Adriana Santiago- Amar a mares

 Cantautora nacida en la ciudad de Guadalajara en el año de 1985. Inicia su carrera al lado de Abel Velásquez Nardo, quien ofrece producir su primer disco el cual fue truncado ante la repentina muerte del cantautor. Desde los seis años, comienza su labor estudiando guitarra popular, guitarra que llega a sus manos por equivocación, y de esta manera se convierte en parte de su cuerpo hasta sus 24 años actuales.

La vida en la música ronda por todo el mundo, y de esta manera tuvo la oportunidad de trabajar en distintos géneros, a los 13 años colaboro en un grupo de Folklor Mexicano, que le dio la oportunidad de incursionar en otros instrumentos, como la vihuela y el acordeón, apasionada por sus raíces, continuo por esa linea integrándose a un cuarteto de música tradicional. 

                      

A los 15 años formo parte del grupo Folklorico Latinoamericano de la ciudad de Guadalajara, y poco después dio un giro pequeño pero muy importante y se integro a el Mariachi Femenil Tecalitlan donde permaneció por tres años.

En este transcurso de tiempo, Adriana, jamás abandono la tarea y la pasión por escribir, y cantar con solo su guitarra, desde el momento en que tuvo en sus manos, a los 11 años un cassete de Silvio, supo que ese era su destino.

Desarrolla su carrera iniciando en La Peña Cuicacalli, la peña más importante de Guadalajara, simultáneamente se presenta en Rojo Café foro impulsor y espacio de expresión que la coloca dentro del circulo destacados de cantautores en Guadalajara.

En el 2005 presenta su primer disco, “Sueños y Cenizas” y comienza una gira alrededor de la republica Mexicana, promocionándolo de esta manera en diversas ciudades, posicionándola ante el medio entre las pioneras de la trova contemporánea.

En el 2007 graba su segunda producción “Llévame Contigo”, tema que sonó como sencillo en distintas radiodifusoras de Guadalajara, como DK, Radio Universidad, Sistema de radio y Televisión de Jalisco, Promomedios entre otros.

En el mismo año participa en la producción en vivo “La puerta del cielo” Aldo Obregón, con la intervención en el tema “Como siempre”.

 En el 2008 forma parte de la producción “Historias y Silencios” junto al Compositor Fernando escobar, invitándola a este proyecto, compartiendo así este disco con artistas de la talla de Joan Issac, Ricard Miralles, Amaury Pérez, con la producción a cargo de Alejandro Segovia.

En 2011 forma parte de la producción “La ciudad del olvido” de Pablo Garabito, compartiendo este disco con artistas de la talla de Oscar Fuentes, Gerardo Enciso, Francisco Barrios «El Mastuerzo» Edgar Oceransky, Eduardo Ulloa, Jaime Ades, Mauricio Díaz «el Hueso», Kristos Lezama y Alejandro Segovia.

Su voz, sus canciones y su manera de interpretar la han llevado a dar conciertos a la mayor parte de la republica Mexicana, en donde de igual manera ha tenido oportunidad de compartir escenarios con músicos y compositores como Edgar Oceransky, Miguel Inzunza, Francisco Cespedes, Fernando Delgadillo, Alejandro Filio entre otros.

En su música, destaca la balada, trova, bachata, blues, bossa nova, mezclándose con letras llenas de poesía, y emociones, el amor como bandera de la mayoría de sus temas, así como el dolor que representa el perderlo, nos regala imágenes impecables del sentimiento.

Actualmente se encuentra trabajando en su tercera producción que promete ver la luz a principios de Abril del 2013, producción a cargo de Luis Odriozola y Carlos García, en compañía de grandes músicos.

Lucha Reyes- La Tequilera

Mejor conocida como Lucha Reyes (Guadalajara, Jalisco, 23 de mayo de 1906 - Ciudad de México, 25 de junio de 1944), fue una reconocida intérprete de música ranchera mexicana.

Aunque de niña mostró su afición por el canto, el rasguear de su voz y el falsete característico que logró imponer en sus canciones en sus mejores momentos tuvo su auge a partir de los años treinta, cuando se especializó en temas del folclore mexicano. Aún era muy pequeña cuando quedó huérfana de padre. El apellido Reyes lo tomó del segundo esposo de su madre, quien se hizo cargo de ella hasta que llegó a la adolescencia. Durante sus pinitos como cantante, y en su estado natal, obtuvo el título de Reina del Mariachi, y poco después junto con su familia se trasladó a la Ciudad de México, donde habitaron una modesta vivienda en la colonia Morelos, pero la mala situación económica que en ese momento pasaban sus padres le impidió terminar su educación primaria; luego se integró al coro de la Iglesia del Carmen.
 

                          

 

Su carrera profesional se inició a los trece años, debutando en una carpa ubicada en la plaza de San Sebastián, cerca de su casa. Ahí con el paso de los meses llegaría a alternar con figuras de la comicidad como Amelia Wilhelmy, José Limón y los hermanos Acevedo. En 1920 viajó a los Estados Unidos para estudiar canto y desarrollar sus aptitudes como soprano, sin embargo, fue contratada para una gira por varios estados de aquel país, cosechando triunfalmente sus primeros aplausos. Precisamente durante ese recorrido conoció al periodista Gabriel Navarro, con quien poco después contraería matrimonio. Lucha estaba por tener a su primer hijo cuando sufrió un aborto. A partir de esta tragedia el hombre de su vida comenzó a tratarla despectivamente, trayendo consigo el inevitable divorcio.

Después de una larga temporada en los Estados Unidos y cuando Lucha regresó a México formó, junto con las hermanas Ofelia y Blanca Ascencio, el trío Reyes-Ascencio, aunque ya para entonces su adicción por las bebidas alcohólicas y sus continuos incidentes bochornosos durante sus presentaciones la llevaron a ser lanzada del trío y ser substituida por la cantante Julia Garnica (triunfando ellas como el trío Garnica-Ascencio durante sus presentaciones en el teatro Lírico y en las radiodifusoras de la época). A pesar de que Lucha se sentía desilusionada por el rechazo de sus compañeras, en 1927 reinició su búsqueda de la fama, uniéndose al Cuarteto Anáhuac, con el que realizó una gira por Alemania, integrándose a la vez a la compañía de Juan Nepomuceno Torreblanca. Estando en Berlín, capital alemana, Lucha pescó una fuerte infección de garganta que la hizo retirarse durante un año de su actividad como cantante, pero la falta de dinero y las preocupaciones la hicieron retornar a la actividad. Lo inesperado fue que debido a la infección sufrida su voz se tornó rasposa y desgarrada, imponiendo un estilo agresivo a sus interpretaciones, con el que lograría una plena identificación.

A partir de 1928 Lucha Reyes emprendió por el sendero de la interpretación vernácula de manera solista. Un año después inició su mejor etapa como artista, creando un estilo personal y logrando sonados éxitos como "La Tequilera", "¡Ay Jalisco no te rajes!", "El Corrido de Chihuahua", "El Herradero", "La Panchita", "Traigo un amor", "Juan Colorado", "El Castigador", "Rayando el sol", "Caminito de Contreras" y más. En 1930 el empresario Frank Founce la contrató para varios conciertos en el escenario del teatro Million Dollar, de Los Ángeles.

Aunque Lucha no poseía una gran belleza, su rostro y presencia llamaron la atención de algunos productores de cine, incluyéndola en películas como Canción del alma (1937), al lado de Vilma Vidal y Rafael Falcón; La tierra del mariachi (1938), con Consuelo Frank; Con los dorados de Villa (1939), con Domingo Soler, Pedro Armendáriz y Susana Cora; El zorro de Jalisco (1940), con Pedro Armendáriz y Emilio “el Indio” Fernández; y ¡Ay Jalisco, no te rajes! (1941), con Jorge Negrete y Gloria Marín.

Lucha Reyes causaba tumultos en los lugares donde se presentaba. Colocada como el centro del escenario y con una botella de tequila en la mano, cantaba de manera espectacular. En cierto momento levantaba la botella y le daba un grueso trago que servía para sacar la voz cuando sentía que se le hacía un nudo en la garganta. En los últimos años de su vida, comenzó a buscar el alcohol como bebida esencial. En ocasiones su borrachera estaba tan acentuada que le impedía salir al escenario a pesar de ser la figura principal de la compañía y los espectáculos del empresario Paco Miller.

Desde la segunda semana del mes de mayo de 1944, Lucha Reyes arrastraba una profunda depresión que se había manifestado tras la muerte de la señora Francisca Cervantes, madre de su primer marido, también fallecido. La pena acumulada le había afectado de tal manera que ni el tequila ni otras bebidas alcóholicas a las que se había aficionado le hacían olvidar su tristeza. El público que asistía con gusto a los teatros y a las carpas a disfrutar de sus actuaciones, sabía que para acentuar su característica voz rasposa acostumbraba, como parte de su presentación, tomar un grueso trago de tequila, pero esta afición en los últimos meses de su vida se le convirtió en una enfermedad que la estaba consumiendo, llevándola (en las dos semanas siguientes a la muerte de su ex suegra) a encerrarse en su recámara para tratar de soportar la tristeza, acompañada desde luego sólo con una botella de ardiente tequila.Lucha ya había perdido las ganas de vivir, sin importarle que su hija María de la Luz Martínez Cervantes, de once años de edad, también estuviera sufriendo viéndola como se destrozaba físicamente.

Pese a ello, el 23 de junio, las actitudes de la cantante hacían suponer que ya se estaba recuperando su ánimo de vida. Había dejado de beber y aunque su andar era con paso inseguro, su hija confiaba en que los diez día anteriores de tristezas habían terminado. Para Lucha, que con lentitud deambulada por el interior de su casa, contrariamente apenas empezaba su verdadera tragedia. Trataba de mantener la lucidez de sus pensamientos, que en momentos la hacían refugiarse en una silla o sillón en busca de reflexiones. Había llamado a su hija para mandarla a la botica en busca de un frasco de medicinas. María de la Luz nunca imaginó que esos barbitúricos servirían para que su madre pusiera fin a su existencia. Por el contrario, creía que los barbitúricos serían un remedio para aliviar ese amargo sufrimiento

A las 13:00 horas del 24 de junio, Lucha Reyes (que aún mantenía vigente la pena por la pérdida de su ex suegra) se encontraba sola en su alcoba, sostenía el frasco con las pastillas que minutos antes le había comprado su hija. Destapó el recipiente, y una por una fue ingiriendo veinticinco de las cuarenta tabletas que contenía, mismas que al mezclarse con los residuos del tequila bebido en días anteriores multiplicaron su efectividad. Aún consciente de todo lo que hacía, colocó el frasco con el resto de las pastillas sobre una mesa, cerró los ojos y suspiró antes de acostarse para conciliar el sueño. Sabía de antemano que una vez que entrara el letargo jamás volvería a despertar. Empezó a buscar el descanso eterno que llegaría un par de horas después.

A las 16:30 horas, aún inconsciente y con los signos vitales débiles, Lucha Reyes llegó a un hospital de las calles Durango y Monterrey. Ahí varios médicos trataron de arrebatarla de la muerte. En un esfuerzo admirable, los galenos le aplicaron varios lavados intestinales intentando detener la acción mortal de la sobredosis de barbitúricos. Varias horas permaneció en observación sin que lograra salir del estado comatoso de gravedad en el que se encontraba. Según el reporte médico le fueron aplicados cuatro lavados estomacales, además de inyectarle Estricnina y Coramina, tratando con ello de anular el efecto de las pastillas. Así mismo se le colocó una mascarilla con oxígeno y se le aplicó una tranfusión sanguínea. Por desgracia, todos los esfuerzos fueron inútiles. A las 02:20 horas del 25 de junio de 1944, sin haber salido de su larga agonía, Lucha Reyes dejó de existir. El procurador de justicia autorizó la dispensa en la autopsia del cadáver para que Carmen Reyes y Manuel Flores trasladaran el cuerpo de la admirada cantante hasta una agencia funeraria. Durante todo ese día, y en las primeras horas del día siguiente, la capilla ardiente donde fue colocado el cuerpo de Lucha Reyes estuvo visitada por un numeroso público, cuyo único fin era despedirse de la cancionera. En el Panteón Civil de Dolores, donde serían trasladados los restos el día 26, estaba reunida una multitud de personas en espera del féretro. Hasta ahí llegaron las más famosas cancioneras de la época y algunos de sus más fieles amigos, entre ellos Matilde Sánchez "La Torcacita", Jorge Negrete, Pituka de Foronda, Mario Moreno "Cantinflas" y varios artistas del Cabaret Casablanca. En la agencia funeraria antes de que el féretro fuera cerrado para siempre, el escultor y pintor Arturo Garres, admirador y amigo fraterno de la artista, sacó una mascarilla de su rostro con el que esculpiría una escultura. Minutos después el ataúd fue trasladado al Panteón, y bajo los acordes de "La Tequilera", "Guadalajara" y "La Panchita", rúbricas musicales de Lucha Reyes, fue sepultado en una tumba del lote de actores.

Chava Flores- Dos horas de balazos

Salvador Flores Rivera (14 de enero de 1920 - 5 de agosto de 1987, Ciudad de México), conocido como Chava Flores, fue un compositor y cantante mexicano.

Nació en el antiguo barrio de La Merced en el centro de la Ciudad de México, en la calle de La Soledad. Se presume que creció en Tacuba, la colonia Roma y Santa María la Ribera, aunque también se le ubica en Azcapotzalco y la Unidad Cuitláhuac, lugar en donde vivió hasta 1986, año en que se mudó a Morelia, Michoacán. Su padre murió en 1933, por lo que tuvo que comenzar a trabajar para contribuir al sostenimiento de su familia.

 

                        

Chava Flores tuvo infinidad de empleos desde su infancia; fue costurero, encargado de almacen, cobrador, vendedor de puerta en puerta, administrador de una ferreteria, propietario de una camisería y de una salchichonería e impresor, entre otras cosas. Como es posible apreciar gran parte de estos trabajos implican movilización por toda la ciudad lo que, fue de gran utilidad para su etapa como compositor, pues debido a sus empleos recorrió barrios, calles, colonias y fue testigo de diversas situaciones que posteriormente plasmaría en su obra, la cual ofrece hermosas imágenes de la memoria de nuestro pueblo y merecidamente le otorga a este maravilloso compositor el título de Cronista cantor de la Ciudad de México. Chava Flores fue esencialmente un trabajador incansable, cuando las cosas no funcionaban bien en su empleo inmediatamente buscaba una alternativa que le permitiera continuar trabajando; ese fue el caso 1946 cuando desafortunadamente tuvo que cerrar su camisería, con ello una racha de empleos breves y mal remunerados. Es así como sin saberlo se enfila a lo que será su carrera como compositor; con los amigos que había estado trabajando en la ferretería inicia su labor en una imprenta, en un principio las cosas funcionan de manera regular pero a raíz de una idea de Chava la imprenta empieza a mejorar, se trata nada menos que del Álbum de Oro de la Canción: “Mi amor por las canciones de México y sus compositores fluyó a mi mente. Me sabía miles de ellas aunque no conociera personalmente a ningún autor, y de mi mente desesperada por el infortunio surgió el álbum de oro de la canción. Una revista quincenal que desahogara mis ansias guardadas por ese hermoso arte que tanto amé y que nunca fue mío.”(Flores Rivera Salvador, 1994:26)

 Se trató sin duda de un esfuerzo importante que tuvo un periodo corto de vida, debido principalmente al hecho de que la imprenta en la que trabajaba decidió dejar de lado el proyecto, y el precio del papel se elevó a tal grado que el álbum se volvió prácticamente incosteable; “Salvador Flores Rivera, comenzó a editar en 1949 una colección de decorosos y útiles cuadernos de 32 páginas que llamó el álbum de oro de la canción. El precio de cada cuaderno era de sesenta y cinco centavos, y en ellos aparecían las canciones más gustadas de todos los tiempos. Cuatro años duró la publicación de este excelente cancionero de lujo que con el famoso Cancionero Picot, ha sido lo más esmerado que se ha publicado para dar mayor realce a nuestro cancionero nacional.”(Garrido S. Juan, 1974:111)

Es justamente este episodio- de la creación del álbum- el que marca definitivamente a Chava y el que le abre las puertas para incorporarse a las filas de compositores e intérpretes de aquella época, pues debido a su publicación el trato con intérpretes y compositores va despertando en él la vocación, que sin duda aguardaba el momento preciso para hacer su aparición. La imposibilidad de continuar con el álbum lo orilla a buscar un nuevo campo de trabajo, y una vez que había conocido un poco más a fondo el ámbito musical se percata que su gusto por la música va más allá del placer de escuchar y cantar lo que sus oídos le dictan, prefiere hacer sus propias canciones e iniciar así su faceta de prolífico compositor.

Se dio a conocer con la canción "Dos horas de balazos". A esta canción sumó "La tertulia", y ambas fueron grabadas por RCA Victor en 1952. Actuó en las carpas y cabarets de la ciudad, ganando fama en el resto del país, en América Latina y en Estados Unidos. En 1976, había grabado siete discos de larga duración, y era dueño de la disquera Ageleste. Apareció en siete películas del cine mexicano: Mi influyente mujer, La esquina de mi barrio, Rebeldes sin causa, Bajo el cielo de México, El correo del norte, La máscara de la muerte y ¿A Qué Le Tiras Cuando Sueñas Mexicano?, en donde actuó al lado de Luis de Alba. Además, sus canciones aparecían cantadas en otras películas, en voz de actores como Germán Valdés y Pedro Infante (por ejemplo, las canciones "El gato viudo" y "La tertulia", respectivamente).

En 1986 se mudó a la ciudad de Morelia, Michoacán, donde tenía un programa de televisión. Al año siguiente fue trasladado a la ciudad de México por una urgencia médica, que le llevó a la muerte pocos días después.

Café Tacvba - El Baile Y El Salón

También conocido a menudo como Café Tacuba es una banda mexicana, originaria de Ciudad Satélite en Naucalpan, Estado de México. Es considerada una de las mejores bandas de la historia del rock de América latina. El grupo se formó en 1989, integrado por Rubén Isaac Albarrán Ortega (voz principal y guitarra rítmica), Emmanuel del Real Díaz (teclados, caja de ritmos, melódica, guitarra rítmica, segunda voz y coros), José Alfredo Rangel Arroyo (guitarra solista y coros) y Enrique Rangel Arroyo (bajo, contrabajo, ukelele y coros).

 

Su nombre fue tomado de un famoso café del Centro Histórico de la Ciudad de México llamado Café de Tacuba, por estar ubicado en la calle del mismo nombre. Previendo disputas legales con el restaurante, los integrantes del grupo eligieron usar una grafía de tipo antiguo, reemplazando la u por v, de allí la peculiaridad de la escritura del nombre de este grupo.^[]Antes de ser conocido como tales, se llamaron "Alicia ya no vive aquí" y producían música anglosajona, del estilo de The Cure o Def Leppard.Rubén es considerado la voz principal pero los cuatro integrantes han cantado a lo largo de sus producciones.

      

Rubén Albarrán no sólo es conocido por ser el vocalista de Café Tacvba, también ha realizado proyectos alternos al margen de su agrupación; en 2001, tocó en una banda alternativa instrumental llamada Villa Jardín, en 2006 promueve su debut como solista, Bienvenido al sueño, disco electrónico instrumental con influencias budistas y prehispánicas mexicanas o, como él mismo dice "un disco de música protónica por no limitarlo o estereotiparlo" y recientemente ha conformado un nuevo e interesante proyecto musical con dos músicos chilenos: Rodrigo Aros y Juan Pablo Villanueva y también junto con su gran amigo, el músico y folklorista Alejandro Flores. El proyecto llamado HopPo! que en lengua dakota o siux, originaria de Norteamérica, significa "vamos" se presentó públicamente el domingo 28 de febrero de 2010 en el Festival Tamoanchan, en Cuernavaca, Morelos, México (aunque en esa oportunidad se nombraron "los Zopirockets") y su repertorio se desenvuelve en famosas canciones interpretadas por algunos de los más grandes poetas, folkloristas y cantautores de América Latina, como Violeta Parra, Víctor Jara, Daniel Viglietti, César Isella, Ariel Ramírez, Félix Luna, Gustavo "Cuchi" Leguizamón y Manuel J. Castilla además de composiciones originales propias como "Réplicas del corazón" dedicada a Chile tras el terremoto de 2010. La sonoridad de HopPo! es una fusión que establece los instrumentos propios de folklor latinoamericano junto con guitarras eléctricas e instrumentos orientales. Este proyecto alterno sigue siendo presentaciones en vivo.

Meme se unió a la banda desde que tomara el nombre de Café Tacvba supliendo a Roberto Silva. Desde el comienzo tomó el rol de tecladista y baterista usando sus habilidades para programar percusiones y baterías dentro de la banda.Durante un gran tiempo hizo además de la programación, los coros, pero desde la salida de Re en 1994 comenzó a cantar canciones siendo la voz líder en El Borrego o Pez, además de cambiar en estas mismas canciones momentáneamente de instrumento para volverse guitarrista.

Cuando apareció Avalancha De Éxitos una vez más volvió a tomar la guitarra durante No Controles y a partir de aquí comenzó su aprendizaje en la Jarana, instrumento al que recurriría una infinidad de veces en el futuro. Ha escrito grandes temas de un enorme éxito comercial, como La Ingrata, Las Flores, Aviéntame, Eres , Quiero Ver.

Su padre, Manuel Del Real, quien fuese trompetista en una banda lo educó desde muy joven en la música, lo cuál le dio la estabilidad que día a día demuestra en la banda, ya sea cambiando de instrumento en cada canción o volviéndose el vocalista.

El trabajo más reciente de "Meme" fue la producción del último álbum de la agrupación chilena, Los Bunkers (fans declarados de Café Tacvba), bautizada como Música libre. Este es la sexto álbum de estudio de la ascendente carrera de los chilenos y el primero que graban en tierras mexicanas. La gran novedad de este disco es que es un homenaje al afamado trovador cubano Silvio Rodríguez.

Joselo, guitarrista de la banda, pasó los primeros 9 años de su vida en Minatitlán, Veracruz, hasta que su familia se mudó al D.F. donde estudió diseño industrial en la UAM Unidad Azcapotzalco.Durante su juventud pasó por varios "hobbies" como los cómics y el propio diseño aunque al final se decidió por la música como su mayor pasión.Mientras cursaba en la Universidad Autónoma Metropolitana conoció a un joven de ideas extravagantes y de voz extraña, este individuo llamado Rubén se hizo amigo de él, por lo que con Quique y Beto formaron Alicia ya no vive aquí.

Después de un tiempo y con la llegada de Emmanuel la banda se convirtió en Café Tacuba y de a poco empezó a tener el gran éxito que ahora le conocemos, sin embargo Joselo decidió que durante sus primeros 13 años con la banda había hecho canciones demasiado personales como para la banda pero que necesitaba presentar así que comenzó un proyecto en solitario. Logrando así lanzar un par de discos como solista, el primero de ellos fue titulado Oso, el segundo, llamado Lejos, con la ayuda del maestro Álvaro Henríquez líder del grupo chileno Los Tres

Quique (o Qviqve) es el bajista del grupo y hermano de Joselo, además de ser él quien trajo a Emmanuel para unirse a la banda como tecladista. Al principio no era tan aficionado a la música, pero gracias a la influencia de Joselo decidió aprender guitarra con la única guía de la famosa "Guitarra Fácil". Con el tiempo dejó la carrera de diseñador para dedicarse de lleno a la música y participaría posteriormente en proyectos musicales con otros grupos además de comenzar a diseñar portadas y libros para los discos de músicos incluyendo los discos Oso y Lejos, grabados por su hermano Joselo.

Al igual que Emmanuel ha producido algunos temas para discos de otras bandas como Torreblanca.El primer documental de la banda, Seguir Siendo, lanzado el 12 de noviembre del 2010, relata la historia de la agrupación en sus tours. Viajando a diversas partes del mundo muestra desde los vestidores el proceso creativo de la banda. El documental fue hecho para el aniversario número 20 de la fundación del grupo. También muestra su gira por Japón.

Arcano- Viva la vida

Este dúo musical está conformado  por dos hermanos genios de la música instrumental Erika y Vick del Real Alvarado, originarios de Tepic, Nayarit. Su padre Victorio del Real fue quien les inculco el gusto por el arte de la música, gracias a él los hermanos Real Alvarado aprendieron a tocar el piano a la corta edad de 5 años, ellos comenzaron sus estudios formales a los 6 y 8 años de edad, en la escuela J. Sebastian Bach.

Al pasar de algunos años formaron parte de una orquesta juvenil, Erika en el violín y Vick en la viola dando un gran impulso a su carrera, ya que dieron importantes conciertos alrededor de la República Mexicana. Después de este hecho tan importante en la vida de estos dos grandes músicos se unieron a la Orquesta de Cámara de Nayarit donde destacaron varios conciertos entre ellos uno al palacio de Bellas Artes, lo siguiente que aconteció en la vida de estos dos grandes músicos fue haberse unido a la Orquesta Filarmónica de Vancouver, en Canadá.

       

Erika y Vick al crear este maravillosa pareja musical decidieron probar suerte en los Arcos del Malecón de Puerto Vallarta, fue ahí donde empresarios locales se dieron cuenta del talento de estos dos músicos y se comenzó a correr la voz del grupo Arcano, después de este acontecimiento el mundo del espectáculo, las luces, los fans, forman parte de sus vidas cotidianas. Tienen 6 discos con covers de canciones muy populares de todos los géneros, siendo ya uno de los exponentes de música instrumental más importantes del país.

Lo que distingue a este dúo musical de los demás, es que realizan una mezcla entre lo instrumental y lo electro, teniendo un gran éxito en cada una de sus interpretaciones, pues las combinaciones son armoniosas.
 

Ya como Arcano, han tenido múltiples presentaciones especialmente en el estado de Jalisco. En Guadalajara tiene presentaciones periódicas principalmente en Galerías Plaza, La Gran Plaza y Andares. También se presentan en el malecón de Puerto Vallarta y en el estado de Guanajuato. Lo impresionante de su performance es que suena tan bien que a pesar que una canción deba de llevar algún solista, en su caso no es necesaria la voz de un cantante para que se escuche completa una canción.
 

Arcano representa un vivo ejemplo del talento mexicano. El que los dos artistas sean hermanos nos crea una imagen de fraternidad y unión que nos hace sentir cómodos y de cierta manera identificados con el grupo pues la familia es muy importante para la cultura mexicana. Pienso que con su talento podrían llegar más lejos e incluso romper barreras internacionales, pienso que en México debería de haber más incentivos para el artista y así salir más fácil adelante.

Arcano está listo para debutar internacionalmente, este dúo es un claro ejemplo del que  persevera alcanza, probando que todo aquel que tenga un sueño lo puede alcanzar.

 

Llevan en su haber 11 discos publicados con covers de canciones conocidas en todos los géneros, incluyendo un disco tributo a los Beatles. En cada uno de los discos de Arcano se encuentra una mezcla armoniosa de diferentes generos y estilos que asombrara con la capacidad para transmitir emociones atraves de su musica exquisita.
 

Aunque en un principio eran solamente Erika (violín) y Vick (ensambles, teclados y sintetizadores) en la agrupación, desde hace un tiempo los está acompañando su hermanita de 10 años, Sara Victoria, con la interpretación de algunos temas clásicos del grupo.

Magos Herrera- Todo puede inspirar

(n. Ciudad de México en la década de los 70's) es una cantante de jazz mexicano. Canta en inglés, español y portugués y tiene un seguimiento internacional, especialmente en América Latina, los EE.UU., Japón, y más allá. Ha grabado con el saxofonista Tim Ries para "The Rolling Stones II Jazz Project" y el compositor contemporáneo Paola Prestini. Ella es cantante, compositor, músico, actriz, profesora de canto.

Nació en la Ciudad de México. Es conocida por su rítmica voz. Haciendo interpretaciones en español, portugués e inglés, su repertorio se llena con el anhelo del romance, intimidad y el encanto de sones mexicanos, cubanos y boleros fusionados con ritmos brasileños.

 

Su carrera comenzó en Italia en 1988 cuando decidió convertirse en profesionales relacionados con la música, y luego se graduó en el Musicians Institute de Los Ángeles, California.

                             

De vuelta en la ciudad de México en 1998, Magos comenzó a actuar como solista en festivales de todo México con un piano y el proyecto de grabación de voz en su primer álbum Cajuina. En el año 2000, Magos lanzó su segundo álbum Orquídeas Susurrantes (Opción Sónica) en México y en los EE.UU.. Este álbum se convirtió en el CD "de la semana" de la emisora de radio 90.5 FM y vanguardista Radio Horizonte 107.9 FM.

En 2002, Magos Herrera inició una gira en los EE.UU. y México la promoción del proyecto "Divas de México", que culminó en el concierto del Lincoln Center en Nueva York.

En 2003, Magos recorrierió México, Japón y España presentando su tercer álbum "País Maravilla".. Este álbum se convirtió en el "Top Ten" de las ventas de Jazz en México junto con Norah Jones.

En 2005 lanzó su álbum Todo Puede Inspirar (EMI) este material gira en torno a la música de México y Brasil, llevando a los "top ten" de ventas de jazz en el país durante seis meses. Círculo Mix Up escribió lo siguiente acerca de esta versión: "Todo Puede Inspirar no revela una nueva era para una de las artistas más importantes de nuestro país, sino una nueva era para el jazz en México".

En 2006 JM Distribuidores lanzó el aclamado CD de jazz Soliluna, con las dos vocalistas más destacados de México, Magos Herrera e Iraida Noriega.

En 2007, Magos se trasladó a Estados Unidos donde se convirtió en parte de la escena de Nueva York de inmediato con su exitoso debut en enero de 2008 en el Jazz Festival de Invierno. Ha participado en grabaciones como The Rolling Stones Proyecto II por Tim Ries y Canciones de viaje "del proyecto a través" de Paola Prestini compositor contemporáneo.

En la primavera de 2009 lanzó su nuevo Cd Distancia (Documentos Sunnyside), producido por Tim Ries, con el guitarrista Lionel Loueke, el pianista Aaron Goldberg, el bajista Ricky Rodríguez y el baterista Alex Kautz. Este álbum de retrata una nueva perspectiva para el canto jazz latino-americana. Este CD ha recibido críticas muy favorables.

Desde hace más de 12 años Magos se ha presentado en centros internacionales de artes escénicas, festivales, salas de conciertos como el Lincoln Center, Knitting Factory y el Jazz Standard en Nueva York, el Millennium Park de Chicago, Festival de Jazz de Montreal, Festival Internacional de Jazz en la Ribera Maya, Teatro de la Ciudad de México y Sala Galileo Galilei de Madrid, entre muchos otros. Fue nominada en 2006 para Lunas del Auditorio Nacional en México para el mejor concierto de Jazz entre Bobby McFerrin y Bill Frisell. Ella tiene seis grabaciones de CD que incluye Cajuina, Orquídeas Susurrantes , País Maravilla, Todo Puede Inspirar, Soliluna y Distancia; más dos compilaciones internacionales de Brasil y Japón, y es parte de las aclamadas "Mexican Divas" de una serie de CD. En los últimos cuatro años, a través de su amor pro-activa para la música, que ella produjo y presentó en el programa de televisión promueve la música para la televisión de México, canal 22, y contó con estrellas invitadas como Ute Lemper, Jerry González, Diego el Cigala, Francisco Céspedes, entre muchos otros.

Con sede en Nueva York desde 2007, Magos Herrera rápidamente se convirtió en parte de la escena de jazz desde su exitoso concierto en el New York Jazz Festival de Invierno en 2008.

Álbumes de estudio

• 1997: Coajuina
• 2000: Orquídeas Susurrantes
• 2002: País Maravilla
• 2005: Todo Puede Inspirar
• 2006: Soliluna
• 2009: Distancia
• 2010: México Azul

Geo Meneses- Cancion Mexicana

Mejor conocida como Geo Meneses (22 de marzo de 1974 en Oaxaca de Juárez, México), es una productora y cantante mexicana de música tradicional en su estilo musical fusiona boleros, sones istmeños con jazz, blues y pop, en su repertorio interpreta sones tradicionales, así como temas de compositores mexicanos donde hace una mezcla de ritmos2 basándose en los sonidos de los estados de Oaxaca y Veracruz. Ha sido actriz ocasional participando en series de como “Testimonios del Alma” y ha conducido programas televisivos como “De la farra y del dolor

Georgina Meneses, nació en la Ciudad de Oaxaca, es hija de Eulogio García y Linda Meneses, empezó a cantar desde muy pequeña, ya que mostró grandes aptitudes para la música, a la edad de 7 años participó en un concurso de canto en donde obtuvo el primer lugar a partir de ese momento empezó a concursar en distintos festivales de música. A los 8 años decide comenzar su formación musical estudiando piano y danza clásica en Oaxaca posteriormente ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Ciudad de Oaxaca en donde comenzó sus estudios musicales de manera profesional para más tarde culminar sus estudios en el Conservatorio nacional de música de México donde obtuvo la licenciatura en canto clásico. Meneses ha tomado clases de actuación en talleres de actrices como Patricia Reyes Spíndola y Ofelia Guilmáin, en 1998 salió a la venta su primer álbum grabado de forma independiente, titulado Porque así tenía que ser, en el cual incluyó boleros de compositores como Mario Ruiz Armengol, Isolina Carrillo y Vinicius de Moraes con el cual obtuvo diversos reconocimientos en México y Estados Unidos, en 1999 recibió el reconocimiento de visitante distinguida en la ciudad de Buenos Aires, Argentina por su labor de rescatar la música tradicional mexicana e impulsar la cultura de su país.

          

Geo Meneses se ha presentado importantes escenarios de México,5 como: “Festival Internacional Cervantino” en Guanajuato, ”Festival Ollin Kan “ en la Ciudad de México, "Feria Internacional del Libro" de Guadalajara, “Fiestas Patrias en la Ciudad de México” entre otros; En el extranjero ha actuado en ciudades como Madrid, Sevilla, Aranjuez, Huelva, Santiago de Compostela y Barcelona en España, Bérgamo, Florencia y Milán en Italia, París y Córcega en Francia, Berlín en Alemania, Tokio en Japón y Manila en Filipinas así como en diversos foros en América Central y América del Sur. Geo Meneses ha realizado interpretaciones de canciones de grandes compositores como Álvaro Carrillo, Jesús Rasgado, José Alfredo Jiménez y Tata Nacho, entre otros.


Geo Meneses ha apoyado diversos proyectos musicales y culturales de comunidades indígenas del Estado de Oaxaca entre los que se destacan la participación que tuvo con la banda de música de Santiago Zacatepec en la sierra mixe de Oaxaca titulado Tö'k Ajj Tö'k Joot (idioma mixe: Tö'k Ajj Tö'k Joot , «Con Todo el Corazón»)?, la cual no había grabado un solo disco en sus casi 100 años de existencia,7 en este trabajo se involucró como productora, además de interpretar canciones en lengua mixe. También ha tenido participaciones en proyectos de artistas como: Omar Guzmán, Héctor Infanzón, Mario Carrillo, Tania Libertad, Celso Duarte y Víctor Heredia.

En 2006 fundó Georgina Meneses producciones que es su sello discográfico independiente con el apoyo del Instituto Oaxaqueño de las Culturas y la colaboración de Intransigente Producciones por medio de los cuales, se han podido apoyar diversos proyectos culturales, tanto de artistas independientes como de comunidades indígenas.8 Actualmente su discografía cuenta con siete grabaciones de estudio, mediante los cuales ha colaborado promoviendo e impulsando el talento de artistas oaxaqueños
• 2007 Premio Nacional de Artes y Tradiciones Populares de México.

• 2008 Lunas del Auditorio.

• 2009 Ciudadana distinguida de Oaxaca de Juárez

Sweet Electra- Firefly

es una agrupación originaria de Guadalajara (México), su estilo musical en la actualidad se puede definir como electrónica, rock e indie. Han participado en festivales internacionales en México y el extranjero.

El músico, dj y productor Giovanni Escalera comenzó en la escena electrónica tapatía desde 1996 junto a Venancio Almanza un músico y producor actualmente integrante de la agrupación Club Nova juntos crearon un proyecto llamado Nick Vega que después cambia de nombre a Billy Camarena, proyecto que conjugaba la música electrónica con el Drum and Bass y el Lounge. Tras la separación de este acto en vivo Giovanni al lado de Channel Dueñas prosiguen con propuestas independientes esta vez hacen surgir el proyecto llamado Acida Clhoe, tiempo después el proyecto permuta una vez más de nombre para llamarse sweet electra. A principios del año 2002 firman con el sello EMI/Nopal Beat y lanzan al mercado su disco debut; Lying to be Sweet este último proyecto maneja sonidos que no se enfocan principalmene a lo electrónico si no que existe una mezcla entre metales y elementos percutivos, para alejarse del house común y explorar terrenos del Down tempo, el Drum and Bass y el Jazz, acompañado de lírica en inglés, francés, portugués y español. Sweet electra le daría una forma iconica a la interpretación del Acid Cabaret el género electrónico que fue distintivo en artistas tapatíos que pertenecierón al colectivo local Nopal Beat como; Shock Bukara, Galápago y Sussie 4. Lying to be Sweet fue el primer LP de Sweet Electra, cuya producción estuvo a cargo de Giovanni Escalera y Guillermo Ramírez (actual integrante de Galápago), contando con las vocales femeninas de Valentina González, Paloma Cumplido y Abigail Vázquez quien a su vez matiza el sonido de Sweet Electra con el violín.

          

A la par de la marcada presencia femenina que le daria un sello distintivo al grupo, Sweet Electra cuenta con los metales de Chemin y Arturo Santilla (Plástiko), Morfeo Hernández en las percusiones y Juan Carlos Lorenzana en la flauta transversal. Este LP cuenta con remixes de Calambrin, Shock Bukara y Club Nova.

Su primer álbum quien promovió el sello Nopal beat bajo la distribución de EMI fue lanzado en Estados Unidos, Europa, Asia y Sudamérica. Después de haber participado en los festivales internacionales de Celebrate México en la ciudad de Nueva York, Romerías de Mayo en Cuba, Festival Vive Latino en la ciudad de México, DJ Tour MOTO Motorola en México y Europa y ganarse un nombre dentro de la escena musical electrónica, su álbum Lying to be Sweet lo continuó editando la disquera EMI, después de finalizar el contrato con Nopal Baet records. Varios tracks de dicho álbum se encuentran en compilaciones producidas en Sudáfrica, España, Alemania, Inglaterra, Estados Unidos y Japón y fue mezclado por djs como Ben Watt EBGT, David Alvarado y Wally López. Mientras la línea de integrantes se modificaba, Giovanni cambiaba su lugar de residencia y su relación con Nopal Beat finalizaba, se encargaban de grabar su segundo disco de estudio.

A mediados de 2006 con una nueva alineación en el grupo incluyendo a la cantante mexicana Nardiz Cooke y al baterista mexicano David Andrade lanzan su nuevo disco titulado; "Cama", disco que rompe la línea musical con la que el grupo comenzó y que explora territorios del rock, indie, pop bajo su caracteritico sonido electrónico. Cama incluye participaciones vocales de Cecilia Batida integrante de Tijuana No, de la artista Japonesa Sakiko Yocko y del músico estadounidense Danger Mouse. En septiembre del 2006 Sweet Electra encabezó el festival Celebrate México Now 2004 Celebrate México Now 2006 en la ciudad de Nueva York.

Desde hace un tiempo Nardiz Cooke y Giovanni Escalera se mudan a la ciudad de Nueva York y es ahí donde graban su nueva y tercera producción discográfica “When we abandoned earth”, un álbum nostálgico que hace una contemplación al hecho de dejar un lugar para habitar otro y las consecuencias del mismo. En la producción destacan temas como “te fuiste”, “a feeling”, “it´s over” (soundtrack de la película Subhisteria, 2009) Dirigída por Leonardo Zelig, y el que será el primer sencillo “Love you more.”

Con tal motivo Sweet Electra planea su nuevo show en vivo, el cual seguramente será un atractivo platillo para el público que disfruta de la música rock pop, electrónica de alta calidad y originalidad ejecutada en vivo con un dulce toque de sensualidad latina. En el disco participan talentos con gran reconocimiento y trayectoria dentro del ámbito artístico que residen en la ciudad Nueva York , tál es el caso de:

[Carlo Nicolau] compositor, productor y arreglista, creador de la agencia de publicidad Razorhead music. Dentro de sus trabajos más sobresalientes se le atribuye la música de la película “Santitos” y “Casarse está en Hebreo”, ambas dirigidas por el Director Alejandro Springall. Nicolau es también acreedor de un premio CLIO por su trabajo dentro del campo de la publicidad y un Grammy Latino por su trabajo en el diseño sonoro y el EP para el programa infantil “Dora la Exploradora (Nickelodeon)”. Nicolau colabora en el disco en las cuerdas creando una interesante gamma de sonidos ambientales y orquestales.

[Juan Sosa], ganador del Grammy Latino 2007, participa en la ingeniería del disco además de grabar batería en dos de los temas. Es actual ingeniero de sonido de la compañía de publicidad Creative Bubble, trabajando en campañas ganadoras de premios tales como Budweiser, Pepsi Cola, Dodge y Sesame Street, entre otros.

[Stephen Yonkin], colabora en el bajo eléctrico y es actual integrante del grupo Zigmat, ellos forman parte de la escena musical neoyorkina y son residentes del club y sello discográfico en el corazón de Manhattan “Nublu”, dónde hán perfilado bandas como Brazilian Girls, Wax Poetic y Bebel Gilberto, entre muchos otros

En la parte del arte del disco colabora la artista plástica Ethel Cooke, creando una imagen clara de lo que representa el sonido del disco. Todos los temas del disco fueron compuestos por Nardiz Cooke y Giovanni Escalera. El remix hecho por el DJ DANEL del sencillo LOVE YOU MORE desfiló en el Top 10 de BEAT 100.9fm estando en 1er lugar por 2 semanas consecutivas.

Pedro Vargas- Aquel Amor

(San Miguel de Allende, Guanajuato, México; 29 de abril de 1906 - Ciudad de México; 30 de octubre de 1989), fue un tenor y actor mexicano, nacido en San Miguel Allende, Guanajuato. A pesar de su preparación operística, se dedicó al canto popular, alcanzando reconocimiento internacional, además de ser uno de los principales intérpretes de Agustín Lara. Se le conoció con los sombrenombes de «El ruiseñor de las Américas», «El tenor continental» y «El Samurai de la Canción». Como actor, formó parte de la Época de Oro del Cine Mexicano, participando en más de 70 películas. Durante su vida, cantó para la mayor parte de los presidentes de América y otras importantes personalidades de la política. Falleció mientras dormía, en la Ciudad de México, a la edad de 83 años.

Nació el 29 de abril de 1906, en San Miguel Allende, Guanajuato. Hijo de José Cruz Vargas y Rita Mata, una pareja de humildes campesinos, fue el segundo de doce hermanos, a los siete años cantaba en el coro de la iglesia de su ciudad, el maestro del coro fue el primero en reconocer su talento y en darle lecciones de canto.

                        

En 1920, a la edad de 14 años, llegó a la Ciudad de México y de inmediato empezó a cantar en los coros de varias iglesias y ofreciendo serenatas. Fue en el Colegio Francés de La Salle, donde después de escucharlo, le ofrecieron una beca para realizar la escuela secundaria, clases de piano y solfeo; ahí permaneció hasta terminar el bachillerato. Más adelante el maestro José Pierson también le daría alojamiento y lecciones de técnica vocal de forma gratuita. Mientras permanecía allí conoció a Jorge Negrete, Alfonso Ortiz Tirado y Juan Arvizu. José Mojica lo recomendó mas adelante con Alejandro Cuevas, el maestro al escucharlo se ofreció también a darle lecciones sin costo.


Recibió la oportunidad de participar en la ópera «Caballería rusticana», el 22 de enero de 1928, en el Teatro Esperanza Iris. Recibió la oferta de viajar en una gira con la Orquesta Típica de Miguel Lerdo de Tejada, a los Estados Unidos, como cantante de música popular, lo que aceptó.1 En su primera visita a Buenos Aires grabó para el sello RCA Víctor dos temas de su autoría: "Porteñita mía" y "Me fui", con el respaldo musical del piano de José Agüeros y el violín del legendario Elvino Vardaro. Fue uno de los mejores y más exitosos intérpretes del compositor Agustín Lara, así como de muchos otros compositores de toda Hispanoamérica, lo que le permitió recorrer diversos países de este continente, principalmente Argentina, Colombia y Venezuela. Con un extenso repertorio que incluyó temas líricos como "Jinetes en el Cielo", canciones rancheras como "Allá en el Rancho Grande", boleros como "Obsesión", cantado a dos voces junto a Beny Moré; y temas nostálgicos como "Alfonsina y el mar", Pedro Vargas recibió de parte del público el muy merecido calificativo de "Ruiseñor de las Américas".

Pedro Vargas falleció por complicaciones de diabetes mientras dormía y sufrió un paro respiratorio, el 30 de octubre de 1989, en la Ciudad de México, a la edad de 83 años.

Cornelio Reyna - Te Vas Angel Mio

Parras de la Fuente, Coahuila, México, 16 de septiembre de 1940 - Ciudad de México, 22 de enero de 1997) fue un compositor, cantante y actor mexicano. Grabó 60 discos de música ranchera y norteña. Fue la primera voz del grupo Los Relámpagos del Norte. Participó en alrededor de 30 películas sobre la cultura popular mexicana.


Hijo de María Cisneros Almaguer y Román Reyna Segovia, Cornelio Reyna nació en una ranchería llamada Notillas, en el sur del estado de Coahuila, México. En su adolescencia, vivió en la ciudad de Monterrey, Nuevo León, y poco después, se trasladó a Reynosa, Tamaulipas, donde trabajó en una ladrillera.

                        

En 1957, Cornelio formó, junto con Juan Peña, el “Dueto Carta Blanca”, frecuentando el Bar Cadillac, donde se daban cita muchos músicos de la región del norte de Tamaulipas y sur de Texas. De ahí salían a tocar a diferentes centros nocturnos de Reynosa, pero la inquietud de Cornelio era hacerlo profesionalmente, aprovechando su gran habilidad para ejecutar el bajo sexto.


En 1961, en el mismo Bar Cadillac, llegó un jovencito llamado Ramón Covarrubias (que se haría llamar Ramón Ayala) a pedir trabajo como lustrador de zapatos. Con el tiempo, Ramón demostró sus habilidades para tocar magistralmente el acordeón; hasta que un día, cuando Juan estaba por abandonar el Dueto Carta Blanca, lo invitaron a integrarse y perfilarse como sustituto y nuevo compañero de Cornelio. Ya juntos, Ramón y Cornelio decidieron cambiar su nombre a Los Relámpagos del Norte, sobresaliendo Ramón con su acordeón y Cornelio con su bajosexto, además, este último como compositor de muchos de los temas que tocaban.

El nuevo dueto recorrió las cantinas de Reynosa, hasta que en 1963, un representante de Bego Records les ofrece grabar su primer disco, del cual se desprendió el que sería su primer gran éxito: “Ya no llores”. De ahí siguieron conquistando el norte de México y el Valle de Texas con canciones como: Hay ojitos, La tinta de mi sangre, Mi tesoro, Vida Truncada, Capullito de Rosa, entre muchas otras.

La peculiar voz de Cornelio y la rapidez con que Ramón ejecutaba el acordeón marcaron un nuevo estilo en la música norteña y sobre todo en la texana, en donde hasta la fecha siguen surgiendo grupos y solistas que toman como base el ritmo particular creado por los Relámpagos del Norte.

En 1971, Cornelio y Ramón deciden separarse y continuar cada quien por su camino. Cornelio se trasladó a la Ciudad de México, grabando un LP con mariachi, concretando uno de sus mayores proyectos. La aceptación del público fue mayor a la esperada por Cornelio, pues su canción “Me caí de la nube”, le representó grandes ventas y contratos de presentaciones tanto en México, como en la Unión Americana, Centro y Sudamérica. Posteriormente, comenzó a combinar su próspera carrera musical con el cine, en donde actuaba e interpretaba las canciones que él mismo creaba, tales como: Lágrimas de mi barrio, Me sacaron del Tenampa, Me caíste del cielo, entre otras.

Cornelio grabó 60 discos y participó en alrededor de 30 películas, todas con temas de sus canciones, bajo la producción y dirección de Rubén Galindo. Alcanzó la plenitud del éxito con mariachi, pero su cariño por la música Norteña hizo que alternara sus grabaciones entre estos dos géneros.

La fuerte competencia y el surgimiento de otros grandes cantantes en el terreno de la música vernácula hizo mermar su fama. No le fue posible competir y ganarse un lugar ante gigantes del Mariachi como Vicente Fernández y Antonio Aguilar.

Durante toda su vida mantuvo contacto con su compañero de la juventud, Ramón Ayala, quien había integrado el grupo “Los Bravos del Norte”, y no fueron pocas las ocasiones en que Cornelio aparecía en el escenario para volver a cantar junto a Ramón los éxitos de los desaparecidos Relámpagos del Norte.La última gira que realizó fue en 1996, presentándose en varias ciudades de Estados Unidos durante 6 meses: desde junio hasta el 24 de diciembre, a menos de un mes de su muerte.

Cornelio Reyna murió el 22 de enero de 1997 en la Ciudad de México, a causa de una complicación en una úlcera estomacal, sus restos fueron trasladados a la Plaza Garibaldi, en donde se le rindió un homenaje. Posteriormente, sus restos fueron llevados a Reynosa, Tamaulipas, en donde una multitud lo esperaba con profundo dolor, pues Cornelio aún era joven, y aunque su proyección ya no era la misma de unos años atrás, en la región sur de Texas y noreste de México seguía contando con un gran número de seguidores.

Algunas de sus canciones que han trascendido el tiempo como éxitos son: El Tenampa, Mi Tesoro, Mándale Una Carta A Tu Marido, Me Caí De La Nube, Me Caíste Del Cielo, Te Vas Ángel Mío, Rey Pobre, El Columpio, entre muchas otras.

La inspiración de Cornelio ha sido remembrada por muchos artistas mexicanos y texanos, entre los que podemos contar a Michael Salgado, La Mafia, Los Bravos del Norte, Emilio Navaira, Salomón Robles, y muchos más.A través de 30 años de carrera, recibió múltiples trofeos y reconocimientos, el último que recibió en vida fue el “U got it award” concedido por el famoso programa de música texana “The Johnny Canales Show”.

Cornelio Reyna ha sido objeto de una serie de homenajes en su ciudad adoptiva, Reynosa, Tamaulipas. En la Ciudad de México, se ha develado una efigie en la Plaza Garibaldi gracias al esfuerzo de sus amigos y compañeros de la música. Como reconocimiento por parte del Gobierno de Estado de Tamaulipas una calle de Reynosa lleva su nombre desde 1997. También se le han hecho reconocimientos en el Estado de Coahuila, su lugar de origen.

El 7 de Mayo de 1997, en el Senado del Estado de Texas de Estados Unidos de América, se instituye un día de duelo por su fallecimiento. (Resolución 657 del Senado en memoria de Cornelio Reyna). Ingresa al “Salón de la fama” en el año 1998, en la Ciudad de San Antonio Texas. Sin embargo, el galardón más valioso será el cariño de la gente que a través de sus canciones lo mantiene vivo en sus corazones.