Angela Ferrão - Wanga

El camino de la vida comienza en el registro Ângela nombre Ferrão. Está registrado como Angela Paulino da Conceicao. Un error durante la grabación realizada sólo registrado el nombre de Paulino, y no el apellido paterno, Ferrão. Hoy en día, Angela es comúnmente conocido como Sting. Nació en la granja "CADA" la agricultura de la empresa de Angola, un importante productor de café, en las afueras del municipio de Amboim de Gabela, el 7 de mayo de 1976. Pero a los diez años se trasladó con su padre a la ciudad de Wako Kungo.



Hija Amelia Domingos da Conceição y Manuel Ferrao Ferrão Paulino, los profesores, a principios aprendido a leer y escribir. "Mi padre trabajaba como profesor en Wako Kungo. Tuvimos que ir allí. " Mayor entre los cinco hermanos, fue que Angela Ferrao Wako Kungo aprendido a ser una ama de casa real y el cuidado de sus cuatro hermanos menores. Además de ser un maestro, el padre Paulino Manuel Ferrao fue un guitarrista y compositor de música calificados. Dio a las letras en los años 80, el Festival de la Canción Política Nacional. Hoy en día es una de las referencias en el contexto musical de la provincia de Kwanza-Sul.

Fue en este ambiente que descubrió las notas musicales. Como un niño que mostró talento para destacar carrera. Con sólo cinco años desde que cantaba. Al escuchar las conversaciones del día a día en su casa solía componer canciones que retratan los debates. Conforme pasó el tiempo, Angela estaba perfeccionando sus habilidades musicales. Aprendió a tocar la guitarra y cantar. Comenzó a interesarse en todas las competiciones de música en Wako Kungo.

Como una niña, viajó en numerosas ocasiones con su padre junto con la santa esperanza para la ciudad de Sumbe. En algunos círculos se conoce como la señora de Viola. A principios de 1990, se trasladó a Luanda para asistir a la escuela. Fue motorizada por el Sumbe Wako Kungo. "Tenía un gran deseo de estudiar. Mi padre tenía miedo de que he perdido ese deseo. Tal vez por eso, no ha esperado para un coche que me lleve. "

No se detuvo por Sumbe. La intención del padre fue a ver a la hija se graduó en contabilidad y gestión. Decidió trasladarse a Luanda, donde acababa de abrir el Instituto de Economía de Luanda (IMEL). Fue allí donde estudió después de someterse a la prueba de aptitud. Se convirtió en parte de las actividades recreativas y culturales organizadas por la Asociación de Estudiantes y el IMEL por el consejo escolar.

Angela había sido el ganador de los hijos de radio Pio-Pio, la Radio Nacional de Angola, a cinco años. Y ella era la hija de un gran músico, Lito Ferrão. Los estudiantes de Luanda de los 90 ellos lo saben. Él fue visto a menudo que circulan en la escuela con su guitarra en la espalda. En los festivales culturales de música que se reproduce Roberta Miranda, los ritmos N'Gola y algunos de los suyos.

Las personas que lo escucharon reconoció las grandes cualidades de la música, pero los patrocinadores tardaron en aparecer. En este punto se encontró con el periodista de Radio Luanda, Paulo Feidão que luego lo presentó a su colega periodista Joaquim Freitas. La voz de Angela Ferrao se ha escuchado en "Kaluanda Pío" radio de Luanda. Empezó a disfrutar de un gran prestigio. Más tarde participó en el "Festival de Luanda Antena Comercial (LAC)," Premio Ciudad de Luanda "y la primera edición de" Gala del viernes Televisión "Pública de Angola (TPA).
Fue en la "Gala del viernes" que la TPA tiene una tercera parte. Fue el éxito alcanzado. Ella ha sido conocido a nivel nacional e internacional en la "muestra" como el Festival Internacional de Sumbe y calulu. En este paseo se encontró con músicos de renombre y la gente que ayudó a hacer su primer álbum un éxito. El 14 de octubre de 2007, logró alcanzar su mayor sueño: el lanzamiento del disco llamado "Wanga (hexagonal).

La música que le da al disco, "Wanga Mussulo wa", tiene letra y música de su padre, Lito Ferrão. Angela trabajó duro con Nanuto, Ruca Fançony, Pedrito, Ferrao Sandro, Dalu Roge, Beth, y Cidy Gigi, Caló Pascoal, Johnny Morgan y Quinito. Apertura del disco se hace con un homenaje a Teta Lando, a quien Angela Moon Sting tocó la canción Uno, un gran éxito de los años 70.

Angela Paulino da Conceicao o Angela Ferrao. Desde la infancia en Wako Kungo a Luanda, mantiene muchos momentos. Altas y bajas. Gala destaca el concurso celebrado el viernes, de 1999. "Fue ahí que yo tenía un trabajo muy completo en el campo de la música que me llevó a conocer a mucha gente. Era muy exigente de lo que estoy seguro que se haría bien. Crecido mucho de eso. "

En una entrevista para la jornal de Angola le preguntaban; Para cuando su nuevo CD?
Yo dependo de la cuestión financiera. Como ustedes saben mi primer disco fue todo acústico. Estas cosas requieren una gran cantidad de gastos, de modo que una mayor seguridad ya puede ser capaz de hablar de mi segundo álbum. El Wanga es tan bueno que creo que debo trabajar duro para hacer algo mejor.

¿Qué hace usted aparte de la música? Yo soy una empleada de Nueva Sotecma, a cargo de los recursos humanos.

Tiene defectos? Sí, soy muy terca. Precisamente porque los seres humanos no somos perfectos, y hacer algunas cosas con perfección. Cuando queremos hacer las cosas con el perfeccionismo no siempre son aceptados. Otros piensan que estamos siendo muy exigentes.

¿Cuál es tu inspiración? Me baso en la experiencia personal, día a día. Creo que casi el amanecer, el sol del atardecer. Me inspiran también parecen maravillosos hijos, son cosas que me tocan el alma. La relación de la madre con sus hijos me hace una persona muy sensible. Tanto que a veces incluso llorar de ver tal o cual persona que sufre. Es una cosa que sé, que no pasará. También contó con el apoyo de mi padre. No todas las canciones que forman parte de mi álbum fueron tomadas por mí, tuve el apoyo de mi padre que es un gran compositor.

Todavía no se casa. Es madre de dos hijos. El primero es un niño y ahora tiene 12 años y la niña tiene un año y medio. Todavía no tiene fechas. Espera que sea antes de grabar mi segundo disco. Ella es profunda como la voz de los misterios del antepasado, los bosques, los ríos, lluvias, todos los animales. Todo reencarnó notable en la magia de Ângela.

Soledad Pastorutti - Brindis

Más conocida como Soledad o La Sole, (n. Casilda, Santa Fe, Argentina 12 de octubre de 1980) es una famosa e importante cantante de expresión folclórica de la Argentina. Considerada una de las máximas exponentes de su género en la actualidad. También se la llama El Tifón o El Huracán de Arequito por la energía arrolladora que irradia en sus presentaciones.



En el verano de 1995 su repercusión en las peñas que circundan el predio del festival de Cosquín hizo que fuera convocada para participar de ese importante evento. Sin embargo, no puedo hacerlo debido a una disposición municipal que impedía que menores de edad sean expuestos en televisión pasada la medianoche.Su primera actuación como artista profesional la realizó el sábado 4 de Noviembre de 1995 en la ciudad de Escobar, provincia de Buenos Aires.

El despegue de su carrera ocurre en la edición de 1996 del festival de Cosquín, donde con apenas 15 años, logra presentarse junto a su hermana Natalia. Apoyado por la televisación en vivo para todo el país, el éxito fue rotundo. Logró consagrarse como revelación del festival y recibió el premio Cosquín de Oro. Durante semanas se habló del "Huracán de Arequito”, como la bautizaran los medios periodísticos. Se vincula a Sony Music y se edita su primer álbum oficial, “Poncho al Viento”, logrando una explosión de ventas que superó la barrera de las 800 mil unidades en muy poco tiempo. Durante 1996 su música la llevó por 181 localidades del la Argentina.

“La Sole”, su segundo álbum, llegó en 1997 y durante ese año compitió y alternó con “Poncho al viento”, el primer puesto de venta de discos en Argentina. Tal fue el “fenómeno” producido por Soledad, que invadió Buenos Aires, realizando 10 shows en el teatro Gran Rex, el más importante de la ciudad capital Argentina.Duplicó la apuesta en 1998 y realizó más de 20 shows en Buenos Aires, nuevamente en el teatro Gran Rex. Fue la representante argentina seleccionada por Sony Music para interpretar una canción, “Los sueños de todo el mundo”, e incluirla en el álbum del Mundial de Fútbol, editado a nivel internacional. Además acompañó oficialmente al Seleccionado argentino a Francia.

Luego del mundial, recibió una distinción de Sony Music Internacional en Madrid (España), por haber alcanzado el millón de unidades vendidas con sus dos primeros álbumes. Además, a su regreso al país, Sony Music Argentina la reconoce públicamente como la artista que produjo las mayores ventas en menor tiempo de toda la historia de la compañía, tomando en cuenta todos los géneros musicales. De las presentaciones en el teatro Gran Rex surge su primer álbum en vivo, editándose a finales de año como “A mi Gente”.

El reconocido productor cubano Emilio Estéfan, viaja a la Argentina para conocerla. Más tarde se convirtió en el productor artístico de su cuarto álbum, “Yo sí Quiero a mi país”. Grabado en Miami, es un trabajo en el que Soledad explora distintos ritmos de diversas culturas latinoamericanas. Su exploración la lleva a actuar en distintos países como Uruguay, Paraguay, Chile, Perú, México, Estados Unidos y España.Gracias a su exitoso paso por el Festival Chileno de Olmué, llega en el 2000 al prestigioso y difícil Festival de Viña del Mar, donde le otorgaron uno de los premios del festival, la "Gaviota de Plata".

Vuelve a presentarse en la ciudad de Buenos Aires tras casi dos años de ausencia, colmando en tres oportunidades la capacidad del estadio Luna Park.En el mes de agosto actuó durante cuatro noches en el Festival Folklórico de Martigues (Francia), donde también fue declarada revelación. Las críticas de los diarios franceses hablaron de la posible llegada del “Fenómeno Soledad” a Europa. Ese año también actuó en el Festival de Cine y Música Argentina realizado en el Barbican Center de Londres (Inglaterra).

En octubre se editó su quinto álbum, “Soledad”. Durante las giras de 2001 comienza a trabajar en lo que sería su sexto álbum, convocando como productor a Alejandro Lerner. “Libre”, presentado en el teatro Gran Rex, la lleva nuevamente a principios de 2002 al Festival Internacional de Viña del Mar donde es premiada con la codiciada "Antorcha de Plata".

En octubre, Sony Music relanza “Libre” con nuevo arte de tapa. Soledad lleva las canciones del disco en sus giras por Argentina, Bolivia, Brasil, Canadá, Chile, Costa Rica, Perú y Uruguay.En homenaje a un gran artista folklórico argentino, invita a finales de 2002 a Horacio Guarany a realizar un show en el estadio Luna Park de Buenos Aires. “Sole y Horacio juntos por única vez”, es el álbum que registró ese importante momento para personas de distintas generaciones.

En abril de 2003 viaja a Estados Unidos para participar del Festival Argentino en Miami y realizar shows en Los Ángeles y West Palm Beach.La productora televisiva Cris Morena, la convoca para participar en la telenovela de emisión diaria “Rincón de Luz”.Paralelamente realiza recitales en Argentina, Chile y Uruguay y produce junto a Pablo Santos, bajista y director musical de su banda.En Enero de 2004 obtiene un record de público en el festival de la ciudad cordobesa de Jesús María. “Rincón de Luz”, la telenovela grabada y emitida en la Argentina durante el 2003, llega a distintos países. En Abril, y con formato de show musical, el elenco se presentó en siete ocasiones en Israel, en el estadio Nokia de Tel-Aviv con capacidad para 10.000 personas.

Fue la conductora del reality “El Llamado Final” producido por Promofilm y emitido por Canal 13. Participó como actriz en las tiras (comedias con formato de telenovela) “Los Roldán” y “Pensionados”, ambos de gran audiencia. En 2005 y luego de la gran repercusión que tuvo su paso por la edición 40 del Festival de Jesús María, vuelve a Cosquín colmando una vez más la capacidad de la plaza Próspero Molina.Su carrera alcanza los diez años y decide plasmarla en un álbum doble. Con la producción de Afo Verde, presidente de Sony & BMG, llega “Diez años de Soledad”. El álbum doble está compuesto por un disco grabado en estudio y otro, grabado en vivo en los estudios del canal de televisión TELEFE, ante un público compuesto por sus fans.

Es convocada para inaugurar el estadio Pepsi Music (Obras Sanitarias), donde el 26 de Noviembre presenta “Diez años de Soledad”. En ese mismo show recibe el primer Disco de Oro por las ventas del álbum.En 2006 también se cumplen 10 años de aquella presentación en la que deslumbró al país en el festival de Cosquín. Vuelve para festejar junto a Horacio Guarany, uno de los fundadores del festival, quién esa noche la definió como su “continuadora”. Una vez culminada la gira de verano, trabaja en la edición de su primer DVD, “Soledad en vivo en Obras”, video que contiene el recital de presentación de “Diez años de Soledad”.Es convocada para reinaugurar el ciclo de conciertos en el Salón Blanco de la Casa Rosada y para la celebración del 25 de Mayo en Buenos Aires, en Plaza de Mayo.

En “Calamaro querido, cantando al salmón”, disco doble tributo a Andrés Calamaro, participa con su versión del tema “Salud, dinero y amor“. Calamaro comentaría más tarde: “Como si al doble le faltara algo, Soledad le hace los honores a esta otra que grabamos con Julito y la barra rodriga. Con gracia y con carisma, esta figura de nuestra música honra a un repertorio roquero con una versión llena de gracia, que rueda con un arreglo bailarín. ¡Ojala la nuestra hubiera rodado así!”
Durante Octubre y Noviembre, Soledad realizó tres presentaciones en el teatro Gran Rex de Buenos Aires donde contó con la participación de Luciano Pereyra, Mario Bonfill, Facundo Saravia, Jaf, Afo Verde, y como en 1998, Diego Armando Maradona.

Además, Mercedes Sosa quien debido a compromisos ya asumidos no puedo asistir, fue grababa en video cantando a capela “Canción del Jangadero”, para que Soledad pudiera hacer un dúo con ella en el escenario.En 2007, mientras realizaba una extensa gira por Argentina, preparaba el momento más importante de su vida. El día 21 de Abril, en Arequito, contrae matrimonio por civil con Jeremías Audoglio. Una semana después, el sábado 28, ante más de 2000 personas, se realizó la ceremonia religiosa en la iglesia Nuestra Señora del Rosario.

El 10 de octubre de 2010, en Arequito, su pueblo natal, realizó un concierto en el cual se grabó un recital en vivo que brindó para celebrar su cumpleaños número 30 y el aniversario de los 15 años de carrera profesional con la música. Es así que nace el último disco de Soledad titulado Vivo en Arequito. Desde 1997, los seguidores de Sole se reúnen en forma espontánea para saludarla. Por eso Sole comenzó a brindar todos los años un show en vivo para sus fans en esa fecha. El año 2010, fue un año muy especial en su vida por la llegada de su hija Antonia, su cumpleaños número 30 y los 15 años de carrera, por eso decidió plasmar ese encuentro íntimo en un disco en vivo.

Los Panchos - Nosotros

(conocidos además como Trío Los Panchos) es el nombre de un conocido trío musical internacional.El Trío Los Panchos se formó en la ciudad de Nueva York en 1944, donde los mexicanos Alfredo Bojalil Gil mejor conocido como "El Güero" y José de Jesús Navarro Moreno, mejor conocido como "Chucho Navarro", junto al puertorriqueño Herminio Avilés Negrón, de nombre artístico "Hernando Avilés", decidieron unir sus talentos e innovar el género de los tríos cantando a tres voces y tres guitarras.



Tiempo más tarde, Avilés y Navarro tocaban la guitarra y Gil el requinto de su propia creación. Se iniciaron en el ambiente artístico el 14 de mayo de 1944 al presentarse en el "Hispanic Theatre" de Nueva York interpretando música ranchera mexicana con gran éxito, mismo que pronto les llevó a grabar su primer disco para el sello Coda titulado "Mexicantos" con siete temas de música mexicana y el bolero "Hasta mañana", mismo que les abrió las puertas hacia este género musical con el cual se les identifica en todo el mundo.

Los Panchos ganaron fama internacional con sus boleros románticos, especialmente en América Latina, donde aun son honrados como uno de los tríos más famosos de todos los tiempos. Vendieron millones de copias de sus discos de 78 RPM y álbumes LP a unos pocos años de su fundación.No hay duda que uno de los factores indiscutibles de su éxito, además de su magnetismo artístico y calidad vocal, fue el apoyo de la comunidad latina radicada en New York, especialmente la Puertorriqueña y Dominicana, además del ofrecido por las compañías discográficas SEECO y CBS Columbia (hoy dentro del consorcio Sony BMG Music Entertainment) con las que mantuvieron contratos durante su trayectoria

Tras este triunfo se trasladaron, en 1948 a México, fue un paso muy importante en su carrera ya que por ese entonces México era la capital absoluta de la música latina, pero los recibieron con los brazos abiertos, la emisora XEW (por ese entonces la más importante) les dio un espacio patrocinado por Nestlé, al tiempo que realizaron presentaciones en diferentes centros nocturnos de categoría, como “El Patio” entre otros, con esta fórmula llegaron a captar el corazón de los Mexicanos.Hacia 1951 comenzaron una gira internacional por el Caribe, Centro y Sudamérica, Panamá, Guatemala, Cuba, Puerto Rico, Filipinas, Republica Dominicana, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú, Argentina y Chile. Durante esta gira, en pleno éxito, la agrupación enfrentó su primera crisis, en Bolivia, motivada por el difícil carácter del Alfredo Gil, lo que marcó, tras una acalorada discusión el alejamiento de la primera voz Hernando Avilés.

Inmediatamente, Gil y Navarro convocaron a una audición a varios aspirantes, la cual ganó el músico y cantante Raúl Shaw Moreno quien apenas se iniciaba en el ambiente artístico. Shaw Moreno solo duró unos 9 meses con la agrupación, ya que su voz, más pastosa y fuerte que la de Avilés no terminó de gustar al público.Tras esa crisis Los Panchos continuaron con su carrera marcada por sus siete primeras voces, así mismo intervinieron aproximadamente en 50 películas, a lo largo de su trayectoria. Durante este tiempo, el lugar de Primera Voz fue ocupado por artistas como los puertorriqueños Julio Rodríguez, Johnny Albino y el mexicano Enrique Cáceres, entre otros.

En 1964, CBS propuso a los integrantes del trio (entonces conformado por los dos integrantes fundadores y Johnny Albino) el acompañar por primera vez a una voz femenina. Se trataba de la vocalista estadounidense de ascendencia judío-española, Eydie Gormé quien tenía pocos años de trayectoria discográfica en su país y quien empezaba a grabar en idioma español. De la colaboración entre Gorme y Los Panchos, además de los músicos acompañantes, nació el álbum Great Love Songs In Spanish (titulado Amor, en idioma español). El éxito de este intento, hizo que CBS los reuniera nuevamente para grabar los álbumes Cuatro Vidas y Blanca Navidad. Vale resaltar, como anécdota, que ante la imposibilidad por los compromisos artísticos de Eydie Gorme de ensayar con el ya famoso trio, Alfredo Gil propuso usar la voz de su propia esposa como base para los arreglos vocales de estos discos.

Hacia 1970, a propuesta de la filial mexicana de CBS Columbia, Los Panchos, con ayuda de la tecnología de audio fueron convocados a un estudio de grabación para acoplar sus voces y guitarras, y los sonidos de mariachis a la voz de Javier Solís en un álbum denominado Dos Ídolos Cantando Juntos el cual se convirtió en la primera reconstrucción técnica postmortem de la música de Solís y que no fue desvinculado del género del bolero ranchero. Este álbum precedería, a uno dedicado a la música ranchera mexicana. Después de esto, Los Panchos vuelven a colaborar con vocalistas femeninas haciendo papel acompañante. Es el caso de los LP grabados junto a la italiana Gigliola Cinquetti, Estela Raval y María Martha Serra Lima, con quien se cierra esta etapa.

En 1981 con el retiro de Alfredo Gil se cerró el ciclo del "Trío Los Panchos", a través de una gira por América, que se llamó "Hasta Siempre". Esta última formación del "Trío Los Panchos" estuvo conformada por Alfredo Gil, Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara. Después de la gira de despedida, "Chucho" Navarro decide continuar con la agrupación, contratando a diferentes intérpretes del requinto en sustitución de Gil. En 1991 grabaron en España, para Sony Music, los discos Los Panchos Hoy y Los Panchos a su manera". En 1993, fallece Navarro y tras esta grave pérdida, su primera voz, Rafael Basurto Lara, por exigencias del contrato discográfico vigente, promocionó ambos discos. En la actualidad, Lara continúa activo actuando como solista o con su propio trio.

En el año 2000, y dentro del programa de Miguel Bosé, llamado "Séptimo de Caballería", se grabó el álbum titulado "Mil Años Más de Amor". Es el primer álbum de la agrupación realizado en vivo y en el que se incorpora además de las guitarras, requinto, bajo y percusión, la presencia de las flautas. Destaca en este álbum la presencia de artistas invitados como los vocalistas españoles Nacho Campillo y Tamara y el cubano Amaury Gutiérrez, además de agrupaciones como el sexteto de cuerdas "Ars Ensemble" del músico español Joan Valent, el de Ignacio "Nacho" Mastretta y el pianista y compositor Juan Carlos Calderón, quien acompañó en la grabación a Rafael Basurto Lara.

En la actualidad hay unos pocos trios que llevan el nombre de "Los Panchos" y responde a varias razones, bien porque Alfredo Gil fue propietario de los derechos del nombre de "Trio Los Panchos". A su salida del trio en 1981, cede el derecho de utilizar el nombre de "Los Panchos" (sin el "Trio") a José de Jesús "Chucho" Navarro, integrante fundador de la agrupación original y este a su vez lo cede a su hijo Jesús Dionisio Navarro Vázquez, quien continúa en activo. Por otra parte Gabriel Vargas, quien sustituyó a Alfredo Gil a partir de 1981 en "Los Panchos" continúa en activo bajo el nombre de "Trio Los Panchos" de común acuerdo con las herederas de Alfredo Gil quienes poseen los derechos sobre el nombre. De hecho, la última primera voz del grupo, Rafael Basurto Lara, enfrentó problemas legales con el hijo de Navarro por el uso del nombre.

Después de 49 años de carrera, el Trio Los Panchos deja un legado de aproximadamente 1122 canciones sin contar grabaciones o transmisiones radiofónicas, presentaciones en TV, además de haber grabado en diferentes idiomas además del español, como inglés, japonés, árabe, tagalo, griego e italiano así como haber incursionado en diversos géneros musicales como el tango, country, vals peruano, pasillo, son, rumba, mambo, guaracha, cha cha chá, joropo, merengue, clave, guaranía, galopa, blues, cueca y pasaje venezolano.

Libera - Sanctus

Es un grupo vocal infantil dirigido por Robert Prizeman. Su nombre proviene de su canción "Libera", que se basa en el "Libera me" de la Misa de Requiem ("Libera" significa libre en latín). La mayoría de los niños de Libera proceden del coro de la parroquia de St. Philips, Norbury, en el sur de Londres. Además de los álbumes, giras y apariciones en televisión, los chicos de Libera forman parte, junto con adultos, del coro parroquial. Libera cuenta aproximadamente con treinta niños, entre las edades de siete y dieciséis años, incluyendo a los muchachos nuevos que todavía no están preparados para participar plenamente en discos o giras. Definitivamente esta es música para el alma.

Diecinueve niños participaron en su visita a EE.UU. en 2008. Veinticuatro niños cantan en su último álbum, New Dawn. Los niños proceden de diversas escuelas de Londres. Su música es excelente para relajarse y te llena de mucha alegría. Nunca se arrepentirán de escuchar a un grupo tan hermoso.



A pesar de ser niños y de cantar, no se ven así mismos como “niños de coro”, sino más bien como chicos de un grupo de música (como he comprobado en alguna entrevista).

Si bien el sonido único de Libera puede ser imposible de encasillar, su atractivo universal ha hecho amar al grupo de fans de todo el mundo, particularmente en EE.UU, Reino Unido, Corea y Japón.El sonido distintivo de Libera ha viajado por el mundo y sus albumes han superado las top list de música clásica en muchos países.

“Brillantes armonías, acordes y éxtasis místico… se diferencia de cualquier otro grupo que he escuchado. Estos son realmente los sonidos que despiertan el alma, sonidos para un nuevo tiempo”, afirma el director de A-cero, Joaquín Torres.

Laurel Aitken - Sally Brown & Skinhead

(22 de abril de 1927 – 17 de julio de 2005) fue un cantante, conocido como uno de los creadores de la música ska jamaicana a finales de los años 50. Fue el primer cantante jamaicano en hacerse famoso en Europa, adelantándose a Bob Marley.

Aitken, cuyo verdadero nombre era Lorenzo Aitken, nació en Cuba y era hermano del también cantante Bobby Aitken. Se trasladó a Jamaica con 11 años y allí fue donde empezó a cantar calipso para los turistas.



En 1952 hizo sus primera grabaciones, fundamentalmente de mento y R&B, que eran los sonidos que estaban de moda en la isla por aquella época. En 1958 hizo una de las primeras grabaciones de ska, el sencillo "Little Sheila/Boogie in my Bones". Era, además, uno de los primeros trabajos del productor Chris Blackwell, que posteriormente fundaría el sello Island Records.

Emigró definitivamente a Inglaterra en los años 60, donde se le considera como el mayor representante de la música jamaicana y donde tiene una legión de seguidores entre los skinhead y otros fans del ska. Tuvo muchos éxitos entre los años 50 y los 70, mientras grababa para Blue Beat Records, Pama Records y Trojan Records, cantando en numerosos estilos jamaicanos como mento, calypso, ska, rock steady y reggae.

Incansable colaborador, ha dado conciertos con multitud de bandas de ska de los años 60, haciendo lo propio con el revival ska de la nueva ola de finales de los años 70, particularmente con grupos del sello 2 Tone, y con otros grupos de finales de los años 80 y de los 90, como The Busters, The Toasters o los españoles Malarians.

Aitken, que era conocido como Padrino del Ska y Jefe de los Skinhead, dio conciertos casi hasta su muerte. Sufrió una grave enfermedad seguida de un ataque de corazón un año antes de su muerte. Murió por otro ataque en Leicester, Inglaterra, el 17 de julio de 2005. Hay una placa en su honor en su casa de Leicester.

Ofra Haza - Im Nin'Alu

(en hebreo עפרה חזה), (Tel Aviv, 19 de noviembre de 1957 – 23 de febrero de 2000, Ramat Gan) fue una cantante israelí que alcanzó una gran popularidad en Israel y en todo el mundo con una peculiar mezcla de la música tradicional de los judíos.



Nació en el seno de una familia de judíos en Israel. A los doce años se unió al grupo de teatro del barrio Hatikva, al sur de Tel Aviv. Tras servir durante dos años en el ejército israelí, grabó su primer disco en solitario, con el que obtuvo gran popularidad en Israel. A lo largo de su carrera, consiguió 16 discos de oro y platino. Cantó en hebreo, árabe, arameo e inglés, entre otras lenguas, como el español.

En 1983, participó en el Festival de Eurovisión, y obtuvo el segundo puesto con la canción Jai, lo que le proporcionó fama internacional. Dos años después publicó internacionalmente su disco Yemenite Songs, basado en los poemas del rabino Shalom Shabazi. En 1988 su canción Im Nin'alu, del mencionado disco, alcanzó un gran éxito en Alemania. Con el álbum Kyria (1992) obtuvo una nominación para los Premios Grammy. Intervino en numerosas bandas sonoras, entre ellas la de la película de animación El príncipe de Egipto, que también cantó en su versión castellana.

En 1992, colaboró haciendo los coros con The Sisters of Mercy en la canción Temple of Love. La colaboración de Ofra Haza, permitió que dicha canción se colocase en primeros puestos de listas de venta. Fue uno de los vídeos más vistos en MTV en el año 1992.

En 1994, a petición de Isaac Rabin, actuó en la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz.Su canción Im Nin 'Alu apareció en la BSO del videojuego Grand Theft Auto Liberty City Stories.

Murió, probablemente de neumonía y un fallo multiorgánico complicado por VIH (sida), el 23 de febrero de 2000, aunque las circunstancias de su muerte no fueron confirmadas por la familia. Murió en el Sheba Medical Center de la ciudad de Ramat Gan.

Ernestine Anderson - One Mint Julep

(Nacida el 11 de noviembre de 1928 en Houston, Texas, hija de un trabajador de la construcción. En la edad tres años, ella podría cantar junto con las consonancias crudas del legendario Bessie Smith -- ella pronto se trasladó encendido a los alrededores refinados de su iglesia local, cantando solos en su coro del evangelio.

Es una cantante estadounidense de jazz y blues, una cantante sin suerte comentan algunos blogs en el internet, injustamente infravaloradas por parte de la crítica especializada que, pese a su indudable calidad, siempre la ha tenido relegada a un segundo plano. Y es una pena, porque posee una abundante discografía que prueba con creces su talento. Estuvo largo tiempo sin que nadie la contratara y permaneció olvidada en los círculos musicales de los Estados Unidos.



En un determinado momento de crisis económica y sin que nadie se acordara de ella para cantar, llegó a trabajar de criada. Pero en 1976 todo cambió. El sello Concord, relanzó su carrera y le suministró selectos acompañantes - la mayoría de las veces, el trío del contrabajista, Ray Brown- que le permitieron recuperar con creces el tiempo perdido. Anderson dice de su vida temprana en el libro, La escena del jazz (1998): “Mis padres usados para jugar expedientes de los azul toda la hora,” Ernestine Anderson me dijeron. "Puta de las heces de Juan, Aguas fangosas, todos los greats de los azul. En Houston, en donde crecí para arriba, usted giró la radio y qué usted consiguió era país y occidental y evangelio. Incluso no recuerdo cuál era mi primera experiencia con música. Clasifico de crecí en él. Mi padre cantó en un cuarteto del evangelio y lo seguía alrededor, y ambos mis abuelos cantaron en el coro de la iglesia de Bautista. Y tenían vendas grandes el venir a través de Houston como Jimmie Lunceford, Billy Eckstine, Erskine Hawkins, y Cuenta Basie.

La “madrina de Ernestine la inscribió en una competencia local del talento cuando ella era doce años. “Sabía solamente dos canciones,” ella admití, En el lado asoleado de la calle y Tan de largo. El jugador del piano me preguntó qué llave yo hizo estas canciones adentro y acabo de decir que “C” por alguna razón y eran la llave incorrecta. Para ahorrar la cara que canté alrededor de la melodía, improvisada entre la melodía, y cuando acabé uno de los músicos me dijo que fuera cantante del jazz. Su familia movida a Seattle, Washington en 1944, cuando ella era dieciséis.

Anderson graduó de High School secundaria de Garfield. Cuando ella era dieciocho, ella a la izquierda Seattle, viajar por un año con Johnny Otis venda. En 1952, ella fue en viaje con Lionel Hampton orquesta. Después de un año con la venda legendaria, ella colocó adentro Nueva York, determinado de hacer su manera como cantante. Su aspecto encendido Gigi Gryce 1955 álbum Tempo de Nica (Col rizada)[5] conducido a una sociedad con el trumpeter Rolf Ericson para un viaje escandinavo de tres meses. Primer álbum de Ernestine en Estados Unidos fue hecho después de su álbum del principio, registrado adentro Suecia y lanzado aquí cerca Expedientes del mercurio bajo título Cargo caliente (1958), que creó una sensación enorme.

En 1959 Anderson ganó abajo la concesión de la “estrella nueva” del batir y registrada para el mercurio a más aclamación, antes de dividir su tiempo a partir de los mediados de los años sesenta entre América y Europa Dio sus primeros pasos musicales con Russell Jacquet (1943), y posteriormente con Johnny Ottis (1947-1949), antes de trabajar para Lionel Hampton entre 1952 y 1953. Su primer álbum lo grabó en 1956 para el sello Metronome, tras una gira con el trompetista, Rolf Erickson.

Fichó para el sello Mercury y allí estuvo cuatro años, entre 1958 y 1962. Aquellos años fueron los mas brillantes de su carrera, y a ello contribuyó de manera decisiva los arreglos de Pete Rugolo y su orquesta. El declive de su carrera comenzó en los años setenta cuando se instalo casi definitivamente en Londres donde pasó unos años en paro hasta el ya comentado resurgir de 1976 con el sello Concord. Allí grabo once álbumes desde 1976 hasta 1990, siendo muy bien valorado el que grabó en directo en el festival Concord de jazz en 1990. “No pienso el jazz muerto siempre.

Sufrió un revés durante los años 60. Tuve que trasladarme a Londres para trabajar porque una persona del jazz no podría trabajar en los Estados Unidos cuando rock-and-roll se convirtió la música. No pensé duraría este largo, y no pienso la gente del rock-and-roll pensó que duraría este largo, pero tenía. Su carrera se ha desarrollado a lo largo de cinco décadas y ha grabado unos 30 discos. A comienzos de los años noventa firmó por la compañía Qwest Records y ha sido nominada cuatro veces a los Premios Grammy.

Ha cantado en el Carnegie Hall, en el Kennedy Center,1 en el Festival de jazz de Monterrey (en seis ocasiones), así como en múltiples festivales a lo largo del mundo. Ernestine Anderson fue ofrecido en un artículo adentro Compartimiento de Tiempo, el 4 de agosto, 1958, “la voz pertenece al cantante Ernestine Anderson del negro, en 29 quizás el jazz mejor-guardado secreto en la tierra” después de que su primer lanzamiento del álbum. La comparan inevitable a Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Día de fiesta de Billie. Ernestine rechaza invariable las comparaciones. “Deseo,” ella dice, “ellos me dejaría ser justo yo.” Ella es, y “apenas” es abundancia bastante buena.

Anderson era una de 75 mujeres elegidas para el libro, Soño un mundo: Retratos de las mujeres negras que cambiaron América (1999), cerca Premio de Pulitzer fotógrafo que gana Brian más largirucho. Dentro de este libro Ernestine Anderson ensambla a compañía tal como Rosa Parks, Rey de Coretta Scott, Oprah Winfrey, Lena Horne, y Sarah Vaughan. Ella ganó la concesión de oro del paraguas en el festival de los artes de Bumbershoot Seattle adentro 2002.[11] La concesión honra a artistas de los Estados Unidos del noroeste “quiénes han contribuido perceptiblemente al paisaje cultural de nuestra región.

Anderson fue elegida por el capítulo del noroeste pacífico del Academia de la grabación para recibir su 2004 IMPACTO. La concesión del IMPACTO honra a profesionales del noroeste de la música que talentos y realizaciones creativos han cruzado todos los límites musicales y que se han reconocido como activo a la comunidad de la música.[12] Academia de la grabación es famoso internacionalmente por Concesiones de Grammy.