Barbarito Díez fue un cantante cubano de danzones. De raza negra, poseedor de una voz «insólitamente hermosa»,[1] es un ícono obligado en la evocación musical de La Habana romántica de los años treinta.
Bárbaro Diez Junco se llamaba este singular cantante, nacido en Bolondrón, provincia cubana de Matanzas, un 4 de diciembre. Pero aquí empiezan las controversias. En todas partes reza que Barbarito había nacido en 1909.
Sin embargo, conservo la transcripción de una entrevista que se le hiciera al propio artista –transcripción publicada en la prensa cubana- donde él explica: Yo nací el Día de Santa Bárbara de 1910. ¿Se fijaron? ¡1910! Y dicho por él mismo. Ahora, vaya usted a saber si la inscripción de nacimiento dice otra cosa y por eso se concuerda en fijar el año de 1909. Aunque nació en Bolondrón, como su familia se trasladó en 1914 para el poblado de Manatí, entonces en la provincia de Oriente, a Barbarito Diez se le reconoce como hijo de ese pueblo, que hoy pertenece a la provincia de Las Tunas. En 1930, Bárbaro Diez Junco se va a La Habana y allí, impulsado por el trovador habanero Graciano Gómez, canta con el Septeto Matancero y el Quinteto Selecto, donde Graciano era guitarrista.
Según el investigador cubano Cristóbal Díaz Ayala, el Septeto Matancero grabó dos discos para el sello Brunswick el 23 de junio de 1930, por cierto, editados ya en el CD Fly 7003, y donde se supone que Barbarito era el cantante. Serían estas las primeras grabaciones suyas, pero no lo he podido confirmar. Barbarito Diez estuvo luego en varias orquestas, por los años treinta, pero su consagración se produce desde 1937, cuando entra a la orquesta del famoso pianista danzonero cubano Antonio María Romeu.
Con ella inicia una extensísima carrera discográfica, que continúa luego de la muerte de Romeu en 1955. El hijo del maestro, de igual nombre, seguirá acompañando a Barbarito en una serie de discos LP de la firma cubana Panart titulada Así bailaba Cuba, donde lleva al estilo del danzón canciones y boleros de todos los tiempos. Barbarito no era de los cantantes que bailaban mientras actuaban. Se mantenía estático ante el micrófono, sin un solo gesto corporal. Él decía: A mí me pagan para que cante, no para que baile.
Actuó en varios países. Estuvo en México en 1985 con la orquesta de Guillermo González Rubalcaba. Pero su éxito grandioso se produjo en Venezuela, donde viajó en cuatro ocasiones, entre 1980 y 1985. Minado por la diabetes, Barbarito Diez murió en La Habana, el 6 de mayo de 1995.
Akwid es un grupo mexicano de música rap. El grupo está formado por los hermanos Francisco y Sergio Gómez originarios de Jiquilpan, Michoacán, México.
Los hermanos Sergio y Francisco Gómez, mejores conocidos como Akwid, se convirtieron en sinónimo de un éxito rotundo sin precedentes en la industria de la música latina. En menos de un año desde el lanzamiento de su álbum debut “Proyecto Akwid” con Univision Records, mismo que vendió más de 300,000 unidades en los EEUU y obtuvo un disco de platino latino certificado por la RIAA, el nombre de Akwid incitó una euforia pública y la ovación de la crítica especializada.
El nombre del grupo se debe a la unión de Ak, como se conoce a Sergio, y Wikid, como se conoce a Francisco.
Comenzaron en 1997, haciendo mezclas del hip hop con música de banda, estando grabando en disqueras independientes.
Con escaso apoyo radial, Akwid se convirtió en no sólo un fenómeno musical, sino que también en una realidad cultural y lingüística del nuevo rostro de Norte América, una cuna bicultural y bilingüe inigualable en el planeta. Sin duda alguna, en el 2003, Akwid representó la voz de una población floreciente de jóvenes latinos en la Unión Americana con su fusión singular de instrumentos de viento de la música Regional Mexicana y los ritmos densos del Hip Hop afro americano.
Mientras que la mayoría de las radioemisoras de los EEUU se mostraron renuentes a programar su música, Akwid, sin darse nunca por vencido, continuó trabajando arduamente en seguir edificando una base sólida de seguidores y nuevos aliados en ciudades de toda la Unión Americana. La noticia del nuevo género musical iniciado por los hermanos se esparció de manera sorprendente y en sólo cuestión de meses ya los solicitaban para presentaciones en México, Centro y Sudamérica, y recientemente España. El suceso comercial de Akwid lo corroboran las diversas nominaciones que recibieron en el 2004 a premios de la industria, entre ellos la nominación al Grammy como mejor “Album de Rock Latino/ Alternativo del Año”, dos postulaciones al Premio Lo Nuestro en la categoría de música urbana y recientemente tres nominaciones al prestigioso Latin Billboard Music Award.
Anja Rupel (nacido 19 de marzo, 1966) nacida en Eslovenia , es una cantante de pop , compositora, radio locutora y periodista.
Anja ha participado en la música desde la infancia. Desempeñó la flauta desde hace más de diez años. En 1982, comenzó a actuar como primera voz con la destacada synthpop grupo Videosex, que se convirtió en muy popular en la ex Yugoslavia. El grupo grabó cuatro álbumes. Su álbum debut, Videosex 84 apareció en 1983 y que juega con bandas como Ekatarina Velika y Otroci socializma en Belgrado. El grupo se separó en 1992.
Anja pasó a su carrera en solitario y, en 1994 grabó su primer álbum Odpri oci (Abre los ojos). Por un tiempo, se realizó con el internacionalmente destacado industrial / tecno grupo Laibach de Trbovlje, Eslovenia. En 1988, cantó The Beatles' el himno, todo el Universo y fue el primer esloveno que se presentó en MTV. Ahora está grabando nuevo disco en colaboración con el famoso músico esloveno Rudi Štigel.
También realizó en 1987 una película Hudodelci (criminales), dirigido por Slak Franci, y en varias otras películas.
El 11 de octubre 2002, dio a luz a una hija, Luna. Está casada con el músico y cantante Aleš Klinar quien fue líder de un popular grupo de pop-Agropop.
Vivian Hsu (*19 de marzo de 1975 en Taichung, Taiwán) es una famosa cantante, actriz, y modelo Taiwán. Hsu ha desarrollado la mayor parte de su trabajo en Taiwán y Japón.
Hsu, la segunda de tres hijos, nació con el apellido Xú Shújuān, el cual mantuvo y usó hasta que empezó a modelar desnuda. Sus padres se divorciaron cuando aún era una niña. Cursó sus estudios de primaria y bachillerato en Taipéi en donde creció.
Hsu inició su carrera artística luego de obtener el primer lugar en el concurso "Chica Bella y Talentosa" producido por la cadena de televisión "Taiwan CTS TV" en 1990. Hsu trabajaba como repartidora de alimentos en bicicleta, y empezó a ser reconocida por los clientes a quienes les llevaba comida. Es entonces en ese mismo año cuando se une a un dúo musical llamado Shàonǔ Dùi, (Equipo de Chicas). Tras el lanzamiento de dos álbumes en 1991 y 1992 el grupo se disolvió. Acto seguido, Hsu de 17 años se inició en el modelaje.
Luego de viajar a Japón y ser bien recibida allí, Hsu decidió probar suerte como solista lanzando varios sencillos. Su primer álbum de larga duración, [[en:Tianshi Xiang(enlace en inglés) Tiānshǐ Xiǎng]] (Tenshi Sou en japonés – Angel Soñando) lanzado en 1996, fue cantado todo en Japonés. Poco tiempo después Hsu tomó un curso rápido e intensivo de coreano, y saco una versión en este idioma titulado (enlace en inglés) Choensang Misonyeo (Ángel Niña Linda). Curiosamente para una cantante, ninguno de sus dos primeros álbumes contenían canciones en su propio idioma.
En 1997 Hsu junto a dos comediantes japoneses, Kyoya Nanami y Amazon, y una segunda cantante conocida como 'Keddy', formaron el grupo "Black Biscuits" (Galletas Negras). Entre 1997 y 1998 lanzarón 3 sencillos y el álbum de larga duración "Life". Poco después en 1999 el grupo se separaba.
Mientras formaba parte de las "Black Biscuits", Hsu lanzó dos álbumes como solista (enlace en inglés) Dà Máfán, (Gran Problema) en 1998, y (enlace en inglés) Bùbài de Liànrén, (Amor Imbatible) en 1999. A este último lo siguió con una versión japonesa Fuhai no Koibito, en el año 2000.
En el 2001, Hsu formó el grupo The d.e.p. con Masahide Sakuma, Gota Yashiki, Masami Tsuchiya y Mick Karn. Este grupo también tuvo una vida corta. Lanzaron tan solo dos sencillos y un álbum.
En los años siguientes Hsu lanzó varios sencillos y álbumes. Su álbum más reciente, (enlace en inglés) Hěn Hěn Ài salió al mercado en abril del 2005.
La música de Hsu, principalmente la más reciente, abarca un amplio rango de estilos. Tiene baladas románticas, R&B, rock duro, y por supuesto J-pop. Esto combinado con el hecho de que habla con fluidez mandarín y japonés le permite una gran versatilidad a la hora de penetrar los mayores mercados de Asia.
Hsu ha demostrado su capacidad como compositora. Se puso a prueba cuando escribió varias canciones para el cantante/compositor taiwanés Jay Chou. Hsu siguió componiendo, colaborando con Jay Chou en sus siguientes dos álbumes. Adicionalmente Hsu ha co-compuesto canciones para las cantantes Vanness Wu y Gigi Leung. A pesar de sus esfuerzos, los críticos de Hsu alegan que su éxito se debe tan solo a su sexualidad y belleza, y no a su talento. Y ha compuesto un single con su actual novio Sugizo ( ex Luna Sea ).
Hsu ha actuado en un variado número de películas y programas de televisión en Japón y en Taiwán. Sus primeras películas fueron Chiluo Tianshi en 1994 y Mogui Tianshi en 1995 (ver más arriba la sección de modelaje). Ambas películas fueron producciones de bajo presupuesto, en donde Hsu aparecía desnuda, que en la actualidad gozan de particular interés en los mercados de DVD y VCD en Asia.
Hsu tiene experiencia como "seiyu" (actriz de voz), siendo la voz de Aisha en tres episodios de "Gundam Seed", y la Princesa Morebucks in la versión taiwanesa de las Powerpuff Girls.
Hsu es quizás reconocida en el hemisferio occidental tan solo por su papel, al lado de Jackie Chan, en The Accidental Spy.
Blackmore's Night es un grupo de folk renacentista liderado por Ritchie Blackmore (guitarra clásica y eléctrica) y Candice Night (letras y voz).
La historia de Blackmore's Night se remonta a 1990 cuando Ritchie, entonces guitarrista de Deep Purple, conoció a Candice con la que compartía un apasionado interés por el Renacimiento.
Después de abandonar Deep Purple en 1993 y grabar un álbum con Rainbow llamado Stranger in Us All, en el que Candice intervino haciendo los coros, Ritchie comenzó a interesarse en la idea de llevar la música renacentista al público contemporáneo. En 1997 la pareja estaba preparada para empezar un nuevo conjunto. El nombre surgió de la unión de sus dos apellidos.
El álbum del debut, Shadow of the Moon fue un éxito inmediato, especialmente en Europa. Los álbumes siguientes, Fires at Midnight sobre todo, se caracterizaron por un incremento de música rock con guitarra sin perder una base de Folk rock. Con el paso del tiempo, Candice Night ha aumentado su participación, tanto como cantante cómo tocando un amplio abanico de instrumentos del Renacimiento.
El grupo actúa en ferias y festivales renacentistas y medievales. También hace conciertos en solitario en locales característicos ambientados con su estilo. Así, hacen giras por castillos de Europa, donde tocan en ambientes históricos, para una audiencia a menudo vestida de época, como la gira realizada "Castle and dreams" (castillos y sueños).
La suma de dos talentosas voces, el sabor de la conga, las trompetas y el timbal, la particularidad de su golpe y bailar, fue una propuesta irresistible que ganó el reconocimiento de los amantes de la buena música en marzo de 2002. Surgió así en el Valle del Cauca un son caleño, son pal’mundo, pal’mundo entero, LA ORQUESTA SON DE CALI. Esta azucarera agrupación nació de la ilusión de Willy García y Javier Vásquez,vocalistas de amplia trayectoria internacional, quienes querían conformar su propia orquesta.
El reconocimiento a las leyendas de este género musical “Salsa Show 2002” fuela ocasión perfecta para su lanzamiento. Se presenta al público LA ORQUESTA SON DE CALI y su nombre es un homenaje a la ciudad que forja a los grandes artistas de lasalsa.
Las figuras más representativas de esta nueva agrupación tienen en su haber un gran cúmulo de experiencia y sabor musical. Javier Vásquez lleva el swing y el amor por la música en la sangre. Este caucano creció en medio de cantos, guitarras y los tiples de sus padres,hermanos y tíos, quienes le inculcaron ese amor por la música y el sabor de los acordes del pacífico, en una finca de labriegos en Puerto Tejada.
Javier Vásquez ha hecho parte de agrupaciones memorables, las cuales le han aportado15 años de experiencia a su extraordinaria carrera musical. Y Willy García a muy corta edad descubrió su talento. A los 14 años inició suaventura despidiéndose de su madre y hermanos en Buenaventura para probar suerte en Cali y contratarse en los lugares donde necesitaran alguien que cantara. SUS INICIOS
Un público que los aclama, su inconfundible estilo y un inmenso talento los inspiraa lanzar su primera producción musical ESTILO PROPIO. Álbum que contó con el apoyo de grandes compositores como Armando Manzanero, Eddy Santiago y Omar Alfano.
Esta fue la oportunidad para demostrar el indiscutible talento de Willy García,quien se lanzó al ruedo con la autoría de 6 temas: “¿Cómo Estas?” y “¿Cómo Le Digo?” fueron canciones que sonaron fuerte en sus versiones salsa y balada. ”Alguien Como Tú”, “Tan Buena”, “Y Entonces” y “Otra Vez” fueron otros títulos de este álbum, que fueron grabadas en versión salsa y alcanzaron un éxito arrollador.
Para este momento la Orquesta Son de Cali y su tema “Y Entonces”, interpretada por Willy García, suena en las cadenas radiales alcanzando los primeros lugaresde popularidad en Colombia, convirtiéndose en la canción sensación de la temporadadecembrina, en el tema indiscutido de la Cuadragésima Quinta Feria de Cali. Con este éxito arrancó la Orquesta Son de Cali con Estilo Propio, una fusión de cumbia y ritmos del pacífico.
La joven agrupación se convierte en una de las más exigidas para las ferias yfestividades de nuestro país. Más de 50 presentaciones le abrieron paso por las Ferias de Roldadillo, Buga,Tulúa, Palmira; Carnavales de Ocaña y Pasto; así como una serie de presentacionesen clubes nocturnos de Bogotá y otras ciudades del país. Gracias a una ardua labor, la producción Estilo Propio se convierte en Discode Oro en Colombia.
La promoción 2003 por Estados Unidos, México y Perú consolida a la Orquesta Sonde Cali, entre los fanáticos de este género musical y demuestra porque su Estilo Propio se ubica en los listados de la prestigiosa Revista Billboard. Al tiempo que sus temas alcanzan una excelente rotación en países como: Miami, Nueva York, Venezuela, Ecuador y Perú.
Con todos esos antecedentes la Orquesta Son de Cali sigue escribiendo su propia historia, con buena letra.
El 26 de febrero de 2004 en la ciudad de Miami, gracias a la votación y preferenciade cibernautas en la página web de Univisión, Son de Cali recibió el premio Lo Nuestro en la modalidad de Orquesta Revelación del Año.
Le siguen dos postulaciones a los prestigiosos Premios Billboard, en las categorías Canción del Año con el tema “Tan Buena” y Álbum del Año con el disco “Estilo Propio”, éstas son la mejor muestra del reconocimiento al talento de la gran orquesta caleña en tan corto tiempo.
En el año 2004, el 27 de febrero inician la gira promocional de CRECIENDO por los Estados Unidos. Este es el segundo trabajo discográfico de la agrupación vallecaucana, compuesto de nueve cortes musicales que al igual que su primer trabajoproponen una salsa de golpe, destacándose los cortes de percusión y trombones que evocan el encanto de esta agrupación salsera.
Si bien, Creciendo es presentada en su tierra natal – Colombia- hasta el 23 demarzo, el álbum ya aparece en los primeros lugares de los charts latinos en losEstados Unidos. Nuevamente se proyecta Willy García como un gran compositor. De este álbum siete temas y la producción tienen su sello personal. Se destacan de Creciendo canciones como: “La Sospecha”, tema de lanzamiento. “Por Haberme Alejado”, “Lo Que Te Sobre” y “Ta Loca”.
La constante aclamación de un público fiel a la orquesta caleña Son de Cali loslleva a visitar por primera vez el viejo continente, recorriendo en Europa países como: España, Italia y Alemania.
Sus consecutivos éxitos son los factores que les permiten alcanzar para el año2005 la nominación a los premios Grammy Americanos en la categoría Mejor Album Salsa – Merengue, compitiendo con grandes figuras del género. Al lado de Marc Anthony, Víctor Manuelle, Gilberto Santa Rosa y La Spanish Harlem Orchestra junto a Rubén Blades. Siendo este último el ganador del cotizado galardón.
Así mismo, por segundo año consecutivo son postulados a los Premios Billboard. En la prestigiosa revista son nominados como La Mejor Canción Tropical Grupo Duo con el tema “La Sospecha” y Mejor Album Tropical Nuevo Artista con su álbum Creciendo.
Entre tanto, a los Premios Lo Nuestro están nominados como el Mejor Grupo o Duo del Año.
Gracias al tema “La Sospecha” Willy García recibió el 26 de abril de 2005 enMiami, el Premio Sesac Latina a las Canciones más Sonadas. SESAC es la sociedad autoral donde García registra sus obras musicales, con ello se reconoció el gran talento de este músico colombiano, una de las voces líderes de la agrupación SON DE CALI.
De nuevo la orquesta salsera visita, durante el mes de junio de 2005, Europa. Participan como invitados especiales en el Festival Eurodisney, festival de salsa francés de mayor reconocimiento a la música tropical latina, dejando huella entre los asistentes al evento. Según los organizadores SON DE CALI puso al público a vibrar a su ritmo, rompiendo el hielo y gozando con su son.
La orquesta aprovecha este viaje y realiza un tour en el cual se incluyeron presentaciones en Francia, Inglaterra, Suiza y España entre otros países. Definitivamente, un derroche de talento y buena música es la carta de presentación de Son de Cali, una joven agrupación que llena de orgullo a los fanáticos y seguidores del inconfundible sabor de la música tropical latina, el cual sorprendió a su público con su nuevo disco, cargado con ritmos de actualidad
CAMBIANDOLA HISTORIA.
“Llorando” es el abrebocas de los 13 temas que comprenden esta nueva producción. Es una canción donde se mezcla el color de la música popular con el sabor de la música del pacífico, dando origen a un contagioso ritmo salsero que hace vibrara los amantes de este género musical.
Le sigue otros éxitos: “Pal Año que Viene” declarado Canción Tropical por unade las más importantes cadenas radiales de Colombia en diciembre de 2006. “No Quiero Dormir”, “Que nos Paso” y “Te Amo” son otros de los temas que ya“han pegado” en el país durante el 2007. Además otra prueba del trabajo bien realizado son las más de 90 presentacionesrealizadas en Colombia, 6 en América Latina, 20 en los Estados Unidos y 10 en el Continente europeo que tuvo la orquesta en el reciente fin de año.
SON DE CALI se ratifica así como la embajadora representativa de la salsa colombiana, una joven agrupación salsera que cosecha, día a día, nuevos triunfos que sin lugara dudas cuenta con el apoyo del público, el mejor conocedor. Vaya si SON DE CALI tiene chispa, sabor. Que siga sonando … SON DE CALI.
Manuel García García-Pérez (Manolo García) (* Albacete, 19 de agosto de 1955) es un cantante, compositor y pintor amateur español. Grabó sus primeros discos con grupos como Los Rápidos y Los Burros, alcanzó el éxito comercial con El Último de la Fila y actualmente continúa su carrera en solitario. Se caracteriza por un sonido pop rock mestizo con ritmos árabes, aflamencados y melódicos y por sus letras que aúnan lírica y surrealismo.
El artista albaceteño se ha caracterizado durante toda su carrera por mantener su vida personal muy alejada de su vida pública, por lo que el estado civil de Manolo García, así como su vida privada y todo lo alejado de lo estrictamente artístico, queda fuera del conocimiento popular.[2] No obstante, es conocido su parentesco con la también cantante Carmen García (componente del grupo Carmen), de la que es hermano.
Aunque se crió desde pequeño en el Poble Nou barcelonés. Siendo niño siente una gran pasión por la pintura, pasión que aún mantiene.Junto a la pintura, su otra afición era la música y de joven toca la batería en un grupo de su barrio.En 1982 coincide con Quimi Portet, cuando este tocaba la guitarra para el grupo 'Los rápidos'.
De su unión nacería el grupo 'Los burros', el germen de lo que finalmente sería 'El último de la fila'.Con este último grupo consigue sus mayores éxitos, con discos como 'Como la cabeza al sombrero', 'Astronomía razonable' y varios más', hasta que en 1998 deciden separarse y continuar cada uno sus carreras en solitario.Ese mismo año, Manolo García anuncia la publicación de su primer álbum en solitario, 'Arena en los bolsillos', con el que consigue un rotundo éxito de ventas, con una gran gira por toda España.En el 2001 publica un nuevo disco, titulado 'Nunca el tiempo es perdido', que le aupa nuevamente en las listas de éxitos, sonando en todas las emisoras de radio del país
.El siguiente trabajo de Manolo García es el titulado "Para que no se duerman mis sentidos". Un disco ecléctico de mucho y muy variado colorido sonoro, en el que las letras tienen un peso propio y significan un paso más en el muy personal mundo del músico y compositor. 16 nuevas canciones, una de ellas instrumental, en las que Manolo García se volcó durante un año y medio. En mayo de 2008 aparece "Saldremos a la lluvia", grabado tras un año de cuidado trabajo de composición y preproducción. Este disco rompe un silencio de más de tres años, desde que apareció "Para que no se duerman mis sentidos". Se trata de un álbum compuesto desde que acabó su extensa última gira, este nuevo álbum se ha grabado en Figueres (Girona) y Creta (Grecia). La producción corre a cargo del propio Manolo García y la mezcla es de Neil Dorfsman (The Rolling Stones, Eric Clapton, Mark Knopfler, Oasis...).
Los Zafiros de la primera década del siglo XXI, continuadores de aquellos otros que estremecieron la música cubana a partir de1962 -cuando fueron fundados por su creador y director, Néstor Milí Bustillo- son cinco, como los legendarios, y tienen un promedio de 30 años de edad.
Para Jorge Echavarría -su director actual y el único que aún se mantiene en la agrupación, entre aquellos que respondieron al llamado de Eduardo Hernández (El Chino) en 1987, para darle continuidad a una leyenda que había desaparecido desde hacía diez años atrás- la historia de este renacimiento es bien conocida.
Él, que la vivió de cerca y fue uno de sus principales protagonistas, nos dice: El Chino, fundador del grupo original, se había empeñado en volver a integrar el cuarteto. Pero, sus intentos no cuajaban. Entonces se auxilió de Mariano Suárez del Villar -ya fallecido- que era un experimentado musicalizador de programas de radio y TV, y entre ambos convocaron a una audición de voces.
Buscaban los timbres más parecidos para facilitar la resurrección de Los Zafiros, con la misma línea melódica, de modo que, sobre esta base, se pudieran recuperar los temas que más habían calado en el gusto del pueblo.
El Chino se proponía, ante todo, rescatar la línea de continuidad de la agrupación original, incluso incorporándole después, con el mismo estilo, nuevos temas de repertorio".
Echavarría laboraba, por aquellos días, como radiólogo del hospital habanero conocido como Maternidad de Línea ("América Arias"). Pero siempre tuvo gran afinidad con la música. Conocía todos y cada uno de los temas de Los Zafiros. Sus padres poseían sus discos y solían escucharlos con mucha frecuencia. El joven, pues, se presentó en la audición de voces, cantó, lo hizo bien y fue seleccionado.
De lo que pasó después, continúa contando Jorge: Comenzamos a ensayar en el mismo 1987. Durante cerca de cinco meses nos dedicamos a montar repertorio. Nuestro debut tuvo lugar a principios de 1988; en Alegrías de Sobremesa de la emisora Radio Progreso. Coincidimos ese día con la Orquesta Aragón. Nos presentó un formidable locutor y animador: Agustín Roquefuentes.
La verdad es que no sabíamos cómo el público iba a aceptar que nosotros cantáramos aquellos temas inolvidables. Ese día interpretamos: "Un nombre de mujer" (conocido por "Ofelia"), "Bellecita" y "Me voy: mi corazón se queda" que lo cantaba El Chino.
El Chino, fundador de la continuidad de aquellos otros legendarios, cantaba los temas que ya habían "pegado" en su voz y, a su vez, los cinco jóvenes incorporaban números nuevos. Jorge y sus cuatro compañeros, entretanto, se mantenían escépticos ("No sabíamos qué iba a pasar"), pero pasaron la prueba... y con éxito.
Aproximadamente tres años después, El Chino se jubila por motivos de salud. Sólo, de vez en cuando, acompaña a los jóvenes en determinadas presentaciones e interpreta algunos de sus números. Luego no puede acompañarlos más.
Ya antes de la desaparición física de El Chino habíamos andado algún camino: participamos en varios Festivales del Bolero; viajamos a Suecia, en 1994, porque grabamos un disco y lo presentamos en Estocolmo. Allí nos mantuvimos durante 3 meses en una de las salsotecas más importantes de esa gran ciudad, llamada La Isla.
Después de eso tuvimos nuestra primera Casa de Los Zafiros, en el club La Red. Fue una experiencia magnífica. Algunos dicen que, desde los tiempos de La Lupe, nunca había pasado allí lo que pasó con nosotros.
Entonces, el 8 de agosto de 1995 muere El Chino. En 1997 hicimos nuestro primer viaje a España, y en el 98 volvimos para un recorrido más largo; en esa ocasión realizamos cerca de 94 presentaciones en vivo. En el 99 viajamos a México, a Mérida, en Yucatán. Y cuando regresamos a Cuba trasladamos La Casa de los Zafiros para el TVCAFE, en el patio del edificio FOCSA, donde llevamos aproximadamente 2 años.
En el TVCAFE iniciamos nuestros conciertos a la una de la madrugada. Por cierto, más del 85% del público asiduo al lugar no conoció a los primeros Zafiros. Es un público joven. La música que ellos están conociendo es la de nuestro repertorio actual mezclada con el antológico, y lo asimilan con la misma pasión con que aquella otra generación de la década de los sesenta recibió al grupo original.
Los zafiros de hoy están integrados por: Jorge Echavarría, director general y primera voz; Israel Hernández, director musical, guitarrista y arreglista; Ramón Espinosa, falsete; Mario Pérez, segunda voz; y Miguel Angel Seburen, tercera voz. Jorge Echavarría, director general y primera voz; Israel Hernández, director musical, guitarrista y arreglista; Ramón Espinosa, falsete; Mario Pérez, segunda voz; y Miguel Angel Seburen, tercera voz.
Respecto al repertorio, son muy cuidadosos. Desde luego, han contado con una ventaja: compositores que nutrieron el stock de la agrupación en su primera época -como Belén Pacheco y Rolando Vergara- les han entregado temas nuevos. También autores jóvenes han puesto en sus manos temas inéditos.
Actualmente los cinco jóvenes realizan un estudio de mesa para su próxima producción discográfica. Tratan de incluir en esta entrega todos los géneros de la música cubana. Han incorporado un cha-cha-cha, lo que no hicieron Los Zafiros anteriores. Recientemente grabaron una rumba.
Su próximo CD se llamará A cuerpo entero, pieza del repertorio del cuarteto que ya obtuvo el primer lugar en la Discoteca de la emisora cubana Radio Progreso. La nueva producción discográfica debe quedar lista para ingresar a los circuitos de distribución en ocasión del decimosexto aniversario de esta segunda versión de Los Zafiros.
Hasta el momento no hemos hecho rap, pero de cierta manera nos hemos acercado a ese ritmo, porque en los últimos temas hemos mostrado fuertes evidencias de contemporaneidad. Uno de nuestros temas más recientes, titulado "Carambola, tiene un poquitico de rap, pero a nuestro estilo. Es una mezcla del estilo de Los Zafiros con el fraseo que caracteriza a los raperos. Siempre a nuestra manera.
Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados).
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.[1]
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental,[2] epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal,[3] no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto,[4] y su máximo exponente,[5] donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las partitas y sonatas para violín solo y las suites orquestales
La Pasión según San Mateo (en alemán Matthäuspassion) BWV 244 es una pasión oratórica de Johann Sebastian Bach. Presenta el sufrimiento y la muerte de Cristo según el evangelio de San Mateo. Con una duración de más de dos horas y media (en algunas interpretaciones incluso más de tres horas), es la obra más extensa del compositor. Es una obra central de la música clásica europea.La Pasión según Mateo consta de dos grandes partes conformadas por 68 números.
El texto del evangelio de San Mateo, capítulos 26 y 27, es cantado literalmente por un evangelista y las personas de la trama (Cristo, Judas, Pedro, etc.) por los demás solistas. Alrededor del texto bíblico se agrupan coros, corales, recitativos y arias con la intención de interpretar el texto.Origen e historia No se sabe con certeza si la Pasión según Mateo fue compuesta en 1727 o 1729. Aunque se relaciona directamente con la música fúnebre para el príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen de 1729, se desconoce si la cantata fúnebre sirvió como modelo de parodia para la pasión o si la pasión fue el modelo de la cantata (o si existen otros orígenes anteriores). De cualquier forma, la Pasión según Mateo fue interpretada el 15 de abril de 1729 (Viernes Santo) en la iglesia de Santo Tomás en Leipzig bajo la dirección del compositor
.A pesar de que la obra no fue muy estimada en su tiempo por su estilo "operístico", rechazado en su mayoría por los representantes del Pietismo dentro de la burguesía de Leipzig, Bach revisó algunas de las partes de la obra varias veces, la última de ellas en 1736, en donde incluyó un grupo de continuo con órgano para cada uno de los dos coros.Tras la muerte de Bach, la obra cayó en el olvido (como, en general, toda la obra del compositor) y no fue hasta 1829 cuando el compositor y director Felix Mendelssohn-Bartholdy volvió a interpretarla con la Sing-Akademie de Berlín en una versión abreviada. La reinterpretación de esta obra dio inicio a un fuerte interés por el estudio y el análisis de las obras de Bach, particularmente las de gran escala, que ha persistido hasta nuestros días.Dotación La obra está escrita para dos coros, cada uno formado por un grupo de cuatro voces (soprano, contralto, tenor y bajo) y un grupo de instrumentos (2 flautas, 2 oboes, cuerdas y bajo continuo).
En este sentido se podría hablar de un coro y una orquesta dobles. Además, en los números 1° y 35º aparece una voz extra de sopranos (soprano in ripieno), que comúnmente es cubierta por un coro de niños (en contraposición a las voces femeninas de los dos coros). Sin embargo, esta tradición no corresponde con las intenciones de Bach, puesto que los coros en las iglesias no utilizaban voces femeninas, sino únicamente de niños y de falsetistas y, en este sentido, no distinguían entre las voces de los coros I y II y la de soprano in ripieno (a menos que los dos coros fueran únicamente interpretados por solistas, contrapuestos entonces a los ripienistas.
La historia de Kenny y los Eléctricos. comienza en 1980, Aparecio por primera vez en los escenarios de la ciudad de Los Angeles California, Kenny & the Electrics, quienes pertenecian a la corriente del New Wave latino en dicha ciudad, donde permanecieron hasta 1981, año en que se trasladaron a Mexico su pais natal, volviendo a su origen y en busca de sus raices, con la intencion de poder expresarse en español.
Una vez radicando Mexico D.F. Cambiaron su nombre por el de Kenny y los Electricos integrandose a la escena de grupos que existian en ese entonces, como El Tri, Ritmo Peligroso, Punto y Aparte, Los Clips, Mask, entre otros. En 1982, grabaron su primer disco Electrimanias, con el sello independiente, New Age Records, producido por Ricardo Ochoa guitarrista de la banda y ex Peace & love. Los sencillos de Electrimanias fueron, When i meet you y Avientense todos, cancion que produjera, Tito La Riva, ahora, Tito & Tarantula. Es importante mencionar que en este disco algunos cortes venian en ingles y otros en español, debido a que en esa epoca las radio difusoras, unicamente transmitian rock en ingles, de esta forma fue que se dio a conocer, When i meet you en, WFM que fuera conducida por Victor Manuel Lujan. Por la casi nula atencion, tanto de las compañias disqueras, como de los medios de comunicacion, al rock en español, permanecieron tocando sin ser conocidos y no es sino hasta el año de 1985 que tuvieron la posibilidad de grabar en un disco acoplado con el sello independiente, Com-Rock, producido por Ricardo Ochoa. En este disco acoplado participaron, Ritmo peligroso, Los Clips ahora Rostros ocultos, Punto y aparte, Mask con Jose Fors y Kenny y los Electricos, quienes de este disco lanzaron, Me quieres cotorrear, sencillo con el que por primera vez se dieron a conocer a nivel nacional con un video producido por, Julio Aguilera. A raiz de esto, se produjo en 1986 tambien bajo la direccion de Ricardo Ochoa, el disco, Juntos por el rock, tambien en Com-Rock, que fue lanzado en 1986, como el anterior, en Español e ingles, manteniendo como sencillo, Me quieres cotorrear y lanzando uno nuevo, A woman in love o voy por ti, cancion que posteriormente grabo en España, Luz Casal, con la produccion de Miguel Rios. Con este disco hicieron giras por la Republica Mexicana, Norte y Centro America, llegando a estar en el primer lugar de popularidad, tanto en Mexico como en Peru, donde hicieron una gira de un casi tres meses, culminando en la Plaza de Acho, ante diezmil personas. En 1988 grabaron, No huyas de mi, con Discos Melody, disco que los consagra como un clasico de la musica de su pais, el sencillo fue, No huyas de mi ( Tengo roto el corazon ), tambien producido por Ricardo Ochoa, del cual se grabo un video que produjo, Lalo Fernandez, los siguientes dos sencillos fueron, Sueños y Enigma, que por cierto la letra esta basada en el libro de Octavio Paz, El laberinto de la soledad.Para la produccion estuvieron presentes, Alex Sintek en los teclados, Jorge Amaro( La Chiquis ) en la bateria, Federico Fong y Savo Romo en el bajo. Con No Huyas de mi, tambien llegaron al primer lugar de popularidad, haciendo una gira por la Republica Mexicana, Norte y Centro America, gira que cerraron en Leon Guanajuato abriendo el concierto de Carlos Santana, en un masivo ante treintamil personas.
En 1990, la banda se fracturo, dejando a Kenny como solista, quien entonces llamo a Felipe Estaiti, guitarrista de Enanitos Verdes, para formar una nueva banda y proseguir con su carrera. Los otros integrantes de esta banda fueron Gustavo ( Nabo ) en el bajo, Lino Nava en la guitarra y Bola Domene en la bateria, estos dos ultimos ahora integrantes de La Lupita, con esta alineacion hicieron una gira comenzando en Mexico D.F. Y cerrando en Los Angeles California, en el Sport Arenna, ante diezmil personas.
En 1992 se edito por, Discos Denver, Toda la noche sin parar, disco que contiene una coleccion de canciones de los discos anteriores incuyendo una nueva version acustica de, No huyas de mi.
En 1993, que Kenny, sin los Electricos y producida por Jorge Amaro ( La Chiquis ), grabo para, Discos Denver, el disco, Si no estas aqui, del cual aparecio el primer sencillo Si no estas aqui, seguido por el segundo que fue, Satisfaceme si puedes, de ambos sencillos se produjeron videos, que hoy en dia se mantienen como clasicos en la programacion de, Tele-Hit. El video de, Si no estas aqui, fue producido por, Mauricio Catala y el video de Satisfaceme si puedes, fue producido por, Toño Zavala, con Back ground producciones.
Kenny formo un nuevo grupo con, Paco Ayala, ahora bajista de Molotov, ( El Charal ), que posteriormente fue el baterista de Resorte, Michel Sokol en la guitarra ritmica y Lino Nava ahora guitarrista de La Lupita. Debido a que todos estos musicos tenian proyectos por su cuenta, no produjeron ningun disco con Kenny por lo tanto esta banda se desintegro.
En 1995 Kenny, conocio a Edgar Carrum, ( ex bajista de Juana y Escutia ) y formaron la alineacion de Kenny y los Nuevos Electricos, llamando a Guillermo Verdiguel en la guitarra y Jorge Arizaga ( El Wash ) en los teclados, estos dos ultimos ex integrantes de, Piezas Sueltas y tambien de, Juana y Escutia. Fue en este tiempo que se monto junto con, Felipe Estaiti de Enanitos Verdes, la primera version del Concierto Electroacustico, pero durante los siguientes años, no tuvo la posibilidad de grabar el disco, en la busqueda de un contrato con una compañia disquera transnacional, el cual no se logro, por lo tanto el grupo se mantuvo alejado de los medios masivos de comunicacion, pero esto no le impidio dejar de seguir presentandose en vivo, manteniendo la presencia con su publico. Fue en 1999, que el grupo, retomaron el apoyo de su disquera Denver, para por fin poder grabar el añejo proyecto del Concierto Electroacustico, Sensaciones Electroacusticas, que fue grabado en vivo en el Hard Rock Live, en Mexico D.F. El 10 de abril de este mismo año, con un lleno total, producido por Edgar Carrum, para Discos Denver, con Guillermo Ascencio ( ex Huitlacoche ) en la bateria, Beto Bañuelos ( ex Perro Bomba ) en la guitarra, Jorge Arizaga ( El Wash ) “ ex Piezas Sueltas “ en los teclados, Guillermo Verdiguel ex Piezas Sueltas en la guitarra, El Señor Gonzalez ( ex Botellita de Jerez ) en las percusiones, Diana Wolf en los coros, Diego Maroto y Jiampaolo Galasso en el saxofon, el video de este concierto lo produjo Victor Vera, de donde se sustrajo el video de Debes regresar, cancion que compuso Alex Sintek y ahora es parte de la programacion de Tele-Hit.
Este album, Sensaciones Electroacusticas, marca el fin de un ciclo de veinte años al interpretar sus clasicos y el comienzo de uno nuevo, incluyendo algunas canciones nuevas que seran el parteaguas para sus proximas producciones. Fue en este mismo mes de abril que Beto bañuelos dejo el grupo, siendo sustituido por el guitarrista de aguascalientes Miguel Gongora, de esta forma se integro la banda con, Kenny Avilez en la voz, Memo Ascencio en la batería, Edgar Carrum en el bajo, Jorge Arízaga ( El Wash ) en los teclados, misma alineación que entre Marzo y Mayo del año 2000, produjeron otra vez como Kenny y los Electricos, Alma Beta, teniendo como musicos invitados a Luis Manuel Ortega en el violin, con El Señor Gonzalez en las percusiones y coros, esta produccion fue dirigida por, Edgar carrum, Kenny Aviles y Miguel Gongora, la portada fue realizada por Jose Fors.
2001. Aparece en las tiendas el nuevo material inédito de Kenny y los eléctricos rápidamente el sencillo **dicen por ay** se coloca en los primeros lugares en la programación de estaciones de radio en tele hit, ritmo son, canal 28. tele mexiquense t.v. Azteca Televisa incluso univision voltearon su vista a la vigorizante rockera quien da una gira por toda la república . Todavía con presentaciones en toda republica kenny decide grabar otro concierto esta vez eléctrico con mas temas inéditos y algo mas algunos invitados especiales a compartir el escenario ; LEONARDO DE LOZANE, SAX MALDITA VECINDAD, PIRO RITMO PELIGROSO, ALEJANDRO MARCOVICH, JULIO LEPROSY, LOS METALES DE LA TREMENDA KORTE, LOS GUITARRISTAS DE LOST ACAPULCO, ARTURO VAZQUES, ENTRE OTROS PERO ESTA VEZ SE GRABO CD. Y DVD.
Barry White (nacido como Barrence Eugene Carter), fue un artista estadounidense del género soul, exitoso en la década de los 70 y 80. Caracterizado por un timbre de bajo, muy grave y ronco, ganó muchos premios y reconocimiento por su estilo varonil y romántico. Durante su carrera editó 26 álbumes y llegó dos veces al Nº 1 del Hot 100 en su país, con las canciones que lo hicieron mundialmente famoso: "Can't Get Enough of Your Love, Babe" y "You're the First, the Last, my Everything", ambas del álbum "Can't Get Enough" de 1974. Falleció en 2003 debido a una insuficiencia renal crónica.
Nació el 12 de septiembre de 1944 en Galveston, Texas, Estados Unidos. Se crió en el ghetto negro de la ciudad de Los Ángeles. Fue un adolescente alocado y estuvo en la cárcel por robar neumáticos y partes de autos. En prisión decidió cambiar de vida y de amigos.
En 1969 creó la Love Unlimited Orchestra (Orquesta Amor Sin Límites) junto a su futura esposa Glodean James, la hermana de esta, Linda James y Diane Taylor.
En los años 70 obtuvo sus mayores satisfacciones imponiendo un nuevo estilo soul orquestal que, al lado de suaves melodías sinfónicas trazadas con violines, incluía arreglos rítmicos amplificados, constituyendo el ingrediente indispensable para el surgimiento del género disco y del sonido difuminado de los grandes grupos de la década, como Mother Father Sister Brother, Electric Light Orchestra, Van McKoy, Ben Murphy, Sal Soul, etc.
Barry era un artista completo: cantante, compositor, arreglista, director de orquesta y ejecutante musical. También apadrinó otros grupos musicales. Por eso lo apodaban "The Maestro", y es reconocido como un genio de la música. A menudo hacía una sensual introducción hablada a sus temas con una voz gruesa, profunda y varonil. En todas sus presentaciones en vivo, grabaciones de estudio, videos, etc., llevaba consigo un pañuelo de color chocolate para secarse el sudor de la cara. Muchas de sus creaciones musicales eran declaraciones de amor en forma de canciones. En algún momento de su carrera resultó ser el artista mejor pagado del mundo. También compuso muchos temas instrumentales como por ejemplo su famoso "Love´s Theme"(Tema de Amor), "Forever in Love" (Enamorado por siempre), "Rhapsody in White" (Rapsodia en Blanco) y "Barry´s Theme" (Tema de Barry).
Tras un período de baja popularidad no obstante haber seguido produciendo música, regresó de nuevo a la fama con sus apariciones en las series de televisión Ally McBeal y Los Simpson. En ésta última se interpreta a si mismo en el capítulo "Día del Garrote", cuando su gruesa voz ayuda a las serpientes de Springfield a esconderse en la casa de los Simpson, para evitar la tradición de los garrotazos. White fue la inspiración para el personaje de Chef de South Park y para el personaje Barry de la serie Castores Cascarrabias.
En el año 2000 ganó dos premios Grammy en los apartados de mejor música tradicional y en rhythm and blues por Staying Power.
Barry White murió en el Centro Médico Cedars-Sinai, en Los Ángeles, el 4 de julio de 2003 (día de la independencia estadounidense) a la edad de 58 años. Padecía una severa disfunción renal debido a su hipertensión, y estaba a la espera de un trasplante.
Kenji Wu Ke Qun (chino: 吳克群, pinyin: Wú Kèqún) es un cantautor de Taiwán. Se lanzó al espectáculo en el año 2000 con su álbum 一個人的Tomorrow (Tomorrow, alone).
A pesar de la participación de grandes productores en su primer trabajo discográfico, el disco no tubo muy buena respuesta del público. Pero esto dio a Kenji oportunidades para actuar en televisión, como en Peach Girl y en Moonlight Forest. Con una pasión por la música, Kenji regresó en mundo de la música en noviembre de 2004, con un álbum que llevaba su propio nombre, con la discográfica Seed Music.
Los diez temas que llevaban su disco fueron escritos por el mismo Kenji. Críticos alrededor de Asia dieron una aceptación muy positiva. El tema Wu Ke Qun tubo muy buenas criticas departe de muchos artistas, como, Lee-Hom Wang, David Tao, Jay Chou, Fei Yu Ching, Emil Chau y The Shins. Dicho tema demostró todo el talento de Kenji. En Hong Kong, llego hasta la posición número 7, en el chart chino RTHK desde el 20 al 26 de febrero de 2005, sin embargo en Singapur, el tema debutó en la posición 19 en el ranking de Y.E.S. 93.3 FM, y solo estuvo por 2 semanas. Kenji_為你寫詩.jpg Regresó en Octobre del 2005 con un nuevo disco llamado 大頑家 (The Kenji Show), también lanzado por Seed Music.
El disco tenía una temática más alegre, el álbum componía de temas con letras de su recién desarrollado estilo musical. Temas como "Da She Tou" (literalmente "Lengua Grande") y "Wo you zui" (Me siento culpable) pegaron en los charts y fueron populares entre el estilo de los colegiantes. Kenji fue nominado como "Best Chinese male singer in Taiwan" en el 2006 y 2007 para los "Golden Melody Awards", pero los premios se fueron para el cantante taiwanes Lee-Hom Wang y para Nicky Lee Jiu Zhe, respectivamente.
En el 2006, Kenji lanzo un nuevo disco titulado 將軍令 (A General Order) y otra vez, todas las canciones fueron escritas por Kenji demostrando su creatividad. Esta vez experimento mas con el estilo musical chino, por eso llevaba dicho nombre el disco. Entre los estilos chinos están "Peaked You And Me" y "Champion", así como la balada "Cripple".
