hablan de la vida, el amor, la justicia, la preservación de las fuentes culturales de América, de las contradicciones entre el ser y la naturaleza y las tensiones creadas por los procesos de modernidad. La mayoría de sus composiciones son escritas por sus miembros. No obstante, ellos también se nutren de la lírica de grandes poetas tales como Pablo Neruda, Mario Benedetti, Roque Dalton…


ILLAPU utiliza una gran variedad de instrumentos musicales de distintos orígenes. Los ancestrales aerófonos: zampoñas, quenas, quenachos, tarcas, sicuras, moceños, rondadores, trutrucas, pifilcas. El didjuridu de los aborígenes australianos, además de flauta traversa y saxofones. De los instrumentos de cuerdas de América Latina ejecutan bandurrias, cuatros venezolanos, charangos de Bolivia, tiple colombiano, el cabaquinho de Brasil, conjuntamente con guitarras electroacústicas, bajo electrico y teclados. Tocan además variados instrumentos de percusión tales como bombo legüero, cajones peruanos, congas, bongo, kultrún, djembe, percusiones latinas y batería.

es un grupo que experimenta y fusiona sus raíces latinas andinas con elementos del jazz, con las construcciones armónicas y contrapuntos de la música clásica, con la síncopa de la música afro-caribeña conjugando todo esto además con la inquebrantable fuerza telúrica del rock.


Sin duda que con su hacer estético, poético y musical, ILLAPU ha contribuido a ampliar la conciencia y los espacios musicales del mundo contemporáneo. Con su perseverancia y su fuerza creadora ha mostrado nuevos senderos a explorar. Es aquella síntesis —la mezcla de lo ancestral con lo nuevo, lo experimental y lo impredecible— lo que ha dado a ILLAPU el éxito profundo reconocido hasta hoy por su público.


En 1971, en el norte de Chile nace un grupo musical que explora, recopila, busca presentar y dar a conocer los instrumentos, ritmos y armonías tradicionales de la cultura andina… su nombre: ILLAPU.


En 1972 graban su primer álbum, el cual lanza al grupo a la escena nacional. Sus apariciones en televisión y en el Festival de Viña del Mar (1973), atraen la atención de los críticos y la aclamación del público por la frescura de su propuesta estético-musical.


Desde 1974 a 1976, ILLAPU concentra sus energías en el conocimiento de las tradiciones musicales de los pueblos del norte de Chile, las que plasman en sus discos “Chungará” y “Despedida del Pueblo”. En este último incluyen “Candombe para José”, canción emblemática que con los años adquiriría alturas míticas en el repertorio musical nacional, vigente hasta nuestros días. Este tema simboliza lo que se denominó el “boom de la música andina”, fenómeno que lleva esta tendencia a todos los rincones del país.


Un año más tarde, en 1977, reciben el “Premio Alerce” que los destaca como “El Grupo más Popular del Año”.


En 1978 realizan su primera gira por Europa, donde se presentan en Suiza, Alemania, Bélgica, Holanda e Italia. Son invitados a tocar en L’Olympia de París, en el Auditorium de la Sorbonne y en numerosos festivales.


De regreso en Chile y con toda la experiencia adquirida, ampliaron su trabajo hacia obras de largo aliento, tales como “Encuentro con las Raíces” y “El Grito de la Raza”, en la cual incorporan poesía, danza y otras expresiones artísticas.
En 1981, cuando regresaban de su segunda gira por Europa y Estados Unidos, la dictadura militar, vía decreto, les impide el ingreso al país, lo cual marca el inicio de un prolongado exilio en Francia y luego en México. En el plano artístico esto se traduce en una expansión de su trabajo instrumental y de su narrativa musical.


ILLAPU recorre la arena internacional, graba cuatro álbumes y en cada uno de ellos aporta nuevas ideas musicales que ayudan a acrecentar su carácter internacional. El grupo realiza conciertos en los más grandes escenarios de Europa, Estados Unidos, Canadá, Hong Kong, Africa del Norte. También en Australia, donde en 1987 recibe el premio “Media Peace Award” de la S.B.S. TV. Luego de radicarse en México, recorren gran parte de América Latina y el Caribe.
Las nuevas grabaciones, música para películas y las giras corroboran que
ILLAPU es un grupo que no sólo atrae al público chileno, sino que también cuenta con una gran acogida del público internacional.
A comienzos de la primavera de 1988, debido a la apertura democrática en Chile,
ILLAPU retorna finalmente a casa. Su odisea termina con el premio de ser recibido por más de cien mil personas en su primer concierto en el Parque La Bandera de Santiago. Aún en ausencia de la escena nacional, su popularidad había aumentado.

En 1991, el álbum “Vuelvo Amor… Vuelvo Vida” obtiene el primer Disco de Oro. Desde entonces, ILLAPU ha recibido innumerables premios de la crítica especializada. Ese año, la Asociación de Periodistas de Espectáculos, APES, les premia como “El Grupo más Popular del Año”.
Comienzan 1992 actuando en el Festival de Viña del Mar, escenario al que retornan después de 19 años. Son premiados una vez más por la Agrupación de Periodistas de Espectáculos, APES, como “El Grupo más Popular del Año”.

En 1993 el tema “Lejos del Amor” se mantiene cuarenta y seis semanas en el top de las preferencias radiales. Ese mismo año, la Asociación de Periodistas de Espectáculos, APES, les premia como “El Grupo más Popular del Año”, “Mejores Compositores” y “Disco del Año”.
ILLAPU es invitado en el año 1994 a la casi totalidad de los festivales de verano organizados en Chile y una vez más participan en el Festival de Viña del Mar donde se hace notoria la popularidad adquirida por el grupo.
En marzo de 1995, durante la entrega de los “Premios Top Treinta de la Música Nacional”, se les otorga cuatro premios: “Grupo del Año”, “Mejor Canción del Año”, “Productor del Año” y el “Grupo más Vendedor” de 1995. En julio del mismo año reciben el premio como “Mejor Grupo”, otorgado por el Sindicato de Radiodifusores de Chile, el cual demuestra el especial reconocimiento de la gente de radio por el trabajo realizado por
ILLAPU.
No sólo la prensa chilena ha recibido con admiración y calidez el trabajo de
ILLAPU, en el segundo semestre de 1995 la revista Billboard se refiere al grupo en un artículo que destaca: “ILLAPU confirma su estatus de artista más popular de Chile”. La revista publica un extenso reportaje sobre el mercado discográfico sudamericano y el importante lugar que el sexteto ocupa en él.
En 1996 el álbum “En Estos Días” se transforma en el disco más vendido en toda la historia de la música chilena, recibiendo su séptimo Disco de Platino. Con ese galardón la popularidad de
ILLAPU es reconocida no sólo por los críticos, sino también por el público tanto de las viejas como de las nuevas generaciones. Es aclamado una vez más en el Festival de Viña del Mar, al cual son invitados por cuarta vez.


En el año 1997, EMI y su catálogo Hemisfere lanza para el mundo el disco “Sereno”, una recopilación de las más importantes interpretaciones instrumentales del grupo.


Durante 1998, ILLAPU lanza su decimosexto disco, “Morena Esperanza”; además visita nueve países, sobresaliendo en esta gira los conciertos realizados en el Metropolitan de Ciudad de México y en dos eventos internacionales: “The World Next Door Festival” en Canadá y en la última feria del siglo, “Expo Lisboa 98″, en Portugal.


Durante el año 1999
ILLAPU continúa sus giras tanto en Chile como en el exterior, presentándose por primera vez en las Islas Canarias, España, y en Pasto, Colombia. Visitan nuevamente México donde actúan en la Feria del Libro de Guadalajara y en el Teatro Metropolitan de Ciudad de México y en Argentina, donde participan en el Festival de Cosquín, realizando además una serie de conciertos en varias ciudades, incluyendo Buenos Aires, donde tocan en La Trastienda.


De vuelta en Chile, participan junto a Los Jaivas en un multitudinario concierto llamado “Canto a la Pampa”, “donde los espíritus pampinos renacieron al son de las más de cuarenta mil voces reunidas en el corazón del Desierto de Atacama”, en el monumento declarado Patrimonio de la Humanidad, la Oficina salitrera Santa Laura.


El año 2000 comienza para ILLAPU con una larga gira de verano de gran convocatoria de público en sus conciertos, que los lleva a recorrer buena parte de la geografía de Chile, luego de lanzar su disco “Momentos Vividos”, álbum recopilatorio de los temas más importantes de la última decada, al cual invitan a participar a los cantautores Pablo Milanés de Cuba y al argentino Víctor Heredia. Son invitados de nuevo a las Islas Canarias y al Festival de Vic en Barcelona, España; se presentan en Perú, en el Estadio San Marcos de Lima y luego en el Cuzco.
En octubre
ILLAPU participa en el megaconcierto “Tengo un Sueño” organizado por UNICEF en Panamá junto a grandes figuras tales como Mercedes Sosa, Rubén Blades, Víctor Manuel, Leon Gieco y Daniela Mercuri entre otros.
Posteriormente viajan a México donde se presentan en el Teatro Metropolitan de Ciudad de México, en Cuatla y en Cuernavaca.
Finalmente
ILLAPU cierra el siglo con una visita a la milenaria China, realizando conciertos en Shangai y Pekín causando gran revuelo y admiración, transformándose así en el primer grupo latinoamericano en visitar este país.


Con una nueva gira de verano por todo Chile,
ILLAPU inicia el año 2001, conmemorando además tres décadas de canto con la edición de toda su discografía; descatalogadas algunas y otras inéditas como “El Grito de la Raza” y “Teatro de la Ville, Paris en vivo”. Luego vienen conciertos en Madrid, Berlin y Estocolmo.

En agosto participan en el Festival Latino de Nueva York, visitan Perú, como invitados estelares al concierto de celebración de los treinta años de Eva Ayllon, en el Estadio San Marcos de Lima.
En octubre
ILLAPU es invitado a México por Pablo Milanes, para participar junto a Fito Páez, Gal Costa, Milton Nacimento, Armando Manzanero, Joaquín Sabina, Maná entre otros, en el lanzamiento del disco “Pablo Querido” del cual forman parte con una versión muy especial del tema “Yolanda”, que interpretan juntos en el Auditorio Nacional de Ciudad de México.

El año 2002 ILLAPU lo inicia con la participación en el Festival de Viña del Mar, donde es invitado por quinta vez en medio de una nueva gira de verano. También es el momento del lanzamiento de un nuevo disco: “ILLAPU”, álbum homónimo que los muestra con su propuesta musical en plena vigencia y desarrollo.

Entre los hechos destacados vividos por el grupo durante 2003 es importante señalar que fueron nominados a los premios Luna en México junto a Mercedes Sosa y otras destacadas estrellas del espectáculo latinoamericano, sin embargo cuatro son los hechos más importantes: La presentación junto a Quilapayún e Intillimani en el Auditorium de México; las presentaciones en diferentes eventos de México y en el Zócalo del D.F; la exitosa participación en el festival “Todas las voces todas” en Quito - Ecuador y la obtención del “Premio Presidente de la República 2003″ en Chile, otorgado por “el enriquecimiento musical que el grupo ha realizado en torno a las expresiones tradicionales; por su capacidad creadora basada en tradiciones folclóricas, y -porque ha difundido el folclore chileno andino con gran repercusión en los medios nacionales e internacionales-”.


El año 2004 es para Illapu un año de proyectos; dió inicio a una activa campaña de promoción con una connotada participación en numerosos eventos de México, América y Europa.
Se presenta durante el mes de junio, en el marco del Proyecto SISMO, en Chile, en diferentes lugares compartiendo sus conocimientos y experiencia musical en clínicas con jóvenes escolares y músicos de las zonas visitadas.


Finalizada su participación en Chile, viaja a Perú para presentarse en Huancayo y Lima continuando su viaje rumbo a México para desarrollar un DVD y preparar sus presentaciones, que entre otros países, abarcarán Canadá, USA, Ecuador y posteriormente España, Alemania y Suecia.

jueves, 12 de marzo de 2009

Joselito - Guantanamera

José "Joseíto" Fernández Díaz (Barrio de Los Sitios, La Habana, Cuba, 5 de septiembre de 1908 - La Habana, Cuba, 11 de octubre de 1979) fue un músico y compositor cubano, autor de la conocida música de "Guajira Guantanamera", sobre versos originales de José Martí, con agregados suyos.

A los doce años cantaba serenatas con sus amigos del barrio. Años después, y sin poseer estudios musicales académicos, formó tríos y sextetos de aficionados, hasta que comenzó a cantar en varias orquestas típicas.

Durante su juventud trabajó como zapatero, vendedor de periódicos y otros múltiples oficios con los que debió sustentar a su familia.

Comenzó a trabajar en una estación de radio de Guantánamo hacia finales de la década de 1920, pero no fue hasta 1928 que logró reconocimiento al componer Guajira Guantanamera.

A partir de 1943 participó de un programa radial llamado “El suceso del día” narrando los sucesos sociales de la época, el cual se mantuvo en el aire durante catorce años.

En 1963 adquirió reconocimiento internacional a partir de la interpretación de su obra por el cantante estadounidense Pete Seeger, durante un concierto Carnegie Hall de Nueva York.

En 1971, Pete Seeger lo conoció personalmente durante su visita a Cuba y desde entonces sellaron una profunda amistad, hasta su muerte, ocurrída el 11 de octubre de 1979.