Lee Hyori- 10 Minutes

Lee Hyori (En coreano, hangul: 이효리; hanja 李孝利), es una cantante y actriz surcoreana, nacida el 10 de mayo de 1979 en la localidad de Cheongwon del mencionado país.[1] Despegó su carrera en el grupo de pop surcoreano Fin.K.L.[2] Su primer álbum fue un éxito, ganando muchos "Daesangs" (el equivalente coreano al premio "Artista del Año") para ese álbum. Se define actualmente como la artista mejor pagada de Corea Del Sur.[3] Además es considearada con un simbolo sexual asiatico.

Comenzó su carrera en estre grupo cuando todavia era niña, mas tarde por ser el miembro más antiguo del grupo se convertiria en su lider. Lee y su grupo Debutaron oficialmente el 22 de mayo de 1998, con su primer single Rain "Blue".[5] Fue recibido muy bien. El segundo lanzamiento de su primer álbum, To My Boyfriend, se convirtió en el primero de su número uno varios hits. Fin.K.L. se convirtió en uno de los grupos más populares y exitosos de todos los tiempos, rivalizando con compañeros de grupo de chicas populares del grupo SES.

Un año despues de grabar el cuarto album con Fin.K.L.llamado Forever , Lee lanza su primer album como solista titulado Stylish...E,[6] el cual obtuvo muchos de los premios más importantes de la industria musical en Corea Del Sur, entre ellos varios Daesangs. Stylish...E vendió Solo en Corea Del Sur 153.490 copias. Su inmensa popularidad finalmente fué apodada como el "Síndrome de Hyori" en Corea del Sur, y los medios de comunicación de Corea llamaron el 2003 "El Año de Hyori". Lee Hyori también apareció como la actriz femenina en el drama de SBS Leaf Clover Tres co-protagonista junto a Ryu Jin, Kim Jung Hwa, Kim Kang Woo y Lee Hoon. Sin embargo, la Sintonia fué continuamente bajando, y terminó después de 16 episodios

En febrero de 2006, Lee lanzó su segundo álbum, Dark Angel. El primer single, "Get Ya", presentó una sutil coreografía y ropa sexualmente sugestiva, que se ha convertido en marca de Lee. Sin embargo, hay controversia Respecto a este single, ya que tiene cierto parecido al single "Do Somethin'" de la cantante estadounidense Britney Spears. Por esta razón los compositores de "Do Somethin'" acusaron a Lee y a sus agentes de plagio,[7] [8] pero para fortuna de la surcoreana, ella no tenia nada que ver en la composición del single. Si bien este incidente no era la primera vez que la industria del pop de Corea ha sido acusado de plagio, fue la primera vez que el titular de los derechos de autor había presentado una denuncia formal. "Shall We Dance",fué su siguiente sencillo. Debido a la atención negativa, tanto en el single y álbum no tuvieron éxito, y los ascensos se detuvo. "Straight Up" fue lanzado como una final, pero no fue promovido por Lee.

Meses despues del escandalo de plagio, se reveló que Lee había firmado un contrato de tres años con el M-Net Entertainment para ₩ 2,2 mil millones(En won's surcoreanos), convirtiéndose en la cantante femenina mejor pagada en Corea del Sur. Mientras tanto, Lee se preparó para aparecer en un nuevo "mini-drama" en febrero de 2007 , a pesar del fracaso de su drama anterior. Protagonizó junto a Lee Dong Gun en caso de In Love ... Al igual que ellos, que, aunque originalmente anunciado como un solo episodio de largo, duró cuatro episodios en Mnet. Una versión editada dos episodios del drama también corrió en SBS

En febrero del 2007 Lee sacaria varios single por via digital siendo la canción principal "Toc Toc Toc", que era R & B, al igual que muchos de sus single's anteriores. Si In Love Like Them disco Lanzado el 6 de marzo de 2007, incluía a tres de las pistas encontradas en el single digital, junto con una nueva versión de "Toc Toc Toc".[9] Fue el álbum más vendido de ese mes, la venta de 27.845 copias,[10] Aunque fué éxito, su drama fue fuertemente penalizado por infringir las directrices de publicidad. La Comisión de Radiodifusión de Corea ha declarado que el drama no puede ser transmitido en Corea del Sur,[11] otra vez, y que la red debe pedir disculpas a sus televidentes. Sin embargo, el drama fue transmitido en Japón por la estación de satélite CS Fuji, red de la propiedad de Fuji TV.

Su tercer álbum, It's HYORISH, fue lanzado el 16 de julio de 2008. "U-Go-Girl", su primer single, alcanzó el # 1 en línea y gráficos de varios fuera de línea, incluidos los espectáculos de música en varios de televisión. Ese lee participó nuevamente en la televisión con KBS Sang Sang Plus, como co-portaginista. Se informa de que su cuarto álbum será lanzado en octubre de 2009, y ella va a trabajar con ETribe que desarrolló "U-Go-Girl" de su álbum anterior.

Lucecita Benítez - Danza Negra

Lucecita Benitez, cuyo nombre de nacimiento es Luz Esther Benitez Rosado, nació en Bayamon, Puerto Rico. Desde muy joven, Lucecita sintió la gran influencia musical de su madre, al escucharle cantar mientras trabajaba en la casa. Con esta tremenda influencia y su gran talento, Lucecita Benitez pasó de ser la “Reina de la Juventud” a ser una de las artistas más reconocidas del pop femenino de Puerto Rico.

Su carrera comenzó durante la era de la Nueva Ola de la música de Puerto Rico, como miembro del famoso “Club del Clan”, espectáculo televisivo en el que cantaba y actuaba. También se presentaba en otros shows, como “El Show de las Doce”, lo que le brindó magnífica experiencia y la oportunidad de pulir sus talentos vocales. Su primer hit musical fue la canción “Un lugar para los dos” en el 1964; el principio de una larga y fructífera carrera como cantante.

Durante la década del 1960, Benitez se convierte en el ídolo de la juventud con hits consecutivos como “Dime dolor”, “Vete con ella”, “Dile”, y “Yo te perdono”. A medida que su popularidad acanzaba niveles astronómicos, por decirlo así, Lucecita se encontró envuelta en una rivalildad artística muy intensa con Lissette, otra cantante de la “Nueva Ola”, lo que terminó ayudando a promover la carrera de ambas artistas.

Su oportunidad definitiva llegó en el 1969 cuando ganó el primer premio en el Festival de la Voz y la Canción en Mexico, cuando cantó “Génesis”, canción del compositor puertorriqueño Guillermo Venegas Lloveras. Benitez cantó con Sammy Davis, Jr., y se presentó en la televisión norteamericana en el programa de Ed Sullivan en el 1970. Estas funciones le sirvieron para cimentar un contrato de grabaciones con la empresa RCA y con cadenas hoteleras, presentar conciertos por toda la América Latina, y sus famosos espectáculos en el hotel Caribe Hilton en San Juan, espectáculos que la hicieron la artista más querida y mejor pagada de dicho hotel.

Su tremendo carisma y talento le han alcanzado muchos triunfos así como el apodo de “La voz nacional”. Lucecita se ha presentado alrededor de todo el mundo, incluyendo en Argentina, España, Venezuela, Méjico, Colombia, Panamá, y la República Dominicana, siempre haciéndole honor a su apodo con aplomo y dignidad.

Uno de los puntos culminantes en su carrera sucedió en la década del 1970 cuando Lucecita se involucró en el movimiento conocido como “la nueva trova”, caracterizado por canciones con temas socio-políticos. La conciencia social se hace visible en canciones como Creceremos y en conciertos como “Traigo un pueblo en mi voz” y “En las manos del pueblo”, conciertos que le ganaron gran reconocimiento de parte de la fanaticada de ese movimiento.

A todo esto le siguieron años sin discos ni conciertos. Fueron años de silencios inquietantes hasta que terminó el silencio con la salida de Romántica Luz en el 1980, album rico en boleros interpretados por esta artista de voz igualmente rica en tonalidades.

Benítez es dueña de su propia compañía de grabaciones, “Grabaciones Lobo”, con la que ha producido más de una docena de discos. Estos álbumes han recorrido toda la gama de géneros musicales, desde música folklórica, con su Criollo Folklore, hasta boleros, con la salida de Nostalgia. Su álbum Gaviota al aire incluyó baladas contemporáneas, mientras que Exitos callejeros fue un éxito incomparable en Argentina, donde alcanzó el nivel de oro, basándose en su interpretación de la canción “Fruta Verde”.

Recientemente, Benítez ha continuado sus presentaciones en conciertos con artistas de primera categoría, como sucede en el concierto “Amigos” con Chucho Avellanet; en el concierto “Una canción por América sin fronteras” con Mercedes Sosa, y el “Homenaje a Julia de Burgos y a Luis Palés Matos” con Alberto Carrión. Presentó tambien otros conciertos inolvidables con Rubén Blades, Justino Díaz y Pablo Milanés. Quizás el concierto de conciertos fue el del 1987 en la sala de conciertos del Centro de Bellas Artes en San Juan de Puerto Rico, con el internacionalmente conocido tenor español Plácido Domingo, junto a Danny Rivera y Nydia Caro.

En el 1994, Benitez presenta su álbum Horizontes de soledad, en el que canta “Cuando la vida nos marca”, canción que nos presenta la inspiración de la artista de manera muy personal. Ese mismo año, Lucecita se une a otras estrellas en el megaconcierto “El encuentro”, incluyendo a sus antiguos compañeros y rivales de la “Nueva Ola” Chucho Avellanet y Lissette.

Con la llegada del nuevo milenio, Benítez fue parte del especial anual de Navidad del Banco Popular, dedicado ese año a José Feliciano. De igual forma, grabó un tributo musical especial a “el Sonero Mayor”, Ismael Rivera. Este fue tambien el año de su álbum En Vivo Desde el Carnegie Hall, muestra definitiva de su arte incomparable.

Osibisa - The Warrior

Osibisa es una banda formada en Londres en 1969 por cuatro africanos y tres caribeños, que alcanzó su mayor popularidad a principios de los años 70. Fue uno de los primeros grupos africanos conocidos mundialmente.

Los miembros fundadores fueron los ghanianos Teddy Osei (Saxofón), Sol Amarfio (Batería)) y Mac Tontoh (Trompeta), el granadino Spartacus R (bajo), el trinitense Robert Bailey (Teclados), el antiguano Wendell Richardson (Guitarra) y el nigeriano Lasisi Amao (Percusiones y Saxofón tenor).

Otros ghanianos han sido partes del grupo, como Darko Adams Potato (fallecido en 1995) y Kiki Djan (fallecido en 2004).

Osibisa se describen como los padrinos de las músicas del mundo, y reclaman haber allanado el terreno para la llegada de otros músicos, como Bob Marley, al estrellato, que fue popular a mediados de los 70. Su música es una mezcla de folclore africano y caribeño, jazz latino y Rhythm and blues.

Buena parte del material de Osibisa es muy bailable. Se les podría comparar con los estadounidenses Earth, Wind & Fire, en que ambos hacen música altamente sofisticada con ritmos afrocaribeños y sección de vientos, y ambos grupos han sido criticados como insípida música disco por algunos temas de mayor orientación comercial.

El nombre de Osibisa significa, según sus miembros, cruce de ritmos que explotan con felicidad. Ellos mismo clasificaron su música como afro rock. La banda ha tenido muchos cambios de formación, siendo únicamente sus tres miembros fundadores ghaneses, Amarfio, Tontoh y Osei, los que han permanecido en la banda durante parte importante de su carrera. Originalmente se decantaban por las canciones instrumentales, intercaladas con cantos tribales, todo esto acompañado por una sección de viento y una agresiva línea de bajo. Su estilo influenció a toda una generación de músicos africanos.

Los Kjarkas- LLorando se fue

Los Kjarkas es un grupo musical boliviano fundado en Capinota (Bolivia) en 1965 por los hermanos Hermosa: Wilson, Castel y Gonzalo (2/10/1950), más Édgar Villarroel. El nombre del conjunto tiene su origen en la palabra kharka, del quechua sureño, que significa "temor o recelo".

En principio, Los Kjarkas surgió como una necesidad distractiva para sus integrantes, yendo de pueblo en pueblo con el deseo de poner énfasis en el folklore, tocaban lo que la gente pedía, "zambas argentinas", pues la música autóctona de Bolivia se quedaba en las carnestolendas (carnaval), y aún no se tenía el goce para el día a día, sin embargo poco a poco llegaron las peñas y comenzaron a hacer énfasis en ritmos más propios del país como las cuecas, wayñus o bailecitos de compositores como Simeón Roncal, Gilberto Rojas o Teófilo Vargas.

Según la biografía contada por los propios fundadores, se revolucionaría el pensar y el sentir de todos los seguidores de la música boliviana, puesto que los Kjarkas comenzaron a imponer un estilo diferente, una nueva forma de interpretar la gran música boliviana que ahora es escuchada en todo el mundo.

Tras esos inicios, los integrantes abandonan el grupo y Gonzalo Hermosa refunda el grupo con los músicos Eddy Carpio, Antonio Canelas y Alcides Mejía. Durante más de 10 años, Los Kjarkas se van perfeccionando en la composición e interpretación de la música "boliviana". Se presentan en La Paz por primera vez en 1975 tras ir dando tumbos en fiestas privadas; ese mismo año, representaron a su país en el festival de música folclórica de Brasil.

En el año 1976, publican en México su primer álbum, Bolivia, con el sello discográfico Heriba. En este disco figuran nueve canciones, casi todas ellas compuestas por Gonzalo Hermosa, de las que destaca Bolivia, un canto a su patria que se convirtió en un segundo himno nacional y que es canción obligada en todos sus conciertos.

También podemos encontrar en este disco canciones como: La leyenda del amor, una composición muy hermosa que narra la vida de una flor en los tiempos incaicos.

Con el éxito ya ganado, el grupo se nutre de otros dos hermanos Hermosa: Ulises y Élmer (13/11/1960), Toño Canelas, Gastón Guardia (26/5/1959), Guillermo Ponce y Édgar Villarroel (homónimo del fundador). La incorporación de Ulises Hermosa dio lugar a la composición de piezas musicales propias muy importantes en la historia de Los Kjarkas, potenciadas en gran medida con la solemne voz de Élmer Hermosa y los vientos de Gastón Guardia.

De esa manera, publican en 1977 el segundo álbum, Sueño milenario de los Andes, o como salió en esa época en 2 LPs con el nombre de "Fortaleza" lanzados entre 1977 y 1978 por la empresa discográfica SABA, con canciones de muy marcadas raíces folclóricas. El grupo se fue haciendo más popular, organizando giras no sólo por Bolivia, sino por toda Sudamérica, Europa, Estados Unidos y Japón, país donde han obtenido una fama particular.

En 1980, publican Cóndor Mallku, donde comienzan a incluir temas románticos que se alejan algo más del folclor tradicional, innovando los ritmos y temáticas. En este disco empiezan a hacerse patentes las cualidades artísticas de los hermanos Hermosa en canciones como Ella es o Pequeño amor, canciones que nos hablan de amor, con un toque filosofico y poetico en sus letras.

En 1981, se incorporan al grupo Julio Lavayen y Ramiro de la Zerda y es editado el álbum Desde el alma de mi pueblo, en el que destaca Por un sueño de amor. Así, disco a disco, Los Kjarkas van creciendo en fama y arte durante los años 80 y se convierten en el principal grupo musical de Bolivia, cuya repercusión traspasaría fronteras y mares.

En 1984, Los Kjarkas fueron invitados al XV Festival de Música Popular de Japón donde competían más de 1.800 canciones de todo el mundo para el primer premio. La composición de Ulises Hermosa Florcita azul quedó en el décimo lugar, este evento abrió a Los Kjarkas el éxito particular que tienen en la actualidad en el país del Sol naciente.

A finales de los 80, en pleno auge del grupo, un desafortunado incidente dio a Los Kjarkas una fama y repercusión mundial aún mayores. Un grupo brasileño llamado Kaoma lanzó al mercado musical una pegadiza canción titulada Lambada (canción), que se bailaba a ritmo brasileño. La canción resultó ser un plagio[1] de la composición de Ulises Hermosa “Llorando se fue”, editada en 1984 en ritmo de caporal, aunque la primera versión era en ritmo de huayño, por suerte esta canción estaba registrada en Alemania y por ello Kaoma tuvo que indemnizar a Los Kjarkas con una suma de dinero cuyos destinatarios nunca han querido revelar. La repentina fama lograda por el grupo hizo que el término "Saya" se confunda con "Caporal", no sólo a nivel internacional sino también en la misma Bolivia.

Otra controversia también de la canción "Llorando se fue", esta vez fue la demanda legal contra el dueto reggaetonero Wisin y Yandel, que se habría utilizado parte de este tema musical, de autoría de Los Kjarkas en la canción titulada "Pam Pam" de 2006. Con respecto al videoclip que fue filmado en Río de Janeiro (Brasil), parece que fue inspirada en el grupo Kaoma que les hizo famoso con el tema musical "Lambada" .

Los años pasaban y se incorporaban músicos como Edwin Castellanos y Fernando Torrico, que más tarde abandonarían el grupo para formar el dúo Tupay. De los años 80 salen canciones tan importantes como Canto a la mujer de mi pueblo, Wayayay, Imillitay, Oruro, Tiempo al tiempo, Chukiyaqu Marka, Solo, etc. En 1989, editan el único álbum en el que no cantan, titulado Ch’uwa yaku.

En 1992, el grupo se vio fuertemente resentido por la enfermedad de Ulises Hermosa, el cual fallece de cáncer en la ciudad de Houston tras una penosa agonía en esta localidad. Antes de morir, concluyó la canción El árbol de mi destino, la cual fue publicada póstumamente por el grupo. Al año siguiente, Los Kjarkas publican el disco Hermanos, cuyo tema principal es la composición Tarajchi del desaparecido Ulises, pero con letra añadida por su hermano Gonzalo, que describe la historia y sentires de la familia Hermosa.

En los años 90, se incorporaron al grupo Rolando Malpartida, Eduardo Yáñez, Alcídes Mejía, Miguel Mengoa y José Luis Morales. Siguieron cosechando éxitos como Señora, su hija, Mi pecado, Ave de cristal, A los 500 años, La pícara y El líder de los humildes.

En 1997, Los Kjarkas publicaron su primer vídeo, Por siempre..., en el que se televisa la presentación del disco en el Hotel Presidente.

El nuevo milenio trae importantes cambios en Los Kjarkas: el grupo se rejuvenece con nuevos y jóvenes artistas como Gonzalo Hermosa Jr., Lin Angulo y el japonés Makoto Shishido. Ello da un nuevo enfoque a las composiciones, como Lección de vida, Saya sensual, Kamanchaca, etcétera. En el año 2006, Los Kjarkas publican su más reciente disco, 35 años, que conmemora el aniversario de la aparición del grupo.

Actualmente los Kjarkas continuan con su exito con sus nuevas temas como : "Fría" (Taquirari), "Munasq'echay" (K'antu) y reciben un Disco de Oro por la venta de 2 mil ejemplares de su última producción.

Nusrat Fateh Ali Khan - Must Nazron Se Allah Bachaye

Nusrat Fateh Ali Khan nació el 13 de octubre de 1948 en Lyalpur, ciudad ubicada en la provincia Punjab de Pakistán. Su padre, Ustad Fateh Ali Khan, fue un famoso músico clásico qawwali, que cantaba acompañado de sus hermanos en un grupo legendario: Party. Sabedor de las dificultades de vida para un músico, siempre quiso que su hijo fuera médico, pero éste eligió curar con música, de manera que de niño pasaba aprendiendo a hurtadillas, escondido a la hora en que su padre impartía clases a otros niños y jóvenes aspirantes a qawwali.

Tenía nueve años Nusrat cuando supo que su destino era qawwal. La manifestación suprema de su ser no tenía otro sendero. Qawwali es la música devocional del sufismo, brazo místico islamita originado en el siglo X de nuestra era y que pervive hoy en Irán. Empezó con la fundación de la orden Chisti de los sufis, seguidores del Khawaja (Master) Abu-Ishak Chisti.

Dos siglos después, la música qawwali viajó con los sufis a la India, donde mediante ella Khwaja Mueen-Ud-Din Chisti convirtió al islamismo a unos 9 millones de fieles a lo largo del subcontinente hindú. La palabra sufi significa ''el que usa lana", y designaba originalmente a una secta religiosa. Se decían a sí mismos ''faqara", que significa pobre y es el plural de faqir (en persa, darvish) de donde se deriva la palabra inglesa derbis: derviche. Los derviches fueron primero eremitas y después vivieron en comunidad, dedicados a la oración y al cultivo del espíritu. Se extendieron por todos los países musulmanes.

Las danzas vertiginosas sufi de Turquía son conocidas como danzas derviches y son las equivalentes físicas de los cánticos qawwali, que viajan en espiral. En voz de Nusrat Fateh, la música qawwali es carne y espíritu trascendiendo, mediante el placer, en el tránsito de esta vida tan breve en la Tierra. Placer sublime por medio de la música, que es la expresión sonora del espíritu. Placer carnal, placer del alma. Se trasciende, con la música de Nusrat Fateh Ali Khan, inclusive en la noción de religión. En la condición humana. Los ejecutantes de la música qawwali, eminentemente vocal, ejecutan formas sofisticadas devocionales de llegar al éxtasis.

La palabra qawwali significa, literalmente, expresión, declaración, pronunciación y el significado de qawwal implica una sabiduría o enunciación filosófica, la voz o expresión oral del poder divino. La fuerza del qawwal estriba en su poder de transportar al escucha, capturando sus sentidos y elevando sus niveles de conciencia para hacerlos más receptivos. El trayecto en el que es transportado el escucha hacia otro estado de conciencia (hal) sirve para llevarlo hacia un nivel de iluminación o conocimiento interior (marifat).

Falleció a los 48 años de edad entre la consternación nacional de su país y del mundo entero que celebraba como un ritual de vida y trascendencia espiritual cada uno de sus conciertos, que fueron hogueras y que perviven en un legado discográfico inmenso como su gran humanidad física y que crece conforme pasa el tiempo. Quien escucha la música de Nusrat Fateh Ali Khan resulta, en consecuencia, mejor persona.