Flans - Ay Amor

Flans fue un grupo pop mexicano integrado por Ilse María Olivo Schweinfurth (Caracas, Venezuela, 27 de noviembre de 1965), Ivonne Margarita Guevara García (Ciudad de México, 31 de octubre de 1961) e Irma Angélica Hernández Ochoa, esta última mejor conocida como Mimi (Monterrey, Nuevo León, 28 de diciembre de 1962), durante la segunda mitad de los ochenta hasta principios de los noventa.

La creadora de este grupo fue Mildred Villafañe quien se convertiría en su representante. Mildred Villafane era hija del millonario puertorriqueno radicado en México, Joaquín Villafañe, dueño de la famosa "Sal de Uvas Picot" (el equivalente del alka-seltzer mexicano). La primera idea concebida en 1984 por Mildred fue una emisión televisiva dirigida al público joven y que llevaba el nombre Fans. Fans narraría las aventuras de un grupo de adolescentes que harían hasta lo imposible por conseguir los autógrafos de sus artistas favoritos; como detalle curioso, la canción de título Flans contenida en el primer disco del grupo era el tema de apertura del piloto de televisión. El programa lo integraban Mimí e Ivonne (integrantes de Flans), Pedro Marás y Amparín (integrante del extinto dueto Media Luna) entre otros. El programa nunca salió al aire y retomó forma como un grupo musical en el concepto de Flans. En su concepto inicial Mimí, Ivonne y Amparín serían las integrantes aunque más tarde Mildred decidió sustituir a la última por un nuevo valor: Ilse. También cabe anadir que Mildred audiciono a más de mil jovencitas para este proyecto, incluyendo a unas muy jóvenes Alejandra Guzmán y Sasha.

1988 es el año de su consolidación. Lanzan su cuarta producción Alma gemela de la cual se extraen los temas "Tirare", "Giovanni Amore", "Alma Gemela", "Detrás de tu Silencio" y "No soy tan fuerte", con las que lograrían en ese entonces tener varios reconocimientos y llenos totales en sus presentaciones, al mismo tiempo de que la emisión Siempre en Domingo organizó un concurso en donde niñas de entre 5 y 13 años imitaban a Flans.

Para junio de 1989, en su quinta producción: Cuéntamelo Dum Dum, realizan un concepto diferente, al realizar una producción dedicada al público infantil, con temas como: "La Historia de Dum Dum", "Novovipipo", "Tajín y los 7 truenos", "El Mosquito Bilingüe", y "El hijo del arcoiris", narrados por las integrantes del grupo y el personaje central de esta producción: Dum Dum.

En marzo de 1990 el grupo anuncia su desintegración debido a que quieren hacer una pausa en su carrera después de cinco años, ya que durante ese tiempo no han tenido receso alguno. Lanzan su sexto y último disco que titularían Adiós, realizado por Mildred Villafañe y Roberto Colombo, en el cual Ilse participa como autora del tema "Niña", Mimi de "Y no estás" e Ivonne de "Cuadro", además que en él se incluye una versión de la canción que hiciera famosa la cantautora española Luz Casal: "A cada paso".
Ilse y Mimi continuaron su camino en el espectáculo por separado, como solistas, no así Ivonne quien se dedicó a la pintura.

En 1999, en la llamada "época de los reencuentros", Flans también se reencuentra y lanza su séptima producción Hadas, el cual grabaron en Londres y Los Ángeles, y fue producido por Mildred Villafañe, Aaron Moltalvo, Luis Carlos Esteban, Ivonne, una de las integrantes del grupo; quien escribió la canción "Uno de tantos", además ella y Mimi realizaron "Gracias", dedicada a Ilse. El primer sencillo, "Hadas" de Juan Pablo Manzanero, se colocó en pocas semanas en las listas de popularidad, lo mismo que "Tu eterna pesadilla", "Rufino" y "Gracias", una versión en español del tema "Thank You" de la cantante inglesa Dido Armstrong.

Para marzo del 2001 un panorama negro se vislumbra en el camino. El asunto fue que tanto Ilse, Ivonne y Mimi estaban peleadas con su representante Mildred Villafañe, por la titularidad del nombre de Flans. Este rumor salió a la luz pública en 1999, así que después de cinco meses, la Dirección General de Derechos de Autor decidió dar un fallo a favor de Villafañe, pero las ex Flans no se desanimaron y decidieron adoptar el nombre de IIM (las iniciales del nombre de cada una) con el que lanzaron la séptima producción titulada homónimamente, con algunos temas de sus anteriores álbumes.

En recientes fechas, y para conmemorar el vigésimo aniversario del surgimiento del grupo las integrantes del grupo decidieron volver a juntarse para una gira de aniversario, llamada "20 Millas después" con una serie de conciertos en México y Estados Unidos.
El grupo presentó como concierto final, el realizado el 15 de diciembre de 2005 en la Plaza de Toros México, con casi 25 mil asistentes.

Al parecer, actualmente el grupo se ha separado definitivamente. Ilse, después de lanzar dos álbumes como solista (Africa en 1992 y El Río en 1995), ha aparecido en diferentes programas de TV como critica en "la academia" cuarta generación, así como en la versión mexicana de Plaza Sésamo. Ivonne vive en Estados Unidos y se dedica a la pintura, y Mimí, después de dedicarse a la presentación de diferentes programas de televisión, que al igual que Ilse fue crítica de "la academia" tercera generación. Actualmente (2007) es una de los tres jurados del programa de la cadena Sony "Latin-American Idol" , alista su tercera producción discográfica en solitario bajo sello independiente titulada "Vuelve", después de sus dos álbumes previos (Mimí en 1991, y En un momento de soledad en 1993).

Niki Chow - Pity He Has A Girlfriend

Niki Chow Lai-ki es una Hong Kong actriz y Cantopop cantante. Ella nació y se crió en Hong Kong. Su vida terminó la escuela cuando fue descubierto por un agente que le ofreció un modelado oportunidad. Este fue el comienzo de su vida como artista. Fue casi 17 años de edad en ese momento. Unos años más tarde, ella comenzó a actuar en películas y series de televisión. En 2005, se convirtió en famoso por el programa de televisión "Suave Represión" . Ella firmó para BMA Entertainment Group y lanzó su primer álbum en el mes de agosto. Ella es la hermana menor de la modelo de Hong Kong Chow Kathy Hombre Kai.

Ella obtuvo la mayoría de Mejor Actriz en gran premio en el 2005 TVB Aniversario de los Premios de la TVB drama La Suave Represión. Fue una de las diez actrices en TVB. Ella miraba la filmación en el continente en 2008. Ella lanzó su más reciente álbum Redefinir el 15 de enero de 2009 y segunda edición en febrero.

Didier Barbelivien - Elsa

Didier Barbelivien (nacido el 10 de marzo de 1954 en París) es un francés autor, letrista, canción-escritor y cantante. A partir de la década de 1970, escribió una serie de exitosas canciones de artistas como Enrico Macias, Johnny Hallyday, Michel Sardou, Patricia Kaas, Corynne Charby, David et Jonathan, Jean-Pierre François y Caroline Legrand, entre otros.

En los años 80 y 90, que gozan de éxito popular cantando sus propias canciones, muchas de las cuales subió rápidamente a la cima de la cartas de francés de la época. En la década de 1990, que canta varios títulos con Félix Gris. Fue hecho Caballero (Knight) de la Legión de Honor en 2009

Santa Palabra - Ven al Caribe

Santa Palabra tocando en cariba canchanchara trinidad

Ravi Shankar - Raga Anandi Kalyan

Ravi Shankar (nacido el 7 de abril, 1920 en Benarés, Uttar Pradesh, India) es un músico bengalí conocido mundialmente por ser un virtuoso del sitar. Se le conoce con el título honorífico de Pandit Ravi Shankar.

Discípulo de Allauddin Khan (fundador del Maihar gharana de música hindú clásica), Pandit Ravi Shankar es posiblemente el instrumentista hindú más reconocido, es conocido por ser pionero en la traída del poder de la tradición de música hindú clásica, así como por músico hindú y sus ejecutantes en general. Esto fue hecho por su asociación con The Beatles así como por su carisma personal.

Su carrera musical atraviesa más de seis décadas y Shankar actualmente sostiene el Récord Guinness por la carrera internacional más larga.
Ravi Shankar es el padre de la cantante estadounidense Norah Jones y la sitarista Anoushka Shankar

Su casa ancestral es hoy en día Kalia Upozila en el Distrito Narail, Jessore, Bangladesh. El nombre de su madre era Hemanginee, y su hermano mayor Uday Shankar era un bailarín famoso hindú clásico. De adolescente Ravi tocó el sitar con la compañía de baile de Uday Shankar, más notablemente con Anna Pavlova en la Unión Soviética.Amen de su virtuosismo, logro influenciar increíblemente la música occidental abriendo así las puertas de la percepción

Ravi Shankar dejó una posible carrera de baile y comenzando en 1938 pasó largos años de estudio bajo su gurú Khan Allaudin. Su primera presentación en público en la India fue en 1939. El entrenamiento formal acabó en 1944 y trabajó en las afueras de Bombay. Comenzó a escribir canciones para películas y ballet clásico y comenzó una carrera de grabación con el afiliado indio HMV. Se hizo director de música de All India Radio en los años 1950.
Shankar entonces se hizo conocido fuera de la India, primero presentándose en la Unión Soviética en 1954 y luego en el Oeste en 1956. Se presentó en acontecimientos principales como en Edinburgo Festival así como lugares principales como el Royal Festival Hal

George Harrison, miembro de The Beatles, comenzó a experimentar con el sitar en 1965. Los dos se encontraron eventualmente debido a este interés común y se hicieron amigos cercanos, ampliando la fama de Shankar como una estrella pop y como el mentor de Harrison. Esto desarrolló enormemente su carrera. Le invitaron a tocar en lugares que eran insólitos para un músico clásico, como el Monterrey Pop Festival, 1967 en Monterrey, California. Él era también uno de los artistas que tocaron en el Woodstock (1969) y el Concierto para Bangladesh en 1971. Ravi Shankar y Amigos eran también el acto de apertura para la gira de Harrison de los Estados Unidos en 1974.

Shankar ha escrito dos conciertos para sitar y orquesta, composiciones de sitar-violín para Yehudi Menuhin y él, la música para el virtuoso de flauta Jean Pierre Rampal, y la música para Hozan Yamamoto, maestro del shakuhachi (la flauta japonesa), y el virtuoso del koto Musumi Miyashita. Ha compuesto extensivamente para películas y ballets clásicos en India, Canadá, Europa y los Estados Unidos, incluyendo Chappaqua, Charly, Gandhi, y Apu Tryology. Su grabación Tana Mana, lanzado por el sello Private Music en 1987, penetró el género New Age con su combinación única de instrumentos tradicionales con la electrónica. El compositor clásico Philip Glass reconoce a Shankar como una influencia principal y los dos colaboraron para producir Passages, una grabación de composiciones en las cuales cada uno adapta temas compuestos por el otro. Shankar también compuso la parte de sitar en la composición de Glass de 2004, Orión.

En el año 1998 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música.

Ravi Shankar tuvo dos hijas: la cantante Norah Jones (que Ravi Shankar tuvo con la enfermera Sue Jones) y Anoushka Shankar, una de las más destacadas mujeres de la India tocando el sitar, habiendo recibido varias distinciones a lo largo de su carrera.

Nunduva Yaa - Movimiento Contrario

Nunduva Yaa es una frase mixteca que significa "música de Oaxaca". Mezclando las raíces indígenas, la música mestiza y las formas del jazz contemporáneo, Nunduva Yaa reta al escucha con una propuesta original.

UnoOnésimo García nació en Yosondúa, una comunidad boscosa de la Mixteca Alta, de tierra roja y fríos inclementes. Desde muy pequeño estudió música y sus inquietudes lo llevaron a emigrar a la Ciudad de México, donde tomó clases en el entonces taller de jazz de la Escuela Superior de Música. Francisco Téllez, de raíces oaxaqueñas (es nieto de José López Alavés, compositor de la Canción Mixteca) lo guió por los vericuetos del sincopado ritmo y, cuatro años mas tarde, el novel trompetista regresó a la ciudad de oaxaca para compartir sus experiencias y abonar el camino para la formación de un ensamble de jazz. Así, al lado de su paisano Rodolfo Santiago en el piano, fundó el dueto Cantera.

Por aquellos años -mediados de los 90- la escena del jazz en oaxaca se limitaba a las actuaciones esporádicas de algunos grupos foráneos, mas los esfuerzos de viejos pioneros por hacerse escuchar, como el pianista Guillermo Porras. Algunos jóvenes formaban grupos que no se sostenían debido a los casi nulos espacios de expresión para el género. Sólo Radio Universidad y la Asociación Radiofónica Oaxaqueña mantenían sendos programas que difundían música y noticias relacionadas con el género.

Gracias al tesón de Onésimo, la Casa de la Cultura los integró como grupo representativo. Para entonces ya eran un cuarteto, con el ingreso de Luis Cervantes en el saxofón tenor y Joaquín Santiago en el clarinete. Gracias al apoyo de la Institución, el grupo tuvo la posibilidad de tocar con mayor frecuencia en distintos foros de la ciudad y el interior del Estado.

Sin embargo, el sueño de Onésimo y compañía iba más allá: recuperar la rica tradición musical oaxaqueña y entramarla con los lenguajes de la contemporaneidad. De esta forma en el año 2003, para el primer disco de la banda, cuyo nombre había cambiado y ahora eran Jazz Ensamble CCO, se arreglaron piezas populares como el Himno al Rey Condoy y los Sones y Jarabes Mixes con un matiz africano en 6/8 ; el Jarabe del Valle en compás de 5/4 que por supuesto recuerda las experimentaciones del grupo de Dave Brubeck en los años 40 y 50; una pieza del compositor Chuy Rasgado y otra de Alvaro Carrillo, además de una vieja tonada mixteca titulada "Flechador del Sol" que pasó de ser una tonada para violín a una descarga latina con aires de rumba, mambo y cumbia. El disco, titulado "Raíces y Jazz - Colores de mi tierra" fue recibido con agrado por la mayoría, aunque no faltaron los puristas que se rasgaron las vestiduras ante el descaro de estos chamacones.

DosPero hubo más; y redoblando esfuerzos el ensamble de Jazz decidió consolidar su propuesta, invitando a músicos de diferentes procedencias para enriquecer su discurso. De esta forma comenzaron a preparar el segundo opus que acaba de aparecer bajo el nombre de "Sonidos y costumbres". En esta ocasión Nunduva Yaa recupera hermosas piezas de la tradición local como "Linda Ecatepecana" y "Soñar Volando", dos canciones serranas compuestas bajo los influjos del swing y el jazz-band de los años 30; "El Mixteco" un danzón compuesto por José López Alavés y grabado en 1929 por una danzonera de Veracruz; "Danza de los negritos" con sonoridades de la tradición Huave; "El palomo, Oaxacado y Sinfonía", tres formas mixtecas de gran arraigo, y finalmente "La chingona", sabrosa chilena de la costa chica oaxaqueña. Algunos músicos involucrados en esta aventura fueron el guitarrista Julio García, el bajista Alejandro Villanueva "mapache", el baterista Pepe Silva Jr, el percusionista Ignacio Carrillo y el trompetista Tino Pérez. Además contaron con el invaluable apoyo de Rubén Luengas, músico y estudioso de la tradición musical mixteca, fundador del grupo "Pasatono" y laudero empeñado en rescatar el viejo banjo mixteco, ya en desuso.

Por supuesto, la idea de mezclar folclor y contemporaneidad no es nueva en Oaxaca; ya desde los años veinte del veinte el dixieland y el fox-trot se hicieron presentes en localidades importantes del Estado como Tlaxiaco, Etla, Ixtepec y Miahuatlán, y se mezclaron con los ritmos tradicionales. De esta forma dichos ritmos perviven hasta hoy en perfecta comunión con la música indígena y meztiza, incluso con rasgos de la música negra.

TresNunduva Yaa cerró el año 2005 con una nueva alineación en cuarteto, es decir: Onésimo García en la trompeta, Luis Cervantes en el sax tenor, Rodolfo Santiago en el piano y la inclusión de Oxama en la percusión, que aporta al sonido del grupo colores y matices que van de los cántaros tradicionales oaxaqueños a la darbouka turca; de los tambores afrocubanos al cajón flamenco.
Así, el trabajo del grupo se ha consolidado paulatinamente; su presencia empieza percibirse en el ámbito del jazz nacional. Acordes con los tiempos que corren, Nunduva Yaa prepara su tercera producción discográfica en este 2008 titulada "Movimiento Contrario", en donde las piezas originales adquieren protagonismo, sin olvidar el gusto por los sonidos y costumbres de esta tierra.

Este es un perfil del jazz que viene del sureste; jazz con personalidad propia, hecho con alegría; para tocarse en canchas de basketbol o plazas públicas; para gozarse con un café de olla mientras la niebla invade la sierra; para ponerse a bailar y recuperar el gozo que a veces no tiene permiso de entrar a las "salas de concierto".

Black Sabbath - Iron Man

Black Sabbath es una banda inglesa de heavy metal formada en 1968[2] en Birmingham por Ozzy Osbourne (voz), Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería). Desde entonces, la banda ha sufrido multitud de cambios de formación, con más de veinticinco antiguos miembros.[3] Formados originalmente como una banda de blues rock llamada Earth, la banda incorporó letras sobre ocultismo y terror con guitarras afinadas de modo más grave, cambiando su nombre por Black Sabbath y consiguiendo varios discos de oro y platino en la década de 1970. Al ser una de las primeras y más influyentes bandas de heavy metal de todos los tiempos,[4] Black Sabbath ayudó a desarrollar el género con publicaciones tales como el cuatro veces disco de platino Paranoid.[5] Han vendido más de quince millones de copias sólo en los Estados Unidos.

La manera violenta de tocar, y sus letras sanguinárias, machistas, místicas y ante todo sinceras con la realidad del mundo se tomaron como modelo para numerosos grupos futuros. Su álbum homonimo de 1970 continua siendo uno de los mas innovativos e influyentes de la história del rock. Un cuarteto compuesto por Ozzy Osbourne (vocalista),Tony Iommi (guitarrista), Geezer Butler (bajista) y Bill Ward (baterista), inicialmente se llamo Polka Tulk y mas tarde Earth.

Tomaron por asalto un circuito de pubs y clubes de su ciudad natal, con mucha energia, blues y rock. Compañeros de escuela y vecinos en Birmingham, o grupo ganó muchos seguidores en Inglaterra , en 1968 cambiaron su nombre a Black Sabbath. Un nuevo nombre que describia una imagen oscura, pesada y mística de la banda, y a su gusto por temas sobrenaturales y místicos. En 1969 entraron en estúdio para grabar su primer disco.

EL álbum Black Sabbath llegó a losTop Ten britanicos, donde permanecio por tres meses e consiguió para la banda un grupo de fans fervorosos en ambos lados del atlantico. Un gran salto para la banda ocurrió con la grabaçión de Paranoid, un álbum pionero de heavy metal. Contando con los riffs cortantes de guitarra de Iommi, y las vocales siniestras de Ozzy y el ritmo de Butler y Ward, Paranoid alcanzó una mejor posicion en las paradas inglesas y llegó a una similar en América donde permaneció por mas de un año, ganando disco de platino.

Fue un acontecimiento para la naciente escena heavy inglesa. Master of Reality, el tercer álbum de Black Sabbath, fué lanzado en agosto de 1971. Entre otras canciones estaban algunas que se volvieron marcas registradas de la banda, como Children of the Grave o Sweet Leaf. Y Black Sabbath gravó un álbum llamado Vol. 4 en el início de 1972 en Record Plant, en Los Angeles. Sonando poderosas canciones como Supernaut y Under The Sun, el álbum revelaría un lado completamente desconocido de la banda, con temas melódicos, cuidadosamente escritos y tocados como Cornucopia y la instigante Laguna Sunrise, una composición instrumental que tornaria un lugar especial dentro del repertorio de la banda. Considerado uno de los clásicos del hard rock, el álbum de 1973, Sabbath, Bloody Sabbath, se ganó el visto bueno de la crítica.

Temas como Killing Yourself to Live, Looking For Today cuyos titulos introducen a un grupo de letras más amplias y multifaceticas. Producido, compuesto y grabado por la banda, Sabbath Bloody Sabbath fué un punto alto en la larga carrera de la banda. Cuando Sabotage, sexto disco de Black Sabbath, fué lanzado en 1975, estaba mas que comprovada la calidad de la banda, y también era obvio a el talento para componer dentro del sencillo estilo que marcó a la banda (por algunos tildada de mediocre). We Sold Our Soul For Rock and Roll fue una demoledora producción, compuesta de 14 temas, todos clásicos del hard rock y el heavy metal.

Tratase de una excelente muestra da carreira da banda, desde el primer álbum desde Sabotage. Technical Ecstasy es uno de los mas inventivos y originales álbums de estudio de Black Sabbath. Tres composiciones típicas de la banda, como Back Street Kids, Gypsy, Rock 'N' Roll Doctor y la principal del LP, Dirty Women. Siendo el octavo álbum de estúdio de una carrera que se extiende por casi tres décadas, el lanzamento de 1978, Never Say Die, trae algunas de las mas memorábles letras. Never Say Die captura toda a fuerza de la formación original. Fué el último álbum com Ozzy al frente de Sabbath. Incluiyó temas como Johnny Blade, Breakout, Shock Wave todas tocadas dentro del repertorio de la banda en vivo.

En 1979 Ozzy Osbourne fue sustituído por Ronnie James Dio, um americano que habia participado en el grupo Elf y formó parte de la banda Raimbow de Ritchie Blackmore. Fué el primer cambio dentro de la formación del grupo en mas de una década. Heaven and Hell fué el primer álbum con el nuevo cantante. Todos los temas fueron escritos por la banda con la participación de Dio. Lanzado en 1981, el segundo álbum como vocalista de Dio y el primer álbum con el nuevo baterista Vinnie Appice, Mobb Rules presenta composiciones massacrantes como Turn Up The Night, Sliping Away y The Mob Rules.

En 1982 Black Sabbath lanzó un álbum al vivo, Live Evil, incluyendo todos los grandes hits de todos los álbums lanzados. Luego de la grabación Ronnie James Dio y Vinnie Appice dejaron la banda. Hubieron malos entendidos dentro de la banda porque Dio "saboteó" la mezcla del álbum para destacar su voz dentro de la grabación. El álbum Born Again, de 1983 trae como vocalista a Ian Gillan, originalmente miembro de Deep Purple.

El baterista original de Sabbath, Bill Ward, vuelve a la banda. Algunos de los temas destacados de este álbum son Trashed, Digital Bitch y Zero The Hero. Por un tiempo Bev Bevan, de la banda ELO substituyó a Ward. Después de que Bev Bevan y Ian Gillan dejaran a la banda. Bill Ward volvió y la banda experimentó con un nuevo vocalista, Dave Donato. Esta formación nunca grabó y Dave Donao fué despedido de la banda despues de una entrevista muy egocentrica. Trataron nuevamente de mantener la banda con el vocalista Ron Keel. Finalmente, con la salída de Geezer Butler, Sabbath se creyó acabado.

Tres años despues, en 1986, Tony Iommi lanzó su álbum Seventh Star, anunciado como "Black Sabbath featuringTony Iommi". Deberia tratarse de un álbum solo de Iommi, pero en la grabación decidió usar el nombre de Black Sabbath. Glen Hughes, de Deep Purple, fué su vocalista. Durante la gira americana Glen Hughes salió, siendo substituído por Ray Gillen. En 1987 Black Sabbath lanzó su décimo cuarto álbum, The Eternal Idol, que tuvo grandes sucesos como Shining, Hard Life to Love, Born to Lose e Lost Forever.

La formación de la época era constituída de Tony Iommi, Tony Martin (vocals), Dave Spitz, Bob Daisley (bass),Bev Bevan (percusión) y Eric Singer (bateria, que mas tarde iria para o Kiss). Ray Gillen aparentemente grabó este álbum y salió antes de que fuese lanzado. Tony Martin regrabó las voces. En 1989, Black Sabbath lanzó Headless Cross, con grandes hits como Devil and Daughter, When Death Calls y Black Moon. La formación estaba compuesta por Tony Iommi, Tony Martin, Cozy Powell (bateria) e Laurance Cottle (bass). Laurance Cottle mas tarde fué substituído por Neil Murray. Em 1990, veintidos años despues de formado Black Sabbath, fué grabado TYR en un nuevo estilo iniciado en 1987 con The Eternal Idol. Algunos temas destacados de este álbum fueron Anno Mundi, Jerusalem, The Sabbath Stones y la balada Feels Good to Me. 1992 fué un momento histórico para Black Sabbath. Hubo una reunión de Ronnie James Dio, Geezer Butler, Vinnie Appice y Tony Iommi. el álbum Dehumanizer fué aguardado y aclamado por todos. Algunos de sus hits fueron Time Machine, TV Crimes, Master of Insanity y Sins Of The Father. Time Machine fué parte de la banda sonora del filme Wayne's World (Cuanto Mas Idiota Mejor).

En 1994 Black Sabbath lanzó su décimo octavo álbum, Cross Purposes que entre outros hits incluiria temas como I Witness, Cross of Thorns, The Hand That Rocks The Cradle, Immaculate Deception y Psychophobia. La formación de la banda consistia de Tony Martin, Geezer Butler, Tony Iommi y Bobb Rondinelli (bateria). En 1995 o Black Sabbath lanzó Forbidden, como piezas destacablesestan The Illusion of Power, Get a Grip, Shaking Off The Chains y Sick and Tired. La banda estaba formada por Tony Martin, Neil Murray (bajo), Tony Iommi e Cozy Powell (bateria). Cozzy Powel dejó la banda en medio del tour americano y fué sustituído por Bobby Rondinelli.

En ese mismo año un suceso histórico tuvo lugar; en un concierto de Ozzy aparecieron sobre el escenario, luego de largo rato de ruptura por problemas personales, los antiguos integrantes de la banda, Tommy, Bill, y Gezeer Butler volvieron a tocar junto con su primer cantante. Un reencuentro en verdad emocionante, y que esperanzo a la escena del metal con una posible reunificación de una de las bandas más subversivas, escandalosas, creadoras y sublimes en este genero.

Cosas que se harian reales cuando en el año 98 se anuncio la grabacion de un nuevo album, con algunas versiones en vivo y algunos temas ineditos titulada "REUNION", realizada despues de una s cuantas presentaciones en el OZZFEST. El concierto inaugural de la gira llamada

Lucky Dube - Ding Ding

Lucky Dube (provincia de Mpumalanga, Sudáfrica, 3 de agosto de 1964 - Johannesburgo, Sudáfrica, 21 de octubre de 2007) era uno de los cantantes y músicos de reggae más conocidos internacionalmente.

Fue asesinado en Johannesburgo, la capital económica de Sudáfrica, Lucky Dube empezó a introducirse en el mundo del reggae a mediados de los años 80 y durante los más de 20 años de carrera musical logró consolidarse como uno de los grandes nombres del reggae a nivel internacional.

El último de los 21 álbumes publicados por el artista, todos ellos con canciones dedicadas a causas sociales y comprometidas políticamente se puso a la venta en 2006 bajo el nombre precisamente de 'Respeto'. En él, Dube apelaba al respeto desde una ciudad donde los extendidos ataques, secuestros, robos y asesinatos han convertido al crimen en uno de los principales temas de debate permanente.

De acuerdo con los datos del último informe anual de la Policía, dado a conocer en septiembre pasado, el pasado año hubo 19.202 asesinatos en todo el país y 13.599 robos a mano armada de vehículos, en muchos de los casos con consecuencias fatales. Sudáfrica tiene uno de los mayores índices de inseguridad en todo el mundo, según los expertos, aunque no hay estadísticas fiables comparativas, de acuerdo con el informe de la Policía.

El asesinato del artista sudafricano ha generado una ola de quejas en las emisoras locales sobre la falta de control del crimen en el país y la muerte de Lucky Dube ha sido condenada con una intensidad que no se recordaba en los últimos años.

Libertad Lamarque- Adiós pampa mía

Libertad Lamarque (n. en Rosario, 24 de noviembre de 1908 – Ciudad de México, 12 de diciembre de 2000), fue una actriz y cantante argentina que se hizo famosa en América Latina. También tuvo importante participación en el cine mexicano.

Su madre era Doña Josefa Bouza y su padre Don Lorenzo Lamarque, hojalatero, quien la acompañó durante toda su carrera artística.

Comenzó su carrera de actuación profesionalmente a los siete años de edad. Cuando joven ganó un carnaval de disfraces y se la llamó "Reina del corso". Mientras era adolescente hizo giras de teatro en el interior del país. Su familia se mudó a Buenos Aires en 1922, trabajando en teatro. En 1926 se muda con su familia a Buenos Aires a la calle Corrientes. El mismo año grabó su primer disco, Chilenito y Gaucho Sol, para la empresa Víctor para la cual grabó durante toda su carrera de ocho décadas. Más tarde su padre le dice a Libertad que busque una carta y escriba lo que le diga; esa carta fue enviada al entonces dueño del teatro "El nacional", Pascual Carcavallo, quien también era un empresario teatral. Carcavallo le solicitó una interpretación de "Mocosita", que la recomendaba Salvador Merico y Olinda Bozán. En 1926 hizo su primer debut como cantante, donde cantaba interpretaciones de tangos, por Olinda Bozán y Paquito Busto. Inició su carrera en teatro y la radio, luego siguió con el cine. En 1927 se casó con Emilio Romero, un apuntador de el teatro "El nacional" con quien el mismo año tuvo a su única hija, Mirtha. En 1929 actúa en "El conventillo de la paloma".

Actuó en Adiós, Argentina en 1930, y en el primer filme argentino sonoro ¡Tango! en 1933. En 1935 protagonizó El Alma del Bandoneón, por Mario Soffici, donde se la definió como actriz dramática, siguieron Ayúdame a vivir en 1936, Besos Brujos, 1937, La ley que olvidaron, 1938, Madreselva (1938, con Hugo Del Carril), La cabalgata del circo, 1945.

En 1938, Libertad Lamarque recibió una propuesta de Hollywood para incorporarse a elencos internacionales, pero Libertad la rechazó y se casó con el músico Alfredo Malerba y protagonizó "Madreselva", de Luis César Amadori. En 1939 protagoniza el melodrama "Puerta cerrada". En 1942, luego de filmar "El viejo Buenos Aires", Libertad Lamarque pasó de Argentina Sono Film a Estudios San Miguel.

Su fama cruzó las fronteras de Argentina y se expandió por toda Latinoamérica hasta ser conocida como La Novia de América. A su muerte en 2000, tenía una lista de 67 filmes (21 filmados en Argentina, 45 en México y uno en España), seis musicales, más de 800 temas registrados e innumerables presentaciones teatrales y televisivas.

Libertad Lamarque en sus memorias dice que en Argentina a partir de que Juan Domingo Perón llega a la presidencia de Argentina en 1946 no obtuvo más contratos para trabajar en el país, y lo atribuye a su mala relación con Eva Perón. Afirma que hizo gestiones para modificar la situación e incluso se entrevistó con Eva Perón pero que todos negaban que existiera una prohibición respecto de su persona.[1] Marisa Navarro sostiene que la verdadera razón del exilio eran las dificultades de la industria cinematográfica vinculadas a la escasez de celuloide.[2] Un número importante de autores coincide en que durante el régimen peronista hubo un grupo de artistas que tuvo grandes dificultades para trabajar o que directamente no podía hacerlo.[3] Se había corrido la voz de que Libertad ya "no corre", que significaba exactamente "Evita la prohibió",[4] por lo que resulta razonable que los empresarios sin esperar una confirmación oficial se abstuvieran de formular proyectos que la incluyeran. Dicho en otras palabras, una vez en la calle esa versión es coloreada además con un relato, desmentido por la artista, según el cual le había dado una cachetada a Evita en la época en que filmaban, y por ello los empresarios hubieran contratado a Lamarque sólo en caso de haberse producido una intervención oficial expresa en su favor, lo que no sucedió. Dentro del clima de temor existente ya que, por ejemplo, la obtención de celuloide para filmar dependía exclusivamente de la buena voluntad del gobierno no era necesaria la indicación expresa de un funcionario para que tuviera efecto la prohibición contenida en la versión.

Episodios similares han sido narrados respecto de otras actrices como Niní Marshall[5] y Luisa Vehil.[5] Otra de las versiones es que durante la filmación de la película La cabalgata del circo (en la cual actuaban las dos estrellas de ese momento: L. Lamarque y Eva Duarte) por episodios de celos de artistas y de imagen, las dos artistas discutían, y en una de esas discusiones, en la prepotencia de Eva Duarte, se dice que ella exclama que es la única artista del lugar y se sienta en la silla de estelar burlandose de Libertad, la cual le responde con una bofetada.

En 1959, en un breve paso por la Argentina filmó "Creo en ti". En 1961 filma "Así era mi madre", su única película española. En los años de 1960 se la podía encontrar en el programa de TV Sábados Circulares de Nicolás Mancera, en varias presentaciones. Libertad hizo historia con el estreno mundial de la obra Hello Dolly en español en el año 1967 en el Teatro Nacional de Buenos Aires, luego en 1968 subió a escena en México, la RCA Victor lo inmortalizó en un LP que recoge dicha puesta en escena. Una de sus hermanas, Amelia Lamarque, fue actriz. En los años 70´ seguía filmando en México, pero en 1972 y en 1978 filmó las que serían sus últimas dos películas argentinas, "La sonrisa de mamá" y "La mamá de la novia", ambas de Enrique Carreras. En 1982 protagoniza la revista musical Libertad Lamarque, ¿es una mujer de suerte? en el Teatro Lola Membrives con libro de la propia Libertad Lamarque y adaptación de Nicolás Carreras, la dirección musical pertenece a Oscar Cardozo Ocampo y entre los músicos de su orquesta se encuentran Osvaldo Berlingeri, Arturo Schneider, Raúl Luzzi y Omar Murtagh. En 1985 recibe en Argentina el Premio Konex de Platino a la mejor cantante de tango de la historia, y en 1986 publica su autobiografía, "Mis memorias".

En la década del 70´, 80´, 90´ y en el 2000, luego de una extensa carrera cinematográfica, participa en televisión en México, en telenovelas como "Amada", "Mamá", "Soledad", "Esmeralda", "La usurpadora" y "Carita de ángel".

Viajaba continuamente a México y a Miami, y escasas veces a la Argentina. Desde 1946, de su pelea con Eva Perón, le agradeció a México todo lo que hizo por ella, y en la década del 90´ fijo su residencia en Miami. El 24 de julio de 2000, en la ceremonia de los Premios Ariel, recibió su último y emotivo homenaje en México, obteniendo el Ariel de Oro.

El 12 de diciembre de 2000, a los 92 años, falleció de una neumonía dejando inconclusa la telenovela infantil mexicana Carita de ángel, donde interpretaba a la madre superiora de un colegio religioso de niñas. Después de su muerte la actriz fue reemplazada por Silvia Pinal.

El 24 de noviembre de 2008 se cumplieron 100 años de su nacimiento y se realizaron varios homenajes.

Beny More - Ya son las doce

Bartolomé Maximiliano Moré Gutiérrez (Santa Isabel de las Lajas, 24 de agosto de 1919 - La Habana, 19 de febrero de 1963), conocido como Benny Moré o Beny Moré o el Bárbaro del Ritmo, fue un cantante y compositor cubano. Además de un innato sentido musical, estaba dotado con una fluida voz de tenor que coloreaba y fraseaba con gran expresividad. Moré fue un maestro en todos los géneros de la música cubana, pero destacó particularmente en el son montuno, el mambo, y el bolero.

Nació en el barrio de Pueblo Nuevo de la ciudad de Santa Isabel de Las Lajas, en la entonces provincia de Las Villas, hoy Provincia de Cienfuegos, en el centro de Cuba. Era el mayor de 18 hermanos de una familia afrocubana humilde y campesina. Se dice que su tatarabuelo materno, Gundo, era descendiente del rey de una tribu del Congo que fue capturado a los nueve años por traficantes de esclavos y vendido al propietario de una plantación cubana, llamado Ramón Paredes. Gundo pasó a llamarse entonces Ta Ramón Gundo Paredes. Al pasar a ser propiedad del conde Moré, dueño del central La Santísima Trinidad, se le cambió el nombre a Ta Ramón Gundo Moré. Posteriormente fue emancipado y murió como liberto a la edad de 94 años. El apellido del tatarabuelo materno se conservó por ser todos las ascendientes maternas de Moré —su bisabuela, Julia; su abuela, Patricia, y su madre, Virginia—, así como el propio músico, fruto de uniones ilegítimas, la mayoría de ellas con blancos, que no reconocieron a sus hijos. El padre de Benny Moré fue un tal Silvestre Gutiérrez.

Bartolomé aprendió a tocar la guitarra en su infancia. Según el testimonio de su madre, Virginia Moré, se fabricó su primer instrumento, a la edad de seis años, con una tabla y un carrete de hilo. Abandonó la escuela a edad muy temprana para dedicarse a las labores del campo. A los 16 años, en 1935, formó parte de su primer conjunto musical. En 1936, cuando contaba con 17 años, dejó su ciudad natal y se trasladó a La Habana, donde se ganaba la vida vendiendo "averías", es decir, frutas y verduras estropeadas, así como hierbas medicinales. Seis meses más tarde regresó a Las Lajas, donde trabajó cortando caña con su hermano Teodoro. Con el dinero obtenido y los ahorros de su hermano, compró su primera guitarra decente.

En 1940 regresó a La Habana. Vivía precariamente, tocando en bares y cafés y pasando después el sombrero. Su primer éxito fue ganar un concurso en la radio. En los primeros 40, la emisora de radio CMQ tenía un programa llamado Corte Suprema del Arte, cuyos ganadores eran contratados y se les daba la posibilidad de grabar y cantar sus canciones. Los perdedores eran interrumpidos, con el sonido de una campana, sin dejarles terminar su actuación. En su primera aparición, la campana sonó apenas Benny había empezado a cantar. Sin embargo, volvió a competir más tarde y obtuvo el primer premio. Entonces consiguió su primer trabajo estable con el conjunto Cauto, liderado por Mozo Borgellá. Cantó también con éxito en la emisora CMZ con el sexteto Fígaro de Lázaro Cordero. En 1944 debutó en la emisora 1010 con el cuarteto Cuato.

Con el conjunto Matamoros
Siro Rodríguez, del famoso Trío Matamoros, oyó cantar a Benny Moré en el bar El Templete y quedó gratamente impresionado. Poco después, a causa de una indisposición de Miguel Matamoros poco antes de una actuación, Borgellá envió a Benny para sustituirlo. Tras esta incorporación poco menos que casual, Benny permanecería ligado durante años a los Matamoros, con los que realizó numerosas grabaciones. Reemplazó como cantante principal a Miguel Matamoros, quien se dedicó en exclusiva a dirigir el conjunto.

En junio de 1945 viajó con el Conjunto Matamoros a México, donde actuó en dos de los más famosos cabarets de la época, el Montparnasse y el Río Rosa. Realizó varias grabaciones. Aunque el Conjunto Matamoros regresó a La Habana, Moré permaneció en México. Según parece, allí adquirió su nombre artístico, a sugerencia de Rafael Cueto.

En 1946 Benny Moré se casó con la enfermera mexicana Juana Bocanegra Durán y su padrino de boda fue el afamado cantante mexicano Miguel Aceves Mejía. Durante un tiempo actuó en el Río Rosa formando parte del Dueto Fantasma, con Lalo Montané. También en esta época grabó para la compañía discográfica RCA Victor los temas "Me voy pal pueblo" y "Desdichado", junto a la orquesta de Mariano Mercerón. Con Dámaso Pérez Prado grabó "Bonito y sabroso", "Mucho corazón", "Pachito e'ché" y "Ensalada de mambo", entre otros temas. Empezó a conocérsele como El Príncipe del Mambo. Con Pérez Prado grabó también "Dolor carabalí", que el propio Benny Moré consideraba su mejor grabación con el rey del mambo, y no quiso nunca volver a grabar.

A finales de 1950 regresó a Cuba. Aunque era una estrella en varios países latinoamericanos, como México, Panamá, Colombia, Brasil y Puerto Rico, apenas era conocido en su patria. Su primera grabación cubana fue "Bonito y sabroso". Alternó actuaciones en vivo para la emisora Cadena Oriental con viajes a La Habana para grabar en los estudios de la RCA. La canción "Bonito y sabroso" fue su primer éxito en Cuba. Entre 1950 y 1951 grabó muchas otras canciones, como "La cholanguengue", "Candelina Alé", "Rabo y oreja"...

En La Habana trabajó también para la emisora RHC Cadena Azul, con la orquesta de Bebo Valdés, quien le inició en un nuevo estilo llamado batanga. El presentador del programa, Ibrahim Urbino, le dio el sobrenombre de El Bárbaro del Ritmo (la razón parece ser que Benny interpretaba para esta emisora un número titulado "¡Oh, Bárbara!"). Tuvo la oportunidad de grabar con Sonora Matancera, pero declinó la oferta por no estar especialmente interesado en su estilo musical ("porque a él esa Sonora, nunca le había sonado", según Leonardo Acosta).

Cuando pasó la moda del batanga, Moré fue contratado por Radio Progreso para actuar con la orquesta de Ernesto Duarte. Además de en la radio, actuó en salas de baile, cabarets y fiestas. En 1952 grabó con la Orquesta Aragón, de Cienfuegos, a la que ayudó a introducirse en el mundo musical habanero. Rompió con Ernesto Duarte cuando descubrió que éste evitaba llevarle en sus actuaciones los sábados y domingos por ser negro, y decidió fundar su propia orquesta.

La Banda Gigante

La primera actuación de la Banda Gigante de Benny Moré tuvo lugar en el programa Cascabeles Candado de la emisora CMQ. La banda estaba compuesta por más de 40 músicos y sólo era comparable en tamaño con la big band de Xavier Cugat.

Entre 1954 y 1955 la Banda Gigante se hizo inmensamente popular. Entre 1956 y 1957 hizo una gira por Venezuela, Jamaica, Haití, Colombia, Panamá, México y Estados Unidos, donde actuó en la ceremonia de entrega de los Oscar. En La Habana actuaron en las más célebres salas de baile, como La Tropical y La Sierra. Al triunfar la Revolución Cubana, Benny Moré, a diferencia de otros músicos e intelectuales cubanos, optó por permanecer en la isla. En 1960 empezó a actuar también en el cabaret Night and Day. Se le ofreció una gira por Europa, que Moré rechazó por miedo a volar (nada extraño si se tiene en cuenta que anteriormente se había visto envuelto en tres accidentes aéreos).

Murió en Cuba un 19 de febrero de 1963 de cirrosis hepática.

Homenajes póstumos
Beny Moré aparece como personaje dentro de la novela La isla de los amores infinitos (Grijalbo 2006), de la escritora cubana Daína Chaviano, quien además concluye su novela con un capítulo titulado "Hoy como ayer", una de las mejores interpretaciones del llamado Sonero Mayor de Cuba, aunque también era conocido como el Bárbaro del ritmo.

También en 2006 salió la película El Benny que es una ficción sobre la vida de Moré. La música es de Los Van Van, Chucho Valdés y el grupo Orishas, entre otros.

Ace of Base - The Sign

Ace of Base es una de las bandas suecas más famosas de los años 90. Con sus melodías mezcla Pop/Reggae y sus pegadizas letras lograron llegar al número uno en todo el mundo. Su álbum más exitoso es Happy Nation (1993) y sus ediciones posteriores, que lograron vender más de 20 millones de copias, y figura en el libro Guinness de los records como el ‘álbum debut mejor vendido’.

Tras haber participado en diversos proyectos, los cuatro formaron Ace Of Base en 1990 en su ciudad natal, Gotemburgo (Suecia). Gracias a Happy nation (1993)-que en EE UU se publicó con el nombre de The sign -, su álbum debú, y al sencillo All that she wants, en poco tiempo se convirtieron en uno de los grupos más importantes de la música de baile, tanto en Europa como en EE UU. Desde entonces han vendido más de 30 millones de discos y unos 15 millones de sencillos, alrededor del mundo. Junto con ABBA y Roxette, es una de las formaciones más exitosas de la música sueca.

Grupo sueco formado por Jenny y Linn Berggren (voces principales) y Jonas "Joker" Berggren y Ulf "Budha" Ekberg (teclistas). Antes de que el cuarteto se formara en 1990, las hermanas Jenny y Linn cantaban en el coro de la iglesia local de Gotemburgo (Suecia). Su hermano Jonas tocaba el sintetizador y escribía canciones con Ulf Ekberg. De vez en cuando Jonas y Ulf reclutaban a Jenny y a Linn para que les acompañaran cantando, y así el cuarteto comenzó a tocar música dance por clubes locales a finales del verano de 1990.

En el transcurso de un año ficharon por Mega Records y publicaron su single debú Wheel of fortune, en 1992. Conocieron entonces a John Ballard, quien produjo sus discos y escribió la mayor parte de sus canciones. Ocasionalmente Ballard coescribía con Jonas. El tema Wheel of fortune se convirtió en un éxito en toda Escandinavia y pronto el sello alemán Metronome llegó a un acuerdo con ellos para distribuir por Europa sus discos.

All that she wants fue el primer single europeo de Ace Of Base y gracias a su difusión por cadenas como MTV, la canción se convirtió en nº 1 en diez países diferentes, entre ellos España (Nº 1 de Los 40 Principales el 10 de julio de 1993). En la primavera de 1993, Ace Of Base publicó su álbum debú: Happy nation.

All that she wants, después del gran triunfo en Europa, se lanzó como single en América a finales de 1993 y rápidamente llegó al estatus de platino (un millón de copias). El cuarteto publicó entonces su álbum debú en América con el nombre de The sign, una versión de Happy nation con cuatro nuevas canciones. En poco tiempo vendieron casi dos millones de copias sólo en Estados Unidos.

A lo largo de 1994, Ace of Base sonaba en todas las radios americanas y europeas con canciones como All that she wants, Don't turn around (versión del clásico de Aswad, escrito por Albert Hammond y Diane Warren) y The sign. A finales de año, The sign, el álbum, había vendido más de ocho millones de copias sólo en el mercado norteamericano. Ace of Base fue nominado a tres Grammy, incluido el de Mejor Artista Revelación.

En 1995 se editó su segundo álbum The bridge, en el que Jenny y Linn tuvieron un papel más activo como compositoras, y aunque también se convirtió en platino a los seis meses de su lanzamiento, no llegó a igualar el éxito de The sign (1993). El listón había quedado muy alto. Beautiful life, Perfect world, My déj vu y `Que sera fueron los sencillos del disco.

Las apariciones del cuarteto comenzaron a escasear y tardaron tres años en regresar con el que sería su tercer disco Flowers, que vio la luz en septiembre de 1998. Sin embargo, en EE UU, al igual que ocurrió con su primer trabajo, salió con otro nombre: Cruel summer. La canción Cruel summer era una versión de un tema de Bananarama y su sonido era similar al de los anteriores discos. Se editaron varios sencillos, entre ellos Cecilia, Travel to Romantis y Life is a flower. Sin embargo, éste no corrió la misma suerte que sus antecesores, a pesar de que su sonido continuaba siendo el mismo.

En septiembre de 2000, dos años después de la salida de Flowers, publicaron el recopilatorio de grandes éxitos The singles of the 90's, que, además de sus canciones más populares, incluyó tres temas nuevos: C'est la vie (primer sencillo), Hello hello y Love in december.

El 30 de septiembre de 2002 salió Da capo (acepción italiana que significa "desde el principio"), su cuarto álbum de estudio -el sucesor de Flowers (1998)- y el quinto de su carrera. Éste apareció practicamente en toda Europa (Suecia, Dinamarca, Finlandia, Alemania, Noruega, Austria, Suiza, Bélgica, Holanda y Hungría), sin embargo en España su publicación se retrasó hasta el 10 de febrero de 2003.

El primer sencillo de Da capo fue Beautiful morning (en España fue Unspeakable, en realidad el segundo). De los 12 temas que atesoraba uno de ellos era una versión del clásico de Black Wonderful life.

La banda sueca ha vendido a lo largo de su corta, pero intensa, carrera más de 30 millones de álbumes y unos 15 millones de sencillos.

Keiko Matsui - Forever Forever

Keiko Matsui (松居慶子), nació en Tokio como Keiko Doi el 26 de julio de 1961, es un buen jazz japones. Nueva era pianista y compositor cuya carrera abarca tres décadas, tiempo durante el cual fue seguida por los veinte CDs (además de varias compilaciones ) y ha recibido el reconocimiento internacional.Keiko y su marido Kazu Matsui (n. 5 de junio de 1954) tienen dos hijas, Maya (n. aprox. 1988) y Mako (n. Sep 12, 1995).

Primeros años:Keiko Doi Emiko, la madre, la trajo a su primera lección de piano en el de junio siguiente a su quinto cumpleaños. La tradición japonesa sostiene que un niño que se presenta a las lecciones en este momento seguirán en los estudios durante mucho tiempo. La tradición cabe decir de Doi, que estudió piano durante todo su año escolar. Aunque su temprana formación centrado en la música clásica, en la escuela secundaria desarrolló un interés en el jazz y comenzó a componer su propia música.

Algunos de sus influencias musicales en este momento incluido Stevie Wonder, Rachmaninov, Maurice Jarre y Chick Corea.Doi estudiado la cultura infantil en Japón Women's University (日本女子大学, nihon joshidaigaku), pero ella también siguió para estudiar música en el Yamaha Music Foundation. Doi fue una de las principales estudiante en el Sistema de Yamaha y fue seleccionado a la edad de diecisiete a ser un artista para ellos. De este modo se incorporó a la fusión de jazz japonés grupo Cosmos, que registró siete álbumes. A la edad de 19, Yamaha Doi enviado a América a grabar un álbum, y allí encontró a Kazu Matsui, que había sido seleccionado como productor para el proyecto. Se casaron, y Keiko se trasladó de Japón a América. Kazu Matsui produce todos los albunes de su esposa.

En 1987 Matsui graba su primer LP en solitario una gota de agua con el dinero de su luna de miel. El título del álbum, el nombre de una canción de Carl Anderson, fue en memoria de los que murieron en el desastre del transbordador espacial Challenger en el año anterior. Su éxito dio lugar a un récord frente a MCA Records.Grabación de éxito:Keiko Matsui publicado dos álbumes bajo el sello MCA antes de pasar a White Cat, de cuenta, la Unidad y actualmente Narada. El decenio de 1990 conoció Matsui álbumes del aumento en los gráficos. Sapphire alcanzó el número dos en la revista semanal Billboard Top Contemporary Jazz Albums gráfico, y Dream Walk alcanzó el número tres. Matsui fue clasificada número tres del Billboard Top Contemporary Jazz Artista para 1997 (donde fue la única artista femenina de jazz en el top ten), y ambos Dream Walk y Sapphire aparecieron en Billboard's Top Ten Indie Contemporary Jazz Albums para el mismo año.Matsui recibió el premio por Mejor Oasis Smooth Jazz Artista Femenina del Año en 1999 y de nuevo en 2000.

En 2001, Matsui el primer álbum con Narada, Deep Blue, finalmente se la llevó al número uno en Billboard's Top Contemporary Jazz Albums gráfico y ocupó el cargo durante tres semanas. Cuando el Presidente de los Estados Unidos, George W. Bush, visitó el Primer Ministro japonés, Junichiro Koizumi, de la residencia el 18 de febrero de 2002, Keiko Matsui fue invitado a la recepción y se entrevistó tanto a hombres como a los miembros de sus respectivas administraciones.Matsui descubierto saxofonista Paul Taylor, que apareció en Sapphire, Dream Walk, y Full Moon y el Santuario antes de pasar a una exitosa carrera de su propia.Regalías de la canción de Matsui's 2004 CD Wildflower fue al apoyo de las Naciones Unidas para el Programa Mundial de Alimentos (PMA).

Matsui desempeñado en el edificio de la sede de las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York el 17 de diciembre de 2003, en beneficio de los PMA y la lucha contra el hambre en el mundo.El sonido Keiko Matsui:Cubierta de Matsui del álbum Dreamwalk (1996) Matsui La música es de gran alcance e introspectivo, mezcla de ambos Occidental y Oriental influencias musicales. Ella tiene una muy espiritual vista de la composición de la música, el sentimiento de cada composición, como si fuera, en sus propias palabras, "viene a mí desde otro espacio, otra dimensión", y "observa en la captura de silencio y, a continuación, simplemente colocando juntos".

Matsui considera que la música es como "los grandes regalos de las almas humanas del pasado, para los niños del futuro". Ella cree que la música tiene el poder de unir a la gente y cambiar sus vidas. "Estamos conectados por la música," escribió Matsui ", que conecta el Océano los continentes".Amante de la naturaleza, Matsui a menudo hace referencia a las plantas, los animales, los elementos, y otras características naturales y fenómenos en sus títulos de la canción.

Ella muestra un muy fascinación por la luna como una serie de sus composiciones hacen referencia a la luna en sus títulos.Matsui de la música muestra signos de la evolución a través de los años. Su álbum debut en Estados Unidos de una gota de agua mostraron una promesa del oeste al este se reúne con un sabor de jazz fusión. Sin embargo, sus grabaciones para MCA Records a principios de 1990 carecían de este recurso y, para muchos, sonó indistinguible del resto de lo que ahora es conocido como el jazz sin tropiezos. Comenzando con Cherry Blossom, sin embargo, su popularidad aumentó en la música como ella misma diferenciada del resto de contemporáneos de jazz.

Por el momento Sapphire fue puesto en libertad en 1995, su música flirteando con todo, desde el funk a la música latina y la música del mundo.Whisper Desde el Espejo de 2000 mostró Matsui dejando el buen estilo de jazz y avanzar hacia la nueva era con un sonoro sonido. Un número de sus fans había un problema adaptarse a su nuevo estilo de música (aunque ella siguió desempeñando sin tropiezos en sus conciertos de jazz). Pero muchos dio la bienvenida a los cambios. Con el tiempo su puesto - 2000 álbumes muestran un mayor worldbeat sabor a los mismos.

Laura Pausini - Un Error de los grandes

Laura Pausini nació en Solarolo (provincia de Rávena, en Italia), el 16 de mayo de 1974, donde creció. Cuando su madre (Gianna, maestra parvularia) estaba embarazada, su padre Fabrizio (músico y cantante profesional) solía poner música para que Laura la escuchara, ya que deseaba que su hija también fuera cantante. Pausini tiene una hermana, Silvia, dos años menor que ella y a quien Pausini considera como la persona más importante en su vida.

Como Pausini cuenta en su canción La meta de mi viaje, su padre casi siempre estaba de viaje debido a que tocaba en diferentes ciudades dentro y fuera de Italia.

Cuando Pausini cumplió 8 años, su padre le preguntó qué le gustaría como regalo y ella le dijo: «Quiero cantar junto a ti». Fabricio fue el único maestro de Pausini durante todos esos años, pues ella nunca tomó clases de canto. Pausini dice que solía mirarlo tras la puerta y ver cómo él practicaba el canto. La primera canción que Pausini estudió fue We are the World. Es por eso que ésta es una canción muy especial para ella. Su padre le tradujo la letra, ya que Pausini era muy pequeña y no entendía el idioma.

A los 12 años Pausini cantó por primera vez sola en un restaurante de Bologna, y a esa misma edad grabó su primer disco con ayuda de su padre. Fue el regalo que recibió al cumplir 12 años. Pausini compuso a esa edad su primera canción: Lasciarmi Dormire.

Durante su adolescencia Pausini seguía tocando junto a su padre, pero el en año 1991 su padre la inscribió en el concurso Castrocaro. Pausini tenía miedo de participar, pero lo hizo y aunque en esa oportunidad no ganó, sí conoció a Marco Maratti y Angelo Vasiglio y es con ellos que grabó La solitúdine (La soledad).

En febrero de 1993 Pausini se presenta en el Festival de San Remo en la categoría "Nuevos Valores" y obtiene el primer lugar con el tema La solitúdine con 7464 votos. Es en ese entonces que Pausini lanza su primer trabajo discográfico llamado Laura Pausini y donde se hace conocida en toda Italia y comienza su exitosa carrera musical en su país, así como en todo el mundo.
En 1994, participa nuevamente en el Festival de San Remo pero en la categoría "Artista establecido" la cual queda en tercer lugar con el tema Strani amori, en ese mismo año sale a mundo su segundo álbum llamado Laura.

En 1995, lanzó su primer álbum en castellano llamado Laura Pausini, que fue una compilación de versiones en castellano de canciones seleccionadas de sus dos primeros trabajos discográficos en italiano (Laura Pausini y Laura), lo que le abrió las puertas de la música en los países latinoamericanos, álbum con el que logró vender más de un millón de discos solamente en España. Al alcanzar este récord, Pausini recibió un disco de diamante.
En 1996 se publicó su segundo álbum en castellano, Las cosas que vives (llegó al n.º 3 en España y vendió unas 350.000 copias), lanzó sencillos que llegaron a copar las principales listas de ventas y popularidad entre finales de 1996 y mediados de 1997, entre ellos Inolvidable, Las cosas que vives, Dos enamorados o Escucha a tu corazón. Con este disco Pausini logró romper otro récord: vende más de 7 millones de discos en el mundo.

En 1997 comienza por primera vez y con gran éxito su primer tour promocional mundial, que la lleva a recorrer países de Europa, Suramérica, Centroamérica y EE. UU.

Dos años más tarde, en 1998 vio la luz Mi respuesta, donde la figura de artista más madura y la voz más elaborada de Pausini eran los principales protagonistas de un disco que vendió unas 200.000 copias en España y llegó al 8 en su segunda semana de publicación. La popularidad de este disco no alcanzó las cotas de los anteriores de la cantante italiana, aunque los sencillos Emergencia de amor y En ausencia de ti se colaron entre las radios y las ventas.

En el 2000, se lanzó el disco Entre tú y mil mares. De este disco se editaron sencillos como Entre tú y mil mares, Fíate de mí, Quiero decirte que te amo y Un Error De Los Grandes, se colocaron fuertemente en los charts y ranking musicales del mundo. Tanto fue así que le valio 4 nominaciones a la Entrega de Los Grammy`s Latinos- entre ellas "Mejor Album Vocal Pop Femenino" y "Mejor ingeniería de grabación" por el tema Un error de los grandes.

Tras el disco de grandes éxitos del 2001 titulado Lo mejor de Laura Pausini (en inglés, The Best Of Laura Pausini), con el éxito del sencillo Volveré junto a ti, ya en 2002, intentó triunfar en el mercado estadounidense con su primer álbum totalmente en inglés From the Inside, si bien los sencillos Surrender y If That’s Love alcanzaron el puesto número 1 en la lista Billboard, el disco no obtuvo la aceptación esperada de parte del público.

En 15 años de carrera Laura Pausini ha vendido más de 45 millones de discos (16 millones hasta 2001) y ha conseguido más de 180 discos de platino, una serie innumerable de discos de oro y un disco de diamante. Entre sus reconocimientos se encuentran tres World Music Awards en 1994, 2003 y en 2007, varios IFPI Platinum Europe Awards. En el 2005 ganó el premio Grammy Latino en la categoría a "Mejor álbum vocal pop latino femenino" con su álbum Escucha. El 8 de febrero del 2006 ganó el Grammy estadounidense en la categoría "Best Latin Pop Album" con su disco Escucha. Después, el 23 de febrero triunfó en Premios Lo Nuestro 2006, obteniendo un premio en la categoría "Artista femenina del año", y el 27 de abril suma un premio más a su carrera, obteniendo el premio Billboard Latino en la categoría "Tema latin pop airplay del año femenino" con su tema Víveme, canción que fue el tema principal de la telenovela mexicana La madrastra. El 28 de febrero de 2007 obtuvo el premio Dial 2006 otorgado por la emisora de radio española Cadena Dial a los cantantes de habla hispana.

En octubre de 2006 vio la luz su sencillo Yo canto, versión de la canción de Riccardo Cocciante, de 1979. El nuevo disco incluye canciones como Estrella gemela (de Eros Ramazzotti), No me lo puedo explicar (de Tiziano Ferro), y otras como Mi libre canción (de Lucio Battisti) cantada a dúo con el cantautor colombiano Juanes, Por el camino (de Claudio Baglioni), Como el sol inesperado o Destino Paraíso. El lanzamiento tuvo lugar el 10 de noviembre en Italia, y el 14 de noviembre en el resto del mundo. La canción Dispárame dispara, incluido en este disco, se convirtió en el tema principal de la telenovela mexicana Amar sin límites.

El 2 de junio de 2007 se convierte en la 1.ª mujer que actúa en un estadio de fútbol en Italia. San Siro (Milán) es el lugar elegido para su mayor acontecimiento musical y lo llenó con 70.000 personas. También ha dicho que ahora tomará una pausa para escribir nuevas canciones que puede llamar sus propias.

El 29 de agosto de 2007, recibe una nueva nominación a los premios Grammy Latino 2007, por el disco Yo canto en la categoría "Mejor álbum vocal pop femenino".
El 30 de octubre de 2007 salió el álbum The Best of Andrea Bocelli (Lo mejor de Andrea Bocelli, en castellano), que incluye la canción Dare to live (Vívere en inglés) además de la versión en castellano Vive ya, cantada a dúo con Andrea Bocelli.

El 8 de noviembre de 2007 ganó el Grammy Latino en la categoría "Mejor Album Pop Femenino" con su disco Yo canto.
El 30 de noviembre de 2007 se publicó el CD/DVD San Siro 2007 del concierto en el estadio de San Siro.

El 2 de septiembre anunció en una entrevista cuál sería el nombre del nuevo disco que será lanzado el 18 de noviembre de 2008: Primavera anticipada. El primer sencillo de este trabajo se titulará Invece no (‘En cambio, no’), canción principal de la telenovela mexicana En nombre del amor, y el tema que da nombre al álbum será un dueto en spanglish con James Blunt.

Según el sitio de Warner Music Italia, el 14 de noviembre de 2008 se lanzó en Italia el nuevo disco de Laura Pausini, Primavera in anticipo / Primavera anticipada, bajo el sello Atlantic Records. A nivel mundial fue el 18 de noviembre de 2008.