Fania All Stars - Quitate Tu

Fania All-Stars es un grupo de música latina formado en Nueva York (Estados Unidos) en 1968 por los artistas más conocidos del sello Fania Records, a menudo aumentados por estrellas invitadas procedentes de otros sellos de música latina y de otros estilos. Aunque el sello fue vendido en 1997 (aunque editaba muy pocos discos al año durante su última época), la banda sigue reuniéndose periódicamente para realizar distintas giras.

El director artístico de la mayoría de las grabaciones de Fania All-Stars es Johnny Pacheco, fundador, junto con Jerry Masucci del sello. En 1968 Pacheco inventó una "superbanda" llamada Fania All-Stars ("Estrellas de Fania" en castellano) que agrupó a la élite de los músicos y cantantes de salsa para ejecuciones y grabaciones de grupo. En las filas de este super-grupo han militado algunos de los más importantes músicos de salsa y jazz latino de los últimos cuarenta años (en especial, los que han vivido en los Estados Unidos), provenientes tanto de las filas de Fania como de otros sellos. Entre las estrellas invitadas procedentes de otros géneros que han colaborado a menudo con Fania All-Stars están Manu Dibango, Jorge Santana (hermano de Carlos) y Eric Gale, entre muchos otros.

Más tarde Jerry Masucci compró la participación en la empresa Fania Records de su socio Johnny Pacheco y se convirtió en único dueño de la compañía y de muchas otros subsellos, entre ellos varios en Suramérica que él adquirió y creó, hasta su muerte en Buenos Aires en 1997.

La historia de la banda representa la ascensión y difusión de la salsa como etiqueta comercial para la música latina. El comienzo de la banda fue un evento promocional con varios artistas bien conocidos y estrellas invitadas de otros sellos, como Tito Puente de Tico Records y Eddie Palmieri, Ricardo Ray y Bobby Cruz de Alegre Records. El primer concierto de los All-Stars se grabó y editó en dos discos de larga duración: Live At The Red Garter, volúmenes 1 y 2, pero ninguno de los dos se vendió muy bien.

En 1971 el segundo concierto de la Fania All-Stars fue grabado y filmado en vivo, resultando en los volúmenes 1 y 2 de Fania All-Stars Live at the Cheetah. Esta grabación se convirtió en el álbum latino más vendido grabado en un solo concierto.

Después de sus conciertos en Puerto Rico, Chicago (Estados Unidos) y Panamá, la orquesta de Fania tuvo su primera actuación en el Yankee Stadium, con una capacidad de 64.000 espectadores, el 24 de agosto de 1973, con sus lumbreras principales. Antes del evento fue ambiciosamente pronosticado que el concierto iba a revolucionar la industria musical, como lo hicieron The Beatles en los primeros años sesenta y Woodstock en 1969. Material de su concierto en el Yankee Stadium y también de su concierto en el Coliseo Roberto Clemente de San Juan (Puerto Rico) constituyen la mitad de su grabación Latin-Soul-Rock (1974).

En 1974, la presentación de los All Stars en el estadio Statu Hai (con una capacidad de 80.000 espectadores) en Kinshasa (Zaire) fue grabada por Leon Gast y estrenada como la película Live in Africa en 1974 (distribuida en video en el Reino Unido bajo el título Salsa Madness en 1991). Esta representación zaireña ocurrió en el festival de música que se llevó a cabo en combinación con el combate boxístico por el título de los pesos pesados entre Mohammed Ali y George Foreman. La Fania All-Stars compartió tarima con Stevie Wonder y otros artistas muy conocidos.

La Fania volvió al Yankee Stadium en 1975, resultando en dos volúmenes musicales titulados Live At Yankee Stadium (1975), en la cual se destacaron los vocalistas de Fania y Vaya Records. Pero se debe dejar claro que la música en esos discos realmente corresponden a las grabaciones de la Fania en el Coliseo Roberto Clemente. El tema de Héctor Lavoe, "Mi gente", expresa esto claramente.

En la búsqueda del sello Fania por un mercado más amplio para la salsa llegó a un acuerdo con Columbia Records para grabar una serie de álbumes con la intención de cruzar géneros musicales norteamericanos con el sonido latino. El primer proyecto fue el acoplamiento de Steve Winwood con los músicos de los All-Stars reducido a una sección rítmica compuesta por Pacheco, Barretto, Roena, Marrero, Valentín y Lucca, para grabar el poco memorable Delicate & Jumpy (1976), estrenado por Columbia en los EE.UU. e Island Records en el Reino Unido. Por las mismas fechas, Island sacó en Gran Bretaña la colección del sello Fania titulada Salsa! y Live, también grabado por la Fania All Stars.

En 1976 la Fania All-Stars realizó su única presentación en el Reino Unido con un memorable concierto, que fue completamente vendido, en el Lyceum Ballroom de Londres, con Winwood como invitado especial.

A la vez que salían los discos editados a través del acuerdo con Columbia, seguían saliendo discos de la Fania All-Stars publicados por el sello Fania, como el tributo a Tito Rodríguez, que supuso la introducción por primera vez de Rubén Blades en los All-Stars. La serie de Columbia, que continuaba con poco éxito, estrenó el LP Rythm Machine, integrado otra vez con la sección rítmica de la Fania All-Stars, el pianista Bob James (productor ejecutivo) y el guitarrista invitado Eric Gale. Por su parte, Spanish Fever (1978) contó con los invitados Maynard Ferguson, Hubert Laws, David Sanborn, Gale y otros.

El año 1978 también vio el estreno de Live, un álbum de la Fania All-Stars, de nuevo producido por Fania Records, con una versión completa de la orquesta grabada en concierto en el Madison Square Garden de Nueva York en septiembre de ese mismo año. La última grabación de la serie con Columbia, Crossover, fue lanzada el siguiente año, a la vez que Havana Jam, en este caso por Fania, que proviene de un concierto histórico grabado el 3 de marzo de 1979 en La Habana, con los All Stars junto a Billy Joel, Rita Coolidge, Kris Kristofferson, Stephen Stills, Weather Report y las bandas cubanas Irakere y Orquesta Aragón.

Desde 1980 la Fania empezó a disminuir en popularidad, lo cual fue atribuido a una película que fracasó comercialmente, quejas por parte de los músicos por falta de incentivos y el fracaso de los tratos de distribución con Colombia y Atlantic Records para lanzar la salsa al mercado convencional norteamericano como había sido anticipado. Además, la escena salsera de Nueva York, a la cual Fania Records estaba inextricablemente unida, fue eclipsada por el merengue dominicano en la primera mitad de la década y, después, por el impulso de la salsa romántica que se puso de moda en los últimos años 80 y primeros 90.

Reflejando el deterioro de la compañía, los estrenos de la Fania All Stars disminuyeron casi por completo ya para los últimos años 80. Sus elepés entre 1980 y 1989 incluyeron un intento al jazz latino, titulado California Jam, y el particularmente débil Guasasa - Social Change (1981), con los músicos invitados Steel Pulse y Gato Barbieri, que resultó en otro fracasado intento de cruzar géneros musicales; Bamboleo (1988), que incluía la interpretación de cuatro éxitos de los Gipsy Kings "salsificados", y también los más robustos Commitment, Latin Connection, Lo que pide la gente y Viva la charanga.

Para celebrar el 20 aniversario de la banda se estrenó en 1986 Live in Africa, grabado en Zaire en 1974, y Live in Japan, grabado en el Japón en 1976. Los 30 años de Fania Records, fueron conmemorado en el 1994 con un gira de cuatro ciudades (San Juan, Miami,Cali y Nueva York) por los integrantes originales de los All Stars.

ILLapu - Negro Jose y Mande Mandela

Desde sus inicios en 1971, ILLAPU —Rayo en voz quechua— ha venido desarrollando un trabajo estético singular, innovador, experimental y bellamente concebido que se ha convertido al correr de los años en una propuesta musical y poética que sintetiza con fina sensibilidad los sueños y aspiraciones de varias generaciones.

La genealogía musical de ILLAPU se remonta a las raíces ancestrales del mundo andino. Desde esa fuente inagotable nacen sus construcciones armónicas y sonoras. El tiempo y el contacto con el mundo contemporáneo le han abierto a ILLAPU nuevos horizontes musicales y concepciones estéticas. Es así que la discografía de ILLAPU revela hoy una variada gama de sonidos, texturas, ritmos, melodías, atonalidades y polifonías armónicas que logran una amalgama única y característica imposible de separar.

ILLAPU ha cantado a los problemas emergentes y urgentes de Chile, de América y la humanidad. Sus canciones hablan de la vida, el amor, la justicia, la preservación de las fuentes culturales de América, de las contradicciones entre el ser y la naturaleza y las tensiones creadas por los procesos de modernidad. La mayoría de sus composiciones son escritas por sus miembros. No obstante, ellos también se nutren de la lírica de grandes poetas tales como Pablo Neruda, Mario Benedetti, Roque Dalton…

ILLAPU utiliza una gran variedad de instrumentos musicales de distintos orígenes. Los ancestrales aerófonos: zampoñas, quenas, quenachos, tarcas, sicuras, moceños, rondadores, trutrucas, pifilcas. El didjuridu de los aborígenes australianos, además de flauta traversa y saxofones. De los instrumentos de cuerdas de América Latina ejecutan bandurrias, cuatros venezolanos, charangos de Bolivia, tiple colombiano, el cabaquinho de Brasil, conjuntamente con guitarras electroacústicas, bajo electrico y teclados. Tocan además variados instrumentos de percusión tales como bombo legüero, cajones peruanos, congas, bongo, kultrún, djembe, percusiones latinas y batería.

es un grupo que experimenta y fusiona sus raíces latinas andinas con elementos del jazz, con las construcciones armónicas y contrapuntos de la música clásica, con la síncopa de la música afro-caribeña conjugando todo esto además con la inquebrantable fuerza telúrica del rock.

Sin duda que con su hacer estético, poético y musical, ILLAPU ha contribuido a ampliar la conciencia y los espacios musicales del mundo contemporáneo. Con su perseverancia y su fuerza creadora ha mostrado nuevos senderos a explorar. Es aquella síntesis —la mezcla de lo ancestral con lo nuevo, lo experimental y lo impredecible— lo que ha dado a ILLAPU el éxito profundo reconocido hasta hoy por su público.

En 1971, en el norte de Chile nace un grupo musical que explora, recopila, busca presentar y dar a conocer los instrumentos, ritmos y armonías tradicionales de la cultura andina… su nombre: ILLAPU.

En 1972 graban su primer álbum, el cual lanza al grupo a la escena nacional. Sus apariciones en televisión y en el Festival de Viña del Mar (1973), atraen la atención de los críticos y la aclamación del público por la frescura de su propuesta estético-musical.

Desde 1974 a 1976, ILLAPU concentra sus energías en el conocimiento de las tradiciones musicales de los pueblos del norte de Chile, las que plasman en sus discos “Chungará” y “Despedida del Pueblo”. En este último incluyen “Candombe para José”, canción emblemática que con los años adquiriría alturas míticas en el repertorio musical nacional, vigente hasta nuestros días. Este tema simboliza lo que se denominó el “boom de la música andina”, fenómeno que lleva esta tendencia a todos los rincones del país.

Un año más tarde, en 1977, reciben el “Premio Alerce” que los destaca como “El Grupo más Popular del Año”.

En 1978 realizan su primera gira por Europa, donde se presentan en Suiza, Alemania, Bélgica, Holanda e Italia. Son invitados a tocar en L’Olympia de París, en el Auditorium de la Sorbonne y en numerosos festivales.

De regreso en Chile y con toda la experiencia adquirida, ampliaron su trabajo hacia obras de largo aliento, tales como “Encuentro con las Raíces” y “El Grito de la Raza”, en la cual incorporan poesía, danza y otras expresiones artísticas.
En 1981, cuando regresaban de su segunda gira por Europa y Estados Unidos, la dictadura militar, vía decreto, les impide el ingreso al país, lo cual marca el inicio de un prolongado exilio en Francia y luego en México. En el plano artístico esto se traduce en una expansión de su trabajo instrumental y de su narrativa musical.

ILLAPU recorre la arena internacional, graba cuatro álbumes y en cada uno de ellos aporta nuevas ideas musicales que ayudan a acrecentar su carácter internacional. El grupo realiza conciertos en los más grandes escenarios de Europa, Estados Unidos, Canadá, Hong Kong, Africa del Norte. También en Australia, donde en 1987 recibe el premio “Media Peace Award” de la S.B.S. TV. Luego de radicarse en México, recorren gran parte de América Latina y el Caribe.
Las nuevas grabaciones, música para películas y las giras corroboran que ILLAPU es un grupo que no sólo atrae al público chileno, sino que también cuenta con una gran acogida del público internacional.
A comienzos de la primavera de 1988, debido a la apertura democrática en Chile, ILLAPU retorna finalmente a casa. Su odisea termina con el premio de ser recibido por más de cien mil personas en su primer concierto en el Parque La Bandera de Santiago. Aún en ausencia de la escena nacional, su popularidad había aumentado.

En 1991, el álbum “Vuelvo Amor… Vuelvo Vida” obtiene el primer Disco de Oro. Desde entonces, ILLAPU ha recibido innumerables premios de la crítica especializada. Ese año, la Asociación de Periodistas de Espectáculos, APES, les premia como “El Grupo más Popular del Año”.
Comienzan 1992 actuando en el Festival de Viña del Mar, escenario al que retornan después de 19 años. Son premiados una vez más por la Agrupación de Periodistas de Espectáculos, APES, como “El Grupo más Popular del Año”.

En 1993 el tema “Lejos del Amor” se mantiene cuarenta y seis semanas en el top de las preferencias radiales. Ese mismo año, la Asociación de Periodistas de Espectáculos, APES, les premia como “El Grupo más Popular del Año”, “Mejores Compositores” y “Disco del Año”.
ILLAPU es invitado en el año 1994 a la casi totalidad de los festivales de verano organizados en Chile y una vez más participan en el Festival de Viña del Mar donde se hace notoria la popularidad adquirida por el grupo.
En marzo de 1995, durante la entrega de los “Premios Top Treinta de la Música Nacional”, se les otorga cuatro premios: “Grupo del Año”, “Mejor Canción del Año”, “Productor del Año” y el “Grupo más Vendedor” de 1995. En julio del mismo año reciben el premio como “Mejor Grupo”, otorgado por el Sindicato de Radiodifusores de Chile, el cual demuestra el especial reconocimiento de la gente de radio por el trabajo realizado por ILLAPU.
No sólo la prensa chilena ha recibido con admiración y calidez el trabajo de ILLAPU, en el segundo semestre de 1995 la revista Billboard se refiere al grupo en un artículo que destaca: “ILLAPU confirma su estatus de artista más popular de Chile”. La revista publica un extenso reportaje sobre el mercado discográfico sudamericano y el importante lugar que el sexteto ocupa en él.
En 1996 el álbum “En Estos Días” se transforma en el disco más vendido en toda la historia de la música chilena, recibiendo su séptimo Disco de Platino. Con ese galardón la popularidad de ILLAPU es reconocida no sólo por los críticos, sino también por el público tanto de las viejas como de las nuevas generaciones. Es aclamado una vez más en el Festival de Viña del Mar, al cual son invitados por cuarta vez.

En el año 1997, EMI y su catálogo Hemisfere lanza para el mundo el disco “Sereno”, una recopilación de las más importantes interpretaciones instrumentales del grupo.

Durante 1998, ILLAPU lanza su decimosexto disco, “Morena Esperanza”; además visita nueve países, sobresaliendo en esta gira los conciertos realizados en el Metropolitan de Ciudad de México y en dos eventos internacionales: “The World Next Door Festival” en Canadá y en la última feria del siglo, “Expo Lisboa 98″, en Portugal.

Durante el año 1999 ILLAPU continúa sus giras tanto en Chile como en el exterior, presentándose por primera vez en las Islas Canarias, España, y en Pasto, Colombia. Visitan nuevamente México donde actúan en la Feria del Libro de Guadalajara y en el Teatro Metropolitan de Ciudad de México y en Argentina, donde participan en el Festival de Cosquín, realizando además una serie de conciertos en varias ciudades, incluyendo Buenos Aires, donde tocan en La Trastienda.

De vuelta en Chile, participan junto a Los Jaivas en un multitudinario concierto llamado “Canto a la Pampa”, “donde los espíritus pampinos renacieron al son de las más de cuarenta mil voces reunidas en el corazón del Desierto de Atacama”, en el monumento declarado Patrimonio de la Humanidad, la Oficina salitrera Santa Laura.

El año 2000 comienza para ILLAPU con una larga gira de verano de gran convocatoria de público en sus conciertos, que los lleva a recorrer buena parte de la geografía de Chile, luego de lanzar su disco “Momentos Vividos”, álbum recopilatorio de los temas más importantes de la última decada, al cual invitan a participar a los cantautores Pablo Milanés de Cuba y al argentino Víctor Heredia. Son invitados de nuevo a las Islas Canarias y al Festival de Vic en Barcelona, España; se presentan en Perú, en el Estadio San Marcos de Lima y luego en el Cuzco.
En octubre ILLAPU participa en el megaconcierto “Tengo un Sueño” organizado por UNICEF en Panamá junto a grandes figuras tales como Mercedes Sosa, Rubén Blades, Víctor Manuel, Leon Gieco y Daniela Mercuri entre otros.
Posteriormente viajan a México donde se presentan en el Teatro Metropolitan de Ciudad de México, en Cuatla y en Cuernavaca.
Finalmente ILLAPU cierra el siglo con una visita a la milenaria China, realizando conciertos en Shangai y Pekín causando gran revuelo y admiración, transformándose así en el primer grupo latinoamericano en visitar este país.

Con una nueva gira de verano por todo Chile, ILLAPU inicia el año 2001, conmemorando además tres décadas de canto con la edición de toda su discografía; descatalogadas algunas y otras inéditas como “El Grito de la Raza” y “Teatro de la Ville, Paris en vivo”. Luego vienen conciertos en Madrid, Berlin y Estocolmo.

En agosto participan en el Festival Latino de Nueva York, visitan Perú, como invitados estelares al concierto de celebración de los treinta años de Eva Ayllon, en el Estadio San Marcos de Lima.
En octubre ILLAPU es invitado a México por Pablo Milanes, para participar junto a Fito Páez, Gal Costa, Milton Nacimento, Armando Manzanero, Joaquín Sabina, Maná entre otros, en el lanzamiento del disco “Pablo Querido” del cual forman parte con una versión muy especial del tema “Yolanda”, que interpretan juntos en el Auditorio Nacional de Ciudad de México.

El año 2002 ILLAPU lo inicia con la participación en el Festival de Viña del Mar, donde es invitado por quinta vez en medio de una nueva gira de verano. También es el momento del lanzamiento de un nuevo disco: “ILLAPU”, álbum homónimo que los muestra con su propuesta musical en plena vigencia y desarrollo.

Entre los hechos destacados vividos por el grupo durante 2003 es importante señalar que fueron nominados a los premios Luna en México junto a Mercedes Sosa y otras destacadas estrellas del espectáculo latinoamericano, sin embargo cuatro son los hechos más importantes: La presentación junto a Quilapayún e Intillimani en el Auditorium de México; las presentaciones en diferentes eventos de México y en el Zócalo del D.F; la exitosa participación en el festival “Todas las voces todas” en Quito - Ecuador y la obtención del “Premio Presidente de la República 2003″ en Chile, otorgado por “el enriquecimiento musical que el grupo ha realizado en torno a las expresiones tradicionales; por su capacidad creadora basada en tradiciones folclóricas, y -porque ha difundido el folclore chileno andino con gran repercusión en los medios nacionales e internacionales-”.

El año 2004 es para Illapu un año de proyectos; dió inicio a una activa campaña de promoción con una connotada participación en numerosos eventos de México, América y Europa.
Se presenta durante el mes de junio, en el marco del Proyecto SISMO, en Chile, en diferentes lugares compartiendo sus conocimientos y experiencia musical en clínicas con jóvenes escolares y músicos de las zonas visitadas.

Finalizada su participación en Chile, viaja a Perú para presentarse en Huancayo y Lima continuando su viaje rumbo a México para desarrollar un DVD y preparar sus presentaciones, que entre otros países, abarcarán Canadá, USA, Ecuador y posteriormente España, Alemania y Suecia.

Joselito - Guantanamera

José "Joseíto" Fernández Díaz (Barrio de Los Sitios, La Habana, Cuba, 5 de septiembre de 1908 - La Habana, Cuba, 11 de octubre de 1979) fue un músico y compositor cubano, autor de la conocida música de "Guajira Guantanamera", sobre versos originales de José Martí, con agregados suyos.

A los doce años cantaba serenatas con sus amigos del barrio. Años después, y sin poseer estudios musicales académicos, formó tríos y sextetos de aficionados, hasta que comenzó a cantar en varias orquestas típicas.

Durante su juventud trabajó como zapatero, vendedor de periódicos y otros múltiples oficios con los que debió sustentar a su familia.

Comenzó a trabajar en una estación de radio de Guantánamo hacia finales de la década de 1920, pero no fue hasta 1928 que logró reconocimiento al componer Guajira Guantanamera.

A partir de 1943 participó de un programa radial llamado “El suceso del día” narrando los sucesos sociales de la época, el cual se mantuvo en el aire durante catorce años.

En 1963 adquirió reconocimiento internacional a partir de la interpretación de su obra por el cantante estadounidense Pete Seeger, durante un concierto Carnegie Hall de Nueva York.

En 1971, Pete Seeger lo conoció personalmente durante su visita a Cuba y desde entonces sellaron una profunda amistad, hasta su muerte, ocurrída el 11 de octubre de 1979.

El Consorcio - Vencedor o Vencido

El Consorcio es un grupo musical de español formado en 1993 por ex-componentes del también grupo vocal Mocedades. El grupo lo componen Amaya, Estíbaliz e Iñaki Uranga, Sergio Blanco y Carlos Zubiaga. No debe ser confundido con el propio Mocedades, que sigue en activo de forma independiente.

La idea de la formación del grupo surgió en una reunión familiar y de amigos celebrada en casa de Javier Uranga a mediados de 1993, cuando a la cantautora Rosa León se le ocurrió la idea de que Amaya cantara las canciones de un proyecto propio e independiente que estaba preparando como homenaje a las canciones de la radio de los años 30, 40 y 50. Amaya pensó que sus hermanos y amigos podían acompañarla en dicho proyecto y a partir de ese momento se formó el grupo conocido como El Consorcio con los componentes antes indicados.

De agosto a octubre de ese mismo año grabaron su primer disco, Lo que nunca muere, título de una radionovela homónima de los años 50. Este trabajo fue publicado en mayo de 1994 y contó con la dirección y realización de Rosa León y la producción de Hispavox.

Tras la publicación de dicho trabajo, Emilio Santamaría se convertiría en representante del grupo, ya que tras el éxito cosechado surgieron numerosas galas por toda España. Dichas galas se podían dividir en dos partes: en la primera, se recordaban las mejores canciones de cada uno individualmente (o en dúo en el caso de Sergio y Estíbaliz), e incluso algunas de cuando pertenecieron a Mocedades; y en la segunda, emulando ser un programa de radio, con público y con dedicatorias, El Consorcio cantaba íntegramente su primer disco. De marzo a junio de 1995 grabaron Peticiones del oyente, siguiendo la misma línea que el primero y haciendo su particular homenaje a los programas radiofónicos de la posguerra a los que los radioyentes escribían pidiendo una canciones para dedicarlas sus seres queridos. Con estos dos trabajos, El Consorcio inició una gira de poco más de dos meses por México.

Entre julio y septiembre de 1996 grabaron su tercer disco, titulado Programa Doble, el cual recuperaba temas del cine español a lo largo de su historia. Como curiosidad cabe destacar que la canción más antigua incluida en este material fue de la película El bailarín y el trabajador, estrenada el 21 de marzo de 1936 en Madrid y la más reciente fue de Átame, del 22 de enero de 1990.

Con este disco concluyeron la trilogía dedicada a la música de la posguerra y concluye su contrato con Hispavox, aunque ese mismo año produce un CD recopilatorio con las canciones más conocidas del grupo y algunos temas inéditos como un dueto en vivo con Paloma San Basilio, otro con Nino Bravo y un último con Juan Pardo.

En 1998, con su nueva compañía discográfica Sony, grabaron su cuarto disco al que titularon Cuba. Incluía 14 temas de tradicionales de la isla caribeña. Los temas fueron grabados en Miami, Londres y Madrid. Con este disco visitaron por segunda vez México y otros lugares de Latinoamérica.

En el año 2000 graban su nuevo disco, Las canciones de mi vida, producido esta vez por Óscar Gómez. Este trabajo fue también una mirada al pasado. Incluye temas que dieran a conocer grupos como Los Mitos (fundado por Carlos Zubiaga y Tony Landa) y el Orfeón Donostiarra o intérpretes como Massiel, Joan Manuel Serrat, Miguel Ríos, Víctor Manuel, Pepa Flores (antes Marisol), Cecilia, Emilio José y Juan Luis Guerra.

En 2001, El Consorcio acompañó al pianista argentino Raúl Di Blasio en cinco temas del material titulado Di Blasio–Gardel. A raíz de esta colaboración emprendieron una serie de conciertos a los que llamaron Cantapiano. La gira inició en México el 25 de noviembre de 2001 y terminó hacia mediados de diciembre de 2002, visitando otros países como Guatemala, Honduras, El Salvador y Panamá, intercalada con la gira de verano en España en 2002. La cantidad total de ciudades visitadas ascendió a casi media centena.

En mayo de 2003, grabaron un disco en directo con los mejores temas de las carreras de cada integrante titulado En vivo desde el corazón de México, fruto de una multitudinaria gira por México. En este disco aparecen canciones de la época en que los miembros de El Consorcio formaron parte de otros conjuntos (Mocedades, Sergio y Estíbaliz o Los Mitos) o de su carrera en solitario junto con los grandes éxitos del grupo. Así se cerró un ciclo que diera inicio 10 años atrás.

Presente y futuro
En navidades de 2004, El Consorcio graba en el estudio de Carlos Zubiaga, Tío Pete, su séptimo disco, De ida y vuelta, alusión directa a los continuos viajes a Latinoamérica. Incluye temas clásicos mexicanos de Agustín Lara o José Alfredo Jiménez; pero también temas de cantautores contemporáneos españoles, como Enrique Urquijo, Pedro Guerra, Antonio Vega o Jorge Drexler. El disco lo edita EMI.

En 2008 publican el disco Querido Juan, dedicado a Juan Carlos Calderón.

Sumi Jo - O mio babbino caro

Sumi Jo es una soprano surcoreana nacida en Seúl el 22 de noviembre de 1962.

Luego de graduarse en canto y piano en su país, en la Escuela de Arte Sun Hwa de Seúl, llega a Italia en 1983 para estudiar canto en la Academia de Santa Cecilia en Roma, especialmente con el tenor Carlo Bergonzi. En 1985 obtiene su diploma, luego de tres años de estudio en Música Vocal y Piano.

Debuta en 1986 en el Teatro Comunal Giuseppe Verdi de Trieste en el rol de Gilda, de Rigoletto. La performance de esta presentación atrae la atención de Herbert von Karajan, quien la llamó "una voz del cielo".

En 1988 se prepara para su primera vez en el Festival de Salzburgo con el pequeño rol de Barbarina, de Las bodas de Fígaro. Más tarde, interpreta los roles de Oscar en Un baile de máscaras, y la Reina de la Noche de La flauta mágica. Luego llegarán todos los grandes roles del repertorio de coloratura, tales como Lucia, Zerbinetta, Fiorilla, Amina, Elvira, etc., bajo la conducción de los célebres directores Georg Solti, Zubin Mehta, Lorin Maazel y Richard Bonynge.

Compartió un premio Grammy por Mejor Grabación de Ópera, en 1992, por la interpretación de Die frau ohne schatten, de Richard Strauss. También participó en la banda de sonido del fime La novena puerta de Wojciech Kilar, cuyo tema principal estaba basado en una melodía de Camille Saint-Säens

Lejos de encasillarse en la Reina de la Noche, la cual ha cantado en casi todas las óperas del mundo y en numerosas grabaciones, ha incursionado exitosamente en otros géneros como la Ópera francesa, desde las más ligeras (Auber, Adam, Offenbach) hasta las más profundas (Massenet, Gounod, Charpentier), a las cuales se adapta perfectamente su voz.

Dotada de una voz de coloratura excepcional, la cual domina aparentemente sin esfuerzos, Sumi Jo sabe caracterizar sus personajes combinando un timbre brillante con una gran precisión en la interpretación.

Theatre of Tragedy-Cassandra

Theatre of Tragedy es una banda gótica nacida en Stavanger (Noruega), originalmente creada en 1993 y más conocida por sus primeros álbumes, del grupo hizo uso del contraste una voz grave masculina y una voz femenina de soprano y es considerada una de las bandas pionera de la escena doom escandinava. Sin embargo, a partir del disco Musique, el grupo evoluciona hacía sonidos más propias del rock industrial y el Tanzmetal.

Orígenes
Theatre of Tragedy se forma cuando el baterista Hein Frode Hansen deja la banda Phobia en 1993 y empieza a buscar un nuevo proyecto musical en el que tocar, entrando a formar parte del grupo llamado Suffering Grief. En ese momento, Suffering Grief estaba formado por el vocalista Raymond István Rohonyi, el teclista Lorentz Aspen y los guitarristas Pål Bjåstad y Tommy Lindahl. Aún no tenían bajista, pero Eirik T. Saltrø tocaba con ellos en los conciertos en directo.
Después de encontrar un local para ensayar, el grupo decide trabajar sobre algunos arreglos sobre piano compuestos por Lorentz. Las voces, en ese momento, estaban completamente compuestas por registros guturales propios del death metal.

Cuando componen su primera canción, Lament of the Perishing Roses, la banda cambia su nombre a Le Reine Noir y poco después al nombre definitivo de Theatre of Tragedy. Posteriormente, invitaron a la cantante Liv Kristine para que fuera la voz femenina en una canción, pero rápidamente le pidieron que se uniera al grupo de forma permanente.

Primeros discos
En 1994 graban su primer demo en estudio y en 1995 sale su álbum debut Theatre of Tragedy, siendo calificado como la "oscura ola de metal proveniente de Noruega". A continuación, editan el álbum Velvet Darkness They Fear en 1996 y el EP Rose for the Dead en 1997, que contiene material que no salió en Velvet Darkness. En 1998 lanzan Aégis, álbum aclamado por la crítica y momento que se considera el punto álgido de la banda.

Cambios en la banda
El puesto de guitarrista ha sido sumemente inestable en esta agrupación, por razones que nunca han sido muy claras. Pål Bjåstad fue el inicial y participó en estudio con la guitarra una única vez, en el disco debut "Theatre Of Tragedy". Se marchó en 1995, con sólo dos años de permanencia.

Su sustituto Geir Flikkeid participó de 1995 a 1997 en "Velvet Darkness They Fear" y "Der Tanz Der Schatten". Su puesto fue para Tommy Olsson de 1997 a 1999, quien estuvo en la grabación del célebre "Aegis". Ese instrumento lo asumió hasta la actualidad Vegard Thorsen.

El otro guitarrista fue Tommy Lindal desde 1993 a 1997 (desde "Theatre Of Tragedy" hasta "A Rose for the Dead"). Su puesto lo asumiría Frank Claussen.
Eirik T. Saltrø participó con el bajo desde "Theatre Of Tragedy" hasta "Musique". Su lugar ha sido ocupado a la fecha por músicos invitados, tanto en estudio como en conciertos.

Salida de Liv Kristine
En agosto de 2003 y debido a la evolución del grupo hacia el rock industrial y la música electrónica en sus álbumes "Musique" (2000) y "Assembly" (2002), el grupo declara en un comunicado oficial de su página web que Liv Kristine deja el grupo debido a diferencias musicales. Liv Kristine, por su parte, declara en su página web que fue despedida por correo electrónico, y que no fue informada personalmente por ninguno de los miembros del grupo. A raiz de esto 2003 Liv Kristine, su miembro más destacado y conocido, forma el grupo Leaves' Eyes junto con su marido Alexander Krull y músicos del grupo Atrocity. La cantante Nell Sigland (proveniente del grupo The Crest) se une a Theatre of Tragedy al año siguiente.

Con ella como novedad principal, el grupo edita su sexto álbum, "Storm", el 24 de marzo de 2006 e inicia un tour por Europa junto a Gothminister. En el nuevo disco, la banda parece dar un paso atrás de los sonidos industrial y electrónico de los dos últimos discos y podría ser visto como una mezcla de Aegis y Musique
Según un comunicado de su página oficial, Theatre of Tragedy empezara las grabaciones de su septimo disco en enero y febrero del 2009, el cual sera lanzado en junio del mismo año.

Estilos musicales
Probablemente más conocida y aclamada por sus primeros trabajos, esta banda fue muy influyente en el género del Gothic Metal. Se considera una de las primeras en usar el clásico contraste de voces guturales masculinas con voces soprano femeninas. De hecho, fue prácticamente la fundadora del genero «Doom Gothic Metal».

En sus tres primeros álbums, sus letras estaban predominantemente compuestas por inglés antiguo mezclado con noruego, que lo hacía relativamente incomprensible para el común del público. Incluso realizaron composiciones íntegramente en alemán (como “Der Tanz der Schatten” del álbum Velvet Darkness They Fear (1996)), o con versos en latín ("Venus" del álbum Aégis (1998)).

Sin embargo, a partir de dicho disco, la banda comenzó un cambio de sonido, con menos voces guturales y más melodías calmas. También hubo un cambio en sus letras, tornando más hacia el ingles clásico.

Su siguiente trabajo, «Musique» fue un cambio drástico en estilo y estética, volviendose al genero Synthpop/EBM, estilo que se mantuvo en su siguiente disco, «Assembly».

Este fue también el ultimo disco en el cual participó la cantante Liv Kristine. Para esta etapa, son frecuentes los vídeos de piezas claves, con un estilo decididamente comercial.

Su última producción, «Storm», con la nueva cantante Nell Sigland (de una voz muy similar a la de Kristine), es de alguna manera un regreso al Doom Metal, pero sin las líricas crípticas de sus primeros trabajos (usando un inglés más corriente) y sin voces guturales, mas en la linea de bandas como la agupación electrónica-gótica de Austria L'Âme Immortelle , pero reteniendo un sonido único a ellos.

Oumou Sangare-Bi Furu

Oumou Sangaré (nacida el 21 de febrero de 1968 en Bamako, Malí) es una cantante del genero Wassoulou, compositora y activista de los derechos de la mujer Maliense.

Oumou Sangaré nació en Bamako, sus padres emigraron desde la región de Wasulu, al sur de Malí. Su madre, Aminata Diaknite, era cantante en su pueblo natal, cantando en bodas y bautizos en las calles, desde pequeña Oumou la acompaño a estas celebraciones. Cuando Oumou tenía dos años su padre huyó a Costa de Marfil con una segunda esposa, abandonándolas a ella y a su madre embarazada, desde esos años Oumou fue impactada por la poligamia.