Los Van Van - Tim-Pom

Los Van Van una orquesta cubana (s. t.salsa y timba), fundada en 1969 por el bajista Juan Formell.

1969. Vital para el éxito y sonoridad peculiar de los Van Van, fue la trayectoria de su director Juan Formell. Antes de fundarla el 4 de diciembre de 1969, incursionó como contrabajista en varias agrupaciones, desde la Orquesta del Instituto Cubano de Radio y Televisión, hasta varios grupos de son y jazz, estas múltiples experiencias condicionaron su futuro.

Su paso por la Orquesta Revé marcó un momento decisivo en la búsqueda del estilo que quería alcanzar. Puso a prueba su espíritu renovador brindando a la misma algunas soluciones sonoras y de formato.

Incorporó el bajo, la organeta, la guitarra eléctrica, los violines y sustituyó la flauta de cinco por la de sistema. El trabajo vocal se sustituyó por el montaje de voces propio de los cuartetos. Esta experimentación sirvió de punto de partida para, una vez creado los VAN VAN, su contagioso ritmo sentara pautas en la música popular bailable.

1970. A comienzos de esta década importantes críticos y conocedores del tema avizoraban el exitoso futuro de los Van Van. Juan Formell manteniendo los aportes realizados a la anterior agrupación (La Revé), enriqueció el set con otros instrumentos como la percusión, que de una manera excepcional y única, fueron tejiendo lo que definiría como el SONGO.

Este modo de abordar el son con elementos tomados del jazz y el rock, consiste en un diseño rítmico en la percusión combinado con un figurado de piano y el bajo. Creando entonces timbres armónicos y melódicos diferentes.

José Luis Quintana (Changuito), Raúl Cárdenas (el Yulo), César Pedroso (Pupi), Fernando Leyva, Jesús Linares, Orlando Canto, José Luis Cortés (El tosco), Julio Noroña, Gerardo Miró, William Sánchez, José Luis Martínez y Miguel Ángel Rasalps (el Lele), junto a su Director, exploraron todas las formas posibles y llegaron entonces a este ritmo que se convierte en la base de su sonoridad.

Es por estos años que comienzan a grabar sus primeros cinco discos…. y debutan en varios escenarios internacionales.

1980. Este representó un período importante para la orquesta. Rompen su propio estilo incorporando el sonido bronco y rajado de los trombones. Introducen a su vez sintetizadores, teclados con múltiples posibilidades sonoras. El empleo del saxofón sintetizado y de los violines eléctricos llama mucho la atención en ese momento.

En materia discográfica suman a su haber nuevos triunfos como son: Báilalo eh! Ah! (1982), Anda, ven y muévete (1984), La Habana sí (1985), Eso que anda (1986), Nosotros los del Caribe (1987), Se acabó el querer (1988), y por último Songo da paso a una nueva etapa.

Un sello distintivo del grupo es el uso de la picaresca, la ironía, el costumbrismo en sus canciones. Convirtiéndose en una suerte de crónica de la realidad cubana, sus textos ofrecen una circunstancia social, temáticas que recrean lo jocoso de la cotidianidad.

En estos años su música trasciende las fronteras latinoamericanas y escenarios como el Empire de Londres, en Inglaterra, Austria, Suiza y Alemania son testigos de un ritmo capaz de contagiar al más escéptico de los bailadores.

1990. Inician los 90 con una gran gira por todo el país celebrando sus 20 años, evolucionan hacia la contemporaneidad tímbrica y van en busca de expresiones más complejas y preciosistas como el pad.

Sus últimos resultados no dejan duda de que llegan a la madurez. Piezas como “Que le den candela” y “Ese es mi problema” del Disco Azúcar (1993), “Soy normal, natural” y “Qué sorpresa” de lo Ultimo en vivo (1994), “Deja la ira” y “De igual a igual”, de Ay dios ampárame (1995) y “Esto te pone la cabeza mala” y “Llévala a tu vacilón” de Te pone la cabeza mala (1997), son algunos de los discos que anteceden a Llegó VAN VAN (1999) que contiene “Permiso que llegó Van Van”, “El negro está cocinando” y “Temba tumba timba”, obras que han arrasado sin compasión en el contexto de la salsa, por sus contagioso ritmo, alegría y buen gusto. Todos conservan el sello del grupo aún cuando utilicen otros recursos orquestales.

El año 2000 agradece una obra de más de treinta años con el premio Grammy Latino con el Disco Van Van is here o Llegó Van Van. Premio al mejor Álbum de salsa grabado por solistas, dúos o grupos vocales e intrumentalistas. Semejante galardón es el resultado de su decursar ininterrumpido durante más de treinta años.

José Luis Quintana "Changuito" durante muchos años fue percusionista principal de la banda y junto con Juan Formell creador del ritmo característico del grupo llamado Songo. El pianista y coautor de Formell de muchos números de la orquesta César "Pupy" Pedroso se fue del grupo en el 2001 y dirige actualmente su propia orquesta Pupy y Los que Son Son. Los Van Van fue la primera agrupación cubana utilizando un sintetizador.

Voz en Punto - El Nacimiento

FELIZ NAVIDAD A TODOS!!!

Fundado en 1990 por su director José Galván, Voz en Punto es el grupo vocal mexicano con la más brillante trayectoria internacional, siendo premiado en sus inicios, cuando sus integrantes eran aún estudiantes de la Escuela Nacional de Música, por personalidades como Ward Swingle (Swingle Singers) y Simon Carrington (King’s Singers), logrando para México el Segundo Premio en las competencias más prestigiadas del mundo: el Festival Internacional Coral de Tampere, Finlandia en 1991 y el Festival Internacional Coral de los Países Bajos en 1995.

A partir de esto, Voz en Punto emprende una meteórica y ascendente carrera profesional en la que ha conquistado a los más diversos públicos y a la crítica de países como Alemania, Francia, Suiza, Austria, Rusia, Egipto, Polonia, Rumania, Grecia y Estados Unidos, entre otros. Con su original propuesta artística en cuyo centro se encuentra la fascinante cultura mexicana, y con un repertorio que va desde la música virreinal y cantos en lenguas indígenas, pasando por el folklore, hasta la música popular y contemporánea de nuestro país, Voz en Punto es una referencia obligada para los amantes de la musica vocal en México.

El ensamble recibió en el 2002 el Premio de la Unión Mexicana de Cronistas de Música y Teatro por su contribución a la música mexicana, labor que también ha sido reconocida con los premios otorgados a sus discos “México a Capella” y “México en Navidad” en las Tribunas de la Música Latinoamericana y del Caribe 2002 y 2004, respectivamente, donde resultaron triunfadores entre grabaciones de todo el continente y seleccionados para el acervo del Consejo Internacional de la Música de la UNESCO. Igualmente, Voz en Punto ha presentado con gran éxito programas de música antigua europea, así como de música tradicional y popular de todo el mundo, repertorio reflejado en su CD “Del Tingo al Tango”, calificado por la revista Proceso como una de las producciones mexicanas clásicas más notables del 2004, mismo año en el que el ensamble representó a México en la Olimpiada Cultural de Atenas y resultó ganador del premio México en Escena, con el que CONACULTA reconoce a lo mejor de las Artes Escénicas del país.

John Lennon- Varios ( 2do Aniversario)

Sean Bienvenidos al 2do aniversario estimados amigos y visitantes, es para mí un honor y un gusto llegar al 2do año de mi blog , donde a lo largo de estos 3 días de cada semana y ahora nada mas cada sabado por cuestiones de tiempo , publico un cantante diferente enfocado a la música universal , contando con 283 cantantes , mas de 100 países que programe, aprovecho para agradecer a todas las personas que a lo largo de este año me han apoyado en este espacio que sin ellos creo que no fuera tan variado en música .

Quiero agradecer a Oscar Villalobos Avalos por darme la idea de este espacio y sus consejos cada día se aprenden cosas nuevas y que mejor que esta invitación a unirme al mundo de los bloggers , se te agradece amigo!

A Francisco Álvarez Muñoz por sus recomendaciones, sus comentarios muy acertados y el apoyo de estar visitando continuamente el blog y la amistad a compartir esto que es bellísimo como la buena música! , gracias Buenamigo!!


Al Dr. Francisco Ramírez Navarro por las recomendaciones, el apoyo con la difusión del mismo espacio , sus buenos comentarios , la música que me comparte como dice la magia que puede hacer la radio el conocer nuevos amigos y poder compartir la música que nos incita a transportarnos a las diferentes culturas de esta mundo! , Muchas gracias por todo!

Y a todos que aunque no dejan mensaje por alguna razón entran a mi blog y pueden salir con el buen gusto de haber conocido algún cantante nuevo o simplemente un rato de escuchar buena música, A TODOS USTEDES MUCHAS GRACIAS!!!

(Liverpool, 1940 - Nueva York, 1980) Cantante y músico británico, fundador del mítico grupo The Beatles, un cuarteto que formó en la ciudad de Liverpool junto a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr y que se ha convertido en una referencia indiscutible de la historia de la música moderna. John Winston Lennon nació en Liverpool el 9 de octubre de 1940, mientras los aviones nazis bombardeaban la ciudad. Su padre, llamado Alfred, era un marino que visitaba poco el hogar, hasta que desapareció por completo. Luego fue su madre, Julia Stanley, la que desapareció, dejando el niño al cuidado de una hermana suya llamada Mary.

Fue ella quien enseñó a John los primeros acordes en un viejo banjo del abuelo de éste. Liverpool era entonces una ciudad portuaria que se hallaba en plena decadencia. Con una población heterogénea, la vida allí no deparaba grandes alegrías. Sin embargo, el constante trajín originado por el tráfico marítimo también tenía sus ventajas: en el equipaje de los marinos procedentes del otro lado del océano llegaban abundantes discos de country y rhythm and blues, que se incorporaban inmediatamente a la innata afición de los liverpoolianos por la música.

John creció escuchando discos de Little Richard, Chuck Berry, Ray Charles y Buddy Holly, ilustres representantes de las corrientes musicales de aquella época. Durante unos años estudió en la escuela de Bellas Artes y al cumplir los quince resolvió sus dudas entre la pintura y la música a favor de ésta última. En 1956 conoció a un muchacho que, como él, sólo se sentía plenamente realizado con una guitarra en las manos: James Paul McCartney. Con Paul formó su primer grupo amateur, The Quarrymen, dando comienzo a un período de aprendizaje acelerado de los ritmos del rock and roll.

John y Paul se dedicaron a componer sus propias canciones como si se tratara de un entretenimiento. Dos años después se les unió George Harrison y se atrevieron a actuar en algunos pequeños locales. Se denominaron sucesivamente Johnny and the Moondogs y The Nurk Twins. Fueron tiempos difíciles: la madre de John murió en 1958 atropellada por un policía borracho franco de servicio y el escaso peculio del muchacho desapareció por completo. A lo largo de 1959, John buscó trabajo infructuosamente y vivió como un parado más. Pero su vitalidad, su juventud y su amor por la música hicieron que no perdiese la esperanza.

A principios de 1960 el grupo renació con el nombre de Long John and the Silver Beatles, prolijo nombre que se redujo a The Silver Beatles antes de quedarse en The Beatles. El término provenía de un juego de palabras inventado por el propio Lennon: el grupo de acompañamiento de Buddy Holly se llamaba The Crickets (saltamontes) y John se inspiró en ellos para mezclar el término musical beat, característico de toda una generación, y la palabra beetles (escarabajos).

John, Paul y George, junto con algunos músicos profesionales, iniciaron una gira por Escocia como acompañantes de Johnny Gentle, un cantante de segunda fila. También pusieron fondo musical a los movimientos de una bailarina de strip-tease y aceptaron viajar a Alemania para tocar en varios locales del barrio chino de Hamburgo. Cualquier cosa era mejor que buscar algún trabajo, aburrido y mal remunerado, en Liverpool. Más tarde, de vuelta a su ciudad natal, se convirtieron en el grupo habitual de The Cavern, club subterráneo donde pudieron exhibir las tablas adquiridas durante sus peculiares giras.

En 1961, el propietario de una tienda de discos llamado Brian Epstein los descubrió en ese antro. Fue una revelación; aunque no tenía ninguna experiencia en ese terreno, Epstein se ofreció como mánager a cambio de un 25 por 100 de los ingresos. A partir de ese momento, la carrera de los Beatles se disparó hacia el éxito. Con la incorporación como batería de Ringo Starr en 1962, el grupo ya estaba completo y preparado para hacer frente a lo que se avecinaba: la más loca vorágine de triunfos y gloria.

Sus canciones, editadas por el sello EMI, empezaron a copar las listas de superventas. Los conciertos de los Beatles provocaban escenas de histeria entre las groupies y la policía se veía incapaz de contener a la juvenil masa vociferante. La "beatlemanía" se difundió por Europa, luego por Estados Unidos y más tarde llegaría al resto del mundo, incluidos los países socialistas.

Las piezas de los Beatles, compuestas en su mayor parte por John y Paul, se caracterizaban por los hallazgos melódicos y armónicos, dentro de lo que después se ha llamado el "sonido Liverpool". Además, los miembros del grupo se distinguían por un nuevo estilo en la indumentaria y el corte del cabello y por una actitud alegremente desafiante, protagonizada en especial por Lennon: en las conferencias de prensa y las entrevistas, aquellos muchachos tomaban el pelo a sus interlocutores y se manifestaban como tipos ingeniosos, divertidos y despreocupados.

McCartney era el apuesto romántico, Harrison el serio y Ringo el gracioso de la banda. En cuanto a Lennon, ejercía de rebelde con inquietudes y era sin duda el más incisivo. Después de ser nombrados, en 1965, Caballeros de la Orden del Imperio Británico, John desencadenará una escandalosa polémica con una de sus célebres frases: "Los Beatles son más populares que Jesucristo". Éxitos, drogas, disputas y reconciliaciones se sucederán a lo largo de los años sesenta. Y también películas, entre otras A hard days night y Help!, ambas dirigidas por Richard Lester.

Brian Epstein falleció en 1967 por sobredosis de barbitúricos. Lennon contrajo matrimonio en Gibraltar al año siguiente con la japonesa Yoko Ono, enigmática mujer cuyo nombre significa "Hija del Océano". Ambos hechos fueron jalones de una separación anunciada. Problemas financieros, celos artísticos entre John y Paul, deseos de crear sin el lastre de acomodarse al grupo... todos estos elementos decretaron la disolución del conjunto en abril de 1970. Lennon pronunciará el epitafio del grupo y de la llamada "década prodigiosa" con otra frase escueta y expresiva: "El sueño se ha acabado".

A lo largo de los años setenta, mientras sanan las heridas de la ruptura con la reconciliación pública de John y Paul, circulará periódicamente el rumor de una próxima reunión. Varios empresarios llegarán a ofrecer sumas fabulosas para congregarlos en un escenario, pero todo será en vano: cada uno vuela por su cuenta, libres ya del yugo de los Beatles. Para Lennon, los años setenta iban a ser de una enorme vitalidad. Por un lado, se convirtió en un activista del pacifismo. Las fotos de su luna de miel en la habitación de un hotel de Amsterdam, donde aparecía desnudo con su esposa en un gesto de elemental naturalidad, dieron la vuelta al mundo.

Con Yoko había formado la Plastic Ono Band y con ella publicó una docena de discos de larga duración. Su talento como compositor y letrista siguió manifestándose en temas como "Give peace a chance", "Power to the people" o "Some time in New York City". Pero su éxito indiscutible fue Imagine, un elepé intensamente personal, editado en 1971, que contenía la canción del mismo nombre cuyo texto llegaría a ser todo un manifiesto pacifista en aquella década conflictiva.

En 1975, cuando termine felizmente su batalla contra la administración del presidente Nixon empeñada en expulsarlo de los EE UU por "extranjero indeseable" y nazca Sean Ono Lennon, único hijo del matrimonio, John desaparecerá totalmente de la circulación y se dedicará a la vida familiar. Durante cinco años, sus comparecencias en público fueron escasas y extraordinarias. Parecía que ni una sola nota ni una palabra más iban a salir de su hasta entonces inquieto espíritu. Pero en 1980 el famoso beatle enclaustrado salió de su mutismo para grabar con Yoko el álbum titulado Double Fantasy. En él pregonaba su eterno amor por su esposa y su hijo con los simples y pegadizos estribillos de siempre.

En otoño de ese año, al explicar los motivos de su regreso a los estudios, Lennon aseguraba: "Hay gente irritada conmigo porque no hago música. Si yo hubiera muerto en 1975, sólo hablarían de lo fantástico que era y cosas así. Lo que les enfurece es que yo seguí viviendo y decidí que lo más importante era hacer exactamente lo que me apetecía. En estos cinco años de silencio he aprendido a librarme de mi intelecto, de la imagen de mí mismo que yo tengo. Las canciones que hago surgen de forma natural, espontánea, sin pensar conscientemente en ellas. En cierta forma, es como volver al comienzo. Tengo la sensación de que estoy ante mi primer disco."

Días después, el 8 de diciembre de 1980, las balas asesinas de un adorador perturbado terminaron con su vida y lo convirtieron, si es que aún no lo era, en un dios de la modernidad. El escritor Norman Mailer afirmó: "Hemos perdido a un genio del espíritu". Como reacción inmediata a su muerte, los seguidores de Lennon llevaron póstumamente "Imagine" al número uno de las listas. Nunca tal número de seres humanos habían llorado tanto al escuchar una canción.

Chantal Chamberland - La Mer

Chantal Chamberland fue criada en Montreal, la ciudad canadiense francófona que celebra uno de los mayores festivales de jazz del mundo. Creció escuchando a artistas del jazz como Ella Fitzgerald y la música francesa de Jacques Brel, Edith Piaf y otros. Se inició cantando en bares locales incluso antes de alcanzar la edad legal para beber alcohol y se dio a conocer con un dúo de folk rock acústico que compartía escenarios con Barenaked Ladies y Sarah McLachlan, entre otros. Finalmente, Chamberland decidió concentrarse principalmente en el jazz y se ha convertido en una de las estrellas emergentes del jazz en Canadá.

“La Mer” (El Mar) fue compuesta y grabada por primera vez por el cantante francés Charles Trenet en la década de los cuarenta. Una versión inglesa llamada “Beyond the Sea”, con una letra muy diferente de la original, fue un éxito, interpretada por Bobby Darin en la década de los sesenta y el guitarrista de jazz George Benson en la década de los ochenta. “Y con una canción de amor / El mar mece suavemente mi corazón para siempre”.

Blick Bassy - Donalina

Blick Bassy es la nueva voz del soul de Camerún, soul en el sentido de una voz que sale de dentro. Como él mismo declara: "Canto con las entrañas". Su sonido es aterciopelado y tosco a la vez. Las canciones y sus armonías son cálidas y sensibles, los ritmos son groovy.

Sus composiciones para guitarra y su cálida voz se enriquecen con la kora, los calabashes (instrumento de percusión) y un contrabajo, dando como resultado un sonido único, obsesivo y sutil. En "Léman", Blick Bassy une la música del África Central y Occidental y las embellece con bossa nova y jazz. Nos propone un nuevo concepto del souljazz africano.

Se grabó en el estudio de Salif Keita en Bamako (Mali) y en París, donde reside Bassy. Trabajó estrechamente con los productores Jean Lamoot (conocido por su trabajo con Souad Massi, Salif Keita, Nneka, y Kass Mady Diabaté) y Jean-Louis Solans. Duración: 47´42"."El título de mi álbum significa espejo. Para mí, un espejo es el reflejo de lo que somos. No puedes mentir delante del espejo. También puedes ver detrás de ti en un espejo. Léman es sobre mi pasado, realmente, y sobre ser africano. Veo los problemas por los que sufre África sin poder hacer nada. Es una de las razones por las que canto en mi propio idioma. Bassa es sólo una de las 260 lenguas camerunesas que cada vez menos niños saben hablar. Así es como se pierden para siempre las culturas y las tradiciones.

La canción 'Africa' habla de estos temas y es, tal vez, la canción clave del disco. Esa misma canción también habla de la riqueza de África. Sólo eres capaz de ver todo eso cuando te distancias un poco. Ahora que vivo en Europa, comprendo claramente de dónde vengo. La música griot maliense está muy presente en la instrumentación (kora, n'goni), las armonías y las melodías de este álbum. Musicalmente, también es interesante utilizar el bassa. Su entonación específica determina la melodía. Cuando canto en bassa, hago uso de las llamadas 'parábolas'. Son proverbios en los que los bassa se expresan. A menudo tiene un sentido literal pero también un significado más profundo que sólo comprenderás cuando te hayas iniciado. Por ejemplo, en la canción 'Masse' hablo del 'búho que arañó mi frente', que significa que has sido golpeado por la desgracia. ¡Pero no me hundirá porque siento que estoy bien protegido por mis antepasados!" Blick Bassy

Los Hooligans -Agujetas De Color De Rosa

Los Hooligans fue uno de los grupos pioneros del rock and roll mexicano.

Aparecieron hacia 1960, como triunfadores de un concurso organizado por Radio Éxitos. Tienen derecho a grabar un disco sencillo (Acapulco Rock/Soñando). Luego graban un primer LP logrando un éxito que se prolongó hasta fines de los años sesenta. Siempre se supieron adaptar a los cambios y gustos musicales de dicha década, lo que les permitió estar siempre en radio y televisión, principalmente en el programa "Orfeon A Go Go", y en varias películas durante sus primeros años (como 'La edad de la violencia', por ejemplo).

Graban 4 discos para CBS Columbia entre 1961 y 1963, año en que sale del grupo Ricardo Roca, hermano de César Costa (en realidad se apellidan Roel), quien se hace solista. Funge entonces como vocalista Juan José "Johnny" Ortega, alcanzando altas ventas con su versión al tema "Despeinada". Posteriormente sale este del grupo e ingresarían otros cantantes grabando algunas temas psicodélicos como "Judy con Disfraz" e incluso una bien lograda versión a "Negro es Negro", esto hacia 1966.

Actualmente, Humberto Cisneros le cedió el nombre a su sobrino "Tony" S. Cisneros, quien actúa con el grupo con un nuevo nombre "Hooligans Siglo XXI", junto con los ex miembros del grupo Los Novels.A PARTIR DEL 22 DE JUNIO 2009 EL JEFE HOOLIGAN HUMBERTO CISNEROS TOMA LA DIRECCION DE ESTE GRUPO Y SE PROYECTA LA CELEBRACION DEL 50 ANIVERSARIO DEL GRUPO, CON VARIOS EVENTOS Y PROGRAMAS DE RADIO Y TELEVISION EN TODA LA REPUBLICA,LOS TENDREMOS INFORMADOS.

Janis Joplin - Cry Baby

Janis Joplin (19 de enero de 1943 - 4 de octubre de 1970), fue una cantante de rock and roll y blues caracterizada por su voz y su espíritu rebelde.[1] Su nombre completo es Janis Lyn Joplin. Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. En 1995 ingreso al Salón de la Fama del Rock. En el 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más grandes de todos los tiempos.[2] En el 2008 la colocó en el lugar 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.

Nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, localidad industrial de Texas. Sus padres, Seth (quien trabajaba en una refinería) y Doroty (que había destacado cantando en su instituto) hubieran querido que Janis fuera maestra. Tenía dos hermanos menores, Michael y Laura.

Janis, en el primer año de instituto, se unió a una pandilla de jóvenes intelectuales (beats o beatniks), por lo que se convirtió en una marginada por sus compañeros de clase, siendo durante esta etapa una persona muy impopular, acusándosela de "amiga de los negros" por rechazar el racismo. A los dieciséis años comenzó a manifestar su amor por la música, frecuentando los bares de Louisiana, donde escuchaba música negra, de blues y jazz y a los diecisiete comenzó a cantar.

Cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas, comenzó a cantar de forma habitual en bares. Participaba frecuentemente con la Waller Creek Boys. Allí es dónde empezó a ganarse su reputación como fuerte bebedora. En 1963, se trasladó a la ciudad de San Francisco dónde empezó a ser conocida. Estando allí conoció a muchos músicos con los que más tarde se reencontraría, como su amante Ron "Pigpen" McKernan" (después, miembro de The Grateful Dead) y grabó un disco casero con Jorma Kaukonen (futuro guitarrista de Jefferson Airplane) y Margareta Kaukonen en la máquina de escribir (como instrumento de percusión). Fue en este periodo cuando comenzó el contacto con la droga y se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. En el 1965 anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, conocido como Peter LeBlanc, pero el enlace no tuvo lugar, ya que Peter LeBlanc la abandonó y esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad.

Cansada de esperar a LeBlanc y de ser una chica buena, se fue a San Francisco con Chet Helms, un productor que conoció en Texas. Se unió a la banda Big Brother and the Holding Company el 4 de julio de 1966, logrando una combinación perfecta. Fue Chet Helms el que la llevó a San Francisco con la oferta de que se uniese a ella, ya que Chet Helms era el mánager de la banda, con la que grabaría su primer álbum con discográfica, Big Brother and the Holding Company, que no pasó desapercibido. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Solían actuar junto con otros grupos psicodélicos cómo The Grateful Dead, Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y The Charlatans en las famosas salas de danzas Avalon Ballroom, Fillmore East y Fillmore West, o con festivales al aire libre en el Golden Gate Park y en Haight-Ashbury.

Actuó con su banda en el Festival de Monterey de 1967 junto con algunos grandes artistas del momento cómo Jimi Hendrix, The Mamas and The Papas, Jefferson Airplane, Otis Redding y The Who entre otros. La primera actuación de los Big Brother no fue filmada y les pidieron que tocasen al día siguiente, así que tocaron Combination Of The Two, y Janis dejó a la audiencia boquiabierta con una versión del emblemático blues de Big Mama Thornton, «Ball And Chain».

A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossman. Joplin eclipsaba a los Big Brother. En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. Aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa y Cheap Thrills salió en agosto de 1968. Lanzando a Janis al éxito, a los tres días se hizo disco de oro y en el primer mes se vendieron más de un millón de copias. En el 2003, Cheap Thrills se colocó en el lugar 338 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Las críticas sobre ella fueron muy buenas, y la prensa se empezó a centrar más en ella que en el grupo, todos le decían que ella era demasiado buena para el grupo, había tensión entre ellos a causa del protagonismo de Janis y la fama, y ella quería hacer un estilo más blues y soul, cómo las cantantes que veneraba, entre ellas Bessie Smith, Billie Holiday o Aretha Franklin, así que después de mucha presión por parte de su manáger, Albert Grossman, se marchó de Big Brother and the Holding Company.

Juntos se pusieron a buscar los mejores músicos del país para crear el nuevo grupo. A principios del 1969 ya estaba creado, aunque los músicos variarían a lo largo del año. Se llevó con ella al guitarrista Sam Andrew de Big Brother and the Holding Company. Con su nueva banda, "Kozmic Blues Band", salió su segundo disco, I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!, que sonaba distinto a lo que sus oyentes estaban acostumbrados: era una mezcla de rock, soul y blues, y recibió malas críticas, la revista Rolling Stone la denominó la "Judy Garland del rock".

En abril, Janis y la Kozmic Blues Band fueron de gira por Europa, pasando por Frankfurt, Estocolmo, París, Londres, y algunos lugares más, donde el público la acogió muy calurosamente y ella regresó a E.E.U.U. muy contenta, diciendo que el mejor concierto que había dado en su vida fue en Londres, donde la audiencia se volvió loca.

En ese año, a causa de la presión, se enganchó a la heroína y comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida y de sus sentimientos. Decía que "hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola..." Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína pero sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.

El 16 de agosto de 1969 actuó con enorme éxito en el festival de Woodstock, dónde realizó dos repeticiones de, «Ball And Chain» y Piece of My Heart.

Pero los músicos de la banda eran sólo profesionales, y Janis quería que su banda fuese como una familia, como en Big Brother, y con el único que acabó conectando fue con el saxofonista Cornelius "Snooky" Flowers. A finales del 1969 Janis estaba ya destrozada y demasiado enganchada a la heroína y al alcohol, así que decidió tomarse un descanso y abandonar la banda. A finales de 1969 la banda se separó. Su último concierto fue en el Madison Square Garden en Nueva York en la noche del 19 y 20 de diciembre de 1969.

En febrero de 1970, se fue de viaje con una amiga a Río de Janeiro por carnaval, a desintoxicarse, por lo menos, de la heroína. Una vez allí conoció a David Niehouse y se enamoraron, estuvieron unos meses por la selva de Brasil viajando como dos viejos beatniks en la carretera y al volver a San Francisco, David se instaló en casa de Janis.

Una vez allí, Albert Grossman, le propuso a Janis una nueva banda, la Full Tilt Boogie Band, y Janis, ya desenganchada de la heroína, pero no del alcohol, aceptó. David Niehouse quería seguir viajando por el mundo y le ofreció irse con ella, pero Janis prefirió quedarse con su audiencia y su música. Así, Janis congenió muy bien con todos los miembros de la banda, ellos la querían y ella los quería.

En verano de ese año, Janis y su banda participaron en el Festival Express, junto otros artistas importantes de la época cómo The Grateful Dead, Buddy Guy y The Band.

En una fiesta de los Hell's Angels de San Francisco, ese mismo verano, conoció a Seth Morgan y se enamoró de él. En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar Pearl. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día en el estudio, y para celebrarlo salió de copas con sus compañeros y se emborrachó. Según el estudio forense, murió a la 1:40 por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla y su cuerpo fue descubierto unas 18 horas después. Todos quedaron sorprendidos, pues pensaron que Janis ya no consumía, y estaba en la mejor época de su vida.

Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común es que sea de sólo el 2%), las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix, Jim Morrison y Brian Jones.

A las seis semanas de su muerte, salió el disco Pearl, en 1971, que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema «Mercedes Benz» a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción «Buried Alive in the Blues» sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla. En el 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico en la playa de Stinson. Dejó en testamento 10000 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Fue una artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música.

Dragan Dautovski Quartet - The sound code of eternity

(macedonio: Драган Даутовски Квартет) es un cuarteto macedonio fundado en julio de 2000.

Se formó por Dragan Dautovski y la vocalista es Aleksandra Popovska, con
Ratko Dautovski en la batería.

Lee Hyori- 10 Minutes

Lee Hyori (En coreano, hangul: 이효리; hanja 李孝利), es una cantante y actriz surcoreana, nacida el 10 de mayo de 1979 en la localidad de Cheongwon del mencionado país.[1] Despegó su carrera en el grupo de pop surcoreano Fin.K.L.[2] Su primer álbum fue un éxito, ganando muchos "Daesangs" (el equivalente coreano al premio "Artista del Año") para ese álbum. Se define actualmente como la artista mejor pagada de Corea Del Sur.[3] Además es considearada con un simbolo sexual asiatico.

Comenzó su carrera en estre grupo cuando todavia era niña, mas tarde por ser el miembro más antiguo del grupo se convertiria en su lider. Lee y su grupo Debutaron oficialmente el 22 de mayo de 1998, con su primer single Rain "Blue".[5] Fue recibido muy bien. El segundo lanzamiento de su primer álbum, To My Boyfriend, se convirtió en el primero de su número uno varios hits. Fin.K.L. se convirtió en uno de los grupos más populares y exitosos de todos los tiempos, rivalizando con compañeros de grupo de chicas populares del grupo SES.

Un año despues de grabar el cuarto album con Fin.K.L.llamado Forever , Lee lanza su primer album como solista titulado Stylish...E,[6] el cual obtuvo muchos de los premios más importantes de la industria musical en Corea Del Sur, entre ellos varios Daesangs. Stylish...E vendió Solo en Corea Del Sur 153.490 copias. Su inmensa popularidad finalmente fué apodada como el "Síndrome de Hyori" en Corea del Sur, y los medios de comunicación de Corea llamaron el 2003 "El Año de Hyori". Lee Hyori también apareció como la actriz femenina en el drama de SBS Leaf Clover Tres co-protagonista junto a Ryu Jin, Kim Jung Hwa, Kim Kang Woo y Lee Hoon. Sin embargo, la Sintonia fué continuamente bajando, y terminó después de 16 episodios

En febrero de 2006, Lee lanzó su segundo álbum, Dark Angel. El primer single, "Get Ya", presentó una sutil coreografía y ropa sexualmente sugestiva, que se ha convertido en marca de Lee. Sin embargo, hay controversia Respecto a este single, ya que tiene cierto parecido al single "Do Somethin'" de la cantante estadounidense Britney Spears. Por esta razón los compositores de "Do Somethin'" acusaron a Lee y a sus agentes de plagio,[7] [8] pero para fortuna de la surcoreana, ella no tenia nada que ver en la composición del single. Si bien este incidente no era la primera vez que la industria del pop de Corea ha sido acusado de plagio, fue la primera vez que el titular de los derechos de autor había presentado una denuncia formal. "Shall We Dance",fué su siguiente sencillo. Debido a la atención negativa, tanto en el single y álbum no tuvieron éxito, y los ascensos se detuvo. "Straight Up" fue lanzado como una final, pero no fue promovido por Lee.

Meses despues del escandalo de plagio, se reveló que Lee había firmado un contrato de tres años con el M-Net Entertainment para ₩ 2,2 mil millones(En won's surcoreanos), convirtiéndose en la cantante femenina mejor pagada en Corea del Sur. Mientras tanto, Lee se preparó para aparecer en un nuevo "mini-drama" en febrero de 2007 , a pesar del fracaso de su drama anterior. Protagonizó junto a Lee Dong Gun en caso de In Love ... Al igual que ellos, que, aunque originalmente anunciado como un solo episodio de largo, duró cuatro episodios en Mnet. Una versión editada dos episodios del drama también corrió en SBS

En febrero del 2007 Lee sacaria varios single por via digital siendo la canción principal "Toc Toc Toc", que era R & B, al igual que muchos de sus single's anteriores. Si In Love Like Them disco Lanzado el 6 de marzo de 2007, incluía a tres de las pistas encontradas en el single digital, junto con una nueva versión de "Toc Toc Toc".[9] Fue el álbum más vendido de ese mes, la venta de 27.845 copias,[10] Aunque fué éxito, su drama fue fuertemente penalizado por infringir las directrices de publicidad. La Comisión de Radiodifusión de Corea ha declarado que el drama no puede ser transmitido en Corea del Sur,[11] otra vez, y que la red debe pedir disculpas a sus televidentes. Sin embargo, el drama fue transmitido en Japón por la estación de satélite CS Fuji, red de la propiedad de Fuji TV.

Su tercer álbum, It's HYORISH, fue lanzado el 16 de julio de 2008. "U-Go-Girl", su primer single, alcanzó el # 1 en línea y gráficos de varios fuera de línea, incluidos los espectáculos de música en varios de televisión. Ese lee participó nuevamente en la televisión con KBS Sang Sang Plus, como co-portaginista. Se informa de que su cuarto álbum será lanzado en octubre de 2009, y ella va a trabajar con ETribe que desarrolló "U-Go-Girl" de su álbum anterior.

Lucecita Benítez - Danza Negra

Lucecita Benitez, cuyo nombre de nacimiento es Luz Esther Benitez Rosado, nació en Bayamon, Puerto Rico. Desde muy joven, Lucecita sintió la gran influencia musical de su madre, al escucharle cantar mientras trabajaba en la casa. Con esta tremenda influencia y su gran talento, Lucecita Benitez pasó de ser la “Reina de la Juventud” a ser una de las artistas más reconocidas del pop femenino de Puerto Rico.

Su carrera comenzó durante la era de la Nueva Ola de la música de Puerto Rico, como miembro del famoso “Club del Clan”, espectáculo televisivo en el que cantaba y actuaba. También se presentaba en otros shows, como “El Show de las Doce”, lo que le brindó magnífica experiencia y la oportunidad de pulir sus talentos vocales. Su primer hit musical fue la canción “Un lugar para los dos” en el 1964; el principio de una larga y fructífera carrera como cantante.

Durante la década del 1960, Benitez se convierte en el ídolo de la juventud con hits consecutivos como “Dime dolor”, “Vete con ella”, “Dile”, y “Yo te perdono”. A medida que su popularidad acanzaba niveles astronómicos, por decirlo así, Lucecita se encontró envuelta en una rivalildad artística muy intensa con Lissette, otra cantante de la “Nueva Ola”, lo que terminó ayudando a promover la carrera de ambas artistas.

Su oportunidad definitiva llegó en el 1969 cuando ganó el primer premio en el Festival de la Voz y la Canción en Mexico, cuando cantó “Génesis”, canción del compositor puertorriqueño Guillermo Venegas Lloveras. Benitez cantó con Sammy Davis, Jr., y se presentó en la televisión norteamericana en el programa de Ed Sullivan en el 1970. Estas funciones le sirvieron para cimentar un contrato de grabaciones con la empresa RCA y con cadenas hoteleras, presentar conciertos por toda la América Latina, y sus famosos espectáculos en el hotel Caribe Hilton en San Juan, espectáculos que la hicieron la artista más querida y mejor pagada de dicho hotel.

Su tremendo carisma y talento le han alcanzado muchos triunfos así como el apodo de “La voz nacional”. Lucecita se ha presentado alrededor de todo el mundo, incluyendo en Argentina, España, Venezuela, Méjico, Colombia, Panamá, y la República Dominicana, siempre haciéndole honor a su apodo con aplomo y dignidad.

Uno de los puntos culminantes en su carrera sucedió en la década del 1970 cuando Lucecita se involucró en el movimiento conocido como “la nueva trova”, caracterizado por canciones con temas socio-políticos. La conciencia social se hace visible en canciones como Creceremos y en conciertos como “Traigo un pueblo en mi voz” y “En las manos del pueblo”, conciertos que le ganaron gran reconocimiento de parte de la fanaticada de ese movimiento.

A todo esto le siguieron años sin discos ni conciertos. Fueron años de silencios inquietantes hasta que terminó el silencio con la salida de Romántica Luz en el 1980, album rico en boleros interpretados por esta artista de voz igualmente rica en tonalidades.

Benítez es dueña de su propia compañía de grabaciones, “Grabaciones Lobo”, con la que ha producido más de una docena de discos. Estos álbumes han recorrido toda la gama de géneros musicales, desde música folklórica, con su Criollo Folklore, hasta boleros, con la salida de Nostalgia. Su álbum Gaviota al aire incluyó baladas contemporáneas, mientras que Exitos callejeros fue un éxito incomparable en Argentina, donde alcanzó el nivel de oro, basándose en su interpretación de la canción “Fruta Verde”.

Recientemente, Benítez ha continuado sus presentaciones en conciertos con artistas de primera categoría, como sucede en el concierto “Amigos” con Chucho Avellanet; en el concierto “Una canción por América sin fronteras” con Mercedes Sosa, y el “Homenaje a Julia de Burgos y a Luis Palés Matos” con Alberto Carrión. Presentó tambien otros conciertos inolvidables con Rubén Blades, Justino Díaz y Pablo Milanés. Quizás el concierto de conciertos fue el del 1987 en la sala de conciertos del Centro de Bellas Artes en San Juan de Puerto Rico, con el internacionalmente conocido tenor español Plácido Domingo, junto a Danny Rivera y Nydia Caro.

En el 1994, Benitez presenta su álbum Horizontes de soledad, en el que canta “Cuando la vida nos marca”, canción que nos presenta la inspiración de la artista de manera muy personal. Ese mismo año, Lucecita se une a otras estrellas en el megaconcierto “El encuentro”, incluyendo a sus antiguos compañeros y rivales de la “Nueva Ola” Chucho Avellanet y Lissette.

Con la llegada del nuevo milenio, Benítez fue parte del especial anual de Navidad del Banco Popular, dedicado ese año a José Feliciano. De igual forma, grabó un tributo musical especial a “el Sonero Mayor”, Ismael Rivera. Este fue tambien el año de su álbum En Vivo Desde el Carnegie Hall, muestra definitiva de su arte incomparable.

Osibisa - The Warrior

Osibisa es una banda formada en Londres en 1969 por cuatro africanos y tres caribeños, que alcanzó su mayor popularidad a principios de los años 70. Fue uno de los primeros grupos africanos conocidos mundialmente.

Los miembros fundadores fueron los ghanianos Teddy Osei (Saxofón), Sol Amarfio (Batería)) y Mac Tontoh (Trompeta), el granadino Spartacus R (bajo), el trinitense Robert Bailey (Teclados), el antiguano Wendell Richardson (Guitarra) y el nigeriano Lasisi Amao (Percusiones y Saxofón tenor).

Otros ghanianos han sido partes del grupo, como Darko Adams Potato (fallecido en 1995) y Kiki Djan (fallecido en 2004).

Osibisa se describen como los padrinos de las músicas del mundo, y reclaman haber allanado el terreno para la llegada de otros músicos, como Bob Marley, al estrellato, que fue popular a mediados de los 70. Su música es una mezcla de folclore africano y caribeño, jazz latino y Rhythm and blues.

Buena parte del material de Osibisa es muy bailable. Se les podría comparar con los estadounidenses Earth, Wind & Fire, en que ambos hacen música altamente sofisticada con ritmos afrocaribeños y sección de vientos, y ambos grupos han sido criticados como insípida música disco por algunos temas de mayor orientación comercial.

El nombre de Osibisa significa, según sus miembros, cruce de ritmos que explotan con felicidad. Ellos mismo clasificaron su música como afro rock. La banda ha tenido muchos cambios de formación, siendo únicamente sus tres miembros fundadores ghaneses, Amarfio, Tontoh y Osei, los que han permanecido en la banda durante parte importante de su carrera. Originalmente se decantaban por las canciones instrumentales, intercaladas con cantos tribales, todo esto acompañado por una sección de viento y una agresiva línea de bajo. Su estilo influenció a toda una generación de músicos africanos.

Los Kjarkas- LLorando se fue

Los Kjarkas es un grupo musical boliviano fundado en Capinota (Bolivia) en 1965 por los hermanos Hermosa: Wilson, Castel y Gonzalo (2/10/1950), más Édgar Villarroel. El nombre del conjunto tiene su origen en la palabra kharka, del quechua sureño, que significa "temor o recelo".

En principio, Los Kjarkas surgió como una necesidad distractiva para sus integrantes, yendo de pueblo en pueblo con el deseo de poner énfasis en el folklore, tocaban lo que la gente pedía, "zambas argentinas", pues la música autóctona de Bolivia se quedaba en las carnestolendas (carnaval), y aún no se tenía el goce para el día a día, sin embargo poco a poco llegaron las peñas y comenzaron a hacer énfasis en ritmos más propios del país como las cuecas, wayñus o bailecitos de compositores como Simeón Roncal, Gilberto Rojas o Teófilo Vargas.

Según la biografía contada por los propios fundadores, se revolucionaría el pensar y el sentir de todos los seguidores de la música boliviana, puesto que los Kjarkas comenzaron a imponer un estilo diferente, una nueva forma de interpretar la gran música boliviana que ahora es escuchada en todo el mundo.

Tras esos inicios, los integrantes abandonan el grupo y Gonzalo Hermosa refunda el grupo con los músicos Eddy Carpio, Antonio Canelas y Alcides Mejía. Durante más de 10 años, Los Kjarkas se van perfeccionando en la composición e interpretación de la música "boliviana". Se presentan en La Paz por primera vez en 1975 tras ir dando tumbos en fiestas privadas; ese mismo año, representaron a su país en el festival de música folclórica de Brasil.

En el año 1976, publican en México su primer álbum, Bolivia, con el sello discográfico Heriba. En este disco figuran nueve canciones, casi todas ellas compuestas por Gonzalo Hermosa, de las que destaca Bolivia, un canto a su patria que se convirtió en un segundo himno nacional y que es canción obligada en todos sus conciertos.

También podemos encontrar en este disco canciones como: La leyenda del amor, una composición muy hermosa que narra la vida de una flor en los tiempos incaicos.

Con el éxito ya ganado, el grupo se nutre de otros dos hermanos Hermosa: Ulises y Élmer (13/11/1960), Toño Canelas, Gastón Guardia (26/5/1959), Guillermo Ponce y Édgar Villarroel (homónimo del fundador). La incorporación de Ulises Hermosa dio lugar a la composición de piezas musicales propias muy importantes en la historia de Los Kjarkas, potenciadas en gran medida con la solemne voz de Élmer Hermosa y los vientos de Gastón Guardia.

De esa manera, publican en 1977 el segundo álbum, Sueño milenario de los Andes, o como salió en esa época en 2 LPs con el nombre de "Fortaleza" lanzados entre 1977 y 1978 por la empresa discográfica SABA, con canciones de muy marcadas raíces folclóricas. El grupo se fue haciendo más popular, organizando giras no sólo por Bolivia, sino por toda Sudamérica, Europa, Estados Unidos y Japón, país donde han obtenido una fama particular.

En 1980, publican Cóndor Mallku, donde comienzan a incluir temas románticos que se alejan algo más del folclor tradicional, innovando los ritmos y temáticas. En este disco empiezan a hacerse patentes las cualidades artísticas de los hermanos Hermosa en canciones como Ella es o Pequeño amor, canciones que nos hablan de amor, con un toque filosofico y poetico en sus letras.

En 1981, se incorporan al grupo Julio Lavayen y Ramiro de la Zerda y es editado el álbum Desde el alma de mi pueblo, en el que destaca Por un sueño de amor. Así, disco a disco, Los Kjarkas van creciendo en fama y arte durante los años 80 y se convierten en el principal grupo musical de Bolivia, cuya repercusión traspasaría fronteras y mares.

En 1984, Los Kjarkas fueron invitados al XV Festival de Música Popular de Japón donde competían más de 1.800 canciones de todo el mundo para el primer premio. La composición de Ulises Hermosa Florcita azul quedó en el décimo lugar, este evento abrió a Los Kjarkas el éxito particular que tienen en la actualidad en el país del Sol naciente.

A finales de los 80, en pleno auge del grupo, un desafortunado incidente dio a Los Kjarkas una fama y repercusión mundial aún mayores. Un grupo brasileño llamado Kaoma lanzó al mercado musical una pegadiza canción titulada Lambada (canción), que se bailaba a ritmo brasileño. La canción resultó ser un plagio[1] de la composición de Ulises Hermosa “Llorando se fue”, editada en 1984 en ritmo de caporal, aunque la primera versión era en ritmo de huayño, por suerte esta canción estaba registrada en Alemania y por ello Kaoma tuvo que indemnizar a Los Kjarkas con una suma de dinero cuyos destinatarios nunca han querido revelar. La repentina fama lograda por el grupo hizo que el término "Saya" se confunda con "Caporal", no sólo a nivel internacional sino también en la misma Bolivia.

Otra controversia también de la canción "Llorando se fue", esta vez fue la demanda legal contra el dueto reggaetonero Wisin y Yandel, que se habría utilizado parte de este tema musical, de autoría de Los Kjarkas en la canción titulada "Pam Pam" de 2006. Con respecto al videoclip que fue filmado en Río de Janeiro (Brasil), parece que fue inspirada en el grupo Kaoma que les hizo famoso con el tema musical "Lambada" .

Los años pasaban y se incorporaban músicos como Edwin Castellanos y Fernando Torrico, que más tarde abandonarían el grupo para formar el dúo Tupay. De los años 80 salen canciones tan importantes como Canto a la mujer de mi pueblo, Wayayay, Imillitay, Oruro, Tiempo al tiempo, Chukiyaqu Marka, Solo, etc. En 1989, editan el único álbum en el que no cantan, titulado Ch’uwa yaku.

En 1992, el grupo se vio fuertemente resentido por la enfermedad de Ulises Hermosa, el cual fallece de cáncer en la ciudad de Houston tras una penosa agonía en esta localidad. Antes de morir, concluyó la canción El árbol de mi destino, la cual fue publicada póstumamente por el grupo. Al año siguiente, Los Kjarkas publican el disco Hermanos, cuyo tema principal es la composición Tarajchi del desaparecido Ulises, pero con letra añadida por su hermano Gonzalo, que describe la historia y sentires de la familia Hermosa.

En los años 90, se incorporaron al grupo Rolando Malpartida, Eduardo Yáñez, Alcídes Mejía, Miguel Mengoa y José Luis Morales. Siguieron cosechando éxitos como Señora, su hija, Mi pecado, Ave de cristal, A los 500 años, La pícara y El líder de los humildes.

En 1997, Los Kjarkas publicaron su primer vídeo, Por siempre..., en el que se televisa la presentación del disco en el Hotel Presidente.

El nuevo milenio trae importantes cambios en Los Kjarkas: el grupo se rejuvenece con nuevos y jóvenes artistas como Gonzalo Hermosa Jr., Lin Angulo y el japonés Makoto Shishido. Ello da un nuevo enfoque a las composiciones, como Lección de vida, Saya sensual, Kamanchaca, etcétera. En el año 2006, Los Kjarkas publican su más reciente disco, 35 años, que conmemora el aniversario de la aparición del grupo.

Actualmente los Kjarkas continuan con su exito con sus nuevas temas como : "Fría" (Taquirari), "Munasq'echay" (K'antu) y reciben un Disco de Oro por la venta de 2 mil ejemplares de su última producción.

Nusrat Fateh Ali Khan - Must Nazron Se Allah Bachaye

Nusrat Fateh Ali Khan nació el 13 de octubre de 1948 en Lyalpur, ciudad ubicada en la provincia Punjab de Pakistán. Su padre, Ustad Fateh Ali Khan, fue un famoso músico clásico qawwali, que cantaba acompañado de sus hermanos en un grupo legendario: Party. Sabedor de las dificultades de vida para un músico, siempre quiso que su hijo fuera médico, pero éste eligió curar con música, de manera que de niño pasaba aprendiendo a hurtadillas, escondido a la hora en que su padre impartía clases a otros niños y jóvenes aspirantes a qawwali.

Tenía nueve años Nusrat cuando supo que su destino era qawwal. La manifestación suprema de su ser no tenía otro sendero. Qawwali es la música devocional del sufismo, brazo místico islamita originado en el siglo X de nuestra era y que pervive hoy en Irán. Empezó con la fundación de la orden Chisti de los sufis, seguidores del Khawaja (Master) Abu-Ishak Chisti.

Dos siglos después, la música qawwali viajó con los sufis a la India, donde mediante ella Khwaja Mueen-Ud-Din Chisti convirtió al islamismo a unos 9 millones de fieles a lo largo del subcontinente hindú. La palabra sufi significa ''el que usa lana", y designaba originalmente a una secta religiosa. Se decían a sí mismos ''faqara", que significa pobre y es el plural de faqir (en persa, darvish) de donde se deriva la palabra inglesa derbis: derviche. Los derviches fueron primero eremitas y después vivieron en comunidad, dedicados a la oración y al cultivo del espíritu. Se extendieron por todos los países musulmanes.

Las danzas vertiginosas sufi de Turquía son conocidas como danzas derviches y son las equivalentes físicas de los cánticos qawwali, que viajan en espiral. En voz de Nusrat Fateh, la música qawwali es carne y espíritu trascendiendo, mediante el placer, en el tránsito de esta vida tan breve en la Tierra. Placer sublime por medio de la música, que es la expresión sonora del espíritu. Placer carnal, placer del alma. Se trasciende, con la música de Nusrat Fateh Ali Khan, inclusive en la noción de religión. En la condición humana. Los ejecutantes de la música qawwali, eminentemente vocal, ejecutan formas sofisticadas devocionales de llegar al éxtasis.

La palabra qawwali significa, literalmente, expresión, declaración, pronunciación y el significado de qawwal implica una sabiduría o enunciación filosófica, la voz o expresión oral del poder divino. La fuerza del qawwal estriba en su poder de transportar al escucha, capturando sus sentidos y elevando sus niveles de conciencia para hacerlos más receptivos. El trayecto en el que es transportado el escucha hacia otro estado de conciencia (hal) sirve para llevarlo hacia un nivel de iluminación o conocimiento interior (marifat).

Falleció a los 48 años de edad entre la consternación nacional de su país y del mundo entero que celebraba como un ritual de vida y trascendencia espiritual cada uno de sus conciertos, que fueron hogueras y que perviven en un legado discográfico inmenso como su gran humanidad física y que crece conforme pasa el tiempo. Quien escucha la música de Nusrat Fateh Ali Khan resulta, en consecuencia, mejor persona.

Bebe - Pa mi casa

La cantante Bebe nació el 9 de mayo de 1978 en Valencia, aunque sólo vivió un año en aquella ciudad. Ella es extremeña, "Extrema y Dura", como se ha calificado recientemente. Afincada en San Vicente de Alcántara (Badajoz), creció en un ambiente musical ya que sus padres formaban parte del grupo de folk Suberina. Vivió en Zafra, en Mérida y en Badajoz. Sus padres, según Bebe, "aficionados a la música" le inculcaron desde pequeña el amor por la misma, siempre vivió rodeada de instrumentos musicales y así le surgió la vena musical, comenzando en 1995 su trayectoria como corista en el grupo "Vanagloria".

En 1996, tras terminar sus estudios de COU, se fue a Madrid a estudiar Arte dramático. A los pocos meses comenzó a actuar en locales de la capital y en el año 2001 ganó un concurso de Cantautores en Extremadura.

Bebe comienza a ser una realidad y sus posteriores colaboraciones con Tontxu y en especial con Luis Pastor así lo demuestran. Canta con su banda sin dejar de lado actuaciones en solitario. Sus canciones van adquiriendo nuevos matices y contrastes.

A finales de 2003 le llega la oferta para publicar un álbum en el que plasmar todo lo que impregna su vida y su música. El álbum aparece por fin en marzo de 2004, con el título de "Pafuera telarañas". Entre sus canciones más conocidas se encuentran Ella, Siempre me quedará, o Malo, que obtuvo un éxito en Italia en el verano de 2006.

Con la producción de Carlos Jean. Son canciones escritas en femenino singular.

El 27 de junio de 2006 anunció su retirada temporal del mundo de la música, centrandose en su carrera como actriz, que dió un salto con La educación de las hadas dirigida por José Luis Cuerda, y Caótica Ana dirigida por Julio Medem.

Ha colaborado con Tontxu, Chambao, Luis Pastor, Albert Pla, El Combolinga, Los Delinqüentes, El Tío Calambres, Kultama y Paco Bello, entre otros.

En junio de 2009 presenta su nuevo trabajo musical, un disco llamado "Y.". Sus primeros singles fueron "La bicha", "Me fui" y "Pa mi casa".

Bic Runga- Sway

Briolette Kah Bic Runga MNZM (nacida el 13 de enero de 1976) de ascendencia china y maorí, nacida en Christchurch al sur de Nueva Zelanda. Su albúm de debut, Drive, la catapultó al éxito en su pais, consiguiendo el número uno. Runga tambien ha conseguido cierto éxito en Australia, Irlanda y en algunas zonas del Reino Unido.

Esta chica tambien tuvo varios temas metidos en bandas sonoras, como el tema Sway, que estuvo en el soundtrack de American Pie.

Jorge Negrete- Esos altos de Jalisco y Mexico Lindo y Querido!

“Jaliscienses y Mexicanos, recordemos a quienes dieron su vida para hacer de México un país Libre y Democrático; rindamos honor a los héroes que nos dieron Patria y Libertad.

Porque abolió la esclavitud y encaminó a México hacia la libertad, ¡Que viva Hidalgo!

Por habernos dejado los Sentimientos de la Nación, ¡Que viva Morelos!

Por su valentía en la defensa del pueblo, ¡Que viva Allende!

Por su entrega hacia la Patria, ¡Que viva Aldama!

Por su fe en un México libre y soberano, ¡que viva Doña Josefa Ortiz de Domínguez!

Por la defensa que desde el Fuerte del Sombrero hizo a los ideales de la Independencia, ¡Que viva Don Pedro Moreno!

Promotor del federalismo y del Municipio Libre., ¡Que viva Francisco Primo de Verdad y Ramos!

Por su contribución desde Jalisco a la libertad de México, ¡Que viva (José Antonio) ‘el Amo’ Torres!

Por la defensa de la isla de Mezcala, ¡Que viva Marcos Castellanos!

Por inculcarnos que ‘La Patria es Primero’, ¡Que viva Vicente Guerrero!

¡Viva México!
¡Viva Jalisco!
¡Viva México!
¡Viva Jalisco!
¡Viva México!

VIVA MEXICO!!!

Jorge Alberto Negrete Moreno (* Guanajuato (México), 30 de noviembre de 1911 — † Los Ángeles (Estados Unidos), 5 de diciembre de 1953), fue un cantante mexicano formado en técnica de canto de ópera y que revolucionó la música ranchera mexicana, dándola a conocer por todo el mundo. Ha sido el actor de la "época de oro" del cine mexicano que más impacto ha tenido en Iberoamérica[1] Fundador del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica República Mexicana y reestructuró la Asociación Nacional de Actores (ANDA) de la que fue destacado líder.

1925 Ingresa a la Academia de José Pierson a estudiar ópera

1931 Jorge Negrete inicia su carrera como cantante,solicitó licencia del Ejército para retirarse y dedicarse completamente a su carrera de cantante en la radiodifusora XETR. El género que interpretó fue de canciones románticas, napolitanas además de canciones de autores como Maria Grever y Manuel M. Ponce.

1935 Debutó en teatro con Roberto Soto

1936 Jorge Negrete viajó a NY para realizar la película The Mexican Caballeros. Ese mismo año, contrajo hepatitis, enfermedad que por no tratarse con atención, le causaría la muerte a los 42 años de Edad.

1937 Debutó en el cine en La Madrina del Diablo

1938 Jorge Negrete filmó Caminos de ayer, Perjura, El Fanfarrón, Juan sin miedo, Juntos pero no revueltos y El cementerio de las águilas. Durante la grabación de Perjura conoció a Marina Tamayo quien se convertiría en su novia, pero luego se casó con Emilio Tuero. Conoció a Elisa Christy (su verdadero nombe: Elisa Zubarán), con quien se casó en 1940, en Miami.

En 1941 su hermano David le telegrafió para avisarle que los Hermanos Rodríguez lo buscaban para el papel principal en la película ¡Ay, Jalisco, no te rajes! que lo convertiría en la máxima figura artística en América Latina y en donde conocería a su futura pareja sentimental Gloria Marín. Jorge y Elisa vivían ya separados en las casas de sus respectivos padres. En el set de ¡Ay, Jalisco, no te rajes! Jorge y Gloria iniciaron un publicitado romance que aceleraría el divorcio con Elisa. Durante el rodaje de Seda, sangre y sol protagonizada por la pareja se dictaría la sentencia de divorcio.

1942 Nacimiento de su hija Diana con la actiz Elisa Christy
Jorge Negrete se une sentimentalmente a la Actríz Gloria Marín a quien conció durante la grabación de la película ¡Ay, Jalisco, no te rajes!. Con ella vivió 10 años en union libre, y adoptó una hija "Goita".

Ese mismo año, actuó por primera vez con María Felix. Su relación fue conflictiva, pues él era un conquistador y ella una joven altanera y presumida. Sin embargo diez años más tarde, el reconoció que se enamoró de ella desde el primer momento.

1949 Romance de Jorge Negrete con la Actríz Elsa Aguirre, que provocó su separación de Gloria Marín

1953 Actuó con María Felix. Ese mismo año, contrajo nupcias con ella, en lo que los mexicanos llamaron «la boda del siglo».

1953 Diciembre, Jorge Negrete falleció a causa de una cirrosis hepática en el Hospital Cedars Lebanon, de Los Ángeles, California

Xue-fei Yang - Cavatina

Nacida en Beijing, Xuefei Yang comenzó a tocar la guitarra con siete años, a los diez años, comienza a estudiar con Chen Zhi. Rápidamente gano prestigio y reconocimiento, su escuela la dio a conocer con muchos conciertos en China, Hong Kong, Macau, España y Australia, incluyendo además giras en Taiwan, Japan y Portugal.

Cuando tenia sólo 14 años, Joaquín Rodrigo asistió al concierto de su debut en Madrid. Años mas tarde, John Williams le cedió su propia guitarra Smallman al escuchar la espectacularidad de su interpretación.

Desde el año 2000, reside en Inglaterra, siguiendo estudios con Michael Lewin, John Mills y Timothy Walker en la Royal Academy of Music, Xuefei Yang graduada con las calificaciones mas distinguidas, recibe su “ Recital Diploma”.

Durante su período como alumna , Xuefei Yang tocó en el Wigmore Hall y Queen Elizabeth Hall, música de Joaquín Rodrigo “Fantasía para un Gentilhombre” con la BBC Concert Orchestra. También fué invitada a tocar el Concierto de Aranjuez con la RAM Symphony Orchestra at the Duke’s Hall, también ha hecho conciertos en el Purcell Room como miembro del Park Lane Group’s conciertos de “Año Nuevo”. En esta ocasión, estrenó con carácter absoluto la obra de Timothy Salter Equipoise, encargo especial realizado para ella por el Park Lane Group.

Desde su graduación, ha hecho muchos conciertos en Inglaterra , incluyendo su super-debut con un recital de guitarra en The Wigmore Hallen Alemania, debutó en la Philharmonie Berlin y Musikhalle Hamburg, Concertgebouw de Amsterdam también en Francia , Finlandia , USA y toda Asia. Ha tocado 54 conciertos para “Night of the Proms” Tour,viajando por Bélgica, Holanda y Alemania. Durante el 2006 ha realizado extensa giras de conciertos en USA y Latinoamérica. El segundo CD de Xuefei ‘Si Ji’, está inspirado en la música de su país natal, y ha sido producido por GSP. Acaba de firmar contrato para la EMI Music Asia.