Sole Gimenez - Vivir sin aire

Es una cantante, compositora e intérprete española. Más conocida por Sole Giménez. Que ha desarrollado su carrera profesional principalmente como vocalista y compositora. Fue vocalista del grupo musical Presuntos Implicados durante veintitrés años hasta el año 2006. Juntos grabaron diez discos a los que Sole Giménez aporta canciones como "Alma de Blues" o "Mi pequeño tesoro" y textos como el de la conocida canción "Cómo hemos cambiado" entre muchas otras.

Nace en París, Francia el 27 de febrero de 1963 y allí vive sus primeros años. En 1968 su familia vuelve a Yecla (Murcia) donde pasa el resto de su niñez y su adolescencia. Su vocación musical despierta a una temprana edad influida por sus padres, grandes amantes de la música de su tiempo.

                    

En 1974 entra a formar parte de un pequeño coro de niñas de la Basílica de la Purísima, al que seguirán otros que irá compaginando con sus estudios y la pertenencia al grupo de Coros y Danzas de Yecla. En 1979 junto a otros tres compañeros de Coros y Danzas forman el grupo de folk Arabí en el que también está su hermano mayor Juan Luis. En 1981 Sole Giménez se traslada a vivir a Valencia donde comienza sus estudios de Bellas Artes en la Facultad de San Carlos.

En el año 1983 Juan Luis invita a Sole Giménez a hacer coros en unas maquetas que prepara para presentarse al concurso de RNE Don Domingo. Son once músicos sobre el escenario y se hacen llamar Presuntos Implicados y tienen un registro musical cercano al funky, ganando el concurso con la canción “Miss Circuitos”.

Después de la euforia, Sole y Juan Luis Giménez, junto con el guitarrista valenciano Pablo Gómez-Trenor componen la formación definitiva de la banda. Otro golpe de suerte les lleva a poder grabar en los estudios Pertegás en Chirivella (Valencia) un primer disco bajo el supervisor de José Manuel Moles. Es el técnico de sonido de este estudio, Quique Morales, el que en la grabación de “Miss Circuitos” sugiere a Juan Luis que su hermana Sole Giménez cante la voz principal. De este modo fortuito y en adelante, ella pasa a ser la cantante de Presuntos Implicados.

Ya como cantante oficial de la formación editan sus primeros trabajos con la RCA: "Miss Circuitos", "Te voy a provocar", y su primer (disco largo LP) "Danzad, danzad malditos" a pesar del inconveniente de que las canciones de ese LP están grabadas en una tesitura vocal masculina. Los siguientes trabajos con el grupo serían editados por Warner Music, “Alma de blues” en 1989, que representa la consolidación de su carrera con Nacho Mañó como bajista oficial del grupo que entra en sustitución de Javier Vela, bajista y guitarrista valenciano.

En "Alma de blues", la voz de Sole y su forma tan personal de interpretar las canciones encuentra su mejor traje en el tema que da título al álbum, una composición que rompió moldes y que Sole dedica a Billie Holiday. Mientras tanto Sole se licencia en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia en la especialidad de dibujo, lo que en adelante hace que sea ella la encargada de la imagen gráfica del grupo, algo que no dejará nunca de hacer. En 1990 Sole Giménez contrae matrimonio con Thomas Engel, ciudadano alemán afincado en Valencia, con el que comparte gusto y pasión por su profesión.

El momento de más popularidad lo alcanza con discos de gran éxito como “Ser de Agua”, “El Pan y la Sal”, “La Noche” o “Siete”. Llegan a vender más de tres millones de discos. Sole, que había aportado letras como las de “En la Oscuridad” 1987, “Cada Historia” 1989, “Me Das el Mar” 1989, ”Como Hemos Cambiado” 1991, “Llovió” 1991, “Cuando Quiero Sol” 1991 etc., que en su momento ayudaron al reconocimiento del grupo, sigue escribiendo y componiendo canciones que son reflejo de momentos de su vida, como “Mi Pequeño Tesoro” 1994, compuesta con motivo de su primera maternidad. Estos años le resultan inolvidables por las experiencias que vive dentro y fuera de su grupo, son años en los que trabaja y conoce a artistas muy admirados por ella como Joan Manuel Serrat, Ana Belén, Joaquín Sabina, Armando Manzanero, La Barbería del Sur, Los Piratas, Chano Domínguez, Jorge Pardo, etc.

En 1999 nace su segundo hijo, lo que coincide con la edición del primer y único disco de versiones que hizo el grupo, “Versión original”, en el que interpreta por primera vez canciones de la música latina. Luego vendrá el álbum “Gente” en 2001, año en el que, además, Sole es elegida por votación para ser miembro de la Junta Directiva de la SGAE, a la cual sigue representando en la actualidad.

En 2003, Sole afronta su primer trabajo en solitario. Con Vicente Sabater, músico, ingeniero, productor y amigo, recrea temas como “La Vie en Rose”, “What´s Going On” o “La Estatua del Jardín Botánico”. “Ojalá”, título de éste disco, es un trabajo muy cercano al sonido electrónico, alejado del sonido Presuntos evitando voluntariamente ser competencia de su grupo. Con el repertorio de “Ojalá” hace una gira mezclando músicos de pop y jazz de la que se edita un DVD.

El siguiente y último disco de Presuntos Implicados, “Postales” de 2005, será también el último que Sole realice con este grupo. La gira del verano de 2005 y la posterior, que durante nueve meses les llevó en trío por toda España, fue la última con Presuntos Implicados. Veintitrés años son los que ella le dedicó al sueño que tuvo su hermano y llegó a hacer de ese sueño su vida. En 2008, tras un periodo de descanso y reflexión, Sole da vida a un nuevo trabajo en solitario “La Felicidad”, disco lleno de sorpresas, como el hermoso dueto con su admirada Ana Belén y al que la singular producción de Javier Limón da vida a un repertorio fructífero y creativo en el que Sole vuelve a encontrar la confianza perdida en su talento como compositora y nos ofrece de nuevo grandes temas, como "Tan sola", "Femenino singular" o "Volver a encontrar la ilusión de vivir".

Poco después, todavía en 2008,y a propuesta de su compañía de discos, Sole se embarca en un nuevo proyecto que culmina con la edición de un nuevo trabajo en Junio del 2009 "Dos Gardenias". Durante años, había jugado con la idea de revisar y versionar grandes canciones y grandes autores del repertorio latino americano, tanto clásicos como actuales, y compaginar esta idea con la colaboración de destacados músicos de Jazz.

Un trabajo que está gozando de una gratísima acogida por parte del público y cuyas presentaciones han sonado ya en la Opera House de Sydney (Australia), en Casablanca, Rabat o Tánger (Marruecos) o México, pasando por múltiples ciudades españolas y festivales de jazz tan renombrados como el Festival Internacional de San Javier (Murcia) cuyas imágenes en DVD se incluyen en la re-edición el disco publicada el 17 de noviembre del 2009. Durante el 2010 Sole Giménez graba su tercer disco en solitario que llevará por título "Pequeñas Cosas" y tiene el gran placer y honor de realizar una de las colaboraciones más importantes de su carrera, cantando a dúo la mítica canción "Aquellas pequeñas cosas" junto a su autor, el maestro Joan Manuel Serrat. Con Pequeñas Cosas realiza una extensa gira por nuestro país. También son muy interesantes en este año y el siguiente 2011 los conciertos que Sole Giménez realiza a piano y voz acompañada por el pianista Iván Lewis "Melón" en muy diferentes puntos de nuestra geografía.

 A finales del 2011 Sole Giménez pasa a formar parte como profesora de canto, de la excelente plantilla de profesores de la prestigiosa escuela de música Berklee College of Music, la cual durante este año abre una sede mediterránea en la ciudad de Valencia. Y así, compaginando sus conciertos con su actividad como docente, Sole Giménez En el 2012 Sole Giménez publica su cuarto disco en solitario.

El cielo de París es un álbum de versiones en clave de Jazz y con un sonido precioso a cargo de Vicente Sabater. En el disco colaboran grandes músicos de Jazz entre los que destacan Jordi Rossy a la batería e Iván Lewis Melón que realiza además la dirección musical del disco. Cantando en francés con un espectacular acento, "El Cielo de París" es el particular homenaje que Sole Giménez realiza a "La Canción Francesa" y sus grandes autores.

La Música Arabe

Es la música de los países árabes, que tienen en común el idioma árabe. Se incluye bajo esta categoría géneros de música clásica, popular, profana y religiosa. La música árabe ha estado en contacto con otras músicas regionales, como con la persa, la turca, la india, la bereber, la suajili, la andalusí y la música europea. Al igual que en otras áreas de la ciencia o de las artes, los musulmanes tradujeron del griego al árabe los antiguos tratados de teoría de la música, y asimilaron los principios de los sistemas enarmónico, cromático y diatónico...

Desde el punto de vista melódico el sistema musical árabe está basado en la octava dividida en 24 cuartos de tono, un sistema difícil de asimilar por los oídos acostumbrados a la música occidental, educados tonal y armónica en un octava dividida en 12 semitonos y ajenos al microtonalismo. Para escribir la música árabe usando la notación musical occidental, ajena al cuarto de tono, se utilizan los signos + y -. El + sirve para indicar la elevación de un cuarto de tono y el signo - para indicar la bajada de un cuarto de tono. Estos signos, combinados con el bemol, sostenido y becuadro, facilitan la representación gráfica de los intervalos de cuartos de tono.

                    

El maqam árabe es un sistema de modos melódicos utilizado en la música árabe. La palabra maqam significa estación. Cada maqam está constituido en una escala determinada y por una serie de notas importantes, frases melódicas habituales y por un desarrollo melódico y por una modulación determinadas por la tradición. Tanto las composiciones como las improvisaciones en la música tradicional árabe se basan en el sistema del maqam. Los maqam pueden interpretarse ya sea con un instrumento o con la voz y no incluyen el ritmo.

Los instrumentos musicales usados en la música árabe son los siguientes: arghul, bendir, los crótalos, darbuka, laúd árabe, mazhar, mijwiz, mizwad, ney, el rabel, riq, el tambor de copa y zurna.

No hay pruebas científicas definitivas que confirmen la existencia en la península arábiga de la música árabe, entendida en el sentido actual del término, en tiempos anteriores al Islam, en el período conocido como jahiliyyah. Sin embargo la mayoría de los historiadores coinciden en que existieron distintas formas musicales entre los siglos V y VII a. C.. Como en la mayoría de civilizaciones se supone que la existencia de música en Arabia se remonta al origen mismo de la poesía árabe, pues los poetas árabes solían recitar sus poemas con tono y ritmo musical. Cantar no era tarea de los poetas ni de los músicos, ese trabajo lo desempeñaban mujeres con bellas voces que tocaban instrumentos como el laúd, el rabel o el tambor. También se utilizaba el coro debido a su sencillez técnica.

Al-Kindi (801-873) fue el primer gran teórico de la música árabe. Él propuso que se incluyera una quinta cuerda al laúd y reflexionó sobre las connotaciones cosmológicas de la música. Superó la obra griega utilizando una anotación alfabética para cada octava. Publicó quince tratados de teoría musical de los que sin embargo sólo sobreviven cinco. En uno de sus tratados utilizó la palabra música por primera vez en árabe. Al-Farabi (872-950) escribió un libro extraordinario acerca de música, el Kitab al Musiqi al Kabir (El gran libro de la música). Su sistema de tonos se utiliza todavía aún en la música árabe.

Al-Ghazali (1059-1111) escribió un tratado de música en persa en el cual declaró el éxtasis es el estado causado por escuchar música. En 1252 Safi Eddin desarrolló una forma original de escribir la música donde el ritmo se representaba geométricamente. Algo similar no aparecería en Occidente hasta 1987 cuando Kjell Gustafson publicó un método para representar un ritmo como un gráfico bidimensional. Al-Ándalus se convirtió en el siglo XI en el principal centro de fabricación de instrumentos musicales, que fueron usados por los trovadores occitanos, de cuya mano recorrieron toda Europa.

Egipto fue el primer país árabe en experimentar un fuerte nacionalismo en el siglo XX, independizándose después de haber estado largo tiempo bajo dominio extranjero. La música turca propia del Imperio otomano fue reemplazada por la música nacional egipcia y El Cairo se convirtió en un centro de innovación musical. Una de las primeras cantantes femeninas que se aproximó a la música profana fue Umm Kalzum, seguida por Fairuz. Ambas han sido muy populares a lo largo del tiempo y están consideradas leyendas de la música árabe.

Durante las décadas de 1950 y 1960 la música árabe empezó a recibir grandes influencias de la música occidental, con artistas como Abdel Halim Hafez. En los años 1970 un grupo de cantantes siguieron su ejemplo y eso propició el nacimiento de la música pop árabe. Este género consiste en canciones de estilo occidental pero cantadas en árabe y con acompañamiento de instrumentos tradicionales árabes, con lo que el sonido resultante es una mezcla de Oriente y Occidente. En los años 1990 varios artistas han tomado este estilo, caso de Amr Diab, Hisham Abbas, Asalah Nasri, Mostafa Amar, Najwa Karam, Nawal Zogbi, Wael Kfoury, Latifa, Cheb Khaled, George Wassuf, Marwan Khoury y Hakim.

En 1996 Amr Diab lanzó la canción de titulada Habibi ya nur el ain, que se convirtió en un éxito no sólo en los países árabes sino en todo el mundo. Amr Diab mezcló la música de tres civilizaciones en una sola canción: tambores y pandero árabes, el acordeón propio de la música francesa y aires provenientes del flamenco español. La canción abrió las puertas a la popularización de la música árabe.

Más reciente tenemos el caso de Nancy Ajram una celebridad musical del Líbano. Dónde interpretó la canción de K'naan "Wavin' Flag", en versión árabe, de la Copa Mundial de Fútbol del 2010.

Eumir Deodato- Super Strut

(22 de junio de 1943, Río de Janeiro) es un músico brasileño, productor y compositor de arreglos basados principalmente en el jazz, pero conocido por su diseño y composiciones eclécticas de la unión de diversos géneros musicales, como el rock, el pop, el R&B, el Jazz-funk y la música de orquesta.

Principalmente, sus temas pueden considerarse pop jazz y también covers. Su éxito como artista original se dio en los años 70 y desde entonces ha producido más de 500 álbumes para bandas como Kool & the Gang y Björk. Intérprete de temas como Así Hablaba Zaratustra y otros éxitos, y arreglista instrumental para artistas como Frank Sinatra y Vinícius de Moraes.

                         

Deodato nace en Río de Janeiro, el 22 de junio de 1943, de padres Italianos y Portugueses. Músico autodidacta, comenzó con el acordeón a la edad de 12 años, pero rápidamente obtuvo aptitudes instrumentales y orquestrales, que culminaron con su primera sesión de grabación, a la edad de 17 años. Originalmente, trabajaba como pianista y arreglista en Río, durante la escena del bossa-nova, y escapó junto con otros músicos brasileños de la Dictadura Militar en Brasil, mudándose a Nueva York y trabajando con Luiz Bonfá y, más tarde, con el productor Creed Taylor como arreglista y tecladista.

Su primer álbum en los Estados Unidos, Prelude, al público en 1973, fue considerado con un estilo de Big Band y música Latin Jazz y atrajo a una nutrida audiencia. Su genial versión funky de la obra de Richard Strauss, Also Sprach Zarathustra le valió el premio Grammy por Mejor Interpretación Pop/Instrumental, en 1974. Ganando el lugar No. 2 en el Billboard de Estados Unidos y el No. 7 en el Reino Unido y fue usada en la película Being There.

Deodato 2 (nombre de su segundo disco) si bien tuvo la misma calidad y estilo, no alcanzó las ventas esperadas y prácticamente desapareció a la disquera Creed Taylor Inc. En sus tempranas grabaciones, se apoyó del guitarrista John Tropea y al flautista de Jazz fusion, Hubert Laws. Deodato siguió grabando hasta los años 1980 bajo el sello discográfico Kenya, pero no logró alcanzar totalmente el éxito que obtuvo con Prelude.

Dos de sus canciones, Latin Flute y Super Strut, son tocadas dentro del juego Grand Theft Auto: Vice City, y pertenecen al sountrack del mismo juego, titulado Radio Espantoso.

Deodato ha estado en demanda como productor y adaptador desde los años 1960. Ha trabajado en más de 500 álbumes, 15 de los cuales han alcanzado el Disco de Platino. Su habilidad como arreglista le proporcionaron la entrada a la industria americana de la grabación, escribiendo partituras para Wes Montgomery, su compañera brasileña canta-autora Astrud Gilberto y, más notablemente, para Frank Sinatra, en su álbum (considerado de Bossa Nova) Sinatra & Company. Otras colaboraciones notables son con Kool & the Gang, en los años 1980 y en el disco de Björk, Homogenic. Ha colaborado también en el soundtrack de varias películas, como Bossa Nova, Ghostbusters II e incluso El Exorcista.En el 2007 participa en el Disco homenaje a Enio Morricone.También colabora en disco "Mundo Feliz" del músico Gallego Juan Rivas donde realiza arreglos para la canción El amor que me das.

Discografía 

• (1964) Inútil Paisagem
• (1972) Percepção
• (1973) Prelude
• (1973) Deodato 2
• (1974) Whirlwinds
• (1974) Deodato/Airto in Concert
• (1974) Artistry
• (1975) First Cuckoo
• (1976) Very Together
• (1978) Love Island
• (1979) Knights of Fantasy
• (1980) Night Cruiser
• (1982) Happy Hour
• (1985) Motion
• (1989) Somewhere Out There
• (2002) Summer Samba
• (2007) " Eumir Deodato Trio Live in Rio"
• (2010) "The crossing"

Earth, Wind & Fire - Fantasy

Fue una de las bandas funk con el sonido más acabado, respetada por la crítica y de las más exitosas en lo comercial. Lo que hizo única a esta banda fue, por una parte la concepción que tuvo el baterista, compositor, cantante y líder de la banda, Maurice White. Earth, Wind and Fire era una fusión de energías en la que confluían su esencia funk con elementos de otros ritmos como el jazz, soul, gospel, pop, blues, psicodelia, folk, música africana y del rock and roll.

Sumada a la riqueza musical estaba la voz de Philip Bailey, detrás de la cual la banda armonizaba como el mejor de los grupos Motown, con la intensidad de James Brown o la improvisación de un grupo de jazz fusión. Además, sus presentaciones en el escenario eran elaboradas y trepidantes. El motor de la versatilidad de Earth, Wind and Fire era el mismo eclecticismo que unía a la banda. Era una diversidad impulsada por una creencia espiritual amplia que se manifestaba en un conjunto de pensamientos positivos. 

                      

El elemento que servía de unión a todos estos elementos era la composición de Maurice White. Sólido, impredecible con los arreglos, inteligente con los ganchos y estructurado en la unión de los instrumentos, hizo de Earth, Wind and Fire la banda más impecable del funk. Si bien es cierto no todo lo que grabaron fue un éxito, lo correcto es que ellos fueron los primeros en amarrar todos los ritmos que les habían precedido y los convirtieron en un espectáculo impresionante.

Maurice White empezó en la música a inicios de los sesenta como baterista de sesión en Chess Records, tocando para artistas como Fontella Bass, Billy Stewart, y Etta James. Más tarde, en 1967, entró como el baterista del grupo de jazz “Ramsey Lewis Trio” donde apredió a tocar la kalimba, un piano africano, que luego usaría a lo largo de toda su carrera.

En 1969, dejó el grupo de Lewis y se unió al tecladista Don Whitehead y al cantante Wade Flemons para juntos dedicarse a componer para otros artistas. Sin embargo, rápidamente se convirtieron en un grupo llamado “Salty Peppers” y firmaron un contrato con Capitol Records que les permitió colocar un sencillo llamado “La La Time” y que se convirtió en un éxito en la región de Chicago.

Cuando la siguiente canción salió a la venta, White decidió mudarse a Los Ángeles, se llevó a casi todo el grupo con él y lo rebautizó como Earth, Wind and Fire, inspirado en los tres elementos que están en su carta astral.

En 1970 cuando White logró convencer a su hermano, el bajista Verdine White, de reunirse con el grupo radicado en Los Ángeles, sus integrantes incluían a la cantante Sherry Scott, al guitarrista Michael Beal, al saxofonista Chet Washington, Alex Thomas en los tambores y en la percusión a Yackov Ben Israel, además de los originales Whitehead y Flemons.

Esta formación firmó un acuerdo con Warner Brothers y a finales de 1970 lanzó su primer álbum que llevaba el nombre de la agrupación. La recepción de la crítica fue cauta y positiva, sobre todo por que fue tomada con la guardia baja por lo ambicioso del proyecto. La misma recepción tuvo el segundo LP, “The Need of Love”. Sin embargo, en lo comercial los discos no despegaron a pesar de la cantidad de gente que los empezaba a seguir, mayormente en las universidades.

Con al crítica a su favor, pero con las ventas en terreno áspero White decidió desmantelar la primera versión de Earth, Wind and Fire en 1972. Junto a su hermano Verdine rearmó el grupo esta vez con la vocalista Jessica Cleaves, Ronnie Laws en el sax, Roland Bautista en la guitarra, en las teclas Larry Dunn y en la percusión Ralph Johnston. Pero la adición más importante fue la del cantante Philip Bailey.

Al final del 72 Laws y Bautista se habían ido en su lugar entraron Andrew Woolfolk y los dos guitarristas Al McKay y Johnny Graham. Ahora Earth, Wind and Fire estaba completo y listo para empezar su carrera en el estrellato musical.  En 1973 pusieron a la venta “Head to the Sky”, que si bien no fue un éxito en ventas, ayudó a agrandar la base de seguidores del grupo. El siguiente disco “Open Our Eyes” de 1974 fue su primer éxito. Resultado de la colaboración con el productor Charles Stepney, el disco tenía un estilo musical más claro y comercial.

"Mighty Mighty", extraído de ese LP se convirtió en el primer Top Ten en las listas R&B que lograría Earth Wind and Fire. Aunque las emisoras pop la hicieron a un lado por las reivindicaciones para la raza negra que contenía el tema, la influencia musical de Maurice White se hizo sentir en la radio y el álbum se convirtió en disco de oro.

En 1975 todo estaba listo para que Earth, Wind and Fire barriera con todo. El grupo se encargó de componer la banda de sonido de la película “That’s the Way of the World”. Previendo que la película no sería un éxito de taquilla, Maurice White decidió lanzar el disco antes de la aparición de la película. Aunque el filme fue un fracaso, el disco despegó impulsado por la balada “Shining Star” que fue número uno en las listas R&B y pop, además de llevarse el Grammy por la mejor interpretación R&B.

El álbum también coronó ambas listas y vendió hasta convertirse en doble platino. El dinero que recibieron se transformó en la extravagancia que dominaba todos sus espectáculos. Además se incluyó una sección de vientos más pesada con la agrupación “The Phoenix Horns”. El frenesí de sus presentaciones en vivo se registró en el doble LP “Gratitude” que llegó sin inconvenientes al número uno de los discos más vendidos.

Durante su carrera han sido 20 veces candidatos a los Grammy, ganando 6 premios. También obtuvieron su propia estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, junto a la del jamaiquino Bob Marley.

Gregory Schechter's Klezmer Band- Live

Klezmer, hasta hace poco desconocido en este país, fue el nombre dado al músico viaja con bandas de judíos de toda Europa del Este en el cambio de siglo. Música klezmer era música de baile y la llegada de la klezmorium en la ciudad significó que los buenos tiempos estaban a punto de rodar!

El sabor distintivo de la música radica en su inusual combinación de fuentes. Combina las huellas de la música de Oriente Medio con elementos de canto litúrgico judío, junto con las influencias musicales de los Balcanes, Hungría, Polonia, Rusia y cualquier otro lugar donde los judíos se establecieron hace más de una generación o dos.  Los principales instrumentos Klezmer son el clarinete y el violín, en gran parte porque eran los más portátil.

        

En Gran Bretaña, Gregory Schechter formó el Festival Klezmer Band, reuniendo a algunos de los mejores músicos profesionales para formar un conjunto virtuoso. Gregory es un maestro del clarinete klezmer y es un medallista de oro de Rusia.

Menos de seis meses después de su primera actuación, la banda se preguntó por la BBC para filmar un documental sobre la música Klezmer, donde tomaron un papel protagónico. Ha habido una avalancha de interés en la banda, desde sus primeras audiencias nota han sido absolutamente encantados. Es imposible captar la atmósfera electrizante y la respuesta con la que la banda se ha reunido allí donde ha jugado!. Esta es una banda de verdad klezmorium - músicos profesionales entusiastas que realmente disfrutan de expresarse a través de esta música fascinante.

 

Gregory Schechter Klezmer Band jugar ejemplos de una variedad de Klezmer de toda Europa. Arreglos de Gregory vienen directamente de Rusia y Europa del Este y aportan un elemento contemporáneo, junto con auténticas melodías de baile de tempo. Gregory prefiere no tener un programa rígido, como le gusta el contacto personal que tiene con su público y prefiere hablar de cada pieza como el concierto se desarrolla.

 

"Es muy llamativo, muy animado y divertido!"

"... El Klezmer Band eran sensacional" John Shaw, BBC Radio Nottingham y Derby BBC Radio

Con la ayuda del Instituto de Música Judía, Gregory estableció a la banda en 1991, trayendo consigo toda su experiencia musical y de fondo de Rusia y de Israel.

Gregory's Band is usually a 5 piece, consisting of Clarinet/Saxophone, Guitar, Bass, Accordion/Piano and Drums. Banda de Gregory suele ser una pieza 5, que consiste en clarinete / saxofón, guitarra, bajo, acordeón / piano y batería. Some of these musicians also provide vocals. Algunos de estos músicos también ofrecen voces. This is the core of the band and all musicians are professionals who have played with Gregory for many years. Este es el núcleo de la banda y los músicos son profesionales que han jugado con Gregory durante muchos años.

Even though the band has regular members, Gregory may invite other musicians to join and enhance the sound of the performanA pesar de que la banda tiene miembros regulares, Gregory podrá invitar a otros músicos a unirse y mejorar el sonido de la actuación. The additional musicians could be, but not limited to, violinist, trumpeter or female singer. Los músicos adicionales podrían ser, pero no limitado a, violinista y trompetista y cantante.