sábado, 30 de noviembre de 2013

Gregory Schechter's Klezmer Band- Live

Klezmer, hasta hace poco desconocido en este país, fue el nombre dado al músico viaja con bandas de judíos de toda Europa del Este en el cambio de siglo. Música klezmer era música de baile y la llegada de la klezmorium en la ciudad significó que los buenos tiempos estaban a punto de rodar!

El sabor distintivo de la música radica en su inusual combinación de fuentes. Combina las huellas de la música de Oriente Medio con elementos de canto litúrgico judío, junto con las influencias musicales de los Balcanes, Hungría, Polonia, Rusia y cualquier otro lugar donde los judíos se establecieron hace más de una generación o dos.  Los principales instrumentos Klezmer son el clarinete y el violín, en gran parte porque eran los más portátil.
        

En Gran Bretaña, Gregory Schechter formó el Festival Klezmer Band, reuniendo a algunos de los mejores músicos profesionales para formar un conjunto virtuoso. Gregory es un maestro del clarinete klezmer y es un medallista de oro de Rusia.
Menos de seis meses después de su primera actuación, la banda se preguntó por la BBC para filmar un documental sobre la música Klezmer, donde tomaron un papel protagónico. Ha habido una avalancha de interés en la banda, desde sus primeras audiencias nota han sido absolutamente encantados. Es imposible captar la atmósfera electrizante y la respuesta con la que la banda se ha reunido allí donde ha jugado!. Esta es una banda de verdad klezmorium - músicos profesionales entusiastas que realmente disfrutan de expresarse a través de esta música fascinante.
 
Gregory Schechter Klezmer Band jugar ejemplos de una variedad de Klezmer de toda Europa. Arreglos de Gregory vienen directamente de Rusia y Europa del Este y aportan un elemento contemporáneo, junto con auténticas melodías de baile de tempo. Gregory prefiere no tener un programa rígido, como le gusta el contacto personal que tiene con su público y prefiere hablar de cada pieza como el concierto se desarrolla.
 
"Es muy llamativo, muy animado y divertido!"
"... El Klezmer Band eran sensacional" John Shaw, BBC Radio Nottingham y Derby BBC Radio
Con la ayuda del Instituto de Música Judía, Gregory estableció a la banda en 1991, trayendo consigo toda su experiencia musical y de fondo de Rusia y de Israel.
Gregory's Band is usually a 5 piece, consisting of Clarinet/Saxophone, Guitar, Bass, Accordion/Piano and Drums. Banda de Gregory suele ser una pieza 5, que consiste en clarinete / saxofón, guitarra, bajo, acordeón / piano y batería. Some of these musicians also provide vocals. Algunos de estos músicos también ofrecen voces. This is the core of the band and all musicians are professionals who have played with Gregory for many years. Este es el núcleo de la banda y los músicos son profesionales que han jugado con Gregory durante muchos años.
Even though the band has regular members, Gregory may invite other musicians to join and enhance the sound of the performanA pesar de que la banda tiene miembros regulares, Gregory podrá invitar a otros músicos a unirse y mejorar el sonido de la actuación. The additional musicians could be, but not limited to, violinist, trumpeter or female singer. Los músicos adicionales podrían ser, pero no limitado a, violinista y trompetista y cantante.

sábado, 23 de noviembre de 2013

Vocal Universo- Acariciame

Cuando se les escucha parece estar uno en medio de las aventuras idílicas, donde los héroes eran hechizados por los cantos de sirena. Pero estas no son sirenas reales, al menos no como la imagen de los textos clásicos, son cuatro mujeres cubanas, con voces especiales sin nada que envidiarles a los míticos personajes de leyendas.
Ellas son Vocal Universo, uno de los conjuntos femeninos más versátiles del occidente cubano, definido no solo por sus peculiares timbres y sugerente repertorio musical, sino por una elegancia en las presentaciones que las autoproclama embajadoras del arte femenino hecho en Vueltabajo.

          

Kenia González Gómez, Anna Lee Carrete Ramírez, Yuliet Baños Díaz, y Martha Jacquelín Ramírez Torres, son las mujeres que defienden este interesante cuarteto de voces, dirigido por esta última, la más experimentada de las féminas que se encarga de tutelar y formar a la vez, el talento de las chicas bajo su mando.
Portugués, francés, español e inglés son algunos de los idiomas presentes en los temas interpretados por las muchachas, y dialogan de unos a otros con relativa facilidad. Gracia y armonía, así como distintivos y plurales tonos, caracterizan al grupo, que incursiona básicamente en lo mejor de la música de todos los tiempos.
Boleros, sones, guarachas, blues, jazz, forman parte de las piezas que las chicas fusionan con instrumentos, background, o simplemente exquisitas versiones a capella.
Melodías tradicionales y contemporáneas juegan en las voces de la cuatro, sin otro acompañamiento que la canción salida del alma. No importa siquiera lo difícil del ritmo, los registros de voces necesarios; ellas se las arreglan para salir ilesas hasta en el más delicado de los temas y lo hacen con su sello peculiar.
Nada da cabida a la monotonía en una presentación de Vocal Universo, las chicas se encargan de todo, y no solo de cantar; se mueven en el escenario lo mismo con el lirismo propio de una balada, que al compás contagioso de un son.
Las características de sus integrantes hacen que estas brinden un espectáculo con combinaciones vocales (dúos, tríos o solistas) acompañadas de piano, bajo, percusión y misceláneas o background.
Entre el repertorio a capella cuentan con los temas Son de la loma, La vie en rose, Ave María, Corazón coraza, The rest of your life, Veinte años, Drume Negrita, y Crazy.
Capullito de Alelí, Ruego a Yemaya, Bilirrubina, Su nombre es pueblo, Vamos a andar, Guantanamera, Hasta siempre, comandante, Lágrimas negras, y Yolanda, son otras de las obras interpretadas por el conjunto.
Y es que Vocal Universo se acerca, como mismo expresan sus miembros, "con el lenguaje de los sonidos vocales e instrumentales a los sentimientos más puros y nobles del ser humano".
Cuatro voces femeninas se confabulan
Vocal Universo es un cuarteto femenino perteneciente al catálogo de la empresa provincial co-mercializadora de la música y los espectáculos Miguelito Cuní, de Pinar del Río.
Cuentan con una destacada trayectoria para este 2013 cumplen 15 años de vida artística,  que incluye innumerables presentaciones en escenarios de la capital cubana y del extranjero como en Alemania, Mexico, Bélgica, Suiza y Holanda.
"Nuestra música realmente responde al nombre del grupo, Universo. Nos movemos en un espectro bastante amplio, desde temas de concierto, boleros, merengue hasta el canto coral. Disfrutamos mucho las interpretaciones a capella, pues nos permiten aprovechar al máximo nuestras capacidades", ha declarado su directora Jacqueline Ramírez a la prensa de su provincia.
"Recientemente terminamos las celebraciones por el 15 aniversario de la fundación del grupo, con un concierto en el teatro Milanés que nos regaló muchísimas alegrías. Ahora estamos en una fase de escalar alturas mayores, de ahí la importancia de estrechar vínculos y perfeccionar el trabajo con el trío de instrumentistas A Capriccio, quienes nos acompañan en presentaciones de gran formato", comentó también su directora.
VOCAL UNIVERSO comenzo a presentarse en un espacio fijo en la Capital de todos los cubanos. Los que asistan al Café concierto ADAGIO, adyacente al GRAN TEATRO DE LA HABANA podrán disfrutar de las voces de este cuarteto y apreciarán además sus potencialidades como pianistas, cantantes solistas, dúos y tríos , su trabajo a capella y con pistas.

sábado, 16 de noviembre de 2013

The Piano Guys- Beethoven's 5 Secrets

Los Chicos del piano son un grupo musical estadounidense formado por Jon Schmidt , Steven de Sharp Nelson , Paul Anderson y van der Beek Al.  Ganaron popularidad a través de YouTube , donde se publican de piano y violonchelo interpretaciones de canciones populares y la música clásica. En diciembre de 2011, lanzaron su primer álbum, titulado Hits Volume 1. [ 1 ] Su segundo álbum, Los Chicos del piano , alcanzó el número uno en la lista Billboard de la Nueva Era y gráficos Álbumes clásicos en 2012.

Paul Anderson era dueño de una tienda de piano en St. George, Utah . George, Utah . Se reunió con el músico Jon Schmidt ya que este último entró a preguntar si podía practicar allí para un próximo concierto. [2] Meses después, Paul Anderson y Tel Stewart (entonces sólo por diversión) comenzaron a hacer videos junto con Jon Schmidt . No pasó mucho tiempo después de que hicieron su primera colaboración con Jon Schmidt, Steven de Sharp Nelson, y Van Der Beek Al como el estudio y el técnico de la música.  Después de los cinco de ellos comenzó colaborando el grupo realmente comenzó a despegar, la producción de un video musical de cada semana y publicarlo en YouTube.
 
         


Varios de los videos de YouTube del grupo tiene más de 20 millones de visitas, mientras que todos ellos tienen más de 750.000 habitantes. [ 3 ] Al 29 de octubre de 2013, el canal de YouTube Los Chicos del piano 'cuenta con más de 293 millones de reproducciones de vídeo en total y alrededor de 2.125 millones de abonados.
Jon toca el piano de Steven y toca el violonchelo - tanto acústica y eléctrica La mayoría de las canciones están compuestas de varias pistas de audio que se mezclan entre sí. En ocasiones, se superponen los videos de las pistas de audio anteriores para dar la impresión de que muchos instrumentistas idénticos están jugando a la vez.

Michael Meets Mozart, En este video Jon y Steven juegan un original hip hop / clásico de mash-up que es reconocido por la variedad de efectos de sonido que producen.  De acuerdo con la descripción de todos los efectos de sonido fueron creados por ellas utilizando sólo los instrumentos que aparecen en el video (piano, cello, percusión boca y bombo) con más de 100 canciones grabadas.Fue creado como un homenaje al compositor de música clásica de Mozart y Michael Jackson .

El Cello Canción , This video [ 5 ] is an original arrangement and adaptation of JS Bach 's Unaccompanied Cello Suite No. 1: Prelude , by Steven Sharp NelsEste video es un arreglo original y adaptación de JS Bach 's Violoncello Suite No. 1: Preludio , de Steven de Sharp Nelson. While the original prelude is for solo cello, Steven adapted it for 8 cellos, with the addition of original material. Si bien el preludio original es para violonchelo solo, Steven adaptó para 8 violonchelos, con la adición de material original. It was posted to YouTube on June 14, 2011. Fue publicado en YouTube el 14 de junio de 2011. In the description, Steven explains he named it "The Cello Song" because it was what people actually called Bach's original piece since no one could remember its name. En la descripción, Steven explica lo llamó "The Cello Song" porque era lo que la gente llama en realidad original pieza de Bach, ya que nadie podía recordar su nombre.
Moonlight , Este video [6] muestra Steven de Sharp Nelson jugando Moonlight, una pieza que compuso para cello eléctrico inspirado en Beethoven 's Sonata Claro de Luna y la melodía de Beethoven 7th Symphony , segundo movimiento.Fue publicado en YouTube el 14 de julio de 2011.

Rock meets Rachmaninoff , Este video muestra Jon Schmidt jugando una versión moderna de Sergei Rachmaninoff 's Prelude in C # minor . De acuerdo con la descripción, Jon escribió esta canción cuando su hijo comenzó su primera banda e investigó la música en YouTube. Hay dos versiones de esta canción en YouTube, ambos cuentan con Jon Schmidt y una banda consistente en Chris Wormer, Joel Stevenett y Jake Bowen. En la versión original 'Rockmaninoff', el volumen de todos los instrumentos está bien equilibrado. El video también muestra la partitura de esta canción. Las partituras de muestra el volumen de juego como 'Pretty Dang voz alta ".

Cello Wars , Este video es una parodia de la guerra de las galaxias banda sonora y el cine.Fue publicado en YouTube el 2 de diciembre de 2011. Cuenta con más de 15,5 millones de visitas hasta la fecha.

 También utilizan la fuerza y de los sables de luz . Darth Vader ( van der Beek Al ) aparece en la película y después de la creación de una fuerza del viento , saca un acordeón para tocar la melodía de la cantina de Star Wars Episodio IV: Una Nueva Esperanza . Chewbacca también hace acto de presencia.  En el final del clip, Darth Vader y Chewbacca se ven a bailar juntos.

Beethoven 5 Secretos, En 2012 el Liceo Filarmónica American Heritage (Orquesta Juvenil), y su director, Kayson Brown, se acercaron con la idea de una pieza basada en quinta sinfonía de Beethoven.  La orquesta interpretó "Secretos de Beethoven" con los chicos del piano en YouTube que habían recibido 2.000.000 visitas en 2 meses de su lanzamiento. Fue OneRepublic 's Secrets con piezas de quinta sinfonía de Beethoven , un violonchelo y la cubierta de orquesta. La versión vocal cuenta con YouTube estrella Tiffany Alvord .

En septiembre de 2012 se anunció que los chicos del Piano se habían firmado por Sony.  Esto dio lugar a una liberación mundial del álbum Los Chicos del piano , seguido en 2013 por Los Chicos del piano 2 .

Discos

sábado, 9 de noviembre de 2013

Kraftwerk - The Robots

([ˈkʀaftvɛʁk], ‘central energética’ en alemán) es un grupo musical vanguardista alemán decisivo para el desarrollo de la música electrónica. Formado originalmente por Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970, adquirieron fama tras la incorporación de Wolfgang Flür y Karl Bartos.
 
Las técnicas musicales y los instrumentos introducidos por ellos son hoy básicos, sin embargo, fueron realmente innovadores en su tiempo. Por las experimentaciones realizadas y por constituir la base sobre la que luego se asentó el género, son considerados como los padres de la música electrónica, ya que fueron los primeros en tocar música basada íntegramente en la utilización de instrumentos electrónicos. Adoptaron un estilo original, no restringido a la experimentación sónica.
Tras sus primeros discos experimentales, en 1974 se hicieron famosos en todo el mundo con Autobahn cuya canción de veintidós minutos demostró su confianza con los sintetizadores. Después siguieron tres álbumes muy influyentes para la música pop: Radioactivity (1975), Trans-Europe Express (1977) y The Man Machine (1978). Fueron uno de los primeros grupos en usar únicamente instrumentos electrónicos, incluso procesaron con un Vocoder o generaron con un sintetizador vocalmuchas de las letras para intensificar el tono profético de su sonido.
 
                     
                           

Kraftwerk fue fundado en 1970 por Florian Schneider (flautas, sintetizadores, violín eléctrico) y Ralf Hütter (órgano eléctrico, sintetizadores). Los dos se conocieron como estudiantes en el conservatorio de Düsseldorf a finales de los 60, participando en la escena musical experimental de Alemania por aquel entonces, al cual, la prensa británica musical la nombró “Krautrock”.
El dúo había actuado originalmente en un quinteto conocido como Organisation. Este grupo lanzó un único álbum, llamado Tone Float (catalogado por RCA Records en Gran Bretaña) pero fue disuelta poco después. Las primeras formaciones de Kraftwerk de 1970 a 1974 fluctuaron, como Hütter y Schneider trabajando con alrededor de media docena de otros músicos durante el transcurso de la grabación de los tres primeros álbumes y apariciones en vivo esporádicas, más notablemente el guitarrista Michael Rother y el batería Klaus Dinger, que abandonó el grupo para formar Neu!.
La entrada, maestría, e influencia del productor/ingeniero Konrad “Conny” Plank fue enormemente significativa en los primeros años de Kraftwerk y Plank también trabajó con muchos de los artistas del panorama eléctronico alemán, incluyendo miembros de Can, Neu!, Cluster y Harmonia. Como resultado de su trabajo con Kraftwerk, el estudio de Plank cerca de Colonia llegó a ser uno de los estudios más solicitados a finales de los años 70. Plank co-produjo los cuatro primeros álbumes de Kraftwerk.
El lanzamiento de Autobahn, en 1974 vio a la banda separarse del sónido de sus primeros álbumes. Invirtieron en la más nueva tecnología como el Minimoog, ayudando a darles un nuevo sonido disciplinado. Autobahn también sería el último álbum que Conny Plank produciría. Después del éxito comercial de Autobahn, el grupó invirtió dinero para renovar su estudio. Esto significo que no volverían a confiar en otros productores externos. Por aquel entonces, el pintor y diseñador gráfico Emil Schult llegó a ser un habitual colaborador con el grupo, trabajando junto al grupo. Schult diseñó el arte de portada, además de componer letras y de acompañar al grupo en concierto.
La ya admirada formación clásica de Kraftwerk fue formada en 1975 para la gira de Autobahn. Durante este tiempo, el grupo fue presentado como cuarteto, con Hütter y Schneider unidos por Wolfgang Flür y Karl Bartos contratados como percusionistas electrónicos. Este cuarteto sería la personalidad pública del grupo para su renovada equipación de finales de los 70 y principios de los 80. Flür se había unido al grupo en 1973, en una preparación para una aparición televisiva para promocionar el tercer álbum de Kraftwerk.
Después del tour de Autobahn de 1975, Kraftwerk empezó a trabajar en un siguiente álbum, Radio-Activity. Después de una gran inversión para un nuevo equipamiento, su estudio Kling Klang fue ya un estudio de grabación entero. Se decidió que el nuevo álbum tendría un tema central. Este tema llegó de su interés en la comunicación radiofónica, que había sido realzada en su última gira por Estados Unidos. Mientras Emil Schult empezó a trabajar en el arte de la portada y en las letras para el nuevo álbum, el grupó empezó a trabajar en la música. Radio-Activity no alcanzó a su predecesor y fue menos exitoso en los mercados británicos y americanos. Pero abrió las puertas al grupo en el mercado europeo, obteniendo un disco de oro en Francia. Kraftwerk realizó varios vídeos promocionales y actúo en varias fechas europeas para promocionar su álbum. Con el lanzamiento de Autobahn y de Radio-Activity, Kraftwerk había dejado sus experimentaciones vanguardísticas y se había movido adelante hacia el pop electrónico.
En 1976, Kraftwerk comenzó a grabar Trans-Europe Express en su estudio. En aquel momento, una innovación técnica estaba ocurriendo en el estudio de Kling Klang. Hütter y Schneider habían comisionado Matten & Wiechers, un estudio de Bonn, basado en sintetizadores, para diseñar y construir un secuenciador musical de dieciséis pistas. El secuenciador musical controlaba el MiniMoog del grupo, creando el sonido rítmico del álbum. Trans-Europe Express fue mezclado en Record Plant Studios en Los Ángeles y buscaron la localización para tener una atmósfera estimulante. Fue por aquel entonces cuando Hütter y Schneider se encontraron con David Bowie en el estudio de Kling Klang. Una colaboración musical fue mencionada por Hütter, pero nunca se materializó. Kraftwerk había sido ofrecido para acompañar a Bowie en la gira Station to Station, pero la rechazaron. El lanzamiento de Trans-Europe Express fue marcado por un viaje en tren usado como una conferencia de prensa por EMI Francia. El álbum fue lanzado en 1977, Trans-Europe Express marcó la transformación completa del grupo a una banda de pop electrónico.
En mayo de 1978 Kraftwerk lanzó The Man-Machine, El álbum fue grabado en Kling Klang. Durante la grabación del álbum, el grupo se sentaría detrás de la consola de mezclas de Kling Klang y dejaron los secuenciadores y el equipamiento del estudio tocando melodías. Florian Schneider se levantaría y se movería hacia un sequenciador y lanzaría otra secuencia musical. Este fue el estilo de improvisación de Kraftwerk. Este proceso se repetiría hasta que las pistas se acumularon en canciones. Debido a la complejidad de la grabación, el álbum fue mezclado en Rudas Studio, en Düsseldorf. Los dos ingenieros de mezclas Joschko Rudas y Leanard Jackson, desde Los Ángeles, fueron encargados para mezclar el álbum. La portada del nuevo álbum fue producida en rojo, blanco y negro; y el arte de portada estaba inspirado por el artista ruso, El Lissitzky. La imagen del grupo en la portada fue fotografiado por Gunther Frohling. Mostraba al grupo vestido con camisas rojas y corbatas negras. Siguiendo el lanzamiento de The Man-Machine, Kraftwerk no lanzaría otro álbum hasta otros tres años más.
En mayo de 1981, Kraftwerk lanzó el álbum Computer World, en la discográfica EMI. El álbum fue grabado en el estudio Kling Klang entre 1979 y 1981. Se pasaron mucho tiempo modificando el estudio de Kling Klang para que el grupo lo llevara en concierto con ellos. Algunas de las vocales electrónicas fueron creadas con un juguete lingüístico de Texas Instruments. ”Computer Love” fue lanzado como un sencillo del álbum acompañado de un tema anterior de Kraftwerk llamado ”The Model”. Los DJs de radio estaban más interesados en la cara-b, así que el sencillo fue relanzado con ”The Model” como la cara-a. El sencillo alcanzó el puesto número uno en Gran Bretaña haciendo de The Model, la grabación más exitosa de Kraftwerk en el Reino Unido.
En 1983 EMI lanzó el sencillo Tour de France. El lanzamiento original de 12″ fue retrasado por la discográfica hasta tener suficientes noticias de un nuevo álbum. Al final EMI lanzó el sencillo de 12″ sin noticias de un nuevo álbum. Fue en ese tiempo cuando el grupo se dedicó al ciclismo. Ralf Hütter había buscado una nueva forma de ejercitarse. Kraftwerk decidió tomar en su nueva imagen, la imagen de la bicicleta. Tour de France incluía sonidos que seguían a este tema incluyendo cadenas de bicicletas, mecanismos de engranaje y hasta la respiración de un ciclista. Al mismo tiempo del lanzamiento del single, Ralf Hütter intentó persuadir al resto del grupo para que grabarían un álbum entero basado en el ciclismo. Los otros miembros del grupo no estaban convencidos. El tema se quedó solamente en el sencillo. La versión mas familiar de la canción fue grabada usando voces en francés. Esas voces fueron grabadas en el estudio de Kling Klang para crear la verdadera atmósfera. Durante la grabación de Tour de France, Ralf Hütter estaba invuelto en un accidente de bicicleta grave. Sufrió daños graves en la cabeza y se quedó en coma durante varios meses. Tour de France apareció en la película de 1984 Breakin’ mostrando la influencia que Kraftwerk tenía en la música dance afroamericana. Siguiendo la recuperación de Ralf Hütter de su obsesión por el ciclismo. Después del trabajo final en el álbum de 1986 Electric Café, volvió de repente al estudio Kling Klang.
Durante principios de los noventa, la agrupación de Kraftwerk cambio durante varias veces. En 1990 Fritz Hilpert sustituyó a Wolfgang Flür en la percusión electrónica y en los efectos de sonido, y a principios de 1991 Fernando Abrantes reemplazó a Karl Bartos en la percusión eléctronica y en los efectos de sonido. Después, en 1991, Abrantes fue de nuevo reemplazado por otro miembro más estable, Henning Schmitz. En 1990, después de años de ausencia de actuaciones en directo, Kraftwerk empezó a salir de gira por Europa de nuevo frecuentemente, incluyendo una aparición en el festival dance de 1997 Tribal Gathering, celebrado en Inglaterra. Durante el tour de 1998, Kraftwerk actuó en Estados Unidos y en Japón.
En julio de 1999 el single Tour de France fue relanzado por EMI después de que estuviera descatalogado hace unos años. Fue lanzado por primera vez en CD, añadiendo una reedición del sencillo en vinilo de doce pulgadas. Ambas versiones contienenen la portada modificada reemplazando los rostros de Flür y Bartos de los cuatro hombres ciclistas que posaban en la portada original. El single ”Expo 2000″ fue lanzado en diciembre de 1999. El tema fue remezclado y relanzado como ”Expo Remix” en noviembre de 2000. En 1999, el ex-miembro Wolfgang Flür, publicó su autobiografía en Alemania. Llamada I Was A Robot “yo fui un robot” En agosto de 2003, el grupo lanzó Tour de France Soundtracks, su primer álbum con nuevo material desde Electric Café en 1986.
En 2004 una caja titulada 12345678, subtitulada como The Catalogue, fue planeado para un lanzamiento. Iba a incluir ediciones remasterizadas de los álbumes del grupo desde AutobahnTour de France Soundtracks. Este objeto se planeo como un lanzamiento comercial. El objeto ahora solo existe como una copia promocional. Sin embargo, Ralf Hütter dijo en una entrevista a la televisión brasileña que Kraftwerk resumiría su trabajo en una caja una vez de que finalicen su tour 2008/2009, finálmente dicho pack se lanzará el 07 de septiembre de 2009 según ha confirmado EMI.
En junio de 2005. Minimum-Maximum, el primer álbum en vivo oficial del grupo, que fue grabado en la mayoría de los shows de la gira de 2004, recibió críticas positivas. El álbum incluye temas reconstruidos de sus álbumes de estudio existentes. Esto incluye un tema llamado Planet of Visions, que es un remix del temaExpo 2000. El álbum fue nominado a un Premio Grammy al mejor álbum dance/electrónico. En diciembre de 2005, el doble DVD Minimum-Maximum fue lanzado para acompañar al álbum, incluyendo imágenes del grupo interpretando en vivo los temas de Minimum-Maximum en varios lugares del mundo.
 
En abril de 2008 se vio al grupo volver en concierto por los Estados Unidos, incluyendo su concierto anunciado previamente en el Coachella Valley Music and Arts Festival. El 22 de noviembre, Kraftwerk fue programado para encabezar el festival Global Gathering en Melbourne, Australia pero fue cancelado a última hora por un problema de corazón de Fritz Hilpert A finales de 2008, se anuncia por medio la página oficial de internet de la banda Radiohead que Kraftwerk será la banda invitada por la banda inglesa para abrir sus conciertos en su gira por América Latina. Se presentarían en Ciudad de México, Chile, Brasil y Argentina.
 
Para 2009, la banda anuncia finalmente el lanzamiento de las versiones remasterizadas de sus discos entre los años 1974 a 2003, bajo el nombre de “El Catálogo” (Alemán: Der Katalog), en el cual lanzan dos versiones, con los discos en aléman (lanzado el 2 de octubre de 2009) y en inglés para el resto del mundo (5 de octubre de 2009), al igual que un Box-set en cd y en Vinilo (para su lanzamiento el 16 de noviembre de 2009). Entre las curiosidades que trae este nuevo compilado está el renombramiento del álbum Electric Café a su título original Techno Pop. 

sábado, 2 de noviembre de 2013

Lucha Reyes- La Tequilera

Mejor conocida como Lucha Reyes (Guadalajara, Jalisco, 23 de mayo de 1906 - Ciudad de México, 25 de junio de 1944), fue una reconocida intérprete de música ranchera mexicana.

Aunque de niña mostró su afición por el canto, el rasguear de su voz y el falsete característico que logró imponer en sus canciones en sus mejores momentos tuvo su auge a partir de los años treinta, cuando se especializó en temas del folclore mexicano. Aún era muy pequeña cuando quedó huérfana de padre. El apellido Reyes lo tomó del segundo esposo de su madre, quien se hizo cargo de ella hasta que llegó a la adolescencia. Durante sus pinitos como cantante, y en su estado natal, obtuvo el título de Reina del Mariachi, y poco después junto con su familia se trasladó a la Ciudad de México, donde habitaron una modesta vivienda en la colonia Morelos, pero la mala situación económica que en ese momento pasaban sus padres le impidió terminar su educación primaria; luego se integró al coro de la Iglesia del Carmen.
 
                          
 
Su carrera profesional se inició a los trece años, debutando en una carpa ubicada en la plaza de San Sebastián, cerca de su casa. Ahí con el paso de los meses llegaría a alternar con figuras de la comicidad como Amelia Wilhelmy, José Limón y los hermanos Acevedo. En 1920 viajó a los Estados Unidos para estudiar canto y desarrollar sus aptitudes como soprano, sin embargo, fue contratada para una gira por varios estados de aquel país, cosechando triunfalmente sus primeros aplausos. Precisamente durante ese recorrido conoció al periodista Gabriel Navarro, con quien poco después contraería matrimonio. Lucha estaba por tener a su primer hijo cuando sufrió un aborto. A partir de esta tragedia el hombre de su vida comenzó a tratarla despectivamente, trayendo consigo el inevitable divorcio.

Después de una larga temporada en los Estados Unidos y cuando Lucha regresó a México formó, junto con las hermanas Ofelia y Blanca Ascencio, el trío Reyes-Ascencio, aunque ya para entonces su adicción por las bebidas alcohólicas y sus continuos incidentes bochornosos durante sus presentaciones la llevaron a ser lanzada del trío y ser substituida por la cantante Julia Garnica (triunfando ellas como el trío Garnica-Ascencio durante sus presentaciones en el teatro Lírico y en las radiodifusoras de la época). A pesar de que Lucha se sentía desilusionada por el rechazo de sus compañeras, en 1927 reinició su búsqueda de la fama, uniéndose al Cuarteto Anáhuac, con el que realizó una gira por Alemania, integrándose a la vez a la compañía de Juan Nepomuceno Torreblanca. Estando en Berlín, capital alemana, Lucha pescó una fuerte infección de garganta que la hizo retirarse durante un año de su actividad como cantante, pero la falta de dinero y las preocupaciones la hicieron retornar a la actividad. Lo inesperado fue que debido a la infección sufrida su voz se tornó rasposa y desgarrada, imponiendo un estilo agresivo a sus interpretaciones, con el que lograría una plena identificación.

A partir de 1928 Lucha Reyes emprendió por el sendero de la interpretación vernácula de manera solista. Un año después inició su mejor etapa como artista, creando un estilo personal y logrando sonados éxitos como "La Tequilera", "¡Ay Jalisco no te rajes!", "El Corrido de Chihuahua", "El Herradero", "La Panchita", "Traigo un amor", "Juan Colorado", "El Castigador", "Rayando el sol", "Caminito de Contreras" y más. En 1930 el empresario Frank Founce la contrató para varios conciertos en el escenario del teatro Million Dollar, de Los Ángeles.

Aunque Lucha no poseía una gran belleza, su rostro y presencia llamaron la atención de algunos productores de cine, incluyéndola en películas como Canción del alma (1937), al lado de Vilma Vidal y Rafael Falcón; La tierra del mariachi (1938), con Consuelo Frank; Con los dorados de Villa (1939), con Domingo Soler, Pedro Armendáriz y Susana Cora; El zorro de Jalisco (1940), con Pedro Armendáriz y Emilio “el Indio” Fernández; y ¡Ay Jalisco, no te rajes! (1941), con Jorge Negrete y Gloria Marín.

Lucha Reyes causaba tumultos en los lugares donde se presentaba. Colocada como el centro del escenario y con una botella de tequila en la mano, cantaba de manera espectacular. En cierto momento levantaba la botella y le daba un grueso trago que servía para sacar la voz cuando sentía que se le hacía un nudo en la garganta. En los últimos años de su vida, comenzó a buscar el alcohol como bebida esencial. En ocasiones su borrachera estaba tan acentuada que le impedía salir al escenario a pesar de ser la figura principal de la compañía y los espectáculos del empresario Paco Miller.

Desde la segunda semana del mes de mayo de 1944, Lucha Reyes arrastraba una profunda depresión que se había manifestado tras la muerte de la señora Francisca Cervantes, madre de su primer marido, también fallecido. La pena acumulada le había afectado de tal manera que ni el tequila ni otras bebidas alcóholicas a las que se había aficionado le hacían olvidar su tristeza. El público que asistía con gusto a los teatros y a las carpas a disfrutar de sus actuaciones, sabía que para acentuar su característica voz rasposa acostumbraba, como parte de su presentación, tomar un grueso trago de tequila, pero esta afición en los últimos meses de su vida se le convirtió en una enfermedad que la estaba consumiendo, llevándola (en las dos semanas siguientes a la muerte de su ex suegra) a encerrarse en su recámara para tratar de soportar la tristeza, acompañada desde luego sólo con una botella de ardiente tequila.Lucha ya había perdido las ganas de vivir, sin importarle que su hija María de la Luz Martínez Cervantes, de once años de edad, también estuviera sufriendo viéndola como se destrozaba físicamente.

Pese a ello, el 23 de junio, las actitudes de la cantante hacían suponer que ya se estaba recuperando su ánimo de vida. Había dejado de beber y aunque su andar era con paso inseguro, su hija confiaba en que los diez día anteriores de tristezas habían terminado. Para Lucha, que con lentitud deambulada por el interior de su casa, contrariamente apenas empezaba su verdadera tragedia. Trataba de mantener la lucidez de sus pensamientos, que en momentos la hacían refugiarse en una silla o sillón en busca de reflexiones. Había llamado a su hija para mandarla a la botica en busca de un frasco de medicinas. María de la Luz nunca imaginó que esos barbitúricos servirían para que su madre pusiera fin a su existencia. Por el contrario, creía que los barbitúricos serían un remedio para aliviar ese amargo sufrimiento

A las 13:00 horas del 24 de junio, Lucha Reyes (que aún mantenía vigente la pena por la pérdida de su ex suegra) se encontraba sola en su alcoba, sostenía el frasco con las pastillas que minutos antes le había comprado su hija. Destapó el recipiente, y una por una fue ingiriendo veinticinco de las cuarenta tabletas que contenía, mismas que al mezclarse con los residuos del tequila bebido en días anteriores multiplicaron su efectividad. Aún consciente de todo lo que hacía, colocó el frasco con el resto de las pastillas sobre una mesa, cerró los ojos y suspiró antes de acostarse para conciliar el sueño. Sabía de antemano que una vez que entrara el letargo jamás volvería a despertar. Empezó a buscar el descanso eterno que llegaría un par de horas después.

A las 16:30 horas, aún inconsciente y con los signos vitales débiles, Lucha Reyes llegó a un hospital de las calles Durango y Monterrey. Ahí varios médicos trataron de arrebatarla de la muerte. En un esfuerzo admirable, los galenos le aplicaron varios lavados intestinales intentando detener la acción mortal de la sobredosis de barbitúricos. Varias horas permaneció en observación sin que lograra salir del estado comatoso de gravedad en el que se encontraba. Según el reporte médico le fueron aplicados cuatro lavados estomacales, además de inyectarle Estricnina y Coramina, tratando con ello de anular el efecto de las pastillas. Así mismo se le colocó una mascarilla con oxígeno y se le aplicó una tranfusión sanguínea. Por desgracia, todos los esfuerzos fueron inútiles. A las 02:20 horas del 25 de junio de 1944, sin haber salido de su larga agonía, Lucha Reyes dejó de existir. El procurador de justicia autorizó la dispensa en la autopsia del cadáver para que Carmen Reyes y Manuel Flores trasladaran el cuerpo de la admirada cantante hasta una agencia funeraria. Durante todo ese día, y en las primeras horas del día siguiente, la capilla ardiente donde fue colocado el cuerpo de Lucha Reyes estuvo visitada por un numeroso público, cuyo único fin era despedirse de la cancionera. En el Panteón Civil de Dolores, donde serían trasladados los restos el día 26, estaba reunida una multitud de personas en espera del féretro. Hasta ahí llegaron las más famosas cancioneras de la época y algunos de sus más fieles amigos, entre ellos Matilde Sánchez "La Torcacita", Jorge Negrete, Pituka de Foronda, Mario Moreno "Cantinflas" y varios artistas del Cabaret Casablanca. En la agencia funeraria antes de que el féretro fuera cerrado para siempre, el escultor y pintor Arturo Garres, admirador y amigo fraterno de la artista, sacó una mascarilla de su rostro con el que esculpiría una escultura. Minutos después el ataúd fue trasladado al Panteón, y bajo los acordes de "La Tequilera", "Guadalajara" y "La Panchita", rúbricas musicales de Lucha Reyes, fue sepultado en una tumba del lote de actores.