El nuevo sonido de África ha llegado: se llama Wyza. El futuro viene de Angola. Wyza funde la música actual con el ritmo ancestral del kilapanga. Tradición y modernidad.
Su disco “África Yaya” es un retrato de la sociedad angoleña. Una historia contada por un chico de 25 años que desde niño vivió la guerra. Este segundo disco del cantante y compositor Wyza muestra que la diversidad y la riqueza de la música angoleña son una fuente permanente de sorpresas y que no sólo se limitan al semba y al kizomba.
El ritmo dominante de este disco es el kilapanga, ritmo poco conocido en el mismo Angola, pues es propio de la etnia Bakongo que predomina en el norte del país, en las provincias de Cabinda, Zaire y Uíje, de donde Wyza es originario.
Aparte de eso, las 12 piezas musicales del disco están todas interpretadas en dialecto kikongo. Aún sin entender las palabras, el oyente se maravilla con cada canción, por la interpretación afinada y refinada de Wyza, por la riqueza melódica y por los arreglos sofisticados.
Combinando tradición africana, instrumentos de la moderna música popular contemporánea (teclados, guitarras), violín, clarinete y percusión que incluye berimbau, la música de Wyza es una síntesis perfecta de un sonido universal que tiene todo para encantar a cualquier persona de buen gusto. Su encanto y fuerza en el escenario han conquistado a su país. Ahora nos va a seducir a todos.
El Kilapanga, ritmo ancestral de Wyza, se presenta lleno de arreglos modernos en el CD África Yaya, último CD de Wyza. Cantado todo en idioma kikongo, sorprende y se convertirá seguramente en una gran referencia internacional de la nueva música producida en Angola. Grabado y mezclado en los estudios Maianga Angola, todas sus canciones han sido compuestas por Wyza y tiene 11 composiciones que mezclan música africana de raíz con elementos de la moderna música pop mundial.
Martín Valverde nació en San José, Costa Rica, el 19 de enero de 1963. Ese mismo año fue bautizado en la Parroquia de Nuestra Señora de la Dolorosa, de los Padres Dominicos, pero se educó con los salesianos, en el Colegio de Don Bosco, donde estudió once años. Sus formadores más importantes en ese tiempo fueron los Sacerdotes de dicha congregación quienes le infundieron su amor y visión por los jóvenes, por la Iglesia, por la Virgen María y por la música. En ese entonces, su padrino, el padre Jorge Miranda, le pide dirigir un grupo musical salesiano en Costa Rica y poco después funda un coro parroquial.
Martín Valverde estudió música a nivel profesional en la Escuela de Guitarra Clásica de San José y en el Conservatorio de la Universidad de Costa Rica, donde además formó parte del grupo musical de dicha institución.
Hacia 1979, motivado por su hermana, Martín Valverde ingresa al movimiento de la Renovación Carismática Católica. A partir de entonces comenzó a componer canciones religiosas. En esa época entabla estrecha relación con muchos movimientos juveniles dentro de la Iglesia, que lo llevaron a México, país donde conoció a Elizabeth Watson (lizzy de cariño) , quien se convirtió en su esposa, en 1986.
En 1989, después de radicarse un año en Tehuacán, dirigiendo retiros, campamentos y conciertos, Martín Valverde fue invitado a colaborar en la capacitación de músicos para la evangelización y formación de líderes juveniles en la oficina latinoamericana de Evangelización 2000. Este proyecto fue la plataforma internacional que Dios usó para impulsar su trabajo en toda América Latina
Ha participado en innumerables eventos nacionales e internacionales organizados por la Iglesia Católica, no sólo en instalaciones como catedrales, basílicas, parroquias y foros de instituciones pastorales, sino en muchos otros lugares como estadios, plazas, explanadas, auditorios y numerosos teatros de reconocido prestigio por lo que se le reconoce como el primer músico católico en hacer presencia cultural en esos lugares.
Actualmente dirige una empresa de laicos católicos comprometidos, llamada "Producciones Dynamis", la cual promueve y asesora a diversos músicos y grupos musicales de evangelización, además de distribuir en toda América Latina y parte de Europa los materiales musicales de estos y otros muchos músicos católicos.
En octubre de 1998 fundó y fue nombrado primer Coordinador de la Red Magnificat, Asociación Americana de Músicos, Productores y Promotores musicales católicos. Esta organización reúne a más de 20 organizaciones musicales católicas de Estados Unidos, México, Cuba, Centroamérica, Colombia, Ecuador, Perú, Paraguay, Argentina, Chile y Brasil.
Martín Valverde ha realizado más de 25 producciones musicales en audio (español, inglés, portugués e italiano), 2 en video y 2 libros de formación para músicos (español, portugués e italiano).
Dentro de estas producciones musicales, la mayoría han sido elaboradas por iniciativa propia, otras a solicitud de diversas instituciones católicas y, otras más, a petición de la jerarquía eclesiástica, como el Consejo Episcopal Latinoamericano "CELAM" (Lenguas de Fuego), la Conferencia Episcopal Mexicana (Bella Dama) y la Arquidiócesis Primada de México (Felipillo es Santo y Águila que ama).
El 21 de Mayo del 2000, Martín cantó en la Plaza de San Pedro, en Roma, durante la Santa Misa y Ceremonia de canonización de 27 santos mexicanos durante el jubileo de México en el calendario del Año Santo del 2000. Dicha ceremonia fue presidida por el Papa Juan Pablo II, quien, posteriormente, recibió a Martín y su esposa en audiencia.
Martín Valverde es mexicano por naturalización y se radica en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, México, junto con su esposa y sus tres hijos: Martín Gerardo, Daniela María y Jorge Pablo.
Cantante y actriz nacida en El Paso, Texas, E.U., el 19 de julio de 1941.Descendiente de una familia mexicana originarios de Leon Gto, que la bautizó con el nombre de Florencia Vicenta de Casillas Martínez Cardona .
Después de adoptar el seudónimo “Vikki Carr”, la cantante firmó un contrato con Liberty Records en 1962.
El primer sencillo que tuvo algún éxito fue He’s a Rebel, que en 1962 alcanzó el n.º 5 en Australia y el n.º 115 en EE. UU. En 1966 hizo una gira por Vietnam para apoyar a los soldados estadounidenses en la guerra de Vietnam, con el actor y comediante estadounidense Danny Kaye.
En 1967 su álbum It Must Be Him fue nominado a tres premios Grammy. Ese año la canción que da nombre al disco alcanzó el n.º 3 de los Billboard Hot 100 en EE. UU. Carr tuvo otras dos canciones que entraron en la lista Top 40: The Lesson (1968) y With Pen in Hand (1969). En esta época, el actor Dean Martin la bautizó “la mejor cantante en el negocio” Carr grabó 10 sencillos y y 13 álbumes que entraron en las listas de popularidad de EE. UU.
Trabaja en radio, televisión, cine y teatro. Canta en varios estilos, incluido jazz, pop y country, pero ha desarrollado sus más grandes éxitos cantando en español. Tuvo muchos éxitos discográficos y ha interpretado canciones junto a figuras tales como Julio Iglesias, Ana Gabriel, Manoella Torres, Trini López, Danny Rivera, etc.
Sus canciones han tenido gran éxito en Estados Unidos, Europa y América Latina. Desarrolló una gran tarea en el área humanitaria.
En 1968, grabó seis expeciales para London Weekend TV. En 1970 fue nombrada "Mujer del año" por el periódico Los Angeles Times. Recibió una estrella en el paseo de la fama en 1981.
Carr también realizó la rara proeza de cantar para cinco presidentes de EE. UU. durante su carrera: Richard Nixon, Gerald Ford, Ronald Reagan, George Bush y Bill Clinton.
El expresidente Gerald Ford escribió en su autobiografía (A Time to Heal: Un tiempo para curar) que cuando Carr se presentó en la Casa Blanca, le preguntó al presidente: “Cuál platillo mexicano le gusta más?”. Él respondió: “Me gusta usted”. A la Primera Dama, Betty Ford, no le gustó esta conversación. Ford cuenta: “Parece que Betty escuchó esta conversación, y —de más está decirlo— no se volvió loca de alegría”.
En los años ochenta y noventa, Carr tuvo un inmenso éxito en el mundo de la música latina. Ganó premios Grammy a la mejor grabación mexicano-estadounidense de 1985 por su álbum Simplemente mujer; en 1992 por el mejor álbum pop latino, por el disco Cosas del amor; en 1995 por la mejor grabación mexicano-estadounidense, por Recuerdo a Javier Solís. También fue nominada a los Grammy por los discos Brindo a la vida, al bolero, a ti (1993) y Emociones (1996).
Sus numerosos éxitos en español incluyen singles como: Total Discúlpame Déjame Hay otro en tu lugar Esos hombres Mala suerte y Cosas del amor Esta última canción pasó más de dos meses como n.º 1 en las listas de música hispana en 1991 (su éxito más grande en español) Sus álbumes en español han recibido discos de oro y platino en Colombia, Costa Rica, Chile, Ecuador. México, Puerto Rico y Venezuela.
En 1999, grabó un especial de televisión PBS: Vikki Carr: Memories, Memorias en el que cantó canciones populares bilingües de los años cuarenta y cincuenta. Tuvo como invitados a Pepe Aguilar, Arturo Sandoval y Jack Jones. En 2001, lanzó un álbum navideño bilingüe: The Vikki Carr Christmas Album.
En 2002, apareció —con gran aclamación del público— en el musical Follies, una producción en Los Ángeles (California) de Stephen Sondheim. Allí también se presentaron Hal Linden, Patty Duke y Harry Groener. En 2006, Carr hizo una aparición cameo en un thriller exclusivo para vídeo, llamado Puerto Vallarta Squeeze. En el 2008, Vikki participa en un especial de música mexicana como conductora y cantante, titulado “Fiesta Mexicana” para la cadena cultural estadounidense PBS, donde también participan Eugenia León, Alberto Angel “El Cuervo” y el mariachi Los Camperos de Nati Cano.
Su nombre se encuentra registrado en el Paseo de la Fama de Hollywood
La historia del grupo Salsa Céltica y su notable éxito empezó en 1995 en las barras y clubs de Glasgow y Edimburgo. Fue un shock de inmediato para los locales de la recién llegada “comunidad hispánica”.Después de editar su primer álbum “Monstruos Y Demonios” Salsa Céltica tomó su música de diferentes partes de Escocia, desde “Skye” hasta “Mull”, desde “Iona” hasta “Barra de Lewis” a “Orkney” recorriendo diferentes y múltiples lugares.
Después de todo esto ahorraron algunos peniques y se dirigieron hacia Cuba para establecer contacto con los grupos de salsa, incluyendo Son14 y Sonora La Calle, y absorber así las influencias afrocubanas de La Habana y de Santiago Cuba en general.Intercambiando “whisky con ron” se adentraron en el "bembe”, reuniones religioso musicales siendo invitados a tocar con el grupo Cubano africano "Orichas".
Después de adquirir nuevas habilidades y nuevos sabores volvieron a Escocia y comenzaron a trabajar con el sello escocés Greentrax lanzando al mercado dos álbumes “La Gran Aventura Escocesa Latina” y “El Agua De La Vida”.Más adelante dan un sensacional salto en el 2003 con este último trabajo alcanzando el número 5 en el ranking del World Music en Europa siendo también el primer álbum editado por Brújula Records en USA.En el 2004 la banda toma por primera vez su “fusión única” con sonidos latinos y célticos en una gira por Inglaterra.
El punto álgido de la gira de diecinueve fechas fue la actuación del Festival de Músicas del Mundo en el “Queen Elizabeth Hall” en London South Bank como parte del festival de “La Línea” donde colgaron el cartel de “entradas agotadas” y donde pusieron a toda la audiencia entera a sus pies durante toda la función, sacando a muchos de ellos a bailar por los pasillos.En apoyo del tour 2004, Salsa Céltica volvió a reeditar el álbum El Agua De La Vida. El álbum fue recomendado en UK por la revista de Música “Songlines”. Éste es un álbum sensacional que va más allá, estableciéndose como único y con una fuerza dinámica en la escena mundial.
El álbum también logró una buena crítica para la visión de la música estándar entre los londinenses Simplemente dicen: - Es una gran banda escocesa de salsa que logra fusionar la charanga del cubano con un combinado de violines, flautas y gaitas procedente de las tierras altas. Un fluido de unos estilos naturales complementándose el uno en el otro - En directo, son una tormenta -.Durante una gira la banda fue presentada en el programa de música folk BBC Radio 2 “El Show de Mike Harding”. En el mismo mes, también fueron entrevistados en el show de “Andy Kershaw” BBC Radio 3 en sesión especial grabada en los Studios “Maida Vale” en Londres. La gira continuó durante todo el verano incluyendo el “Edinburgh Jazz Festival” el Festival de Temple Bar Festival, Gent’s (Belguim) Pole Pole Festival, Northern Ireland’s Celtic Fusion Festival ,Nacional Theatre Watch Este Festival Space en Londres.
En el Otoño 2004 actuaron delante de 40.000 personas como parte prestigioso en el “BBC Proms in the Park” y en noviembre fueron escogidos para cerrar el “Belfast Queen Festival”La Salsa Céltica se había establecido como una fuerza importante en el World Music, en UK y más allá, ganándose nuevos espacios y alcanzando un nivel nuevo de perfil musical y de aclamación crítica.En 2005 giras por UK y Canadá siguieron a otras por Alemania, Bélgica, Grecia, Italia.En junio la banda viajó para Londres para filmar dos escenas para la película “Driving Lessons” con protagonistas como Julie Walters y Rupert Grint.
Luego en el otoño la banda regresó en el estudio para editar un álbum nuevo, después de una pausa de tres años incluyendo a Calum Malcolm como productor y la colaboración con la diva del folk Eliza Carthy.En 6 de marzo del 2006 sale a la luz el cuarto álbum de Salsa Céltica “El Camino” editado por el propio sello de la banda “Discos León”.
Raúl Alberto Antonio Gieco, más conocido como León Gieco es un músico y cantautor popular argentino, compositor e intérprete. Nació el 20 de noviembre de 1951 en una chacra cercana a Cañada Rosquín, en el centro de la provincia de Santa Fe (Argentina). Se caracteriza por mezclar el género folclórico con el rock argentino y por las connotaciones sociales y políticas de sus canciones en favor de los derechos humanos y la solidaridad para los marginados. Un ejemplo de su música puede verse abajo con la canción ¡La memoria!, que sintetiza la historia política de América Latina de los últimos 50 años.
La primera guitarra la compró León con su propio sueldo, en 1959. Comenzó entonces a presentarse en los actos del colegio y en un grupo de folklore, Los Nocheros. Paralelamente, también se integra a Los Moscos, una banda de rock, con la que poco a poco logran cierta popularidad en los pueblos cercanos. Hacían covers de Los Beatles, de los Rolling Stones y del Spencer Davis Group. Finalmente, en 1965, ganan un concurso para presentarse en Canal 5 de Rosario. Llegar a presentarse con un grupo en esa ciudad era más de lo que había esperado.
En el verano de 1969 viajó por primera vez a Buenos Aires, con su guitarra al hombro y casi sin dinero. Poco a poco comienza a relacionarse con el mundillo rockero: Litto Nebbia, Tormenta y, sobre todo, Gustavo Santaolalla. Es justamente el guitarrista de Arco Iris quien le consigue algunas presentaciones como telonero de Moris y Pajarito Zaguri. Incluso llegaron a presentarse León, Nebbia, David Lebón, Cacho Lafalce, Gabriel Ranelli, Bernardo Baraj, Claudio Martínez y Diana Lenguanegra, bajo el nombre La Banda de los Ocho.
En noviembre del '71 llega la primera presentación grande, en el Festival B.A.Rock II y luego el "Acusticazo" (junio del '72), junto a Nebbia, Lebón, Domingo Cura, Edelmiro Molinari y otros. Allí se registra la primera grabación de "Hombres de Hierro", uno de los temas más famosos de León. En diciembre llega la tercera versión del B.A.Rock y para marzo del '73 sale a la calle el primer disco, que había sido grabado como producción independiente con Santaolalla a lo largo de dos años. El tema de difusión es "En el país de la libertad". Poco a poco va logrando cierta difusión y se lo comienza a nombrar como "el Bob Dylan argentino".
"La Banda de los Caballos Cansados" (1974) es el título de su segundo álbum, que sigue la línea progresiva-folklórica del primero. Su forma de expresión es directa, casi osada. Y explica: «fue la música la que despertó en mí el interés por entender el destino de los pueblos, el por qué de las injusticias. De ahí en adelante traté de reflejar, con el máximo de honestidad, mis propias preguntas, mis propias salidas y hasta mis propias angustias. Seguiré siendo músico y recorreré todos los lugares que pueda para cantarle a la gente como me sea posible». Así fue. Para la minigira presentación del segundo disco Alfredo Toth y Oscar Moro se incorporan en el bajo y la batería, respectivamente. Paralelamente, se armó un supergrupo del folk acústico: PorSuiGieco, con Raúl Porchetto, Charly García, Nito Mestre y María Rosa Yorio. Sin ningún repertorio ensayado, sino más bien improvisando, salieron a tocar en teatros capitalinos los temas más conocidos de ellos como solistas. Tuvieron gran éxito y registraron un únido disco, que salió a la venta recién en 1976.
Medio a la fuerza, por la nueva separación de su banda de apoyo, León sale a tocar solo con su guitarra y su armónica. Tenía un contrato firmado para dos shows, pero no tenía con quién tocar: «me enojé bastante y fui un poco a la fuerza, porque pensaba que me iba a salir mal. (...) Y resulta que hice dos shows impresionantes, el público hacía un silencio total (...) Con el público se entabló una relación totalmente distinta y me escuchaban como nunca antes. Entonces me empezó a gustar tocar solo»
Muchas trabas por parte de la censura tuvo que sortear para poder sacar su tercer LP: "El fantasma de Canterville" (1976), al punto de tener que modificar la la letra de seis temas y directamente eliminar otros tres ("La historia esta", "Tema de los mosquitos" y "Las dulces promesas"). Pese a todo, el material es muy bien recibido. León continúa con las giras por el interior, hasta que se aventura a Latinoamérica, a comienzos de 1978. Escapando de la censura, se redica por un año en Los Angeles.
Del "IV LP" (1978) sobresalen "Cachito, campeón de Corrientes" y "Sólo le pido a Dios", el otro himno de Gieco, junto a "Hombres de hierro". En realidad, León no estaba muy convencido de incluir este tema, que lo encontraba "aburrido y monótono", pero finalmente siguió el consejo de Charly García, y a partir de ese entonces, León lo canta para cerrar sus shows.
En abril de 1981 se presenta en Obras por primera vez en la Capital Federal "sólo con su guitarra, su armónica, su charango y su voz". Es el lanzamiento oficial del disco recopilación "Siete años" (1980), shows en los que también adelantó canciones de su siguiente LP, "Pensar en nada" (1981).
Es en 1981 cuando comienza su inmensa gira nacional que le demandará en total tres años. «Pensábamos que no podíamos depender de los managers del interior, porque de esta manera se podía desvirtuar el proyecto. Fue entonces que se nos ocurrió la idea de convocar a los estudiantes secundarios para que nos organicen los conciertos. No tenían que pagarnos por el show, sino garantizarnos la estadía (alojamiento y comidas) y de esta manera funcionábamos como socios: ellos se llevaban el 30 por ciento de la recaudación y nosotros el setenta. Por estas características de producción, nuestro contacto con la gente era mucho más directo e intenso que en otra situación»
En total, fueron 450 presentaciones en todas las provincias argentinas y 110.000 kilómetros recorridos, para cantar frente a alrededor de 420.000 personas. Al terminar la travesía, decidió llevar al disco todos los ritmos característicos con los cuales se topó. Esta fue, sin dudas, su obra más importante, aunque no contó con la difusión acorde. Bautizada "De Ushuaia a La Quiaca", es ni más ni menos que el mapa musical argentino. Tres discos fueron editados con este material, en el cual participaron, entre otros, Leda Valladares, Gustavo Santaolalla, Cuchi Leguizamón y Sixto Palavecino. Para el primero de los discos (1985) se trajo a los artistas a Buenos Aires, pero los otros dos volúmenes (1986) fueron registrados en un estudio móvil de 16 canales en los lugares de origen de los artistas. La edición de "De Ushuahia a la Quiaca" no sólo marcó un hito en sí, sino que marcó un camino en la producción alternativa, en que el objeto está lejos de "hacer dinero". Todo quedó registrado, además, en 40 horas de grabación en video.
Bajo el título de "El Gran Concierto" se organizó en diciembre de 1984 un show con León, Mercedes Sosa y Milton Nascimento, en Ferro. Gieco, en pleno proceso de creación para "De Ushuaia a La Quiaca" no tenía banda soporte y, por eso, lleva al escenario a Sixto Palavecino, Peteco Carbajal, Santaolalla y varios otros músicos desconocidos del folklore del interior. A mediados del año siguiente participa del XII Festival Mundial de la Juventud, organizado en Moscú. En él también tocan Juan Carlos Baglietto y Litto Nebbia, en representación de Argentina. También salió de gira por Alemania, acompañando a Mercedes Sosa, para retornar a Argentina en una nueva gira nacional que lo mantuvo ocupado durante todo el '86.
En 1987, León realizó otra gira por Alemania, que contó con 9 fechas y la cual tuvo su climax al presentarse en el Festival de la Canción Política de Berlín. A su regreso, se presenta ante 40.000 personas en el Monumento a la Bandera de Rosario y, al día siguiente, reune a 35.000 espectadores para otro concierto gratuito en Barrancas de Belgrano. El estadio de Boca es escenario del show que brindan León, Pablo Milanés y Chico Buarque, con invitados como Mercedes Sosa, Fito Páez, Nito Mestre, Baglietto y Sixto Palavecino, ante 20.000 personas. Para fin de año organiza una gira mundial, que lo lleva a países tan dispares como México, Costa Rica, Venezuela, Bolivia, Brasil, Perú, Suecia, Alemania y Dinamarca. Sin dudas, León ya es un artista internacional. Esto se confirma en el '88 con otra exitosa gira por Alemania y Austria, de tres meses de duración. Otra presentación importante para León fue el cierre de la gira de Amnesty International, en el estadio de River Plate, en octubre de 1988, junto a Charly García, Peter Gabriel, Bruce Springsteen, Sting y otros. Cantó solamente dos temas: "Hombres de hierro" y "Sólo le pido a Dios", ambos coreados por los 70.000 espectadores presentes. "Semillas del corazón" (1989) marca el retorno a los estudios de grabación "convencionales", tras ocho años de giras. Fue realizado como una producción independiente y grabó con Sandro el tema "Mi amigo". En agosto del '89 se presentó junto al legendario exponente del folk norteamericano Pete Seeger, en el teatro Opera, y este material se editó bajo el nombre de "Concierto en vivo" (1990). Al año siguiente, Seeger lo invitó para presentarse juntos en Washington, Boston y New York. A las funciones de la capital norteamericana se sumó David Byrne (de Talking Heads), que había conocido a Gieco en su visita a Buenos Aires, unos meses atrás. En diciembre de 1992 es invitado a tocar en al inauguración del Parlamento Latinoamericano en San Pablo, junto a Milton Nascimento, Mercedes Sosa, Os Paralamas do Sucesso, Gilberto Gil y Rubén Rada. Para esa época salió a la venta "Mensajes del alma", el primer disco que León graba para la EMI-Odeón. El corte de difusión es "Los Salieris de Charly", que impulsa una buena venta del álbum.
Hacia fines de 1994 edita "Desenchufado", una ironía a la tendencia mundial impuesta por la MTV norteamericana de los Unplugged. En este caso se trató de un formidable re-make de los clásicos de León, entre ellos "El fantasma de Canterville", compuesto por Charly García para el cantautor. La presentación de este disco en la Capital fue recién a fines de 1995, con Nito Mestre, Rodolfo García, Oscar Moro y los ex Oveja Negra como invitados.
"Orozco" (1997) sorprendió con el hit bailable homónimo, cuya letra no contiene otra vocal que la "o". Sin embargo, detrás de ese tema, se esconden canciones de calidad muy superior: "Alas de tango" o "El embudo", un homenaje a la Patagonia para la cual prestaron sus voces Mercedes Sosa, Ricardo Mollo (de Divididos), Santaolalla, Ricardo Iorio (ex-Almafuerte y Hermética), Chizzo (La Renga), entre otros.
En octubre del '97 abrió el show en homenaje a los veinte años de las Madres de Plaza de Mayo, junto a Divididos, Las Pelotas, La Renga, Los Piojos, Todos Tus Muertos, A.N.I.M.A.L., Attaque '77, Actitud María Marta, entre otros.
En junio del 2004 fue nombrado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, en un acto al que asistieron Madres de Plaza de Mayo, organismos de derechos humanos, autoridades de la ciudad, familiares del homenajeado, artistas como Ariel Ramírez, Abel Pintos (ahijado artístico de León), Horacio Fontova y Piero.
Stefanie Sun (chino tradicional: 孫燕姿, chino simplificado: 孙燕姿, pinyin: Sūn Yànzī) en una cantante nacida en Singapur el 23 de julio de 1978, conocida en teochew como Sng Yì-che o Sng Ee Tze. Ha cantado en mandarín e inglés y alternado algunos dialectos chinos y su teochew nativo en sus canciones, se le conoce también por su nombre chino Sūn Yànzī.
Tiene una hermana mayor Sng Yì-kiah (孙燕佳) y un hermano pequeño, Sng Yì-bī (孙燕美).
Se educó en la St Margaret's Secondary School, Raffles Girls' School y el Saint Andrew's Junior College. Después fue a la Nanyang Technological University, donde se licenció en márketing. Su profesor de música descubrió su talento como cantante.
Aprovecha eventos importantes para promocionar su música y orbita entre China, Hong Kong, Malasia y Singapur.
Su primer disco salió en junio de 2000 Yan Zi (孙燕姿), de Warner Music. En diciembre de ese año saldría 我要的幸福, Mi deseada felicidad. Ambos obtuvieron un gran éxito. En enero de 2002 salió 自選集, Comienzo.
En 2002 y 2003, cantó en el Festival Nacional de Singapur: We Will Get There (一起走到) (Llegaremos)y One United People (全心全意) (Gente unida), tema que se incluyó en su álbum Leave.
Se tomó un año sabático y regresó en 2004 con un disco homónimo Stefanie, año en el que aprovechó para embarcarse en su propia discográfica, Make Music. Sacó A Perfect Day en 2005, y en 2006 comenzó su gira por diversos países asiáticos. Ha cantado con Mai Kuraki, MayDay (五月天) y F.I.R.
Ha recibido numerosos premios en Singapur, en Taiwán, en China, Hong Kong y en los MTV Asia Awards).
Vesna Pisarović (nacida el 9 de abril de 1978 en la ciudad bosnia de Brčko) es una compositora y cantante croata conocida en numerosos países balcánicos.
Desde joven vivió en la localidad croata de Požega, localidad en la que comenzó a acudir al conservatorio, donde aprendió a tocar la flauta, así como a cantar en coros y participar en diferentes festivales musicales.
En los años 90, se trasladó a Zagreb, donde continuaría su carrera musical. Comenzó a actuar en clubs y a componer canciones. En 1997, mientras intervenía en el festival croata Zadarfest, conoció a Milana Vlaović, que empezaría a componer temas para ella.
En el año 2002, Vesna ganó la edición anual del festival Dora, evento que selecciona la canción para representar a Croacia en el Festival de la Canción de Eurovisión con la canción Sasvim Sigurna ("Completamente segura"). Con su versión en inglés, titulada "Everything I Want" ("Todo lo que quiero") alcanzó la undécima posición.
Volvería a participar dos años más tarde, en esta ocasión como compositora del tema bosnio "In The Disco" que interpretó el cantante Deen.
Fernando Borrego Linares, más conocido como Polo Montañez (El Brujito, provincia Pinar del Río, Cuba, 5 de junio de 1955 - La Habana, 26 de noviembre de 2002), fue un cantautor cubano.
Desde pequeño su afición por la música lo atrapa y toca la tumbadora a la edad de 7 años, luego tocó la guitarra y cantaba junto a su padre en algunas fiestas de familia. Es de origen humilde, carbonero, pero esto no impidió que su mente se dejara llevar y compusiera unas letras maravillosas. Fue un cantante muy popular con una historia de leyenda y una carrera profesional corta e intensa.
En todo momento está Polo componiendo, no descansa en su afán de plasmar las maravillas de su tierra y de su corazón enamorado.
"…Polo compone mientras camina o monta un tractor, mientras nada, bajo la lluvia, el sol o la luna, cuando siembra la tierra... y hasta durmiendo".
Cuadernillo de su primer disco.
Empieza a dirigir un grupo que toca en algunos lugares turísticos de La Cordillera de los Organos. A la edad de 44 años contaba con más de 70 canciones de autoría personal escritas de forma autodidacta, pues no tiene ninguna formación profesional ni conocimientos musicales que no sean los que aprendió de escuchar los sonidos del monte.
Su voz y letra le dieron la oportunidad de conocer gente, viajar, cantar. Su primer disco fue conocido en Colombia donde conquistó un disco de Platino y otro de Oro. Luego triunfó en toda Cuba, su música fué del agrado de los niños, jóvenes y adultos, siguiendo con su formación autodidacta, pues nunca llegó a estudiar música.
Su fama fue rápida, como la de un rayo que llega que nos marca y se va, pero quedó en la memoria de todos sus fanáticos que son muchos y que no lo olvidarán jamás.
El 26 de noviembre del 2002, a la edad de 47 años y después de luchar por su vida luego de un trágico accidente, la muerte se llevó a uno de los Guajiros más Naturales que ha tenido Cuba. Fué sepultado en el cementerio del poblado de Candelaria en Pinar del Río.
Miriam Makeba, es una cantante sudafricana, nacida en Johannesburgo, el 4 de marzo de 1932.
Aunque pasó su infancia en Pretoria, Transvaal, Makeba comenzó a cantar en la década de 1950 con el grupo Manhattan Brothers, tras lo que fundó su propia banda, The Skylarks, que mezclaba jazz con música tradicional sudafricana.
Después de ver que no podía llevar a cabo en su país la carrera musical que ella quería por su activismo comprometido, la cantante viajó a Venecia para después conseguir llegar a Londres, donde conoció a Harry Belafonte , quien le ayudó a entrar en los Estados Unidos. Sin embargo, la vigilancia del FBI estadounidense obligó a Miriam y a su marido a trasladar su residencia a Guinea Conakry, donde residió hasta su regreso a Sudáfrica el 10 de junio de 1990 tras la excarcelación de Nelson Mandela, quien tiempo después le ofreció participar en su gobierno.
Icono de la lucha contra el apartheid en su país, Makeba, marginada durante más tres décadas por el régimen racista sudafricano, siempre estuvo comprometida con la lucha por los derechos civiles y contra el racismo, una entrega que llevó a cabo hasta el último momento de su vida.
La cantante, conocida también como «la mamá de África», supo llevar como nadie al escenario las tradiciones y los trajes típicos de su tierra en espectáculos donde su voz cálida y su grande presencia eclipsaban a los instrumentos étnicos que la acompañaban.
Logró su máxima popularidad con el inolvidable tema "Pata Pata", que fue difundido en diferentes paises del mundo alcanzando los primeros lugares en los ranking de música pop.
En el año 2001, fue galardonada con el premio de la paz Otto Hahn, otorgado por la Asociación Alemana de la ONU. En 2002 fue galardonada con el Polar Music Prize que otorga la Real Academia Sueca de Música.
El 10 de noviembre de 2008 falleció en la localidad de Castel Volturno al sur de Italia, a causa de un paro cardíaco que se produjo tras un concierto contra el racismo y la mafia en el que participaba la conocida como «la voz de África».
Nacida en Guadalajara, Jalisco, la historia de esta cantante se me hace tan llena de magia, ella grita a todos lados que su sueño se a cumplido.De su voz, ni hablar, tiene una voz impresionantes, un poco gruesa, y potente, que te hace sentir sus canciones.
Con la única expectativa de "que el cielo es el límite", Adrianna Foster debuta en el mercado musical con su disco "Esperándote", del cual ya se escucha el tema "Pienso en ti". La cantautora es originaria de Guadalajara, Jalisco, pero ya tiene algunos años de radicar en Miami, desde donde está lanzando su carrera discográfica como solista.
En entrevista, la joven señaló que espera que su música llegue a donde tenga que llegar porque tiene mucho qué ofrecer, mucha variedad y sus canciones hablan del mundo real y de lo que le puede pasar a una persona en todos los aspectos de su vida. En el renglón musical, mencionó que su propuesta es una fusión de la época de los 50´s y de la época de oro en México, además de la balada romántica tipo Michael Bolton o Whitney Houston aderezadas con el pop comercial y el toque de Adriana Foster.
Suzanna Lubrano (Santa Catarina, Cabo Verde, 1975) es una cantante joven del género Zouk.
Reside en Holanda y recientemente ganó el premio Kora Awards 2003 como la Mejor Artista Africana, este premio musical es el más prestigioso del continente africano.
Es una de las más conocidas de este estilo, galardonada con el premio Kora como mejor cantante femenina africana en 2003 y discos de oro y platino con su álbum "Fofo". También hay que mencionar a Paulo Flores, angoleño de nacimiento (1972) y lisboeta de adopción, como uno de los actuales exponentes de éste género.
Lanzó su primer disco en 1988 y sus letras son una clara lucha contra la política de su tierra natal.
Nelson Ned D´avila Pintos (Ubá, 2 de marzo de 1947), es un cantante y compositor brasileño, dueño de una de las más potentes voces de Brasil en el ambiente de la música romántica y cristiana.
Nelson nació con el tamaño de un bebé normal, sin ninguna singularidad física aparente, aunque luego se le descubriera una especial limitación física llamada “displasia espoôndilo-epifisária, comúnmente conocidad como enanismo. En la actualidad la estatura de Nelson es de 1,12 m.
A los 5 años sus padres lo llevan a las audiciones de la Radio Educadora Laborista, consagrandose como una pequeña celebridad para el auditorio.
Hizo su primera aparición a los 14 años en la Tele Itacolomi, en Belo Horizonte, Minas Gerais, de su natural Brasil, comenzando así su afamada carrera. A los 16 años la mencionada televisora le ofreció ser el principal conductor en un programa que se llamó: "Gente, el tamaño no importa". Ganó el concurso "Un cantante por un millón" y, cuando menos se esperaba, apareció en Sao Paulo para presentarse en la "Discoteca la Chacrinha".
Inicios musicales
En la década de 1960 comenzó a presentarse y grabar discos, inclusive en los países de América Latina, donde actualmente es muy popular. Con un repertorio ligado a la música romántica, sus presentaciones atraen multitudes en estadios y teatros. Como compositor, algunas de sus canciones han sido grabadas por Moacyr Franco, Antônio Marcos, Agnaldo Timóteo, Ismael Miranda, Matt Monroe, entre otros. Su primer LP contenía solo 2 canciones "No Sabia Que Estabas Tan Linda" y "Preludio A La Vuelta", grabado en 1960, las cuales se convertirían en grandes sucesos años más tarde.
En 1964, fue llamado por la Polygram para grabar su primer LP, titulado "Un Show de 90 Centímetros". Luego, en 1968 resultó ganador del Festival de la Canción realizado en Buenos Aires, Argentina con la canción "Todo Pasará".
En 1970 participó en el Festival de la Canción Latinoamericana, realizado en Nueva York. En 1976, lanzó el álbum "O Poder Da Fé", producida por la grabadora "Celetial". En 1977, realizó un trabajo instrumental para la "Orquesta Electrónica de Moog".
Su estilo musical ronda entre las baladas, boleros y todo lo que concierne a la música romántica. Ha realizado presentaciones en el Carnegie Hall de Nueva York, en el Madison Square Garden y en el salón Megaeventos de México. Internacionalmente, fue el primer artista de América Latina en vender un millón de discos en Estados Unidos, con el éxito "Happy Birthday My Darling" (Feliz Cumpleaños mi amor) en 1974. También ha enriquecido los archivos de las grabadoras internacionales de Copacabana, Poligram, Polidor y Fhilip
A partir de 1993 pasó a cantar canciones espirituales, después de haberse convertido a la fe evangélica (protestante). Lanzó en 1996 su auto-biografía denominada "El Pequeño Gigante de la Canción", que fue editada en primer término en portugués. Este libro es una recopilación de sucesos en la vida de Nelson Ned realizado por Jefferzon Magno Costa.
Nelson ha logrado vender cuarenta millones de discos en diversos países, tanto en lengua portuguesa como así también en español. Ganó discos de oro y también disco de platino en Brasil. Ha cantado bajo la dirección de Aldair Pinto y también en la RadioGuarani. Su discografía cuenta con más de treinta discos en el estilo libre y ocho en el estilo gospel.
En 1993, sale el álbum "Jesús Está Vivo" bajo el sello discográfico "Line Records", que es una grabadora evangélica de Brasil. Este CD fue el primero en ser editado también en español. En 1994, Nelson grabó el álbum "Jesús Te Ama", editado por Warner Capell Brasil, siendo su segundo álbum grabado también en español.
En 2002, realiza el álbum "Jesus é Vida". Este es su tercer CD traducido al español con el titulo "Jesucristo es Vida", este álbum cuenta con la participación especial para la version en portugues de LUIS DE CARVALHO, ambos grabados y distribuidos por "Bom Pastor" de Brasil.
En el año 2003 sufrió un derrame cerebral que lo mantuvo en cama durante 7 meses, el cual casi le costó la vida. Al año siguiente lanzó su último trabajo de música cristiana llamado "Jesus Ressuscitou" bajo el sello "Zekap Gopel" de Brasil.
Ana Veronica Ned (estatura: 90 cm), es la hija menor del cantante, ella integra el equipo del Circo Roda Brasil. Aparte de cantar como su padre, su especiallidad es bailar, realizar acrobacias, y también hace un número de payaso en el cual hace participar al público del circo. Nelson Ned Jr. (estatura 1,08 m), es un apasionado por la música Jazz. Ha logrado desarrollar un espectacular talento como baterista y a su vez es un aficionado del bodyboard. Monalisa Ned, decidió seguir la carrera de medicina, especializandose como fonoaudióloga. Actualmente Nelson esta felizmente casado con la señora Maria Aparecida con la cual no tiene hijos.
Eva Cassidy (Oxon Hill, Washington DC, 2 de febrero de 1963 - Bowie, Maryland, 2 de noviembre de 1996) fue una cantante de jazz y soul. Admiradora de Ella Fitzgerald y Linda Rondstadt, su estilo melódico se ha comparado con el de Nancy Wilson y cuenta con admiradores declarados como Roberta Flack, Shirley Horn, Sting, Mick Fleetwood y Paul McCartney.
De antepasados alemanes e irlandeses, desde muy pequeña mostró interés y talento para la pintura y la música. Su padre y su hermano eran músicos aficionados y Cassidy tuvo como primeras influencias el folk de Bob Dylan, Pete Seeger y Buffy Sainte-Marie. A los nueve años aprendió a tocar la guitarra y comenzó a tocar para amigos y familiares, si bien Eva nunca mostró una ambición profesional. Durante el instituto fue vocalista en una banda local de Washington DC, Stonehenge, y después formó parte de Easy Street, con quienes actuó en varios clubes de la zona. También colaboró con Wild World, The Honeybees y la banda de techno-pop Method Actor en la primera mitad de los años 80.
En 1986 Cassidy conoció a Chris Biondo, ingeniero de sonido, que al saber de sus dotes musicales la animó a grabar sus versiones en estudio y se convirtió en su principal valedor. En 1990 Biondo, también bajista, y Cassidy formaron una banda estable junto a otros miembros y actuaron en clubes de Washington DC, adquiriendo cierta popularidad local. Dos años después, Biondo consiguió hacer llegar a Chuck Brown, renombrado músico de la escena funk y soul con base en la ciudad, una grabación de la voz de Eva. Brown se quedó impresionado y la comparó con Ella Fitzgerald. Ese mismo año Chuck Brown y Eva Cassidy grabaron un disco, The other side, que contenía versiones de temas clásicos como "Fever" y de artistas como Billie Holiday, además de la interpretación de Eva de "Over the rainbow". El trabajo fue editado por Liaison Records y gozó de buena acogida local, lo que propició que Cassidy recibiera varias ofertas de discográficas para convertirse en cantante solista. Ella las rechazó todas porque le pedían que adaptara su estilo personal a un sonido más pop, y continuó tocando con su banda en locales de la zona durante los años siguientes y viviendo en una granja a las afueras de Washington.
En enero de 1996 salió a la venta Live at Blues Alley, un álbum en directo con las mejores canciones que Cassidy solía interpretar en sus actuaciones. Al respecto, The Washington Post publicó que ella "podía cantar cualquier canción y conseguir que fuera la única música que importara". Pese a ello, Cassidy no estaba satisfecha con su voz la noche de la grabación. A continuación, Eva, Biondo y el resto de la banda grabaron nuevas versiones para editar un disco de estudio. En junio del mismo año, durante la promoción de Live at Blues Alley, Eva comenzó a sentir dolor en la cadera. Días después fue diagnosticada de cáncer de piel en fase avanzada. Pese al tratamiento de quimioterapia, falleció el 2 de noviembre a la edad de 33 años. Su última actuación tuvo lugar en septiembre frente a un grupo de amigos para quienes interpretó "What a wonderful world".
A principios del año siguiente se publicó Eva by heart y Cassidy fue reconocida por la Asociación de Música de Washington. Pese a la popularidad lograda en la zona de Washington DC, Eva no era prácticamente conocida en el resto del mundo. En 1998 Blix Street recopiló temas de los tres discos publicados por Eva y lanzó el álbum Songbird, que permaneció en un segundo plano hasta que en 2000, Terry Wogan, para la radio de la BBC británica, comenzó a difundirlo en su programa por recomendación de su productor sin conocer prácticamente la figura de Cassidy, recibiendo pronto numerosas peticiones de los oyentes para escuchar la voz de Eva. El álbum escaló hasta el número 1 en las listas británicas vendiendo más de un millón de copias, y alcanzó estatus de disco de oro en los Estados Unidos, cosechando gran éxito en muchos otros países. Sting afirmó en una entrevista que no pudo contener las lágrimas al escuchar por primera vez la versión que Eva grabó de su tema Fields of gold, incluido en el álbum. Cassidy nunca grabó composiciones propias, por lo que todo el material publicado consiste de versiones de otros autores.
Desde entonces, cuatro recopilatorios más han sido publicados: Time after time (2000), Imagine (2002), American tune (2003) y Wonderful world (2004), todos los cuales han llegado al número 1 en Reino Unido y sumando ventas por encima de los cuatro millones de copias, lo que convierte a Eva Cassidy en una de las artistas que han tenido una carrera póstuma más importante.
