El Espacio del Androide

Quique Gonzalez - Y los conserjes de noche

2012-01-21T09:52:00.000-08:00

Conocido artísticamente como Quique González (Madrid, 17 de octubre de 1973), es un compositor, cantante y músico de rock español.

Quique González creció en Madrid y, tras acabar sus estudios y realizar diversos trabajos en Mallorca (como animador turístico en un hotel) y Londres (en un McDonald’s), decidió intentar dedicarse a su pasión, la música. Con 15 años compra su primera guitarra. Regresó a Madrid y buscó un profesor de guitarra. Así entró en contacto con Carlos Raya, quien se convertiría en su productor y colaborador más habitual.

Quique empieza a tocar en El Rincón del Arte Nuevo y en otros pequeños locales de la capital de España. En la primera sala coincide con Enrique Urquijo durante dos años. El líder de Los Secretos le pide que le escriba una canción y Quique compone 'Aunque tú no lo sepas 'basándose en un poema del mismo nombre de Luis García Montero. La canción sería publicada en 1998 en el álbum 'Desde que no nos vemos' de Enrique Urquijo y Los Problemas.

Ven la luz las primeras grabaciones de Quique. En concreto graba dos canciones, 'Romeo y Julieta' y 'Ardiendo a un clavo' para el disco 'Cantautores: La nueva generación'.

En 1998 sale a la calle 'Personal', el primer trabajo discográfico del compositor madrileño con Polygram. No tiene demasiado éxito a pesar de contener algunas de sus mejores canciones ('Personal', 'Cuando éramos reyes', 'Se nos iba la vida', 'Y los conserjes de noche' o 'Fito', por ejemplo) y la compañía discográfica prescinde de él. Comienza así su turbulenta relación con la industria. Tras este intento frustrado Quique se marcha a Mallorca y allí es donde se inspiró uno de los trabajos de referencia en su carrera, 'Salitre 48'.

Carlos Raya y Quique graban en casa del primero varios temas en 2001 y los presentan de nuevo a Polygram, que en esos momentos está a punto de ser comprada por Universal. La compañía vuelve a contratar a Quique y en lugar de volver a grabar los temas en estudio decide utilizar las grabaciones hechas por Raya. La casa de Madrid en la que vivía Quique estaba en la calle Salitre número 48, de ahí el nombre del disco. Universal vuelve a despedirle.

La compañía discográfica, Universal, reconsidera su postura y vuelve a contratar a Quique para su tercer trabajo, 'Pájaros mojados'. Sin embargo, nuevas desavenencias acaban con el madrileño fuera de la compañía una vez más. Harto de estar más preocupado por temas extramusicales que por sus propias canciones, Quique cuelga en su página web un texto titulado Peleando a la contra. Con ese mismo nombre comienza una gira por pequeños locales en los que va incluyendo sus nuevs composiciones.

En 2003, el madrileño crea su propia compañía discográfica, Varsovia!!! Records y edita su cuarto álbum, 'Kamikazes enamorados'.

En 2005 Quique saca a la luz su quinto álbum, 'La noche americana', también con el sello de Varsovia!!! Records. El éxito de Quique, que regresa en este disco al sonido más rockero, le sirve para demostrar a las compañías discográficas que su estilo musical tiene hueco en el mercado. Ese año se marcha a Argentina con el proyecto 'Laboratorio Ñ' junto a otros destacados artistas nacionales.

Después de demostrar que es posible triunfar al margen de la industria, Quique decide aceptar la oferta de Dro Atlantic para grabar un disco. Sale así 'Ajuste de cuentas', que no es sino un disco recopilatorio con algunas canciones nuevas con el que Dro pretende presentar al cantautor en sociedad. El disco, en cambio, lejos de sonar a un grandes éxitos adquiere un sonido propio que demuestra la madurez musical de Quique.

Quique presenta 'Avería y Redención' en 2007. Empieza una larga gira para presentar el disco. Quique confirma que su música sigue evolucionando con su 'Daiquiri Blues', disco lanzado en 2009 y que se sitúo en los primeros puestos de ventas.

El estilo de Quique no es el que tradicionalmente se suele asociar al cantautor español; sus referencias no son Silvio Rodríguez y Joan Manuel Serrat sino, sobre todo, músicos de rock de tradición musical anglosajona como Bob Dylan, Neil Young, Tom Petty, Van Morrison, Ryan Adams, Wilco, Lucinda Williams, Gillian Welch, además de algunos españoles como Burning, Los Secretos, Antonio Vega y Joaquín Sabina.

Fela Kuti - Power Show

2012-01-14T09:01:00.000-08:00

(15 de octubre de 1938 – 2 de agosto de 1997) fue un multiinstrumentista y cantautor nigeriano, activista de los derechos humanos. Creó el género afrobeat. Su hijo es el también cantante de afrobeat Femi Kuti. Fela Kuti nació en Abeokuta (Nigeria) en una familia de clase media. Su madre, Funmilayo Ransome-Kuti, era una activista del feminismo y del movimiento anticolonialista, mientras que su padre, el reverendo Israel Oludoton Ransome-Kuti, fue el primer presidente de la Unión de Maestros Nigerianos y un talentoso pianista.

En 1958 Kuti se mudó a Londres para estudiar Medicina pero cambió de planes y se anotó en el Trinity College of Music. Una vez comenzados sus estudios musicales formó una banda llamada Koola Lobitos, que tocaba afrobeat, estilo inventado por Fela Kuti que sintetizaba la música del oeste de África con el jazz más clásico.

En 1961 Fela se casó con su primera esposa, Remilekun (Remi) Taylor, con quien tuvo tres hijos (Femi, Yeni y Sola). En 1963 Fela se mudó a Nigeria y volvió a formar la disuelta banda Koola Lobitos, mientras que comenzó a trabajar como productor radial. En 1969 Fela llevó a la banda a Estados Unidos, en donde descubrió al movimiento Poder negro y al Partido de las Panteras Negras que lo influenció radicalmente en su música y en su visión política; rebautizó a su banda como Nigeria 70. Debido a su activismo, la oficina de inmigración de Estados Unidos comenzó los trámites de deportación por lo que Fela Kuti y su banda, rebautizada África '70 retornaron a Nigeria.

En los años setenta decidió comenzar a cantar en inglés para que la «nación africana», en donde se hablan multitud de idiomas, pudiese comprender su mensaje político. Su popularidad creció y comenzó a sufrir persecuciones oficiales a causa de sus ideas políticas. En 1974 la policía intentó involucrarlo en un asunto de drogas «plantando» marihuana en las ropas de Kuti, fue encarcelado pero cuando le hicieron el análisis fecal logró darle a la policía las heces de otro detenido que no había consumido drogas y logró salir de prisión; la historia fue contada muchas veces y editó un disco en el que quedó grabado para siempre: Expensive shit (‘mierda carísima’).

En 1977 Fela y África 70 lanzaron uno de sus discos más exitosos: Zombie, un ataque directo a los soldados nigerianos, utilizando el término zombie para referirse metafóricamente a los métodos del ejército. El disco fue tan exitoso que el gobierno lanzó diversos ataques en contra de la banda, con redadas y ataques armados a la cooperativa Kalakuta Republic; en uno de ellos 1.000 soldados atacaron la cooperativa y Fela fue herido gravemente y su madre de 77 años fue lanzada por una ventana, lo que le ocasionó la muerte. El estudio fue destruido totalmente y allí también desaparecieron cientos de grabaciones originales.

En 1978 Fela se casó con 27 mujeres, muchas de ellas cantantes y bailarinas, conmemorando el aniversario del ataque a Kalakuta Republic. Ese año estuvo marcado por dos conciertos recordados, el primero en Accra en el cual una redada irrumpió durante el espectáculo en el momento en que Fela Kuti tocaba "Zombie" y fue expulsado de Ghana. El segundo fue en el Festival de Jazz de Berlín, tras el cual fue abandonado por todos sus músicos por los rumores que decían que Fela usaría el dinero recaudado para iniciar su campaña electoral con miras a las elecciones presidenciales en Nigeria.

Formó su propio partido político, al cual llamó "Movimiento del pueblo"1 . En 1979 se postuló para presidente en la primera elección en más de una década, pero su candidatura fue rechazada. En esos momento creó una nueva banda a la que llamó "Egypt 80" y continuó grabando discos y realizando giras por su país. En 1983 se postuló nuevamente para presidente, y otra vez sufrió la persecución policial y fue encarcelado bajo el cargo de contrabando. Tras 20 meses en prisión fue liberado cuando cambió el gobierno, y Fela se divorció de 20 de sus esposas. En 1986, Fela actuó en el estadio de los Gigantes de Nueva Jersey en el marco de los conciertos de Amnistía Internacional compartiendo el escenario con Bono, Carlos Santana, y The Neville Brothers. En 1989 lanzó el disco "Bestias sin nación" en el que atacó duramente a Margaret Tatcher, Ronald Reagan y al gobierno militar de Nigeria.

En la década de 1990 su actividad comenzó a mermar y dejó de lanzar discos. Una ola de rumores sobre su posible enfermedad y su negación a ser tratados inundó a los medios nigerianos. El 2 de agosto de 1997 fue anunciada su muerte en Lagos, Nigeria. Tiempo más tarde se difundió que había muerto de un ataque al corazón causado por su infección con el Virus de la Inmunodeficiencia Humana VIH, aunque sus seguidores todavía declaman que murió por los reiterados ataques que sufrió desde el gobierno de Nigeria a lo largo de 20 años de activismo político en pos de una África socialista y libre. Fue enterrado enfrente de su casa en Ikeja el 12 de agosto de 1997. Durante el entierro, su hijo Femi tocó un solo de saxofón en su homenaje.

Durante su vida tuvo que declarar 356 veces frente a un tribunal de justicia y fue detenido y encarcelado por la policía 4 veces. El estilo musical que fundó Fela Kuti fue el Afrobeat, que es esencialmente una fusión entre jazz, funk y cantos tradicionales africanos. Se caracteriza por tener una sección rítmica, un trabajo vocal y una estructura musical africana más el agregado de una sección de vientos proveniente del jazz y del funk.

Las letras siempre tocaron temas sensibles a los derechos humanos y las luchas por la liberación de los pueblos oprimidos, con un estilo llamado "pregunta y respuesta" en el cual un coro responde a las palabras de la voz principal. La mayoría de las canciones de Kuti se extienden por más de 10 minutos, algunas llegan incluso a pasar la media hora. Quizás, esa sea una de las razones por las que Kuti no fue un artista popular fuera de África. Antes de cantar en inglés, Kuti solía cantar en Yoruba, una de las 200 lenguas existentes en Nigeria.Fela Kuti fue un multi-instrumentista capaz de tocar más de diez tipos de instrumentos, entre los que se destacan el saxofón y los teclados, pero también trompetas, flautas, guitarras e instrumentos de percusión diversos. Una vez que Kuti grababa un tema jamás volvía a interpretarlo en un espectáculo o en algún otro disco ya que decía que el artista debe crear arte y no repetirlo. En toda su carrera grabó 77 discos.

Adele - Rolling In The Deep

2012-01-07T21:49:00.000-08:00

(n. 5 de mayo de 1988 en Londres, Inglaterra) es una cantante inglesa de soul y jazz. Su primer álbum de estudio titulado 19 fue lanzado en 2008. Alcanzó a vender aproximadamente la cifra de 3.000.000 de copias alrededor del mundo. Su segundo álbum de estudio titulado 21 fue lanzado en 2011 y alcanzó a vender aproximadamente la cifra de 7.000.000 de copias en todo el mundo. 21 es el álbum más vendido en el 2011. En total ha vendido alrededor de 10 millones de copias entre sus dos álbumes en todo el mundo.

Adele comenzó a interesarse por el mundo de la canción cuando actuó en una presentación de su colegio donde cantaba el tema "Rise" de Gabrielle, y poco a poco adquirió influencias de otras artistas como Ella Fitzgerald. En mayo de 2006 entró en la escuela de artes BRIT School, donde estuvo en la misma escuela de artes escénicas que Amy Winehouse, Katie Melua, Leona Lewis y Kate Nash. Un mes más tarde publicó 2 canciones en una página web de artes escénicas, y comenzó a actuar en gira por Reino Unido con otros músicos como Jack Peñate (su mejor amigo), Jamie T, Devendra Banhart o Keren Ann entre otros.

Su primer sencillo Hometown Glory, donde cantaba las alabanzas del barrio de Tottenham, fue lanzado el 22 de octubre de 2007 en un vinilo de edición limitada, bajo el sello Peacemaker Recordings al cual entró introducido por uno de sus compañeros de gira, Jamie T. Su éxito posterior en MySpace la llevó a adquirir popularidad y atención mediática, por lo que pudo firmar con el sello independiente XL Recordings. Con dicha compañía lanzaría su segundo single, Chasing pavements, que recibió una buena crítica y cobertura. Además, los medios de la BBC difundieron sus singles por sus diferentes radios e invitaron a Adele a interpretar sus canciones en varios programas a finales de 2007.

Adele ganó el premio de la crítica especializada en los Brit Awards de 2008.Ganadora de dos Premios Grammy, a Mejor Artista Nuevo, y Mejor Interpretación Pop Femenina

2008-2010: 19 y éxito comercial

El 19 de marzo 2008 Adele firmó un contrato que incluía una empresa conjunta entre
Columbia Records y XL Recordings para su incursión en los EE.UU. En marzo de 2008, se embarcó en una breve gira por América del Norte.El 20 de junio, el álbum fue lanzado en los y fue certificado con un disco de oro. A mediados del año 2009 el album había superado los 2.000.000 de copias en todo el mundo. En noviembre de 2008 se trasladó a Adele Notting Hill después de salir de la casa de su madre, un movimiento que la impulsó a dejar de beber.

En 2008 se anunció que iba a ser el invitado musical en el episodio 18 de octubre de Saturday Night Live (SNL). El episodio tenía mucha espectativa debido a la visita de Sarah Palin. SNL obtuvo sus mejores puntuaciones en 14 años con 17 millones de espectadores. Adele realizó "Chasing Pavements" y "Cold Shoulder",y al día siguiente, 19 encabezó las listas de iTunes y fue calificado en el número cinco en Amazon.com, mientras que "Chasing Pavements" se elevó en el 25. La semana de 26 de octubre el álbum alcanzó el número 11 en el Billboard 200, un salto de 35 lugares durante la semana anterior. Varias semanas más tarde, regresó a los EE.UU. para una gira por 11 ciudades.

En la 51 edición Premios Grammy en 2009, Adele ganó dos premios en las categorías de Mejor Artista Nuevo y Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina.También fue nominada en las categorías de Grabación del Año y Canción del Año.Adele también fue nominada a tres premios Brit en las categorías de Mejor Británica Femenina, Mejor Single Británico y Mejor Acto Revelación Británico.

En 2010, Adele recibió una nominación al Grammy por Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina por "Hometown Glory". A finales de septiembre, después de haber sido presentado en The X Factor, la versión de Adele de Bob Dylan "Make You Feel my Love "volvió a entrar en el UK Singles Chart en el número 4.

2011: 21 y fama mundial

Adele saca su segundo album de estudio "21" el 21 de Enero de 2011. Su sonido está descrito como raices clásicas y contemporaneas con una mezcla de música country. El primer single Rolling in the deep fue descrito por la cantante como "una oscura melodía de blues". El sencillo fue todo un éxito y tuvo una gran acogida por parte de la crítica, fue número uno en gran cantidad de paises incluido USA. 21 fue número 1 en Irlanda, Alemania, Bélgica, Países Bajos, Nueva Zelanda, Suiza, Austria y en marzo de 2011 debutó en el número 1 en los Estados Unidos. El 13 de mayo "Rolling In The Deep" había llegado a la cima del Billboard hot 100.

En el Reino Unido el disco había sido número uno en su primera semana con 208.000 copias. A mediados de febrero de 2011, después de una actuación en los Brit Awards, el tema "Someone Like You " fue directamente al número 1 en las listas del Reino Unido, mientras que el álbum 21 también se mantuvo en el número 1. Es la primera vez en que un artista ha tenido los dos primeros puestos en las listas británicas desde The Corrs en 1999. El álbum pasó once semanas consecutivas en el número uno tras ser superado por los Foo Fighthers pero no tardó en volver a lo más alto de la lista. Al mismo tiempo, su álbum debut , 19 volvió a subir al número dos en las listas para pasar una quinta semana. Adele confirmó en junio que había empezado a escribir nuevo material para su tercer álbum de estudio y tiene la intención de grabar una versión de una de sus canciones favoritas. Para la mitad del 2011 21 ya ha superado la escalofriante cifra de 6.000.000 de copias vendidas, lo que le convierte en el album más vendido de dicho año hasta el momento.

Debi Nova- Corazon Abierto

2011-12-31T23:59:00.000-08:00

FELIZ AÑO NUEVO 2012!! , LES DESEA SU AMIGO EL ANDROIDE!!

Deborah Nowalski, conocida artísticamente como Debi Nova, (n. 6 de agosto de 1980 en San José) es una cantante y compositora costarricense. Actualmente radica en Los Ángeles, California.1 Debi Nova combina el bossa nova, el hip hop y todo lo que está en el medio y le da vida a un género suyo: el tropical soul.

Es hija de José Abraham Nowalski Rowinski y Raquel Kader Lechtman. Comenzó tomando clases de piano a los cuatro años. Posteriormente, dirigió una banda musical en Costa Rica, la cual tuvo el apoyo de fans a través de esta nación. A los 17 años, tomó la decisión de irse a vivir a Los Ángeles, California, en donde continuó sus estudios en la Universidad de California.

Ha trabajado con artistas como Sean Paul (en la canción "International Affair", del disco Dutty Rock), Sérgio Mendes, Black Eyed Peas, Mark Ronson, Belinda, RBD y Ricky Martin, quien la invitó a participar en su video "Qué más da". Recientemente, escribió una canción para el último disco de la banda mexicana RBD, llamada "Camino al Sol".

En el 2004, se convirtió en la primera costarricense en llegar al número uno en la lista de música dance de Billboard con el tema "One Rhythm".
Su sencillo "Drummer Boy" fue una de las canciones más escuchadas en Costa Rica de la lista de música anglo en mayo de 2010.

Luna Nueva, su último disco, salió a la venta el 18 de mayo del 2010, y el cual es una combinación de ritmos latinos y potentes tonos pop.

Debi Nova fue una de las artistas invitadas a cantar en el traspaso de poderes el 8 de mayo del 2010 en Costa Rica y donde a Laura Chinchilla se le nombró oficialmente como la presidenta de Costa Rica en el período 2010-2014.6 En el año 2011 colaboró con Franco De Vita en la canción Si Quieres Decir Adios de su álbum más reciente "En Primera Fila".

Tokyo Ska Paradise Orchestra - Raindrops Keep Fallin' On My Head

2011-12-24T10:03:00.000-08:00

FELIZ NAVIDAD LES DESEA SU AMIGO EL ANDROIDE!!

(東京スカパラダイスオーケストラ), frecuentemente abreviado por sus seguidores como "Skapara", es una banda de música jazz y ska formada en 1985 por el percusionista Asa-Chang. Inicialmente estaba compuesta por más de 10 músicos, veteranos de la escena underground de Tokio. Por aquel entonces, el sonido de la banda era muy distinto al de las otras bandas de la novísimo ska japonés, y en el tiempo que ha transcurrido desde entonces, han llegado a influir en la música japonesa en general.

Su sonido, el producto de la mezcla de las influencias musicales de todos sus componentes, da como resultado algo común al ska, al jazz y al rock. En sintonía con el ska más tradicional, muchas de las canciones del grupo son instrumentales. Desde sus principios, la banda ha hecho multitud de tours abarcando completamente la geografía de su país y muchos países a lo largo del mundo. Skapara ha colaborado con muchos cantantes ajenos a la banda, incluidos Shiina Ringo, Yusuke Chiba de Thee Michelle Gun Elephant, Takao Tajima, PUFFY y Tamio Okuda.

Discos

• Tokyo Ska Paradise Orchestra (東京スカパラダイスオーケストラ) (1989)
• Skapara Toujou (スカパラ登場) (Skapara's Intro) (1990)
• World Famous (ワールドフェイマス) (1991)
• World Famous Remix (1991)
• Pioneers (1993)
• FANTASIA (1994)
• JUST A LITTLE BIT OF TOKYO SKA PARADISE ORCHESTRA (vinilo) (rare) (1994)
• WATERMELON/高橋幸宏 (featuring 東京スカパラダイスオーケストラ) (1995)
• Grand Prix (1995)
• Tokyo Strut (トーキョー・ストラット) (1996)
• Arkestra (1998)
• Full-Tension Beaters (2000)
• Stompin' On Down Beat Alley (2002)
• High Numbers (2003)
• Answer (2005)
• Wild Peace (7/6/06)
• Perfect Future (26/3/08)
• Paradise Blue (04/2/09)
• World Ska Symphony (10/3/10)
• Goldfingers - (Mini-Album 10/27/2010 Cutting Edge)
• Heroes (mini album para la pelicula de One Piece)

Los Wendys - Caballito

2011-12-17T23:55:00.000-08:00

Forman parte del colectivo mexicano «La Super Cumbia Futurista». que reúne a varios proyectos Electro Cumbiancheros.

«Los Wendy´s» fue formado en Nuevo México por Paulina Lasa (cantante y
artista plástica), Bill Tigrillo (guitarras y composición) y Amado Valiente (producción y programación). Surgen en el año 2005 con un interés muy especial en la cumbia electrónica romántica.

El concepto es muy sencillo: teniendo como base de harina el magnífico ritmo de la cumbia, Los Wendy´s mezclan en una licuadora de alta potencia diversos Beats de HipHop, Cactus Saguaros, Palmeras de Cocos, Pistolas y Flechas, Desiertos y Playas, Pueblos Fantasmas y todos los Clichés del antiguo y salvaje Oeste, obteniendo como resultado, después de haber horneado a balazos de revolver Colt y rifles 30/30, un delicioso Pie de sabores tropicales.

Los Wendys actualmente trabajan en su primer disco, el cual pronto
estará acabado y listo para degustarse.

Con los destellos de Andres Almeida, la originalidad de Imanuel Miralda, la voz de Paulina Lasa, en las guitarras Bill Tigrillo y en la producción Amado Valiente, cuentan que se pasan de pueblo en pueblo tocando sus canciones, atrapando a bandidos y cobrando recompensas.

En las cantinas de los pueblos se hace retumbar sus nuevas canciones "I Only Have my Heart", "Corvette Wendy" y "Caballito"; este demo contiene al igual los tracks que también os han hecho retumbar en el viejo oeste como "Amor Internacional", "Todo o Nada", "Cumbia Nacar" y "La Peligrosa.

Bebo Valdes- La Comparsa

2011-12-10T09:42:00.000-08:00

(*Quivicán, 9 de octubre de 1918) es músico de música cubana y jazz, Bebo Valdes considerado como una de las figuras centrales de la época dorada de la música cubana. Además de pianista, su faceta más conocida, ha sido compositor, arreglista y director.Es el padre de otro destacado pianista de jazz cubano: Chucho Valdés.

Tocó en La Habana, desde los años cuarenta, en las orquestas Ulacia, García Curbelo, Julio Cueva y Orquesta Tropicana, y grabó discos con grupos dedicados a interpretar jazz afrocubano.

Conocido entre sus familiares y amigos con el apelativo cariñoso de Caballón por su considerable estatura, compuso mambos, como La rareza del siglo, que reviste el género recién introducido por Cachao y que cambiaría el curso de la música cubana. En, 1952, el productor Norman Granz, entusiasmado por la reacción al jazz afrocubano en Nueva York, encarga a Valdés una grabación de jazz cubano pionera en el momento, con Beny Moré como vocalista. Tras haber brindado grandes éxitos a su orquesta Sabor, en 1960 se trasladó consecutivamente a México, Estados Unidos, España y Suecia, donde se estableció en 1960. Actualmente vive en Málaga (España).

Su primera etapa en México la pasó como director musical del bolerista chileno Lucho Gatica. Tras una gira europea con los Havana Cuban Boys, decidió exiliarse en Estocolmo. Tras treinta años de relativo anonimato, el 25 de noviembre de 1994, Valdés recibió una llamada de Paquito D'Rivera, quien le invita a grabar un nuevo disco en Alemania. Se produce un nuevo inicio en su carrera a los 76 años con la grabación de Bebo Rides Again.

Además de su participación en el documental musical de Fernando Trueba, El milagro de Candeal y Calle 54 (2000), Bebo grabó junto con Cachao y Patato Valdés el álbum El Arte del Sabor (2001) por el que recibió un premio Grammy al Mejor Álbum Tropical Tradicional.

En 2002, Fernando Trueba produjo Lágrimas negras, disco que une al cantaor flamenco Diego el Cigala con Bebo Valdés al piano. Tras su publicación en 2003 se convirtió en un éxito internacional reconocido con un Grammy, tres Premios de la Música, un Premio Ondas, cinco Premios Amigo, tres Discos de Platino en España y uno en Argentina, México y Venezuela. El diario The New York Times lo alaba como Mejor disco del año en el apartado de música latina2 y les abre las puertas a una gira por, entre otras, París, Nueva York, Londres, La Habana, Buenos Aires, Tokio, México DF, Madrid y Barcelona. A finales de 2004 el disco había vendido más de 700.000 copias en todo el mundo.

Ahora vive retirado, en Benalmádena, un pueblo de la provincia de Málaga, España.

Caro Emerald - That Man

2011-12-03T21:46:00.000-08:00

(Ámsterdam, Países Bajos, 26 de abril de 1981), nacida como Caroline Esmeralda van der Leeuw, es una cantante de música Jazz holandesa. Hizo su debut musical como solista el 6 de julio de 2009 con el sencillo "Back It Up".Estudió la carrera de vocalista de Jazz en el Conservatorium van Amsterdam (Conservatorio de Ámsterdam), obteniendo su título profesional en el año 2005.

Caro Emerald es uno de las 6 miembros del grupo musical holandés Les Elles, así como uno de los 44 miembros de la Philharmonic Funk Foundation. A su vez, tiene participaciones regulares en el festival musical holandés Kinderen voor Kinderen (Niños por los niños), también es maestra de música en la academia Babette Labeij1 y en el show televisivo musical holandés X-Factor.

Con su música inspirada en Michael Jackson, Prince, Eva Cassidy, Amy Winehouse, Aretha Franklin, etc; Caro Emerald saltó a la fama con su primer sencillo titulado: "Back It Up". Este sencillo fue escrito por los productores y escritores holandeses Jan van Wieringen y David Schreurs, además del afamado escritor canadiense Vince Degiorgio, escritor que previamente trabajó con grupos como: A-Teens, 'N Sync, Atomic Kitten, etc. Emerald fue invitada a grabar el demo en mayo del 2007, y posteriormente añadió la canción a sus propio repertorio, para finalmente darla a conocer en un show televisivo transmitido por el canal holandés AT5.

La presentación oficial de este primer sencillo ("Back it up") por parte de Grandmono Records fue el 6 de julio de 2009. La canción alcanzó el Top 40 dentro de las listas holandesas (Dutch Top 40), lugar donde se mantuvo 12 semanas consecutivas, llegando a alcanzar el puesto número 12. Posteriormente, en diciembre de ese mismo año Caro Emerald presentaría el segundo sencillo, esta vez titulado: "A Night like this". El sencillo llegó a colocarse en la segunda posición del Dutch Top 40 durante 3 semanas, además de mantenerse en la lista 26 semanas; a la postre este sería el tema oficial de la campaña publicitaria 2009-2010 de la afamada marca de vermú Martini.

Después de haber lanzado con éxito los sencillos "Back it up" y "A Night like this", Grandmono Records sacó a la venta el álbum debut de Caro Emerald titulado '"Deleted Scenes from the Cutting Room Floor"'. El 29 de enero de 2010 el disco fue un rotundo éxito y llegó rápidamente a las listas de los discos más vendidos en los Países Bajos (Dutch Albums Top 100), colocándose en el primer lugar en ventas.

"Deleted Scenes from the Cutting Room Floor" fue galardonado como disco de platino en los Países Bajos tras haber vendido más de 50.000 ejemplares en menos de 6 semanas, y doble disco de platino después de haber vendido mas de 100.000 copias hasta junio de 2010. Este material discográfico fue lanzado al mercado en la primavera del 2010 en Francia por medio de Sony Music Entertainment France, y en Escandinavia por la disquera Bonnier Amigo, el lanzamiento en otras partes del mundo aún está pendiente.

Jessie Evans - Is It Fire?

2011-11-26T13:00:00.000-08:00

La música es el lugar donde ella pone su corazón, nunca un medio para proyectar su drama personal, sino para crear un paraíso al cual pueda escapar. Jessie Evans nació en California, pero es una niña de mundo que bien pudo dormir abrazada de su saxofón en algún huerto abandonado de Londres, Dublin, Amsterdam o España.

Es conocida por colaborar con varias agrupaciones de punk rock, new wave y gótico de los 70s y 80s, y por sus sesiones en vivo con el baterista Toby Dammit (Iggy Pop). Sin embargo, hoy logra consumar una placa discográfica titulada “Is It Fire?”, grabada entre Berlín, Tijuana, Acapulco y la Ciudad de México.

Recordemos que años atrás Jessie conformó bandas como The Vanishing y Subtonix, además de haber trabajado junto artistas de la talla de Lydia Lunch y bandas como Malaria!, Lost Sounds, Siouxsie and the Banshees, Iggy Pop & The Stooges. En los próximos meses, tras giras exitosas por todo el continente europeo

Para su álbum discográfico en solitario contó con la colaboración de Dammit en la batería y percusiones, así como Budgie (The Creatures), Martin Wenk (Calexico), Namosh y Thomas Stern (Einstürzenden Neubauten y Crime and The City Solution, respectivamente). El tijuanense Pepe Mogt (Nortec Collective) participó en la mezcla y co-producción en Tijuana.

Según comenta Evans, en un viaje a Ciudad de México, en el cuarto de lavar de un antiguo edificio, creó un estudio de grabación, donde plasmó sus ideas mientras niños merodeaban en bicicleta, gritando “¡Tamales! ¡Tamales!” con megáfonos, en tanto caían tormentas eléctricas.

Poco después cantó a todo pulmón en Playas de Tijuana y Acapulco, recorriendo cientos de kilómetros de bosques cocoteros hasta llegar a una playa con vista al Océano Pacífico, logrando un increíble ensamble celestial que podrá ser escuchado hoy viernes 31 de julio a las 8:00 pm en La Mezcalera Salón de Baile, ubicado en Calle Sexta, entre Revolución y Madero.

Luego de esta presentación, Jessie Evans continuará su gira por Oaxaca, Monterrey, Ciudad de México, Puebla, Guadalajara y Francia, para entonar temas como “Niños del Espacio”, “Golden Snake”, “To the Sun”, “Será el Fuego”, “Let Me On”, “Class Magic” y “Scientist of Love”.

Valery Obodzinsky- Эти глаза напротив

2011-11-19T14:25:00.000-08:00

(en ruso, Валерий Ободзинский) (24 de enero de 1942, Odesa, actual Ucrania - 26 de abril de 1997, Moscú, Rusia) fue un cantante soviético. Artista de Honor de la RSSA de Mari (1974).

En los años 1960 - 1970 fue un cantante popular en la URSS. El primer intérprete de las canciones de "Los ojos de frente" ( D. Tukhmanov - T. Sashko), "Canción del Este" ( D. Tukhmanov - O. Gadzhikasimov ), "Aflicción" ( A. Flyarkovsky - L. Derbenev ), "tocar el órgano" ( D. Tukhmanov - M. Plyatskovsky ), "Eterna Primavera" ( D. Tukhmanov - I. Shaferan ), "Espejismo" ( A. Zatsepin - L. Derbenev ), "El Día" (S. Kastorsky - V. Gene ) y etcétera.

Valery Obodzinsky nació en Odesa, en un apartamento comunal. Los padres fueron al frente. La educación desempeña su abuela, Kuzminichna Domna, que vivía en ese momento con otro de sus hijos, Leónidas, que era dos años mayor que Valery. Según los recuerdos de familiares, durante la ocupación alemana no fue un incidente que podría haber sido fatal para los niños. Furioso por el robo de niños mayores de embutidos, un oficial alemán amenazó con disparar a los dos y sólo la intervención de Domna Kuzminichna logró evitar la masacre. Después de la escuela, Obodzinsky trabajó en varias profesiones: trabajaba como bombero, se puso a vender colchones en los muelles, trabajó brevemente en la granja, e hizo cerraduras para muebles. El comienzo de su carrera profesional comenzó a trabajar en el buque " Almirante Nakhimov ". Luego fue a trabajar como solista en la Filarmónica de Kostroma, cuyos dirigentes estaban en ese momento, Valentina Makarova, y su esposo, el director artístico, Valery. Después de este punto de su trabajo fue la Filarmónica de Tomsk, con conciertos de la que ha viajado por toda Siberia, y luego - y el conjunto de Rusia.

En 1966-1967, trabajó en la orquesta de Oleg Lundstrem. En 1967-1972 trabajó como solista en la Orquesta Filarmónica de Donetsk. En 1973-1977 trabajó como director artístico en la Cooperación con VIA "verdaderos amigos". Obodzinsky estaba en un estilo único, distintivo de cantar, una demanda muy alta en la década de 1970. En esencia, Obodzinsky seriamente estudió canto, su impresión vocal del aficionado hace que las notas altas suenan aplastando cuando está cantando. En esencia, Obodzinsky tenía un carácter muy avanzado del instinto musical, el rumor, con un tono agradable y suave de voz (tenor lírico).

La popularidad Valery Obodzinsky en la primera mitad de la década de 1970 era enorme, de acuerdo con numerosos contemporáneos, como Muslim Magomayev, quien competía con Obodzinsky en esos años. Obodzinsky tenía una voz suave y muy dulce, como un tenor. Las canciones en su epertorio eran, en su mayoría, poemas de amor. Obodzinsky siempre cantaba sincero, apasionado, caliente, en ocasiones cantaba en lo grotesco. Millones de lectores de sus discos vendidos por completo en muy poco tiempo después de la graduación. Los críticos musicales han notado el crecimiento creativo del cantante en la década de 1970, ampliaba su repertorio.

La vida más creativa del cantante no era precaria. Por alguna razón, algunos críticos han declarado de una manera específica que el cantar de Obodzinsky era al estilo "occidental", tal vez debido a las excesivas demostraciones de afecto, que se confunde con la laxitud o la papilla. Desde la década de 1970, Obodzinsky ya había sido criticado a menudo, burlándose de él en diversos sketches. Debido a algunas razones personales, Obodzinsky no le gustaba el Ministro de Cultura de la URSS E. Furtseva y presidente de la Radio y Televisión de San Lapin. En la construcción del comunismo, el cantar canciones de amor se consideró inadecuado. En 1987 Obodzinsky abandonó la escena por completo. Él trabajó como vigilante en una fábrica de empate y llevó a la manera apropiada de la vida.

En los años 90 Obodzinsky decide reanudar sus actividades creativas y graba un disco de canciones de Alexander Vertinsky. En septiembre de 1994, en una sala de conciertos "Rusia", fue la primera actuación Obodzinsky después de siete años. El cantante por un corto tiempo para reanudar su actividad de conciertos, participa en el festival de retro-"Golden Hit-96" (Mogilev). Obodzinsky murió el 26 de abril 1997. Fue enterrado en el cementerio de Kuntsevo (parcela número 10).

Arabella La Sonera Mayor- Callejon

2011-11-12T06:44:00.000-08:00

Margarita Pinillos es el verdadero nombre de “Arabella” la rutilante estrella de la salsa dura que brillara en los años 80s y 90s y que por cosas de la vida no ha seguido su carrera musical. Muchos, la califican como la sucesora natural de la inmortal Celia Cruz.

Ella nació en Bogotá, Colombia, ahí hizo sus pininos, pero se consagró en Venezuela. Posee un sabor muy especial siendo apodada "La dinamita de la Salsa" y "La sonera mayor". Arabella cuenta así cómo fue su ingreso al mundo de la música: “Nací en Bogotá, Colombia. Pero por extrañas cosas de la vida, parecía que la cigüeña se había equivocado el lugar donde depositarme, ya que dentro de mí , la música que retumbaba , era la del trópico, sentía profundamente un ritmo y una cadencia que me hacían sentir lo que cantaba desde muy niña de una manera muy diferente, a las cantantes nativas de mi ciudad.

Aunque siempre parecía una campanita cantando y bailando por doquiera, no contemplaba la idea de ser profesional en la música. Solo fue hasta un día, que un compañero de estudios me inscribió sin consultármelo, en un concurso de radio, que para ese entonces era el más prestigioso.

Algo así como el American Idol Colombiano. Se llamaba la Orquídea de Plata Phillips. Y en donde al no tener ninguna preparación, fui descalificada. Contaba para ese entonces con casi trece años de edad. A pesar de haber sido eliminada ésa tarde en el radioteatro de Caracol, una productora de televisión me pidió hacer un programa esa misma noche en una estación llamada Tele Tigre en donde por tretas del destino tampoco pude cantar.

Ella comenta: la música me buscó a mí, y nuevamente volvieron a llamarme muy interesados y querían una presentación mía...”Arabella ha visitado Perú tres veces, dos de sus visitas han sido de caridad en apoyo de la Teletón y una vez fue contratada pero tuvo poca publicidad. Alegre y desternillante por momentos, ha paseado por toda América su música.

A parte de cantante es una extraordinaria compositora. Le cedió la canción “mi vida es cantar” a Celia Cruz para uno de sus últimos álbumes, aparte, a compuesto para varios salseros temas que han sido éxitos.

Lamentablemente, su actividad artística se ha reducido a Miami y grabó un CD con boleros memorables y remasterizó sus mejores temas en una disquera de su propiedad, sus producciones son difíciles de conseguir.

Susan Wong - You've Got A Friend

2011-11-05T08:11:00.000-07:00

Ella nació en Hong Kong, y emigró a Sydney, Australia con su familia a la edad de siete años. Inclinación por la música desde muy temprana edad, aprendió a tocar el piano a los cinco años y más tarde también aprendió el violín. En Kambala School Girls en Sidney , cantó alto en el coro, y apareció en el drama de la escuela ( Gilbert & Sullivan y similares) y entró en una serie de concursos de piano. Ella recibió un diploma de asociado (ATCL) en el piano de Trinity College London .

Su primera oportunidad en el mundo de la música fue a la edad de dieciséis años cuando sus padres la inscribieron en un concurso de canto en Sydney. Fue organizado por TVB y al ganador le ofrecían un contrato de grabación con una de las grandes empresas musicales en Hong Kong. Ella ganó el concurso y se fue a Hong Kong, donde se reunió con la TVB productores que quería firmar con uno de los sellos discográficos. Después de muchas deliberaciones se decidió que una carrera musical no era adecuado para ella en ese momento y lugar, volvió a Australia para estudiar en la universidad.

Después de graduarse de la universidad, regresó a Hong Kong en 1997 para ayudar a administrar el negocio familiar de contabilidad, en este momento, obtuvo su CPA certificación. Uno de sus alumnos, que era la enseñanza del piano, estaba trabajando para un sello independiente de Hong Kong, y Susan le preguntó al jefe si quería ser cantante. Susan comenzó a grabar sus canciones favoritas Inglés e hizo 'Close To You "del álbum. Cuando el disco salió en 2002, fue ampliamente aclamado y se convirtió rápidamente en un favorito de las tiendas de música a tocar. El álbum fue pronto subir las listas de ventas en países como [Hong Kong, Singapur , Tailandia y Indonesia . Los lanzamientos de discos desde que cuatro 'Close To You "también han disfrutado de un gran éxito de crítica y público el establecimiento de Susan como probablemente el cantante N º 1 la venta de idioma Inglés femenino de su género en todo el sudeste asiático .

A principios de 2007, Susan Wong firmó un acuerdo de grabación de nuevo con Hong Kong evolución limitada y lanzó su primer álbum en la evolución en agosto de 2007.

El primer lanzamiento bajo este acuerdo, Someone Like You (alguien como tú), fue grabado en Nashville, EE.UU., y se apresuró a ganar éxito crítico y comercial en todo el sudeste asiático. El éxito de la versión SACD, en particular, dio testimonio de la producción de bien, la interpretación vocal y el dominio por ganador del premio Grammy ingeniero Doug Sax. El álbum fue lanzado a nivel nacional en Japón en septiembre de 2008.

En el verano de 2008, Susan comenzó a trabajar en nuevas ideas para su siguiente álbum. En septiembre de 2008 Susan viajó a Ginebra, Suiza para trabajar en los demos con el productor Adrien Z. Como explica Susan "Él trajo mis ideas musicales a la vida. Él fue capaz de transformar las canciones que quiero cantar en el estilo que me atrevo a juicio. "La grabación del álbum fue completado en febrero / marzo de 2009. En su blog, Susan, dijo del álbum: "Creo que tomó una" mano más sobre "enfoque con este álbum, más que cualquiera de los anteriores, ya que sentí la necesidad de dar voz a mi persona, ser más individualista e independiente para mi trabajo. "recibió bossa nova versión de Susan inspirada de Billie Jean de Michael Jackson, una gran cantidad de atención y el juego de radio y el álbum vendió ampliamente en toda la región.

Inspirado por la respuesta positiva a 511, Susan estaba ansioso por empezar a trabajar en su próximo disco y pocos meses después de la liberación de los 511 que se estaba formando ideas para nuevas grabaciones, la elección de nuevo para trabajar con el productor y arreglista Adrien Zerbini Ignacio Lamas. Con canciones de los álbumes en su mayoría provenientes de la finales de 1960 / principios de 1970, Susan y su banda trabajó en un ambiente relajado y natural de pop acústico, liderado por la guitarra de Ignacio.

Sandra Carrasco - Solilla

2011-10-29T23:33:00.000-07:00

Nació en 1981 en Almonte, Huelva. Estudió magisterio musical, tomando a la vez cursos de Flamenco en la Universidad de Huelva.

Ha ganado varios premios todos ellos vinculados al flamenco, como El Premio de la Asociación de Nerva en Sevilla y a la mejor interpretación Antonio Rengel y becas con las que ha podido recibir formación con Paco Taranto, José el de la Tomasa y Adelita Domingo entre otros.

Grabó en la banda sonora del cortometraje “Rebeca ha muerto”. Al igual que con la productora onubense del ayuntamiento de Almonte.

Ha llevado el flamenco con su voz a lugares tan dispares como Washington D.C., la Bienal de Sevilla, el auditorio de Madrid, México, Croacia, los tablaos más importantes de Madrid, Alemania, Nicaragua, Guatemala, Ecuador, Roma.

Ha participado en los discos de artistas de la talla de Estrella Morente, Arcángel, El Pele, Manolo Sanlúcar, Carmen Linares, José Mercé, Pepe de Lucía, Javier Limón, Anoushka Shankar, etc.

Ha protagonizado el musical “Enamorados Anónimos” dirigido por Blanca Li. Ha grabado un tema a beneficio de Haití junto a artistas como Alejandro Sanz, Bebe, Carlos Jean, etc. Su primer disco colaboraron artistas de la talla de Avishai Cohen, Kudsi Erguner, Josemi Carmona, y Pepe Habichuela.

Farafinya - Doussou Koulibaly

2011-10-22T11:44:00.000-07:00

Es un grupo de música y danza de Burkina Faso , establecida en 1978. El grupo de ocho miembros es el mejor grupo conocido de Burkina Faso, musicales, y uno de los más destacados a nivel internacional de grupos musicales de África.

Farafina fue fundada en la sureña ciudad de Bobo Dioulasso por el balafón jugador Mahama Konaté , miembro de la Senufo grupo étnico y una artista con el ballet nacional de Burkina Faso. El grupo utiliza las voces e instrumentos como el balafón , la kora , djembé , bara , tama , doum'doum , shekere y teclado.

El grupo ha realizado giras internacionales. En 1985 tocaron en el Festival de Jazz de Montreux , y en 1988 realizó para 72.000 oyentes en la fiesta de cumpleaños de Nelson Mandela en el estadio de Wembley , Londres . En 1993 viajó a los Estados Unidos y Canadá, y se han presentado desde entonces en Europa, Canadá y los Estados Unidos.

Farafina fue uno de los grupos que jugó en 1999 en la celebración del 10 º aniversario de la Casa de las Culturas del Mundo de Berlín. Ese mismo año, el grupo tocó en el Festival Womad de Singapur.

Han colaborado y grabado con Ryuichi Sakamoto , Jon Hassell , y los Rolling Stones. Mama Konaté es un virtuoso del balafón, el grupo Farafina que en diula significa literalmente "la tierra de piel negra'. La formación original estaba compuesta por siete músicos, incluyendo entre ellos 3 bailarines, todos de Burkina Faso.

La banda tuvo un papel histórico en el surgimiento de las "músicas del mundo" que aparecen en el festival de Jazz de Montreux y más tarde en el estadio de Wembley para celebrar el 70º cumpleaños de Nelson Mandela. También llegó a grabar con los Rolling Stones y Ryuichi Sakamoto.

La música, canciones, bailes tradicionales están marcados con influencias Senufo, Bobo, Diula, y enriquecida con nuevas composiciones de Mama Konaté. Farafina combina la autenticidad y la investigación artística original ofreciendo la imagen de un renacimiento de la música y la danza tradicional africana. Esta formación, cuya música está inspirada por leyendas y traiciones Mama dejo el grupo Farafina en 1991.Actualmente desde su casa en Bobo Dioulasso, Mama dirige una escuela para profesionales y aspirantes a músicos.

Su tarea es sentar las bases para una nueva generación de músicos que espera llevar a la música tradicional en el futuro y posiblemente más allá de las fronteras de Burkina Faso. Para el relevo de la expresión popular más auténtica y viva.

Bing Crosby - Moonlight Becomes You

2011-10-15T13:05:00.000-07:00

Harry Lillis "Bing" Crosby (Tacoma, Estado de Washington, 3 de mayo de 1903 - Alcobendas, España, 14 de octubre de 1977) fue un cantante (crooner) y actor estadounidense con una carrera artística de medio siglo.

Fue uno de los primeros artistas multimedia. Entre 1934 y 1954, Crosby tuvo un casi imbatible éxito de ventas con sus discos, grandes ratings en las emisoras de radio y películas mundialmente vistas.1 Es usualmente considerado como uno de los actores musicales más populares de la historia y es actualmente la voz humana más grabada electrónicamente.2 El prestigio artístico de Crosby es universal, máxime si tenemos en cuenta que fue una de las mayores inspiraciones para otros grandes intérpretes masculinos que lo secundaron, tales como Frank Sinatra, Perry Como, y Dean Martin.

Su familia se mudó a Spokane (Washington) en 1906 con el objetivo de conseguir algún trabajo. Fue el cuarto de siete hijos: cinco hombres, Larry (n. 1895-1975), Everett (n. 1896), Ted (n. 1900), Harry (n. 1903) y Bob (1913-1993); y dos mujeres, Catherine (n. 1905) y Mary Rose (n. 1907). Su padre, Harry Lowe Crosby (1871-1950), era un contable de ascendencia inglesa-estadounidense, y su madre Catherine Harrigan (1873-1964) era hija de un constructor de County Mayo de ascendencia irlandesa-estadounidense. Sus ancestros paternos, Thomas Prence y Patience Brewster, nacieron en Inglaterra y emigraron a los Estados Unidos en el siglo XVII. La familia Brewster arribó al continente en el famoso barco Mayflower.

Bing Crosby no tenía certificado de nacimiento; la fecha, por tanto, fue un secreto hasta que la iglesia católica de su juventud en Tacoma reveló su acta de bautismo que contenía la datación exacta de su nacimiento.

En 1910 Harry Lillis, con seis años de edad, descubrió una página completa en la que aparecía un artículo en la edición dominical del Spokesman-Review, The Bingville Bugle. El Bugle, sección escrita por el humorista Newton Newkirk, era en realidad una parodia que aparecía publicada en dicho periódico. Un vecino de quince años de edad, Valentine Hobart, compartía el entusiasmo de Crosby por estas parodias y llamó al diario Bingo por Bingville. De aquí surgió el apelativo de Crosby: suprimida la última vocal de la palabra Bingo, Crosby adoptó el nombre de Bing.

En el verano de 1917 Crosby trabajó en el Auditorium de Spokane, donde fue testigo de los mejores actos del día, incluyendo una actuación de Al Jolson de quien Crosby diría: «Para mí él fue el mejor artista que ha existido».

En el otoño de 1920, Bing se matriculó en la Universidad jesuita Gonzaga College en Spokane, Washington con la intención de graduarse como abogado. Mantuvo un promedio de notas de B+. Estando en Gonzaga, compró un set de batería por correspondencia. Tras una ardua práctica sus habilidades crecieron manifiestamente y fue invitado a unirse a una banda local compuesta en su mayoría por niños escolares llamada Musicaladers, conducida por Al Rinker. Logró ganar tanto dinero con este trabajo que decidió dejar los estudios durante su último año para dedicarse al mundo del espectáculo.

En su madurez, Bing Crosby viajaba a la ciudad de La Paz (Baja California Sur, México). En esa ciudad alternó sus vacaciones familiares con una gran labor social. En Las Cruces, un balneario casi aislado, disfrutó (según sus propias palabras) de algunos de los mejores días de su vida, siempre en compañía de su familia.

Era muy aficionado al golf y falleció inesperadamente, al parecer por un infarto mientras lo practicaba, en la zona residencial de La Moraleja sita en Alcobendas, cerca de Madrid (España).

En 2005, salió una biografía no autorizada escrita por sus hijos, quienes lo pintaban como un mal padre, egoísta, avaro y mezquino.
Datos Curiosos

• Aunque parcialmente eclipsado por la fuerza de otros intérpretes, sobre todo por Frank Sinatra, Bing Crosby fue con toda probabilidad la figura más popular e influyente de la música popular a lo largo de toda la primera mitad del siglo XX; sus ventas son multimillonarias y su impacto en otros cantantes, aparte de Sinatra, es indiscutible: Perry Como,3 Dean Martin, Michael Buble, etc.

• Bing Crosby fue, ante todo, una estrella de la radio, a través de la cual se hizo presente en el hogar de millones de estadounidenses materializando una forma nueva de contacto, más íntima, más individualizada, entre el cantante y su público. El uso del novedoso micrófono le permitió amoldar su voz a las letras y no preocuparse de la fuerza como era lo habitual hasta el momento.

• La voz de Crosby es cálida y basada en los graves, próxima a la de un barítono, y su forma de interpretar es ligeramente enfática en cuanto al tono. Su repertorio, vinculado sólo ocasionalmente al jazz, incluye temas de musicales, música para películas, country, canciones del oeste, estándares patrióticos, himnos religiosos, baladas étnicas (irlandesas y hawaianas) y, por supuesto, los temas de los grandes compositores estadounidenses: Kern, Porter, Van Hauesn, G. y I. Gershwin...

• La novedad que introduce Crosby en sus comienzos está en que, lejos de seguir el patrón rítmico de la música europea, asume las innovaciones del jazz emergente y aporta a la canción popular el sentido del swing.

Mercedes Medina- Dios Nunca Muere

2011-10-08T21:46:00.000-07:00

Cantante y estudiosa de la música tradicional mexicana. Desde hace algunos años trabaja en la búsqueda de partituras y canciones tradicionales en colaboración con diferentes instituciones académicas y culturales. Medina Alatriste es egresada de la Universidad de Guadalajara, Jalisco y del Conservatorio Nacional de Música, doble becaria de la CONACULTA en difusión de patrimonio cultural, en donde ha vivido grandes experiencias en los conciertos de lujo donde ha participado. Suele acompañar sus presentaciones con un mariachi y con el Grupo Folclórico Quetzal. Becaria en varias ocasiones por el FOECA (Jalisco) y por el FONCA, en el área de difusión de patrimonio cultural.

Esta Intérprete de Música Tradicional Mexicana, cuenta con reconocimiento por parte de varias Instituciones Culturales y Académicas en el área de la difusión de patrimonio cultural. Folklorista y cantante de Ranchero. Con una propuesta única en su género. Reúne en un solo espectáculo varias diciplinas artísticas y es un proyecto original que puede ser presentado tanto para un público conocedor al igual que puede presentarse en explanadas, ya que es interactivo, con mucha dinámica y sumamente divertido.Marichi, Ballet Folklorico, Performance, un espectaculo extraordinario enmarcando una voz exepcional.

Cuenta con un repertorio variado, mediante el cual invita al público que la escucha a un recorrido por el tiempo musical en México. En sus conciertos propone mostrar una visión coherente y estética de los diferentes géneros musicales que han aparecido en México a raíz del mestizaje. Recopilando los estilos nacionales más representativos, Mercedes Medina ofrece distintos conciertos: la época de las primeras cancioneras de finales del siglo XIX y hasta los años cuarenta; la música vernácula en sus inicios con temas arraigados en el público nacional y extranjero, está plasmado en el concierto ¡Qué padre es la vida!. Otros de sus conciertos son: Mi México de ayer y Viene la muerte cantando. Este último incluye en su repertorio cantos ceremoniales en purépecha y zapoteco, así como canciones tradicionales de diferentes regiones de México.

Ha sido invitada por diferentes instituciones culturales, participa en proyectos con artistas plásticos y escritores, con países de la Comunidad Europea. Ha participado en el Festival Cultural Fiestas de Octubre, La Feria Internacional del Libro y con instituciones de la iniciativa privada. Anualmente realiza presentaciones en diferentes países del mundo para presentar sus espectáculos dentro de los festivales de verano.

Charles Trenet - Boum

2011-10-01T02:10:00.000-07:00

Louis Charles Auguste Claude Trénet (Narbonne, Francia, 18 de mayo de 1913 - Créteil, Francia 19 de febrero de 2001), más conocido como Charles Trenet, fue un compositor y cantante francés llamado por algunos "el padre de la canción francesa".

Trenet enfermó de fiebre tifoidea a la edad de 7 años. Fue durante su convalecencia, con el propósito de entretenerse, cuando empezó a desarrollar sus habilidades artísticas, iniciándose en la música, la pintura, y la escultura.

A pesar de odiar las matemáticas con pasión, en 1927 terminó su bachillerato con honores y se fue a Berlín a estudiar arte. A su regreso a París en 1930 Trenet ejerció trabajos varios de poca monta en un estudio de películas, estableciendo contacto frecuente con el medio artístico en el vecindario de Montparnasse.
Formando un dúo junto con el pianista Johnny Hess trabajó en el cabaret Le Fiacre hasta que fue llamado a cumplir el servicio militar en 1936. Fue luego de terminado su servicio militar que Trenet recibió el sobrenombre que le acompañaría toda su vida: "Le fou chantant" (el loco cantante).

Durante la Segunda Guerra Mundial, Trenet con frecuencia actuaba en los cabarets Folies-Bergère y Gaieté Parisienne enfrente de un publico compuesto a menudo de oficiales y soldados alemanes. Sus enemigos en la prensa quisieron comprometerlo diciendo que el nombre Trenet ocultaba sus orígenes reales, y publicaron que su apellido era un anagrama de "Netter", un nombre judío. Trenet fue capaz de defenderse demostrando por medio de su árbol genealógico que no tenía antecedentes judíos. Este acto de defensa, una vez terminada la guerra, fue mencionado con frecuencia como reproche de su conducta. Al igual que un considerable número de artistas de la época, Trenet decidió seguir en el medio artístico entreneniendo a las masas, evitando así causar daño a su carrera, al tiempo que mostraba poco interés en los problemas de discriminación nazi. Cuando los alemanes se lo pidieron, Trenet aceptó ir a los campos de detención de prisioneros franceses para cantar y entretenerlos.

Al finalizar la guerra Trenet se mudó a Estados Unidos, donde vivió por unos años y logró gran éxito. Luego de una serie de conciertos en el Bagdad en Nueva York, Trenet recibió ofertas de la industria de Hollywood. Allí conoció a Louis Armstrong e inició una larga amistad con Charlie Chaplin.

Su canción más famosa "La Mer" (El Mar), la cual según la leyenda compuso junto a Leo Chauliac en un tren en 1943, fue grabada por primera vez en 1946. "La Mer" es quizás aún más conocida gracias a sus versiones en otros idiomas, contándose más de 400 de éstas. En inglés fue traducida como "Beyond the Sea" (Más allá del mar), y fue un éxito en la voz de Bobby Darin. Una de sus versiones más recientes es la del cantante inglés Robbie Williams, para quien esta canción no es típica de su habitual estilo. La canción es también uno de los temas musicales utilizados por la empresa de cruceros Carnival Cruises en sus propagandas por televisión, además de haber aparecido siendo cantada en numerosas películas (tales como Soñadores de Bernardo Bertolucci) y series de televisión (más recientemente en la serie estadounidense Lost). También uno de sus temas, Boum!, es central en la película “Toto Le Heros” de Jaco Van Dormael (1991). Trenet compuso y cantó un variado grupo de canciones que se han convertido en clásicas canciones de estilo popular en Francia. Entre estas se incluyen: "Fleur bleue", "Y'a de la joie", "Je chante", "Douce France", "Que reste-t-il de nos amours?" así como "La mer".

En 1951, Trenet regresó a Paris, actuando en el Théâtre de l'Etoile. En 1954 actuó por primera vez en el famoso teatro Olympia de París. El año siguiente compuso la famosa "Route Nationale 7" (en homenaje al establecimiento de vacaciones pagadas).
En 1958, Trenet era el acto central de los shows del Bobino y la Alhambra. En 1960 volvió al Théâtre de l'Etoile, apareciendo por primera vez sin el famoso sombrero con el que siempre aparecía en el escenario y que hasta entonces siempre le había acompañado convirtiéndose en parte característica de su actuación.

En 1970, Trenet viajó a Japón representando a Francia en la Exposición Universal en Osaka. El año siguiente tuvo una memorable actuación de nuevo en el "Olympia".
En 1973, la prensa francesa celebró con gran cobertura sus 60 años. En 1975 Trenet anunció por sorpresa que se retiraba. Su último concierto de despedida ese año en el Olympia fue muy emotivo.Al morir su madre en 1979, Trenet se aisló por completo del mundo durante los siguientes dos años.

A pesar de su retiro 6 años antes, en 1981 Trenet volvió grabando un nuevo álbum, dedicado por entero a recuerdos sentimentales de su infancia. Luego de este álbum volvió a un estado de retiro parcial, regresando esporádicamente tan sólo para alguna actuación especial de gala en Francia o en el extranjero.

En 1999, más de 50 años después de componer su legendario clásico "La Mer", a la edad de 86 años Trenet volvió a grabar un álbum ("Les poètes descendent dans la rue") con 14 nuevas canciones. En vista del éxito del álbum, Trenet se presentó de nuevo en persona. Sus conciertos fueron un éxito total, con la audiencia aplaudiendo con auténtico fervor espontáneo.

En abril del año 2000 Trenet fue hospitalizado de urgencia luego de sufrir un accidente cerebrovascular. Tras estar varias semanas recuperándose en el hospital y meses en su hogar, en octubre logró encontrarse lo suficientemente recuperado como para visitar a su amigo Charles Aznavour, quien presentaba un show en el Palais des Congrès. Esta fue la última aparición pública de Trenet, pues falleció 4 meses más tarde, dejando una huella imborrable. La casa donde nació Trenet ha sido convertida en un pequeño museo dedicado a él.

Soraya- Quedate

2011-09-24T20:16:00.000-07:00

Nació en Bergen Country, Nueva Jersey, un 11 de marzo de 1969. Antes de cumplir su primer año, sus padres regresaron a Colombia, donde vivió hasta los 9 años. A los cinco años Soraya comenzó a tocar la guitarra de una forma auto didacta guiada únicamente por su gusto hacia la música, posteriormente tomó clases de violín clásico y siendo parte de la Sinfónica Juvenil logró pisar escenarios como el Carnegie Hall de Nueva York.

Una de sus grandes influencias ha sido el ídolo británico Sting pues dice que se sentía obsesionada con sus canciones.En la secundaria le encantaba la lectura y, especialmente, la poesía. Durante esa época descubrió algo que la llevaría un paso más adelante en su camino vocacional, pues según sus propias palabras se dio cuenta de que con la música podía unir ambos mundos.En la Universidad Rutgers, de donde se graduó en 1991, decidió especializarse en literatura inglesa y se saturó de las obras de William Shakespeare, D.H. Lawrence y Virginia Wolf.

A lo largo de la rica trayectoria de Soraya, se han usado miles de adjetivos para describir su música: Orgánica, original, incisiva, lírica. Soraya fue una luchadora en su carrera y en la vida. Música de bellas melodías contrarrestadas por una letra inteligente, propia de una escritora colombiana con alma internacional. Una música donde el atractivo comercial nunca doblega la sofisticación y elaboración artística. La de la joven cantautora que enamoró al público latino y no latino con sus temas bilingües y sonido moderno. La de la estrella en ascenso cuyo brillo fue súbitamente coartado por su encuentro con el cáncer. La de la mujer luchadora que, contra todas las expectativas, supera su enfermedad y vuelve triunfante al escenario. Con una entusiasta acogida, Soraya debutó en 1996 con su álbum En Esta Noche/On Nights Like This (Polygram Latino/Island Records). Su carrera despegó cuando una canción de este álbum ocupó el primer lugar en las listas del Billboard de la Canción Latina Pop, en 1996, y otra ocupó el sexto lugar. Al lanzar simultáneamente versiones en inglés y en español de una misma producción escrita y grabada por ella, produjo un instantáneo éxito transcultural con el tema "De Repente"/"Suddenly". El éxito fue inmediato en Latinoamérica y en el mercado hispano en los Estados Unidos, y luego de componer la banda sonora para una serie internacional de televisión, le siguieron ventas de cientos de miles de discos en Alemania y Australia. Una estrella había surgido y su potencial era ilimitado.

En 1998 ella continuó rápidamente con “Torre de Marfil”, coautora de la pista principal con su ídolo musical Carole King. Su inconfundible voz y el poder de las melodías le significaron invitaciones a una gira internacional con Sting, Alannis Morisette, Michael Bolton y Natalie Merchant. En el 2000, dos semanas antes de iniciar su propia gira nacional para promocionar su tercera producción “Cuerpo y Alma”, a sus 31 años de edad sufrió un duro revés: le diagnosticaron cáncer de mama en etapa 3, una enfermedad que le había costado la vida a su madre, a su tía y a su abuela.

Luego de dos años de intenso tratamiento contra el cáncer del seno, la salud de Soraya le permitió volver a la música. Dedicó un año a hablar públicamente y a escribir Soraya, el registro sonoro de ese momento exuberante en su vida. Ella inmediatamente acudió a los estudios para coordinar, ejecutar y producir este exquisito e inspirador CD. "Soraya" contiene 11 canciones en español y una en inglés; canciones tan íntimas y llenas de energía que se unen con naturalidad para conformar un álbum en el que Soraya comunica cómo se siente hoy: positiva, llena de poder, energía y dedicación, tanto en su música como en su mensaje de esperanza para las mujeres con cáncer.

El primer corte del álbum es el tema “Casi” cuya esencia es definida por la artista como el "canto del triunfo de la vida". Sea que busques tu camino de salida tras una pérdida amorosa, la tristeza o el cáncer, Soraya encuentra esa fibra común en la desgracia, el lugar en donde la tragedia es vencida y la dicha surge nuevamente, comprobando que sin el dolor no conoceríamos la alegría y la dulzura. Y "Casi", definitivamente estimula.

El disco combina géneros como el folk, música latina, R&B, pop y country, todo ello dentro de un estilo muy suyo. La Fundación Susan G. Komen para el Cáncer de Mama (The Susan G. Komen Breast Cancer Foundation) la eligió como su vocera latina, y Soraya ha hecho incansables giras por Estados Unidos, Puerto Rico, Costa Rica y México, así como por Centro y Sudamérica, generando una sustancial actividad a nivel de los medios en lo relacionado con la conciencia sobre esta enfermedad, tarea que combina con la promoción de su material discográfico.

Gracias a este disco Soraya resulto ganadora de un Grammy Latino en el 2004 en la categoría de mejor cantautora, llevándose la estatuilla por encima de 'monstruos' como Joan Sebastián, Juan Gabriel y Joan Manuel Serrat.Su última producción se llama 'El Otro Lado de Mí', y aunque su nombre dice mucho, no lo dice todo. Es un álbum de contrastes, desde el rojo de su carátula hasta los acordes iniciales y roqueros de su primera canción, 'Ser'. Escrito por Soraya, y producido por ella misma junto con Sebastián Krys (productor de Carlos Vives, Obie Bermúdez y Gloria Estefan, entre otros), 'El Otro Lado de Mí' es un viaje de estilos y culturas, una muestra de lirismo romántico, pop comercial y comentario social.

A pesar de su constante lucha, su temple y su fuerza por dar un mensaje de fortaleza y conciencia sobre la enfermedad que la aquejó durante años, finalmente el 10 de mayo de 2006 su voz se apagó. Soraya falleció a los 37 años de edad en Miami, luego de una recaída en su estado de salud, que la mantuvo en un estado crítico y por la cual escribió una emotiva carta en su página en internet dirigida a sus seguidores.
"Mi historia física puede llegar a su fin, pero estoy segura que la que existe en el corazón de ustedes seguirá presente por la eternidad"...

"Confío en que mi existencia dejará huella en la vida de ustedes beneficiando en un futuro a muchas mujeres y que la luz de mi vida iluminará la de muchas familias más", añadió la misiva de Soraya, quien ese año celebró una década en el mundo de la música.

En la carta publicada en su sitio oficial, finalizaba diciendo: "hoy no pierdo esta batalla porque sé que lo que he luchado no es en vano, si no que ayudará a vencer una batalla mayor, la de la detección temprana y prevención de este terrible mal"... "Ahora les toca a ustedes seguir con nuestra misión. Deseo de corazón contagiarles mi amor a la vida y que seas tú un canal que lleve a mucha gente este mensaje que puede salvarles la vida".

Andy Montañez - Pillo Buena Gente

2011-09-17T08:51:00.000-07:00

(*San Juan, Puerto Rico, 7 de mayo de 1942), mejor conocido como Andy Montañez, es un famoso cantante de Música salsa de Puerto Rico. Montañez, es nativo del área Trastalleres del barrio de Santurce en San Juan, Puerto Rico. Es conocido también por el apodo "El Niño de Trastalleres".

Andy se inicia como bolerista del grupo de Luis Morales en plena adolescencia, luego de que hiciera las veces como segunda voz en el Trío Los Duendes; agrupación que formó junto a sus compañeros de escuela Pachequito y el Gran Pucho. En 1962, por recomendación de Sammy Ayala, integrante del Combo de Rafael Cortijo, el pianista Rafael Ithier, unió la voz de Andy a la de Pellín Rodríguez, convirtiéndolo en una de las figuras claves del naciente El Gran Combo de Puerto Rico.

Durante los 15 años que permaneció con la agrupación, grabó 37 discos de larga duración en los cuales se encuentran aciertos musicales como "El barbero loco", "Julia", "Guaguancó de El Gran Combo", "Un verano en Nueva York", "Vagabundo", "Milonga sentimental", "Las hojas blancas", "La soledad" y "A mi manera". En 1977, Andy abandonó a los llamados Mulatos del Sabor para enfrentar una de las pruebas más arriesgadas de su carrera al aceptar la irresistible oferta que le hiciera la popular orquesta salsera venezolana, Dimensión Latina, para sustituir a Oscar D'León.

Con la Dimensión Latina grabó ocho elepés, colocando a la agrupación en los primeros lugares de popularidad y ventas. El primer trabajo con la agrupación lo marcaron los éxitos "El eco del tambor", "Mujer impura", "Ritmos cubanos". Luego continuaron los aciertos como son "Las perlas de tu boca", "Como canto yo", "Nuestra tierra", "Vuelve", "Rumberos de ayer", "Son del bohío", "Ave María Lola", "Mi son oriental" y "Cantante errante", entre otros. Posteriormente Andy grabó con la agrupación Puerto Rico All Stars tres elepés, destacándose con temas como "Reunión en la cima" e "Isla bonita".

Para 1981 recibió la oferta del sello disquero LAD, subsidiaria de TH Rodven, con los que grabó su primer álbum como solista titulado "Salsa con caché". De éste se derivaron éxitos como "Una emisora en el cielo", "El juicio de los animales", "Las calabazas" y "Milonga para una niña". A renglón seguido el disco "Versátil" produjo éxitos como "Qui, qui, qui", "Villarán cuenca", "A pesar de todo" y "Bebiendo ron sin bañarse". Su tercer elepé como solista se tituló "Simplemente Andy Montañez" del cual se difunden los temas "Dulce veneno" y "Payaso". Esta tercera producción como solista marcó el debut de su hijo mayor Andy Jr. con el tema "Genio y figura" de Tite Curet Alonso. Este álbum permaneció 30 semanas en las listas tropicales de Billboard.

De su cuarta producción, "Me lo estás poniendo difícil", en la cual debuta su también hijo Harold, surgen los éxitos "Cobarde, cobarde", "Te voy a enseñar" y "Cuando yo te vi".

En 1988 graba su quinto álbum titulado "El eterno enamorado", con los renombrados éxitos "Aquella noche", "Te voy a saciar de mí", "Vivir sin ti" y "Casi te envidio". Con el sello Rodven sigue su producción discográfica y graba en 1990 "Todo nuevo" con los éxitos "Fantasma" y "Cena inconclusa". Para 1991 graba "El catedrático de la salsa" en alusión a su participación en la Universidad de la Salsa como le dicen a El Gran Combo de Puerto Rico.

Para el verano de 1992 integra a su orquesta a la joven Ednaliz Montañez para así establecer, junto a sus hermanos mayores, "La Dinastía Montañez" donde el talento musical se manifiesta como patrimonio familiar. Represento a su país natal, Puerto Rico en la Exposición Mundial de 1992 en Sevilla, España.

Con el álbum "El swing de siempre" (1992), donde se destacan "Chemen, chemen" y "El santo", el reconocido cantante termina su contrato con el sello TH Rodven. Recesó las producciones discográficas por tres años. Esto le permitió aceptar invitaciones de sus antiguos compañeros para presentarse junto a El Gran Combo en su debut en Japón en 1993, así como en la ciudad de Los Angeles y en Colombia en 1994. También fue invitado de honor junto a "La Dinastía Montañez" y "La Dimensión Latina" a los carnavales de Venezuela en 1995.

Para 1996, el Niño de Trastalleres acepta la invitación que le hiciera Ismael Miranda para grabar a dúo boleros. De esta forma grabaron los compactos "Al son del bolero", "Románticos de nuevo" (1997) y "Con alma de niño" (1998).

Andy participó en la película venezolana "Cien años de perdón" (1998) como intérprete de dos de los temas que acompañan la trama, en la que se destaca el actor puertorriqueño Daniel Lugo.

Con anterioridad, el popular salsero nacido en el barrio Trastalleres de Santurce, había debutado como actor e intérprete en el cine venezolano en la película "La boda", que produjo en 1980 el cineasta Thaelmman Urguelles. Cuatro años más tarde interpretó dos de los temas de la película "El atentado" del mismo cineasta venezolano.

Participó junto a otras estrellas de la salsa y peloteros de Grandes Ligas en el proyecto discográfico "Roberto Clemente: Un tributo musical". En él Andy interpretó los temas "Roberto y Tirabala" y "La fuerza latina". Del mismo modo, el cantante fue invitado especial del concierto "Puerto Rico sabe a plena" que produjo la Fundación Nacional para la Cultura Popular en el Coliseo Roberto Clemente en 1999, así como debutó en teatro en la comedia "Lo mejor está por venir".

Con la llegada del nuevo siglo Andy ha continuado afianzándose como una de figuras de respetable arraigo en su pueblo. Ejemplo innegable del buen arte puertorriqueño, en tiempos difíciles para la industria discográfica y, por consiguiente para el ritmo afroantillano, Andy ha estado activo en nuestros escenarios. Y, en muestra de su repercusión internacional, Ediciones Puerto editó el libro “Andy Montañez: el ser humano y el artista”. La publicación, que aparece bajo la Colección En Voz Propia de la casa editora, se concentra en una serie de entrevistas realizadas por el escritor cubano Alfonso Quiñones.

Dos de los hijos de Andy, Harold y Andy Jr. también han incursionado como cantantes de salsa. Y su hija actuó por primera vez en la Expo 92 de Sevilla junto a sus dos hermanos.

En años recientes se ha unido a otro cantante de salsa Ismael Miranda para producir algunos boleros y música bohemia. Para el 2005 comenzó a experimentar una mezcla entre los ritmos de salsa y reggaetón, llamándolo Salsatón. En este esfuerzo se unió a raperos como Daddy Yankee y Julio Voltio.

El 2 de noviembre de 2006, Montañez ganó su primer Grammy Latino por el mejór albúm tradicional junto con Pablo Milanés.

Karukaya Makoto - Life is one way

2011-09-10T07:56:00.000-07:00

Todo empezó en 1979, cuándo Bob Marley, pisó por primera vez el País de Japón, esto ayudó a Karukaya Makoto impulsar sus sentimientos al Reggae. es una total fan de Marley..de hecho tiene dos discos de homenaje con canciones de Bob y también grabo Legend completo.

En el país nipón, existió un "Boom" de música, impresionante, de la nada empezaron a surgir artistas sumamente talentosos como: Nahki, Naoya Matsuoka, Minako Yoshida.

Dicho "Boom" tubo un significativo crecimiento en el Ska, Dub, Reggae y Dancehall.

Karukaya, ahora es uno de los exponentes más importantes del Oriente en el género del Reggae. Sin embargo, en System of Jah, encontramos una mezcla suave entre Dub amp; Reggae, sin duda uno de los mejores discos de Japón, referente a los géneros musicals ya mencionados.

Esta propuesta musical de la hermosa japonesa Karukaya Makoto, nos comparte un muy buen disco System of Jah, quiza al ser una mujer solista pensamos en el reggae lover pero no, es un buen disco de roots, salvo un dancehall que se colo ahi., ademas Karukaya tiene una hermosa voz, quiza parecida a Alika pero mas rustica, recomendado para todos, mas que nada una rareza este buen reggae japones hecho por una queen rastafari de la cual es difícil encontrar info en la web.

Kings Of Convenience - Boat Behind

2011-09-03T11:36:00.000-07:00

Son un dúo de Indie pop - Folk Pop formado por Erlend Øye y Eirik Glambek Bøe y procedente de Bergen, Noruega. Su música se basa en las guitarras acústicas, añadiendo ocasionalmente arreglos de cuerda o pianos, y recibe una gran influencia de bandas actuales como Belle & Sebastian y de otras clásicas como Simon & Garfunkel . También pueden distinguirse algunas pinceladas de Bossa Nova en la sonoridad de sus guitarras.

Los dos integrantes del dúo, nacidos en 1975 y amigos desde los once años, formaron el grupo Skog junto con otros amigos a la edad de dieciséis años, banda con la que llegaron a grabar un EP.

Ya en formato de dúo como Kings of Convenience, en 1999 firmaron un contrato con la discográfica independiente estadounidense Kindercore. En 2001 se instalaron en Londres y grabaron su primer disco Quiet is the New Loud,
Poco después se editó el álbum Versus, donde artistas como Ladytron, Röyksopp, Four Tet o Alfie remezclaban las canciones del dúo. Meses más tarde Erlend Oye se instaló en Berlín, donde grabó una sesión para la serie DJ Kicks y un disco en solitario titulado Unrest, donde cambiaba los sonidos acústicos por el Synth pop.

En 2004 apareció su segundo disco de estudio, Riot On Empty Street precedido del single Misread, donde incidían en la línea acústica y melódica de su debut. El álbum contó con la colaboración de la cantautora Feist en varias de sus canciones. El vídeo de su segundo sencillo, I'd Rather Dance with You,1 fue elegido como mejor vídeo europeo del año por la cadena MTV.

En 2006, Erlend Oye grabó su primer disco con su proyecto paralelo The Whitest Boy Alive

Los dos integrantes del dúo, nacidos en 1975 y amigos desde los once años, formaron el grupo Skog junto con otros amigos a la edad de dieciséis años, banda con la que llegaron a grabar un EP.

Ya en formato de dúo como Kings of Convenience, en 1999 firmaron un contrato con la discográfica independiente estadounidense Kindercore. En 2001 se instalaron en Londres y grabaron su primer disco Quiet is the New Loud,Poco después se editó el álbum Versus, donde artistas como Ladytron, Röyksopp, Four Tet o Alfie remezclaban las canciones del dúo. Meses más tarde Erlend Oye se instaló en Berlín, donde grabó una sesión para la serie DJ Kicks y un disco en solitario titulado Unrest, donde cambiaba los sonidos acústicos por el Synth pop.

En 2004 apareció su segundo disco de estudio, Riot On Empty Street precedido del single Misread, donde incidían en la línea acústica y melódica de su debut. El álbum contó con la colaboración de la cantautora Feist en varias de sus canciones. El vídeo de su segundo sencillo, I'd Rather Dance with You,1 fue elegido como mejor vídeo europeo del año por la cadena MTV.

En 2006, Erlend Oye grabó su primer disco con su proyecto paralelo The Whitest Boy Alive

Discografía

Álbumes
• Riot on an Empty Street (CD) - Astralwerks - (2004)
• Versus (CD) - Astralwerks - (2001)
• Quiet Is the New Loud (CD) - Astralwerks - (2001)
• Declaration Of Dependence (CD)- no title - (2009)

Joaquin Sabina - Quien me a Robado el Mes de Abril

2011-08-27T13:19:00.000-07:00

(Úbeda, Jaén, 1949) Cantautor español, considerado uno de representantes más destacados del folk-rock urbano español de los noventa. Joaquín Sabina figura entre los pocos cantautores que ha sabido evolucionar con los tiempos y ampliar su número de seguidores hasta límites insospechados.

Interesado desde la temprana adolescencia por la poesía y la música, se inició como compositor musicando los espectáculos de un grupo teatral de Granada. En 1976, tras una estancia en Inglaterra, fijó su residencia en Madrid y se convirtió en un habitual de La Mandrágora, local en el que compartió tablas con Javier Krahe y Alberto Pérez. Tras firmar contrato con la discográfica Movieplay, en 1978 sacó a la luz su primer álbum, Inventario, al que seguiría en 1980, con el sello Epic, Malas Compañías (con arreglos de Hilario Camacho y José Antonio Romero), álbum que contenía sus primeros éxitos: Pongamos que hablo de Madrid, Calle Melancolía o Círculos viciosos.

Un año después se publicó La Mandrágora, un disco que recoge una actuación en directo con sus compañeros de escenario Javier Krahe y Alberto Pérez y que tuvo una magnífica aceptación. Sus temas empezaron a aparecer en el repertorio de multitud de figuras consagradas como Ana Belén, Miguel Ríos, Javier Gurruchaga, Hilario Camacho, Juan Antonio Muriel (que interpretó Princesa en una edición del Festival de Benidorm) y Los Secretos.

Tras intervenir en la serie de programas Si yo fuera presidente de Fernando García Tola y componer sintonías de televisión (Con las manos en la masa y Esto es lo que hay), en 1984 edita Ruleta rusa y en 1985 (ya con el sello BMG-Ariola) Juez y parte, acompañado del grupo Viceversa. A partir de entonces se disparó su popularidad, sobre todo con la puesta en circulación del disco Joaquín Sabina y Viceversa en directo, en cuya emisión por televisión fue censurado el tema Cuervo Ingenuo, interpretado por Javier Krahe, por su alusión al presidente Felipe González.

Álbumes como Hotel, dulce hotel (1987), El hombre del traje gris (1988) y otros trabajos posteriores fueron dibujando un Joaquín Sabina cada vez más ecléctico, con temas como "Con un par" del álbum Mentiras piadosas (1990), y "Nos dieron las diez" de su siguiente trabajo Física y Química (1992). Esta última canción fue compuesta a medias con los integrantes de Los Secretos; el grupo la grabó también, modificando en parte la letra. Joaquín Sabina logró atraer la atención de un público más joven que el de su propia generación y consagrarse como digno heredero de un trono ocupado durante décadas por Joan Manuel Serrat. Así lo puso de manifiesto el éxito de sus siguientes trabajos: Esta boca es mía (1994), con su famoso tema "Ruido", compuesto por él y Pedro Guerra; Yo, mi, me, contigo (1996), que se colocó en el número uno de la lista de ventas de Afyve (80.000 copias vendidas en su primera semana en el mercado); Enemigos íntimos (1998), álbum realizado al alimón con Fito Páez, que contiene el tema "Llueve sobre mojado", compuesto e interpretado por ambos; y el memorable 19 días y 500 noches (1999).

En noviembre de 1999 recibió el premio Ondas al mejor artista español, que unió al que ya había merecido como mejor autor pop rock en la primera edición de los premios de la Música de España (1997), creados por la Sociedad General de Autores de España (SGAE) y la Asociación de Intérpretes o Ejecutantes (AIE). Tras una larga gira por España y Latinoamérica para ofrecer a sus seguidores de siempre 19 días y 500 noches, presentó Nos sobran los motivos (2000), un disco doble en directo donde recogió canciones de toda su carrera musical y un nuevo tema inédito, "Rosa de Lima".

En 2001 publicó Ciento volando, libro de sonetos inspirados y dedicados a cineastas, actores, escritores, toreros y cantantes. Después de algunos meses retirado de los escenarios tras sufrir una isquemia cerebral, regresó para grabar un nuevo disco, Dímelo en la calle (2002), y publicar un libro con todo su cancionero, Con buena letra (2002). Al año siguiente presentó el poemario Ciento volando de catorce, del que se vendieron 150.000 ejemplares. También en 2003 editó Diario de un peatón, un doble CD en formato disco-libro en el que se incluyeron algunas rarezas, temas inéditos y caras B.

En septiembre de 2005 presentó el disco Alivio de luto, un trabajo que tuvo varios títulos provisionales (como "Números rojos" o "Doce más una"), y que, en palabras del propio Sabina, es un disco "en torno a asuntos de introspección y meditación". El cantante había sobrellevado dos años de delicada salud que le hicieron pensar en abandonar las giras, pero, plenamente recuperado, continuó su labor con su energía acostumbrada, como se demostró en un recital en el Palacio de Congresos de Madrid, el 20 de diciembre de ese mismo año. En el verano de 2006 volvió a la carga con una gran gira llamada "Carretera y top manta". Ante la polémica suscitada por tal denominación, Sabina se enfrentó con su humor y socarronería habituales a las desmesuradas críticas vertidas por parte de algunos directivos de las discográficas y de las sociedades de derechos de autor.

En 2007 realiza una gira junto a Joan Manuel Serrat llamada Dos pájaros de un tiro, que comienza el 29 de junio y que los lleva por 30 ciudades españolas y 20 americanas. En ella, el catalán interpreta las mejores canciones del ubetense mientras éste hace lo propio con el repertorio del noi del Poble-sec. De los conciertos celebrados en Madrid se graba un disco en directo y un DVD con más material que es puesto a la venta en diciembre de 2007.

El 5 de marzo de 2009 se anuncia la concesión a Joaquín Sabina, junto a José Tomás, Raúl González Blanco y Paloma O'Shea, de la Medalla de Oro de la Ciudad de Madrid que otorga anualmente el Ayuntamiento como reconocimiento a personajes públicos que han contribuido con su trabajo a fomentar la buena imagen de la ciudad. El galardón lo recibe el 15 de mayo del mismo año.35 El 17 de noviembre de ese año publica su decimoquinto álbum de estudio, titulado Vinagre y rosas y cuyo sencillo, «Tiramisú de limón», es cantado junto al grupo Pereza, el cual se encarga además de ponerle música así como de los coros y la producción. Para presentar este nuevo álbum inició una gira en Salamanca, donde dio sus 2 primeros conciertos los días 20 y 21 del mismo mes.36 Esta gira, según ha afirmado, será la última que realice por grandes escenarios.37 El 16 de noviembre de 2010, la revista Rolling Stone le otorgó el premio como Artista del año.

En 2011, el cantante inició la gira El penúltimo tren en la cual tenía previsto cantar por primera vez en Estados Unidos.39 Sin embargo, en mayo de 2011, Sabina suspendió los conciertos en ciudades mexicanas y estadounidenses debido a una «diverticulitis aguda con riesgo de complicaciones» y los pospuso para el mes de octubre.40 Ya recuperado, regresó a los escenarios el 2 de julio en el festival Músicos en la naturaleza, celebrado en Hoyos del Espino (Ávila, España), en el que actuó junto a Andrés Calamaro.

Curiosidades de Joaquín Sabina

Tiene 2 hijas, Carmela (1989) y Rocío (1991). Por otro lado, su padre, comisario de policía, le detuvo a los 19 años por pertenecer al Partido Comunista.

En 1974, el ex beatle George Harrison le dio una propina de 5 libras cuando Sabina tocó para él en su cumpleaños, y el propio Bob Dylan le prohibió tocar la versión paródica que hizo del tema In the beginning, que él llamó Con su bikini.

El director de la discográfica CBS le ofreció su primer contrato con la referencia de una canción suya que sonaba entonces por TVE, “¡Qué demasiao!”: la cantaba Pulgarcito en el “Popgrama” de Carlos Tena.

La canción Pongamos que hablo de Madrid fue grabada por Antonio Flores antes que por Sabina, y alcanzó el número 1 en los 40 Principales.

En 1997 le recibió Fidel Castro, con quien conversó durante cinco horas.

Sergio Esquivel - San Juan de Letrán

2011-08-20T09:37:00.000-07:00

Nació un 8 de Diciembre en Tikúl, en el estado de Yucatán en México.

Estudio en la Ciudad de México en la Escuela Superior de Educación Física y regresó a Yucatán para ejercer su profesión.

Mientras estudiaba en la Ciudad de México escribió su primera canción, Rocío, dedicada a su hermana, la hizo tal vez estar lejos de su familia o por calmar un poco la soledad que aqueja a todos los que alguna vez vivimos en el exilio.

En Abril de 1971, ya con algunas canciones publicadas, participa en el El Primer Festival de la Canción Popular Nacional e Internacional en donde le tocó enfrentarse a gente de la talla de Don Pedro Vargas quien participaba con una canción del mismísimo Armando Manzanero, Gualberto Castro y Carlos Lico. Sergio logró 3er. lugar con su canción ¿Donde está mi amor ?

Sergio Esquivel ha participado en eventos internacionales de música y siempre a dejado constancia de su calidad. Tiene un buen lugar en el gusto del público romántico y es reconocido en países como Chile, Venezuela, Colombia, Uruguay, Costa Rica, Guatemala y América Latina en general.

Ha participado en el Festival de Viña del Mar, en el Carifesta, en el OTI y fue el primer autor mexicano que ganó este certamen internacional con la canción en voz de la Señora Imelda Miller. Cabe aclarar que en la canción "Qué alegre va María" nunca aparece el nombre de Sergio, esto es porque le regaló la canción a la mujer que la inspiró, su esposa, Celia Bonfil.

El Señor Esquivel es como cualquier persona de este mundo, con la única particularidad de que le pone música a sus sentimientos, si tú -amigo visitante-, alguna vez has estado enamorado, entonces Sergio Esquivel ya escribió alguna canción que te queda como anillo al dedo.

Le ha cantado a los novios, los esposos, las viudas, los amigos, al amor que se fue, al que no ha llegado, a la vida, a los hijos, a los padres, a la muerte, a la vida, a la felicidad, a la tristeza, en fin, a todos los sentimientos que nos motivan a ser mejores cada día de nuestra existencia.

Sería interminable el pretender describir con palabras lo que él hace tan extraordinariamente con sus canciones y su música, te invito a que conozcas algo de la gran persona y del excelente cantautor que la vida nos dio la oportunidad de conocer.

Sergio Esquivel vive en Yucatán y se dedica actualmente a producir para nuevos valores.

Richard Bona - Te Dikalo

2011-08-13T19:59:00.000-07:00

Es un cantante, compositor y multiinstrumentista camerunés de jazz y jazz fusión, especializado en el bajo eléctrico, instrumento del que es uno de los máximos exponentes actuales a nivel mundial.

Bona nació el 28 de octubre de 1967 en Minta, una pequeña localidad del Camerún oriental. Richard comenzó tocando el balafón con tan solo cuatro años, estimulado por su madre y su abuelo, quien le había construido el instrumento que el niño tocaba más de doce horas diarias.1 Con cinco años el pequeño Bona ya actuaba en la iglesia local, donde rápidamente se convirtió en una pequeña leyenda local, un niño prodigio cuyos espectáculos en bodas, bautizos y pequeñas fiestas todos querían contemplar. Con 11 años se trasladó con su padre a la localidad portuaria de Douala y allí se dio cuenta de que para atraer más público necesitaría aprender un nuevo instrumento, más moderno. Usando flautas y guitarras que él mismo se había fabricado con latas de aceite y alambres de bicicleta, finalmente encontró trabajo como guitarrista2 en una banda de Douala.

En 1980 el dueño de un club local pidió a Bona que formase una banda de jazz para su establecimiento, dándole acceso a su colección de vinilos. Cuando Bona escuchó impresionado el disco de debut de Jaco Pastorius, decidió cambiar de instrumento principal, adoptando desde entonces como instrumento principal el bajo eléctrico.
Tras la muerte de su padre en 1985, Bona decidió abandonar Camerún para instalarse en París en 1989 con tan sólo 22 años. Allí su fama como virtuoso no hacía más que crecer en cada una de sus apariciones en los clubs de jazz locales, junto a músicos como Didier Lockwood, Marc Ducret, Manu Dibango o Salif Keïta. Richard continuó profundizando su estudio de la obra de grandes músicos de jazz como Miles Davis, Chet Baker o Ben Webster.

Se inscribió en una escuela de música para perfeccionar sus habilidades como compositor y creó una banda propia llamada Point Cardinale. Finalmente, el teclista Joe Zawinul, en su constante búsqueda de nuevos talentos, advirtió la presencia del joven bajista en los clubes parisinos y lo fichó para su álbum de 1992 We the people, lo que supuso el estreno discográfico del bajista como acompañante de un nombre de relevancia internacional. En 1995, animado por el guitarrista Mike Stern, Bona abandonó París para establecerse en Nueva York, en cuya jam scene causaría un inmediato y notable impacto; de repente, Richard se encontró trabajando con los mayores nombres de la escena de jazz mundial, como Mike Stern, Randy Brecker, Michael Brecker, Bob James, Chick Corea, Bobby McFerrin o Branford Marsalis entre otros muchos.

En 1998, Bona grabó el primero de sus cuatro álbumes en solitario, Scenes From My Life, y un año más tarde se embarcaría como corista y percusionista en una gira mundial con Pat Metheny Group, junto a Steve Rodby, el bajista de la banda. En el 2004 Bona forma su propio sexteto fijo con el que ha recorrido los principales festivales de jazz del mundo. Aunque desde entonces el músico se ha focalizado en su proyectos en solitario, aún mantiene una apretada agenda de colaboraciones, además de actuar esporádicamente con Mike Stern, Steps Ahead o la Jaco Pastorius Big Band en distintos locales de Nueva York.

Es fácil comprobar mediante un rápido vistazo a su trayectoria que Bona ha trabajado con los más importantes músicos de la escena neoyorquina, y que lo ha hecho abarcando una amplísima variedad de registros estilísticos, que van desde el jazz hasta el funk o el pop.

Bona es un cantante muy capaz y un multinstrumentista con una increíble capacidad natural de aprender a tocar cualquier instrumento nuevo tan sólo mirando como es ejecutado.4 En lo que respecta a sus aportaciones en el bajo eléctrico, Bona es uno de los mayores virtuosos de la actualidad y una de las figuras que más atención atrae de parte de las revistas especializadas y de los aficionados al instrumento. Bona es músico y compositor antes que bajista, y su música es una obra integral donde cada instrumento tiene un papel diseñado para contribuir equitativa y musicalmente a la esencia del tema5 y un espacio cuyo centro está ocupado por la melodía, y no por ningún instrumento particular. Esta concepción, además de contribuir a acercar las propuestas de Bona a un público mucho más amplio, le ha proporcionado una credibilidad como compositor entre los críticos especializados que no es nada fácil encontrar en muchos de sus colegas bajistas.

El lenguaje de Bona en su doble vertiente de compositor y músico, refleja sus múltiples y variadas influencias (desde las complejas armonías características del jazz6 hasta los intrincados poliritmos característicos de las músicas tradicionales africanas, pasando por la importancia de la melodía que se deriva del interés del músico en el pop y el soul).

Aunque Richard Bona posee un amplio arsenal de bajos eléctricos, mantiene desde hace años un contrato de endorsement con la firma norteamericana Fodera que le lleva a usar preferentemente los instrumentos fabricados por esta marca en los conciertos y grabaciones del artista.

Chicago (Band) - Old Days Live

2011-08-06T00:00:00.000-07:00

Es, junto con Blood, Sweat & Tears (BS&T), la banda más representativa de lo que se dio en llamar Jazz Rock. Se fundó en la ciudad de su mismo nombre, en 1967, aunque inicialmente se denominó "Chicago Transit Authority", nombre que debieron recortar por problemas jurídicos con el ayuntamiento de la ciudad.

La banda estuvo integrada, inicialmente, por Lee Loughnane (trompeta), James Pankow (trombón), Walter Parazaider (saxos, flauta), Robert Lamm (voz, piano, órgano), Terry Kath (guitarra, voz), Peter Cetera (bajo, voz) y Danny Seraphine (batería, percusión). Al contrario que BS&T, Chicago mantuvo esta formación bastante estable, a lo largo de su historia. El grupo se formó en el invierno de 1967, a partir del núcleo de la banda de Kath, Parazaider y Seraphine, que se llamaba The Missing Links, durante una jam session en la Universidad DePaul, cuando se les unieron en el escenario Pankow y Loughnane. El nuevo grupo se llamó The Big Thing, y se completó poco después con Cetera y Lam. Fue éste quien embarcó a la banda en una gira a Los Ángeles, donde, ya bajo el nombre de Chicago Transit Authority, cosecharon un inesperado éxito.

Ese mismo año, el productor James William Guercio, decidió tutelarlos y, por ello, renunció a producir el primer disco de BS&T, tal como le había pedido Al Kooper. Sí produjo, sin embargo, el segundo, aunque sólo después de que CBS le hubiese dado luz verde a la grabación del primer álbum de "sus chicos".

El primer álbum apareció bajo el nombre del propio grupo, Chicago Transit Authority (Columbia, 1969) y se trató de un disco doble. Algunos de los cortes incluidos en este primer álbum doble son esenciales en el sonido del rock americano de finales de esa década: el progresivo y, como se decía entonces, underground I'm a man; la electrizante Free form guitar; temas robustos y sólidos, como Introduction; verdaderas joyas pop como Does anybody really know what time it is? o Beginnings, con su set final de percusión.1 El álbum tuvo un impacto mediático enorme y logró índices de venta suficientes en todo el mundo, como para que el grupo realizara una primera gira por Europa, en otoño de 1969.

Un año más tarde, la banda publicó su segundo álbum doble, bajo el título de Chicago II (1970). Este nuevo disco contenía varios hits, como 25 or 6 to 4, y algunas de sus obras maestras: La suite Ballet for a girl in Buchanan, en siete partes, o el tema Poem for the people. El tercer disco, también doble, llamado, por supuesto, Chicago III (1971), abundó en la misma línea que el anterior, y tiene también un buen nivel creativo, aunque es inferior a los dos anteriores. Incluyó también tres suites, entre las que destaca la poderosa An hour in the shower, cantada por Kath. No hubo, en este caso, ningún superhit, aunque el disco logró muy buenas ventas.

Ese mismo año, la banda rizó el rizo con la publicación de un cuádruple álbum en directo, Chicago IV (1971), que no aportó realmente nada a su discografía. Su época de oro musicalmente hablando, pareció claramente concluida con el disco Chicago V (1972) que, aún cuando contenía algunos buenos temas (Dialogue, A hit by Varese...) y algún hit remarcable (Saturday in the park), carecía ya del nivel creativo de los tres primeros. Sin embargo, fue el primero de sus discos en alcanzar el nº1 en EEUU, y el comienzo de una racha que duró hasta el undécimo disco. Ese mismo año, se publicó otro álbum en directo, Live in Japan (1972).

Los siguientes años vieron cómo el grupo sacaba nuevos discos a un ritmo elevado (6 discos en 5 años). El grupo se había reforzado con un percusionista, Laudir de Oliveira, que ya había colaborado con ellos en algunas giras, y la producción seguía en manos de Guercio, pero su música fue perdiendo fuelle creativo, lo que no obstó para que mantuvieran un considerable éxito comercial, especialmente con su álbum Chicago X (1976), que contenía su más conocido hit: If you leave me now, una hermosa balada, cantada por Cetera, que fue un éxito a nivel mundial y motivó una nueva gira por Europa.

En 1978, Guercio abandona definitivamente la producción del grupo, y la banda entra en una profunda crisis. Terry Kath muere de un disparo cuando jugaba a la ruleta rusa, y su puesto lo cubre el guitarrista Donnie Dacus. Los siguientes discos, Hot streets (1978) y XIII (1979), producidos por Phil Ramone, son un relativo fracaso comercial y artístico, igual que el mediocre XIV (1980). Por primera vez desde la aparición del grupo, un nuevo disco de Chicago no entraba en el Top 50 de Billboard, ni siquiera en los últimos puestos.

Musicalmente, la banda cae en una repetición monótona de esquemas, abusando de los sonidos Soft Rock, y clonando sucesivas baladas cantadas por Cetera, en un intento de reeditar el éxito de 1976. Durante la gira 1982-83, Dacus es sustituido por Bill Champlin (que luego volvería en distintas giras), y el disco que se publica ese año, Chicago 16, vuelve a entrar en los primeros puestos de las listas de ventas.El primer sencillo de este álbum, "Hard to say i´m sorry", alcanza el número 1 en Billboard y en otros listados de popularidad en el mundo. Así, parece terminarse la crisis.

disco Chicago 17 (1984) es el último que graba Peter Cetera, que contiene dos de los más grandes éxitos soft rock cosechados en la historia de la banda: "Hard Habit to break" y "You're the inspiration". Peter Cetera decide abandonar la banda e iniciar una aventura discográfica de manera solitaria. Y el elegido, tras realizar numerosas audiciones, es Jason Scheff, quien se ajustaba a lo que la banda estaba buscando (un buen cantante, con un cierto toque "Cetera" y un bajista sólido, hijo del bajista que solía acompañar a Elvis Presley). Algunos cambios más se producen en la década de 1990, año en que Danny Seraphine abandona el grupo y es sustituido por Tris Imboden. Algunos años después (1995), Keith Howland se une al grupo como guitarrista definitivo, al convencer al resto de la banda. Según declaraciones de miembros de la banda, desde la muerte de Terry Kath no habían encontrado el sonido ni el toque de guitarra que buscaban, hasta la aparición de Keith Howland

En todo este período, Chicago sigue sacando discos con regularidad y realizando giras por EE.UU.. Los discos de estudio, desde luego, ya no tienen ningún interés musical, refugiados en su cómodo soft-rock, ni tampoco logran grandes ventas. No es el caso de los recopilatorios, que se siguen editando cada cierto tiempo y que logran mejores resultados comerciales.

El grupo sigue en activo en 2010 y con una amplia agenda de conciertos, tras sus dos últimos discos de estudio, Chicago XXX, publicado en 2006, y Chicago XXXII- Stone of Sisyphus, publicado en 2008. En 2009, Lou Pardini sustituye a Bill Champlin en los teclados.

Roberto Polaco Goyeneche- Balada para un loco

2011-07-30T02:59:00.000-07:00

nacido en Urdinarrain (Entre Ríos) el 29 de enero de 1926 y fallecido en Buenos Aires el 27 de agosto de 1994— fue un exitoso cantor argentino de tango de ascendencia navarra,1 muy reconocido por su calidad interpretativa y por su particular modo de frasear con rubato las melodías del tango. Esta particularidad se basaba en no hacer coincidir el tempo de la letra que cantaba con el tempo del acompañamiento musical. La frase siempre quedaba por delante o por detrás del compás, cosa bastante infrecuente en el tango (Carlos Gardel, precursor del estio, como también Ángel Vargas también practicaban este modo de rubato). En cambio en el jazz, este rubato es más usual (por ejemplo en Louis Armstrong).

Por obra y gracia de un tren que bajaba del Norte argentino, Roberto Emilio Goyeneche nació el 29 de enero de 1926 en Urdinarrain. Su madre tuvo que interrumpir su viaje hacia Buenos Aires para ser internada en el hospital local —al no encontrarse médico de guardia en ese momento— fue ayudada en el parto por una enfermera rubia y muy joven. La ya desaparecida doña Santiaga Bondioni de Boero fue quien trajo al mundo al Polaco, y lo recordó siempre como un bebé pelirrojo y muy pecoso..., el mismo que con el transcurrir del tiempo cambiaría los primeros llantos por el tango.

De adolescente, Goyeneche, comenzó a frecuentar cafés y cabarés donde se presentaban los grandes cantantes de tango de la generación de los años cuarenta.

El Polaco trabajó como chofer de colectivos, taxista y mecánico y aunque nació en Urdinarrain, Entre Ríos, de muy joven se traslada al barrio de Saavedra (Buenos Aires), donde conoció al amor de su vida, el Club Atlético Platense, al que seguiría hasta el día de su muerte.

Su primer éxito fue a los dieciocho años en un concurso para voces nuevas, en 1944. Ese mismo año inició su carrera como cantor en la orquesta de Raúl Kaplún. Formado en la caudalosa corriente gardeliana, alcanzó un estilo personalísimo de dicitore.
En 1952 fue convocado por Horacio Salgán para reemplazar al cantor Horacio Deval y formar rubro con Ángel Díaz, quien fue el que lo bautizó «El Polaco», por ser flaco, tener el pelo largo y rubio, similar a los jóvenes de origen polaco de la época. Con Horacio Salgán registró cuatro grabaciones para el sello RCA Victor, Alma de loca, Yo soy el mismo, Un momento y Siga el corso. En 1954 siguió grabando con Salgán en el sello TK otras seis grabaciones, dos de ellas a dúo con Díaz.

En 1956, a los treinta años, se convirtió en el cantor de la orquesta de Aníbal Troilo, de quien fue admirador y entrañable amigo. Con él grabó 26 temas. Unos años después, ya solista, se volvieron a asociar en dos LP titulados Nuestro Buenos Aires (de obras compuestas especialmente por Armando Pontier y Federico Silva), en 1968 y ¿Te acordás Polaco?, en 1971.

El repertorio de Goyeneche fue muy extenso y variado, los tangos bien antiguos y los más modernos desfilaron en su trayectoria discográfica. Cantó los tangos Afiches, Maquillaje y Chau, no va más (de Homero Expósito). También una versión de Malena, de Lucio Demare (poesía de Homero Manzi) y Naranjo en flor.

Lo mismo sucedió con los de otros cantantes, como por ejemplo Floreal Ruiz (con Naranjo en flor), Edmundo Rivero (con La última curda), Raúl Berón (con Qué solo estoy), Francisco Fiorentino (con Gricel y Garúa), entre otros. También fue intérprete del repertorio de Carlos Gardel.

En Estados Unidos grabó un disco de tangos clásicos (Volver, Sur, la milonga Los ejes de mi carreta, de Atahualpa Yupanqui) con extrañísimos arreglos jazzísticos de Carlos Franzetti (pianista y compositor argentino de jazz radicado en EE. UU.).
En 1969 grabó Balada para un loco, de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer, en un acto de audacia artística, luego del escándalo que el estreno del tema significara y el debate sobre lo que debía ser aceptado como tango.

Se consagró como solista después de ser cantor de orquesta y el reconocimiento le llegaría a la madurez de su voz para no abandonarlo hasta su muerte. Fue mítica la colaboración que Goyeneche prestó al quinteto de Astor Piazzolla durante la breve temporada (mayo de 1982, en plena guerra de las Malvinas) en el Teatro Regina de Buenos Aires, y de la cual se conserva registro discográfico.

Entre 1985 y 1987 participó de los programas televisivos Operación Porcel y Las gatitas y ratones de Porcel, ambos encabezados por Jorge Porcel.

En octubre de 1987, filma la película Sur que dirige Pino Solanas y que cuenta entre los músicos que lo acompañan al guitarrista Raúl Luzzi y al bandoneonista Néstor Marconi.

En el momento de su muerte, ocurrida el 27 de agosto de 1994 en Buenos Aires, era considerado el mayor cantante de tangos en actividad. En su homenaje, una avenida del barrio de Saavedra, en la ciudad de Buenos Aires, lleva su nombre.3 4 Curiosamente, la fecha de su deceso coincidió con la de otra referente del tango de Buenos Aires, Beba Bidart

Mohamed Mounir - Madad Ya Rasulallah

2011-07-23T13:24:00.000-07:00

es un cantante nubio-egipcio nacido en Asuán, Egipto el 10 de Octubre de 1954. Su música de estilo pop tiene sus raíces en varios géneros de música tradicional egipcia y música africana. Sus letras tienen a menudo mensajes sociales y políticos, con los que Mounir se convierte en un portavoz de la fraternidad religiosa y cultural de Oriente y Occidente. Mounir es considerado el ídolo de la juventud egipcia.

Su primera actuación en España fue en Zaragoza con motivo de la Expo 2008. Desde el principio tuvo algo diferente. Su música fluye en ritmos y melodías folclóricas procedentes de la cultura de Nubia, la región donde confluyen el Mediterráneo y el África subsahariana, en contraste con la mayoría de la música poop egipcia, que está dominada por los sonidos tradicionales de la música egipcia.

Álbumes

• Alemony Eneeki (Your Eyes Taught Me) (1977)
• Bentweled (We're Born) (1980)
• Shababeek (Windows) (1981)
• Etkalemy (Talk) (1983)
• Bareea (Innocent) (1986)
• West El Dayra (In the Middle of the Circle) (1987)
• El Malik Howwa El Malik (The King is The King) (1988)
• Shokolatta (Chocolate) (1989)
• Eskendreya (Alexandria) (1990)
• Meshwar (A Long Journey) (1991)
• El Tool We Lon Wel Horreya (Length, colour and freedom)(1992)
• Efta Albak (Open Up Your Heart) (1994)
• Momken (Maybe) (1995)
• Men Awel Lamsa (From The First Touch) (1996)
• El Maseer (Destiny) (1997)
• Habeebty (My Love) (1998)
• Maadarsh (I Can't) (1998)
• El Farha (Happiness) (1999)
• Fe Eshq El Banat (On Loving Girls) (2000)
• Alby Massaken Shabeyya (My Heart Is Public Houses) (2001)
• El Ard... El Salam (Earth... Peace) (2002)
• Ahmar Shafayef (Lipstick) (2003)
• Embareh Kan Omri Eshrin (Yesterday I Was 20) (2005)
• Ode To Liberty DUNIA (Dunia Movie Songs) (2006)
• Ta'm el beyoot (The Taste Of Home) (2008)

Mireille Mathieu - Himno al amor

2011-07-16T13:01:00.000-07:00

cantante francesa.Conocida en su propio país como La Dama de Avignon grabó en distintos idiomas. Descubierta en 1965, es el arquetipo de la cantante popular de los años 60 y 70, periodo en el que conoció sus mayores éxitos, es considerada un símbolo de la canción francesa, ha vendido 150 millones de discos por todo el mundo ha grabado en 11 idiomas (francés, alemán, inglés, español, italiano, ruso, finlandés, japonés, chino, catalán y provenzal), celebró en noviembre del 2005 sus cuarenta años de carrera.

Nació en Avignon, Vaucluse, Francia, 22 de julio de 1946) es la mayor de una familia humilde de 14 hermanos, (Su padre de nombre Roger de oficio Cantero realizó la tumba de Albert Camus).Ella comenzó a cantar desde pequeña, apareciendo en publico a la edad de 4 años cantando en la iglesia de su comunidad. Ya de joven trabajó en una fabrica de donde ahorró dinero para ayudar a su familia y pagar sus lecciones de canto. Con obstinación se presenta tres años consecutivos en el concurso "On chante dans mon quartier"(En mi barrio se canta) organizado por la alcaldía de Avignon donde se eleva con la mítica canción "La Vie en Rose" que se convierte desde entonces en su fetiche, su canción insignia para todos los conciertos o giras, el asistente del alcalde de Avignon, Raoul Colombe decide apoyar su carrera, haciéndola participar en numerosas galas e inscribiéndola en el famoso segmento televisivo "Jeu de la Chance"(Juego de la suerte).

Descubierta por Johnny Stark agente de Johnny Hallyday, fue asesorada por el director de orquesta Paul Mauriat y el compositor André Pascal quien escribió para ella: "Mon credo", "Viens dans ma rue", "La première etoile". Después de su aparición en televisión en 1965 y su debut en el Olympia de París, fue inmediatamente señalada como la próxima Édith Piaf debido a su voz.

Sencillos como: "Mon Credo" y "C`est ton nom" la hicieron una estrella inmensa en Francia y toda Europa mientras que consolidaba como éxito en Norteamérica y México a su versión francesa de la canción The last Waltz (El último vals) de Engelbert Humperdinck "El último vals" generó mucha publicidad en Gran Bretaña, y hit tras hit pronto viajó a Canadá y a los Estados Unidos de América donde apareció en el "Show de Ed Sullivan" y el "Show de Dany Kaye. En las Vegas cantó al lado de Dean Martin y Frank Sinatra cosechando numerosos aplausos. Es apadrinada por el gran Maurice Chevalier a quien ella le consagra una canción-homenaje en 1980 Le canotier de Maurice Chevalier y el cineasta/documentarista François Reichenbach filma Le Conte de fée de Mireille Mathieu (El cuento de hadas de Mireille Mathieu) que se difundió en 1966 por la televisión francesa.Este film muestra en particular su encuentro con Maurice Chevalier y su primer viaje a los EE.UU.

Su imagen como cantante « oficial», « voz de la Francia» se construye a partir de esta época con la interpretación de la que permanece como una de sus canciones la más emblemáticas: Paris en Colère. Escrita por Maurice Vidalin con música compuesta por Maurice Jarre para el largometraje de Renè Clement: Paris brûle-t-il?, la canción es desde su salida, un inmenso éxito y permanece hasta hoy como la canción símbolo de la liberación de París, al punto de que en el 2004, el alcalde de Paris, Bertrand Delanoë, le pidió que la cantara frente al palacio de gobierno en presencia de Jacques Chirac para la celebración del sexagésimo aniversario de la liberación de Paris.

En 1967 fue la adaptación en francés del éxito de Engelbert Humperdinck The last waltz bajo el título La Dernière Valse que le abre las puertas de las listas de popularidad del Reino Unido y el honor de participar por primera vez en un concierto real frente a la reina Isabel II del Reino Unido lo que se repitiría dos veces más en el curso de su carrera. Participó, a finales de los años 60, en los shows de más renombre en el Reino Unido, Canadá y Estados Unidos, lo que le permitió confrontarse con los más grandes artistas de la época: Tom Jones, Dusty Springfield, Burt Bacharach, Dany Kaye, Des O’Connor, John Davidson..

Mientras que sus éxitos en francés de encadenan (J’ai gardé l’accent con letra de Gaston Bonheur en 1968; La première étoile escrita por André Pascal con música de Paul Muriat en 1969, que es retomada en sueco por Agnetha Fältskog antes de reunirse con el grupo ABBA), Mireille comienza pues una gran historia de amor con el público alemán, en 1969, con Hinter der Kulissen von Paris durante los años 70 sus éxitos en el idioma de Goethe compuestos y arreglados la mayor parte de ellos por Christian Bruhn van a sucederse uno tras otro y hacer de ella el símbolo de la amistad franco-alemana iniciada por Konrad Adenauer y el General Charles de Gaulle.

En la justa dimensión de las cosas algunos de sus éxitos en alemán serán igualmente éxitos en Francia y en numerosos países: « Acropolis Adieu» (1971), « Santa Maria de la Mer» (1978), « Mille Colombes» (1977) (Estos dos últimos con la participación de los célebres "Petits Chanteurs à la Croix de Bois" en los coros y La «Paloma Adieu» que en 1973 se convierte en éxito fenomenal en Europa, tanto la versión en alemán como en francés. Es en aquel año su paso por el Olympia durante cerca de un mes.

El final de los años 80 está marcado por una gira en China en 1986 siendo una de las primeras artistas occidentales en realizar una gira por el paísPlantilla:Ref requerida y otra en URSS en 1987. Igualmente canta el himno de francia (La Marseillesse) para el centenario de la Estatua de la Libertad en duo con Andy Williams en Nueva York ante los presidentes Ronald Reagan y François Mitterrand. En 1987 recibe el orden national del mérito[cita requerida], Jacques Chancel le consagra un gran espectáculo donde canta canciones clásicas. Su primera autobiografía « Oui, je crois» es escrita con Jacqueline Cartier.

En 1988 la puesta en venta del single « L’Enfant que je n’ai jamais eu»(incluido en un recopilatorio que será certificado como doble dico de oro[cita requerida]) marca la entrada en una nueva casa de discos; Carrère (depués de Barclay de 1966 a 1972, Philips de 1973 a 1982 y Ariola de 1983 a 1987) y el comienzo de una colaboración con Didier Barbelivien y Pascal Auriat.Mireille será nombrada Caballero de la Legión de Honor (1er orden)Plantilla:Ref requerida, el 9 de diciembre de 1999 por Jacques Chirac, presidente de la República Francesa.

Skatalites - Guns of Navarone

2011-07-09T12:45:00.000-07:00

es un grupo de origen jamaicano de ska creado en 1964. El nombre está formado a partir de la mezcla de «The Satellites» con la palabra «Ska».

The Skatalites están considerados los creadores del ska y, por tanto, influenciadores del rocksteady, del reggae (ya sea early(Skinhead), roots(Rastafarismo)...), del dub, del dancehall, y del de sus descendientes musicales que derivan de los sonidos tradicionales de Jamaica. Sus primeras grabaciones de ska datan de junio de 1964, aunque estos músicos habían trabajado bastante tiempo antes como banda de estudio para el sello Studio One, grabando principalmente rhythm and blues. Los miembros originales de la banda obtuvieron su formación musical a partir de los músicos de jazz de la isla Jamaiquina. Por eso, aunque se inspiraron en lo que sonaba en Estados Unidos (principalmente boogie woogie) y los sonidos africanos, la música de The Skatalites y por lo tanto el ska, contiene muchos elementos propios del jazz.

Los miembros originales de The Skatalites fueron Don Drummond (trombonista), Tommy McCook (saxo tenor y flauta), Roland Alfonso (saxo tenor), Lester Sterling (saxo alto), "Dizzy Johny" Moore (trompeta), Lloyd Brevet (bajo) Lloyd Knnibb (batería), Jackie Mittoo (Piano y Órgano), Jah Jerry Haines (Guitarra).

The Skatalites grabaron para los "soundsystems" a través de "Studio One", del que eran banda de estudio. Llegaron a ser muy populares en Jamaica y fueron la influencia de toda la música posterior en la isla. La mayoría de grandes artistas de música jamaicana, como Bob Marley, Peter Tosh, Bunny Wailer, Toots and the Maytals, Laurel Aitken o Prince Buster grabaron o dieron conciertos con ellos, e incluso hoy en día, muchos grupos tienen colaboraciones con el grupo por lo que significa para esta música, por ejemplo, los americanos New York Ska-Jazz Ensemble. La banda original se disolvió en 1965, año en que el líder del grupo (Don Drummond) mató a su esposa y lo internaron en el centro psiquiátrico "De Bellevue", centro en el que murió al cabo de dos años.

La banda reapareció reformada como grupo en el año 83 y en la actualidad siguen tocando, aunque la mayoría de componentes han sido reemplazados. Recibieron dos Grammy en 1996 y 1997. Los últimos álbumes de Skatalites contaban mayormente con nuevas grabaciones modernas de temas de la banda original, pero en los últimos años podemos encontrarnos ante álbumes de estudio totalmente inéditos (Bashaka o On The Right Track, por ejemplo).

su ultima aparicion fue en el festival internacional altavoz en medellin (antioquia,colombia)los cuales fueron invitados de honor para el cierre del dia de ska y reggae,interpretando sus grandes exitos interpretados en compañia de Doreen Shaffer (Monica Johnson)la cual es conocida como la "Reina Del Ska",un miembro original del grupo...y siendo aparentemente su ultima aparicion ante el publico.

Antonio Carlos Jobim - Desafinado

2011-07-02T10:03:00.000-07:00

Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Río de Janeiro, 25 de enero de 1927 - Nueva York, 8 de diciembre de 1994), conocido como Tom Jobim o Antonio Carlos Jobim, fue un compositor, cantante, guitarrista y pianista brasileño de bossa nova.

Está considerado como uno de los grandes exponentes de la música brasileña, Jobim es el artista que internacionaliza la bossa nova y, con la ayuda de importantes artistas estadounidenses, la fusiona con el jazz para crear en los años sesenta un nuevo sonido cuyo éxito popular fue muy destacable. Jobim está considerado como uno de los grandes compositores de música popular del siglo XX.

Las raíces de Jobim en el jazz están en sus admiradas grabaciones de Gerry Mulligan, Chet Baker, Barney Kessel y otros músicos del West Coast jazz o cool de los años cincuenta. Además, el mismo Jobim apuntó que el compositor impresionista francés Claude Debussy tuvo una influencia decisiva en sus armonías, así como el samba brasileño proporcionó a su música un original ritmo exótico siempre presente. Como pianista, su toque es sencillo y melódico, al estilo de un Claude Thornhill, aunque en algunas de sus grabaciones llegase a demostrar que podía ser sumamente inventivo. Su guitarra está limitada principalmente a un acompañamiento apacible a los ritmos sincopados del jazz; su voz, suave, sencilla y ligeramente ronca, subraya los aspectos emocionales de las letras.

Jobim ya estaba encaminado en principio a la carrera de arquitecto. Sin embargo, al cumplir los veinte años, la llamada de la música se hizo tan poderosa que empezó a tocar el piano en los nightclubs y a trabajar en estudios de grabación. Hizo su primera grabación en 1954, acompañando al cantante Bill Farr como líder de «Tom e a sua Banda». Su primer gran éxito le llegó en 1956 cuando, junto con el poeta Vinícius de Moraes, elaboró parte de la música de una obra teatral llamada Orfeo da Conceição (más tarde convertida en película, Orfeo negro). En 1958, Jobim produce un disco, por su particular estilo bossa nova (‘tendencia nueva’ o new wave; del portugués bossa: ‘aptitud, tendencia, vocación’), al guitarrista y cantante João Gilberto, grabando algunas de las canciones de Jobim con arreglos musicales del mismo, dando comienzo al género musical de la bossa nova, siendo Chega de saudade el éxito bossa nova por antonomasia.

El despegue de Jobim fuera de Brasil se produjo en 1962 cuando Stan Getz consiguió un sorprendente éxito con su tema Desafinado; un año después, Jobim y varios músicos brasileños más fueron invitados a participar en un espectáculo en el Carnegie Hall, donde es estrenada Garota de Ipanema (The Girl from Ipanema), y por ende, el éxito de la música brasileña, esta melodía grabó además una versión al lado del cantante estadounidense Frank Sinatra. Empujada por las canciones de Jobim, la bossa nova se convirtió en un éxito internacional, y los músicos de jazz se acercaron a ella, grabándose númerosos discos hasta agotar su tirón comercial a finales de los años sesenta.

En 1980 fallece su gran amigo Vinicius de Moraes y en 1984, ya en Brasil, forma un grupo denominado "Nova Banda", con la que graba discos como "Passarim"; "Inédito" y "Antonio Brasileiro". Otras obras suyas notables son, "Cega de Saudade" (1959), "Samba de una nota sola" y "Desafinado". Antonio Carlos Jobim está considerado una leyenda de la bossa nova y de la música brasileña en general y sin duda fue una de las personalidades más deslumbrantes de la música contemporánea.

Jobim prefirió los estudios de grabación a las giras, grabando varios discos de su música como pianista, guitarrista y cantante para Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI y MCA en los sesenta y setenta, volviendo a Verve en los últimos años de su vida. En principio, comenzó a colaborar con el arreglista y director Claus Ogerman. Al agotarse el éxito de la música brasileña en Estados Unidos, Jobim se concentró en el cine y en la televisión brasileña. Pero hacia 1985, con el auge de las llamadas músicas del mundo y de una segunda ola de música brasileña, Jobim comenzó una gira con un grupo en el que estaba su segunda mujer, Ana Lontra, su hijo Paulo, su hija Elizabeth, y varios músicos amigos.

El 8 de diciembre de 1994 fallece en el Hospital Monte Sinaí, en Nueva York, debido a un infarto producido tras una operación.

Joe Tex - The Love You Save

2011-06-25T12:33:00.000-07:00

José Arrington, Jr. Nació un 08 de agosto 1933, en Baytown, Texas, EE.UU. más conocido como "Joe Tex", era un americano, cantante y compositor muy popular durante los años 1960 y 1970. Su estilo de hablar sobre la música, que calificó de " rap ", lo convirtió en un precursor del estilo moderno de la música. Era de esos auténticos monstruos sagrados del soul, que a pesar de su fuerza, poder vocal y compositivo, han permanecido a lo largo del tiempo en un injusto segundo plano.

Fue uno de los más subvalorados cantantes soul de los `60 de Atlantic Records, aunque sus discos fueran más apreciables que los de la mayoría de sus compañeros. Al tejano hay que reconocerle diversos méritos: en 1965 grabó el primer disco de soul sureño que triunfó en las listas pop “Hold What You’ve Got”, número 5 en Billboard; en 1966, su “I Believe I’m Gonna Make It”, una imaginaria carta al hogar desde Vietnam, fue el primer gran hit asociado a esa guerra; y en 1967 su tema más popular, “Skinny Legs And All”, puro rapeado sobre riffs funky, sería todo un modelo para el desarrollo del hip hop. La marca de fábrica de Tex, dotado de una voz áspera, consistía en insertar “sermones” en medio de ritmos soul; por eso y por el uso de frases coloquiales del ghetto, es considerado una de las grandes influencias del rap.

Joe Tex, comenzó su deambular musical en los circuitos de R&B a mediados de los `50, con su poderosa y profunda voz rasgada, pero sin embargo no fue hasta mediados de los `60, justo cuando el R&B negro de antaño, se había difuminado en un poderoso nuevo estilo denominado Soul, cuando consiguió sus primeros éxitos, dentro del sello Dial, distribuido en aquellos días por la todopoderosa Atlántic Records, llegando a ser el primer intérprete de Soul sureño que entró en las listas de pop con su tema “Hold What Yo’ve Got”, top 5 en 1965, una sentida y cálida balada de escueta instrumentación, donde sobresale la profunda voz de Joe Tex, sus típicos y característicos fraseos que él llamaba rap y que en cierta medida él ayudó a alumbrar junto al genio de James Brown.

En estos años de apogeo, Joe Tex llegó a gozar de un gran prestigio en la escena soul, prestigio que le permitió formar parte de aquel denominado Soul Clan de la Atlantic Records que formaron Wilson Picket, Solomon Burke, Don Covay y él mismo, a pesar de la calidad de sus miembros, no tuvo mucho éxito y desgraciadamente pronto cayó en el olvido.

Una pelea entre compañeros de Tex y compañero de sello de James Brown comenzó después de que Brown, que se sentía Tex copiar sus movimientos el escenario, comenzó a salir esposa de Tex, Bea Ford . En respuesta, Tex escribió una canción llamada "Usted se la quede”. Tocaron un par de shows más juntos hasta Tex burlado actuar de James Brown, de lanzar una capa encima de su hombro y le gritó "por favor - me saque de esta capa". Brown luego disparó un arma contra Tex en un club nocturno

Convertido a la fe musulmana desde 1966, cambió su nombre por el de Yusuf Hazziez, y estuvo de gira como profesor espiritual. Él tiene una hija, Eartha Doucet, y sus cuatro hijos, José III Arrington, Hazziez Ramadán, Hazziez Jwaade y Hazziez José.

El 13 de agosto de 1982, Joe Tex murió en su casa en Navasota, Texas , después de un ataque al corazón , a sólo cinco días después de su cumpleaños número 49.

Carla Morrison - Compartir

2011-06-18T07:56:00.000-07:00

Es una cantante mexicana que radica en Baja California Mexico, cuyo oficio es crear musica con pedales con secuencias y loops, junto con su teclado de efectos y guitarra electroacustica, basados en construir sus canciones en vivo con capas musicales de segundas hasta terceras y cuartas voces de ella misma…Dentro de su sonido se puede sentir la melancolia y el sentimiento de una propuesta muy novedosa y vanguardista, como al igual muy entretenida que da chipazos de mucha melodia y felicidad..

A principios del año 2006 Carla comienza a interactuar con diferentes bandas de covers de Rock en español, al final despues de 6 meses decide irse a vivir a Phoenix Arizona (EUA) donde estudia varios semesters en el departamento de Musica de Mesa Comunnity College, una rama pequeña de la Universidad de Arizona. Dentro de poco tiempo desiste de la escuela y comienza a exponerse a los medios musicales y forma una banda musical llamada Babaluca que consiste de un trio..una chica en la guitarra (nichole petta) un baterista (nick kizer) y una tecladista y voz (Carla Morrison) y conforman melodias y sonidos que clasifican la banda indie y bilingue del momento en su ciudad..Fueron al muy poco tiempo entrevistados por la cadena televisora de Univision considerados como un orgullo hispano y apremiados al poco tiempo por los premios Stylos de la ciudad de Phoenix Arizona, como “La Mejor Banda Indie de Arizona para el 2008” y despues comparten escenarios con Girl in a Coma, Pastilla, Kinky hasta Babasonicos y son reconocidos y muy bien recibidos en los escenarios prestigiados de la ciudad de Los Angeles California donde al poco tiempo Moises a.k.a “ El Perro” ex guitarrista de la banda “Los Abandon” quien se convirte en su manager y fueron entrevistados tambien por Alborde.com, y dar una presentacion acustica llamada Alborde Acustic Sessions, Mucho Wednesday’s y fueron entrevistados por Latino Perpectuve y Phoenix New Times, Club Fonograma.com entre otros..

Carla participo en la grabacion del disco de la cantante Lonna Kelley “ Go away Closer” donde dio todos los coros sopranos de la mayoria del disco. Y al poco tiempo Babaluca esta casi por terminar su primer album para sacar a la venta en EUA y dando a conocer su salida de la banda Babaluca.

A prinicipios del año 2009 Carla lanza su primer Ep como solista en Mexico llamado “Aprendiendo a aprender” en los estudios de www.redmondmusic.com en Phoenix Arizona el cual consiste de 6 temas compuestos y producidos por ella misma y graba un tema extra donde canta y hace honor a la cancion “Tragos de Amargo Licor” de Ramon Ayala. Dando comienzo a su carrera como solista.

Natalia Lafourcade se ofrecio a ayudar a Carla a grabar y producir algo en su casa, simplemente por el hecho de declarase su fan...Carla y Natalia se reunieron en Diciembre 2009 en el DF donde tuvo la oportunidad de tocar en el Teatro fru fru, siendo telonera de el show del lanzamiento del disco de huhuhu de Natalia lafourcade. Fue entrevistada por la radio de musica alternativa mas famosa y conocida de la Ciudad de Mexico llamada Reactor 105.7 FM, grabo una session con Clickaporte en Ibero 90.9 asi como tambien “ Esta Soledad” fue seleccionada como la cancion de la semana en Itunes Mexico y USA. (feb 2010)

Sus Canciones “Esta Soledad” y "Lagrimas" fueron agregadas al OnceTV para la serie televisiva “SOY TU FAN” que saldra al aire este 2010 y sera usada por los 13 primeros capitulos, en esta serie participan Los actores Ana Claudia Talancon,Martin Altomaro,Oswaldo Benavides,Maya Zapata.

Taraf De Haidouks - Turceasca

2011-06-11T18:49:00.000-07:00

Durante siglos, en muchas regiones de Rumania, la música tradicional y los bailes han acompañado los momentos más importantes de cada vida. En ningún nacimiento, en ningún bautismo, en ningún casamiento ha faltado la presencia de una banda de músicos que interpretara las canciones que sus antepasados les fueron transmitiendo generación tras generación. Una de estas agrupaciones traspasó las fronteras de su país y llevó esta música a distintas partes del mundo. Los Taraf de Haïdouks son una docena de músicos gitanos que provienen de un pueblo de Rumania llamado Clejani. Los integrantes de esta banda, cuyas edades van desde los 20 hasta los 80, nunca habían tenido la oportunidad de salir de su lugar de origen hasta que dos músicos extranjeros (Stéphane Karo y Michel Winter) los conocieron y se entusiasmaron con la idea de dar a conocer esta música al resto del mundo.

Uno de ellos, Karo, fue a Rumania con la intención de conocer a fondo la música que había escuchado alguna vez en una tienda de discos en Bruselas. En Clejani conoció a Nicolae Neacsu, una enciclopedia vida del folklore rumano quien vivía solo en un cuarto de caballeriza. Éste, sorprendido por el interés demostrado por el recién llegado, grabó, de manera precaria, algo de la música tradicional junto a algunos músicos jóvenes. Sin embargo, justo en ese momento comenzó la revolución, que luego terminaría con la caída de Ceacescu, y por tal razón se vieron impedidos de concretar una grabación profesional. En 1990, cuando la situación política se tranquilizó, Karo y Winter viajaron a Clejani y, tras conocer a otros músicos de la región, decidieron organizar una gira por Europa con la nueva banda a la cual llamaron Taraf de Haïdouks (taraf es una palabra turca que designa a un grupo de músicos y los haïdouks fueron unos legendarios bandidos al estilo Robin Hood, héroes en las baladas medievales).

Esta gira le significó el primer contrato de grabación con el sello belga Crammed Discs. El álbum debut de la banda, "Musique des Tziganes de Roumanie", rápidamente escaló a las primeras posiciones del chart europeos de world music. Este disco les permitió introducir en el mundo occidental la riqueza y el ritmo de la música gitana rumana, deslumbrando y sorprendiendo en cada presentación en festivales, salas de conciertos y clubs de toda Europa, incluyendo su actuación en el Womad de Montreaux. En 1992, el grupo fue invitado para tocar y grabar en un programa de televisión junto al gran director Yehudi Menuhin. Tuvieron, además, un papel importante en el film "Latcho Drom" del director Tony Gatlif. Dos años después grabaron en Rumania su segundo disco, "Honourable Brigands, Magic Horses and Evil Eye", el cual fue muy bien recibido por la crítica resultando elegido en Alemania como mejor álbum de world music. El siguiente, "Dumbala Dumba" se registró en una casa en Clejani a fines del '97.

Pese a este éxito, durante cada receso, los integrantes regresan a su pueblo continuando su habitual estilo de vida. Incluso se siguen presentando en todos aquellos eventos de la vida cotidiana de la región. Un dato curioso: los miembros de Taraf han participado en desfiles de Paris como modelos de ropa junto a algunos prestigiosos diseñadores.La trayectoria de Taraf también incluye una participación en la banda sonora del film "The Man Who Cried" dirigido por Sally Potter.En su natal Rumania sólo tocaban en bodas o celebraciones locales; ahora se presentan en todo el mundo

Taraf de Haidouks es una agrupación musical presentada como "la mejor banda de gitanos en el mundo", lo que puede ser corroborado por audiencias y críticos de muchos países de los cinco continentes, incluido México. La verdad es que los oriundos de una zona marginada de la villa Clejani, cerca de Bucarest (Rumania), son músicos modestos-honestos que en 2002 hicieron estallar la sala Nezahualcóyotl con su energía gitana, su virtuosismo musical y la irreverencia de su alegría. Ahora regresan al mismo foro el próximo 24 de abril para presentar su cuarto álbum editado por Discos Corasón, Banda de gitanos, que compila tres conciertos que ofrecieron en Bucarest, donde hasta hace poco eran considerados "unos gitanos harapientos".

Clejani es lugar de origen de un sinnúmero de bandas de gitanos que amenizan bodas y celebraciones locales (gitanos que se dedican a otras actividades, pero no profesionalmente a la música). Esa música fue escuchada alguna vez por los belgas Michael Winter y Stéphane Karo, quienes, encantados, viajaron al lugar y grabaron en una cinta casera a una banda liderada por el viejo violinista Neculae Neacsu, pero con la intención de volver y hacer una grabación profesional.

Quisieron regresar, pero el régimen comunista de Nicolai Caucescu (1987-1989) se los impidió, debido a que los gitanos no eran considerados rumanos. Terminó el periodo comunista y muchos de ellos, grandes de edad y enfermos, iban a terminar sus días como la mayoría de los gitanos: en el olvido. Los musicólogos regresaron para sacar de gira a un conglomerado de varios de los mejores músicos de la región; el resultado fue Taraf de Haidouks, que editó en 1990 su primer disco con título homónimo.

"De niño, en casa de mis padres, escuché antiguas baladas de músicos gitanos. Decidí ir a Rumania, grabé a algunos, fue una experiencia loca. Luego del periodo comunista regresé a la villa con mi amigo Stéphane, reconocí a algunos de ellos, los grabamos y decidimos llevarlos a Bruselas. En octubre de 1990 organicé el primer tour. De allí han surgido una gran cantidad de historias sobre ellos en todos los continentes", relata vía telefónica Michael Winter.

"Su único trabajo era tocar en celebraciones o bodas. Pero para el más viejo, Neculae, pertenecer al grupo fue un nuevo comienzo, pues ya ni siquiera en esas fiestas lo contrataban, ya que estaba enfermo y quizá iba a morir. Ahora se siente un jovencito. Algunos otros quizá hubieran muerto, fue una oportunidad de trabajar de nuevo".Todos son originarios de Rumania, menos el clarinetista Filip Simeonov, gitano de Bulgaria. Todos son líricos y han adquirido los conocimientos por herencia familiar. Entre su acústica se pueden escuchar violines, acordeones, címbalos, flautas, contrabajos y voces. los Taraf no son profetas en su tierra. Son reconocidos en los cinco continentes; han tocado en foros al lado de músicos como Kronos Quartet, pero en Rumania son menospreciados.

"El problema en Rumania es que mirar ahora a los gitanos es algo muy pose. La cultura oficialista de Rumania se avergüenza de los gitanos como los de Taraf, pero sí presenta a otros en los canales oficiales, muy bien adornaditos para que den esa imagen. Hay un menosprecio hacia gente como los de Taraf, porque vienen de una villa; dicen que son sucios, analfabetas. Luego de ver los diarios de otras partes del mundo, ahora a los Taraf los quieren invitar a tocar allá".

Enriqueta Ulloa- Cueca Chapaca

2011-06-04T08:19:00.000-07:00

Nelly Enriqueta Ulloa Mealla es una cantante folclorista boliviana, nacida el 14 de julio de 1952 en Padcaya, Departamento de Tarija, su música esta relacionada solo con los ritmos autóctonos de su región, por ejemplo en la cueca boliviana.

Su música esta relacionada solo con los ritmos autóctonos de su región Tarija, por ejemplo en la cueca boliviana y la copla.

Entre sus cancines más conocidas son:

- Chapaco soy- -La ruleta del amor - Sangre española - Paso paso palomita- - A la orilla de la fuente - Tierra hermosa - La semana del amor - Volviendo al valle - La vidita,Entre muchas otras.

es una de las mas grande representante del folklore tarijeño- boliviano, lleva grabados mas de 30 discos, es una abanderada del folklore nacional, nacio en Padcaya-Tarija y es una artista polifacetica

Además ha actuado en una película boliviana en la década de los 80, titulada Amargo Mar de 1979, del director Manolo Agazi, que es una narración de la Guerra del Pacífico.

Enriqueta fue también la presidente del Concejo Municipal en la ciudad de La Paz.

Gordon Lightfoot - Sundown

2011-05-28T07:56:00.000-07:00

( 17 de noviembre, 1938, Ontario, Canadá; ), conocido como Gordon Lightfoot, es un cantante y compositor canadiense de folk, country y musica popular. Alcanzó popularidad en los 1960s, y entró en las listas internacionales de éxitos en los años setenta con canciones como "If You Could Read My Mind" (1970), "Sundown " (1974), "Carefree Highway" (1974), "Rainy Day People" (1975), y "The Wreck of the Edmund Fitzgerald" (1976. Sus padres reconociendo y estimulado su interés en la música, su primera aparición como Massey Hall de Toronto, ahora una norma venerado en su calendario de gira, fue justo antes de cumplir los 13, como el ganador de un concurso para niños con voces sin cambios.

Su música fue descubierto en 1964, cuando se estaba realizando en la escena folk Toronto; Fellow canadienses Ian y Sylvia eligió a dos de sus canciones, Rain Early Mornin 'y For Lovin' Me para su siguiente álbum, acertadamente llamado para la primera canción.

Su álbum más reciente, Gordon Lightfoot: Harmony fue lanzado en 2004 en Linus, un sello independiente canadiense. Tiene dos grabaciones en directo de su serie 2001 Massey concierto, y el 9 de nuevas grabaciones en estudio que establece a principios de 2002 antes de su enfermedad casi fatal en septiembre de ese año. El CD fue terminado en el estudio mientras todavía estaba recuperándose de su pincel, cerca de la muerte. A pesar de que gira en los EE.UU. y en Canadá durante los años 60, sus apariciones fueron éxitos en Canadá. Pero después de su liberación primer LP con Warner Brothers - un álbum titulado originalmente Sit Down Young Stranger - un disc jockey con un tipo de gusto en la música comenzó a tocar uno de los temas de ese álbum en la radio.Sus canciones han sido grabadas por populares cantantes como Elvis Presley, Johnny Cash, Marty Robbins, Jerry Lee Lewis, Bob Dylan, Judy Collins, Barbra Streisand, Johnny Mathis, Richie Havens, Nico y Harry Belafonte.

Robbie Robertson guitarrista de The Band, grupo que acompanó a Bob Dylan, considera a Lightfoot como uno de sus cantantes favoritos y un tesoro cultural de la nación canadiense.[2] Lightfoot se presentó en la ceremonia de apertura de los Juegos Olimpicos de Invierno de 1988 celebrados en Alberta.Su legado es, afortunadamente muy basto todavía sigue escribiendo, continuando una carrera de más de 35 años, ha grabado más de 200 canciones, y escrito muchos más. Él ha influido en el sonido de otros artistas de gran éxito que le han acreditado como una influencia importante (por ejemplo, Dan Fogelberg, Jimmy Buffett, Jim Croce y Ron Sexsmith).

Sezen Aksu - Güvercin

2011-05-21T13:46:00.000-07:00

Fatma Sezen Yıldırım, mejor conocida como Sezen Aksu (nacida el 13 de julio de 1954 en Denizli, Turquía), es una famosa compositora, cantante y productora turca, llamada la Reina del Pop Turco.

Ha influenciado marcadamente el Pop Turco desde su debut en 1975 como cantante, y por su asesoría y colaboración con numerosos cantantes a lo largo de su carrera, incluyendo a Sertab Erener, Şebnem Ferah, Aşkın Nur Yengi, Hande Yener, Levent Yüksel, y Tarkan.

Sezen Aksu nació en Sarayköy, Turquía. Su familia se mudó a Esmirna cuando tenía 3 años, por lo que pasó toda su infancia y el principio de su adolescencía ahí. Después de terminar sus estudios de preparatoria, comenzó a estudiar en el Instituto Agricultural local, pero lo abandonó para concentrarse en la música.

Junto con su amiga cercana Ajda Pekkan, Aksu es acreditada en la colocación de fundaciones de Pop turco en la década de 1970.

Angela Ferrão - Wanga

2011-05-14T00:00:00.000-07:00

El camino de la vida comienza en el registro Ângela nombre Ferrão. Está registrado como Angela Paulino da Conceicao. Un error durante la grabación realizada sólo registrado el nombre de Paulino, y no el apellido paterno, Ferrão. Hoy en día, Angela es comúnmente conocido como Sting. Nació en la granja "CADA" la agricultura de la empresa de Angola, un importante productor de café, en las afueras del municipio de Amboim de Gabela, el 7 de mayo de 1976. Pero a los diez años se trasladó con su padre a la ciudad de Wako Kungo.

Hija Amelia Domingos da Conceição y Manuel Ferrao Ferrão Paulino, los profesores, a principios aprendido a leer y escribir. "Mi padre trabajaba como profesor en Wako Kungo. Tuvimos que ir allí. " Mayor entre los cinco hermanos, fue que Angela Ferrao Wako Kungo aprendido a ser una ama de casa real y el cuidado de sus cuatro hermanos menores. Además de ser un maestro, el padre Paulino Manuel Ferrao fue un guitarrista y compositor de música calificados. Dio a las letras en los años 80, el Festival de la Canción Política Nacional. Hoy en día es una de las referencias en el contexto musical de la provincia de Kwanza-Sul.

Fue en este ambiente que descubrió las notas musicales. Como un niño que mostró talento para destacar carrera. Con sólo cinco años desde que cantaba. Al escuchar las conversaciones del día a día en su casa solía componer canciones que retratan los debates. Conforme pasó el tiempo, Angela estaba perfeccionando sus habilidades musicales. Aprendió a tocar la guitarra y cantar. Comenzó a interesarse en todas las competiciones de música en Wako Kungo.

Como una niña, viajó en numerosas ocasiones con su padre junto con la santa esperanza para la ciudad de Sumbe. En algunos círculos se conoce como la señora de Viola. A principios de 1990, se trasladó a Luanda para asistir a la escuela. Fue motorizada por el Sumbe Wako Kungo. "Tenía un gran deseo de estudiar. Mi padre tenía miedo de que he perdido ese deseo. Tal vez por eso, no ha esperado para un coche que me lleve. "

No se detuvo por Sumbe. La intención del padre fue a ver a la hija se graduó en contabilidad y gestión. Decidió trasladarse a Luanda, donde acababa de abrir el Instituto de Economía de Luanda (IMEL). Fue allí donde estudió después de someterse a la prueba de aptitud. Se convirtió en parte de las actividades recreativas y culturales organizadas por la Asociación de Estudiantes y el IMEL por el consejo escolar.

Angela había sido el ganador de los hijos de radio Pio-Pio, la Radio Nacional de Angola, a cinco años. Y ella era la hija de un gran músico, Lito Ferrão. Los estudiantes de Luanda de los 90 ellos lo saben. Él fue visto a menudo que circulan en la escuela con su guitarra en la espalda. En los festivales culturales de música que se reproduce Roberta Miranda, los ritmos N'Gola y algunos de los suyos.

Las personas que lo escucharon reconoció las grandes cualidades de la música, pero los patrocinadores tardaron en aparecer. En este punto se encontró con el periodista de Radio Luanda, Paulo Feidão que luego lo presentó a su colega periodista Joaquim Freitas. La voz de Angela Ferrao se ha escuchado en "Kaluanda Pío" radio de Luanda. Empezó a disfrutar de un gran prestigio. Más tarde participó en el "Festival de Luanda Antena Comercial (LAC)," Premio Ciudad de Luanda "y la primera edición de" Gala del viernes Televisión "Pública de Angola (TPA).
Fue en la "Gala del viernes" que la TPA tiene una tercera parte. Fue el éxito alcanzado. Ella ha sido conocido a nivel nacional e internacional en la "muestra" como el Festival Internacional de Sumbe y calulu. En este paseo se encontró con músicos de renombre y la gente que ayudó a hacer su primer álbum un éxito. El 14 de octubre de 2007, logró alcanzar su mayor sueño: el lanzamiento del disco llamado "Wanga (hexagonal).

La música que le da al disco, "Wanga Mussulo wa", tiene letra y música de su padre, Lito Ferrão. Angela trabajó duro con Nanuto, Ruca Fançony, Pedrito, Ferrao Sandro, Dalu Roge, Beth, y Cidy Gigi, Caló Pascoal, Johnny Morgan y Quinito. Apertura del disco se hace con un homenaje a Teta Lando, a quien Angela Moon Sting tocó la canción Uno, un gran éxito de los años 70.

Angela Paulino da Conceicao o Angela Ferrao. Desde la infancia en Wako Kungo a Luanda, mantiene muchos momentos. Altas y bajas. Gala destaca el concurso celebrado el viernes, de 1999. "Fue ahí que yo tenía un trabajo muy completo en el campo de la música que me llevó a conocer a mucha gente. Era muy exigente de lo que estoy seguro que se haría bien. Crecido mucho de eso. "

En una entrevista para la jornal de Angola le preguntaban; Para cuando su nuevo CD?
Yo dependo de la cuestión financiera. Como ustedes saben mi primer disco fue todo acústico. Estas cosas requieren una gran cantidad de gastos, de modo que una mayor seguridad ya puede ser capaz de hablar de mi segundo álbum. El Wanga es tan bueno que creo que debo trabajar duro para hacer algo mejor.

¿Qué hace usted aparte de la música? Yo soy una empleada de Nueva Sotecma, a cargo de los recursos humanos.

Tiene defectos? Sí, soy muy terca. Precisamente porque los seres humanos no somos perfectos, y hacer algunas cosas con perfección. Cuando queremos hacer las cosas con el perfeccionismo no siempre son aceptados. Otros piensan que estamos siendo muy exigentes.

¿Cuál es tu inspiración? Me baso en la experiencia personal, día a día. Creo que casi el amanecer, el sol del atardecer. Me inspiran también parecen maravillosos hijos, son cosas que me tocan el alma. La relación de la madre con sus hijos me hace una persona muy sensible. Tanto que a veces incluso llorar de ver tal o cual persona que sufre. Es una cosa que sé, que no pasará. También contó con el apoyo de mi padre. No todas las canciones que forman parte de mi álbum fueron tomadas por mí, tuve el apoyo de mi padre que es un gran compositor.

Todavía no se casa. Es madre de dos hijos. El primero es un niño y ahora tiene 12 años y la niña tiene un año y medio. Todavía no tiene fechas. Espera que sea antes de grabar mi segundo disco. Ella es profunda como la voz de los misterios del antepasado, los bosques, los ríos, lluvias, todos los animales. Todo reencarnó notable en la magia de Ângela.

Soledad Pastorutti - Brindis

2011-05-07T00:00:00.000-07:00

Más conocida como Soledad o La Sole, (n. Casilda, Santa Fe, Argentina 12 de octubre de 1980) es una famosa e importante cantante de expresión folclórica de la Argentina. Considerada una de las máximas exponentes de su género en la actualidad. También se la llama El Tifón o El Huracán de Arequito por la energía arrolladora que irradia en sus presentaciones.

En el verano de 1995 su repercusión en las peñas que circundan el predio del festival de Cosquín hizo que fuera convocada para participar de ese importante evento. Sin embargo, no puedo hacerlo debido a una disposición municipal que impedía que menores de edad sean expuestos en televisión pasada la medianoche.Su primera actuación como artista profesional la realizó el sábado 4 de Noviembre de 1995 en la ciudad de Escobar, provincia de Buenos Aires.

El despegue de su carrera ocurre en la edición de 1996 del festival de Cosquín, donde con apenas 15 años, logra presentarse junto a su hermana Natalia. Apoyado por la televisación en vivo para todo el país, el éxito fue rotundo. Logró consagrarse como revelación del festival y recibió el premio Cosquín de Oro. Durante semanas se habló del "Huracán de Arequito”, como la bautizaran los medios periodísticos. Se vincula a Sony Music y se edita su primer álbum oficial, “Poncho al Viento”, logrando una explosión de ventas que superó la barrera de las 800 mil unidades en muy poco tiempo. Durante 1996 su música la llevó por 181 localidades del la Argentina.

“La Sole”, su segundo álbum, llegó en 1997 y durante ese año compitió y alternó con “Poncho al viento”, el primer puesto de venta de discos en Argentina. Tal fue el “fenómeno” producido por Soledad, que invadió Buenos Aires, realizando 10 shows en el teatro Gran Rex, el más importante de la ciudad capital Argentina.Duplicó la apuesta en 1998 y realizó más de 20 shows en Buenos Aires, nuevamente en el teatro Gran Rex. Fue la representante argentina seleccionada por Sony Music para interpretar una canción, “Los sueños de todo el mundo”, e incluirla en el álbum del Mundial de Fútbol, editado a nivel internacional. Además acompañó oficialmente al Seleccionado argentino a Francia.

Luego del mundial, recibió una distinción de Sony Music Internacional en Madrid (España), por haber alcanzado el millón de unidades vendidas con sus dos primeros álbumes. Además, a su regreso al país, Sony Music Argentina la reconoce públicamente como la artista que produjo las mayores ventas en menor tiempo de toda la historia de la compañía, tomando en cuenta todos los géneros musicales. De las presentaciones en el teatro Gran Rex surge su primer álbum en vivo, editándose a finales de año como “A mi Gente”.

El reconocido productor cubano Emilio Estéfan, viaja a la Argentina para conocerla. Más tarde se convirtió en el productor artístico de su cuarto álbum, “Yo sí Quiero a mi país”. Grabado en Miami, es un trabajo en el que Soledad explora distintos ritmos de diversas culturas latinoamericanas. Su exploración la lleva a actuar en distintos países como Uruguay, Paraguay, Chile, Perú, México, Estados Unidos y España.Gracias a su exitoso paso por el Festival Chileno de Olmué, llega en el 2000 al prestigioso y difícil Festival de Viña del Mar, donde le otorgaron uno de los premios del festival, la "Gaviota de Plata".

Vuelve a presentarse en la ciudad de Buenos Aires tras casi dos años de ausencia, colmando en tres oportunidades la capacidad del estadio Luna Park.En el mes de agosto actuó durante cuatro noches en el Festival Folklórico de Martigues (Francia), donde también fue declarada revelación. Las críticas de los diarios franceses hablaron de la posible llegada del “Fenómeno Soledad” a Europa. Ese año también actuó en el Festival de Cine y Música Argentina realizado en el Barbican Center de Londres (Inglaterra).

En octubre se editó su quinto álbum, “Soledad”. Durante las giras de 2001 comienza a trabajar en lo que sería su sexto álbum, convocando como productor a Alejandro Lerner. “Libre”, presentado en el teatro Gran Rex, la lleva nuevamente a principios de 2002 al Festival Internacional de Viña del Mar donde es premiada con la codiciada "Antorcha de Plata".

En octubre, Sony Music relanza “Libre” con nuevo arte de tapa. Soledad lleva las canciones del disco en sus giras por Argentina, Bolivia, Brasil, Canadá, Chile, Costa Rica, Perú y Uruguay.En homenaje a un gran artista folklórico argentino, invita a finales de 2002 a Horacio Guarany a realizar un show en el estadio Luna Park de Buenos Aires. “Sole y Horacio juntos por única vez”, es el álbum que registró ese importante momento para personas de distintas generaciones.

En abril de 2003 viaja a Estados Unidos para participar del Festival Argentino en Miami y realizar shows en Los Ángeles y West Palm Beach.La productora televisiva Cris Morena, la convoca para participar en la telenovela de emisión diaria “Rincón de Luz”.Paralelamente realiza recitales en Argentina, Chile y Uruguay y produce junto a Pablo Santos, bajista y director musical de su banda.En Enero de 2004 obtiene un record de público en el festival de la ciudad cordobesa de Jesús María. “Rincón de Luz”, la telenovela grabada y emitida en la Argentina durante el 2003, llega a distintos países. En Abril, y con formato de show musical, el elenco se presentó en siete ocasiones en Israel, en el estadio Nokia de Tel-Aviv con capacidad para 10.000 personas.

Fue la conductora del reality “El Llamado Final” producido por Promofilm y emitido por Canal 13. Participó como actriz en las tiras (comedias con formato de telenovela) “Los Roldán” y “Pensionados”, ambos de gran audiencia. En 2005 y luego de la gran repercusión que tuvo su paso por la edición 40 del Festival de Jesús María, vuelve a Cosquín colmando una vez más la capacidad de la plaza Próspero Molina.Su carrera alcanza los diez años y decide plasmarla en un álbum doble. Con la producción de Afo Verde, presidente de Sony & BMG, llega “Diez años de Soledad”. El álbum doble está compuesto por un disco grabado en estudio y otro, grabado en vivo en los estudios del canal de televisión TELEFE, ante un público compuesto por sus fans.

Es convocada para inaugurar el estadio Pepsi Music (Obras Sanitarias), donde el 26 de Noviembre presenta “Diez años de Soledad”. En ese mismo show recibe el primer Disco de Oro por las ventas del álbum.En 2006 también se cumplen 10 años de aquella presentación en la que deslumbró al país en el festival de Cosquín. Vuelve para festejar junto a Horacio Guarany, uno de los fundadores del festival, quién esa noche la definió como su “continuadora”. Una vez culminada la gira de verano, trabaja en la edición de su primer DVD, “Soledad en vivo en Obras”, video que contiene el recital de presentación de “Diez años de Soledad”.Es convocada para reinaugurar el ciclo de conciertos en el Salón Blanco de la Casa Rosada y para la celebración del 25 de Mayo en Buenos Aires, en Plaza de Mayo.

En “Calamaro querido, cantando al salmón”, disco doble tributo a Andrés Calamaro, participa con su versión del tema “Salud, dinero y amor“. Calamaro comentaría más tarde: “Como si al doble le faltara algo, Soledad le hace los honores a esta otra que grabamos con Julito y la barra rodriga. Con gracia y con carisma, esta figura de nuestra música honra a un repertorio roquero con una versión llena de gracia, que rueda con un arreglo bailarín. ¡Ojala la nuestra hubiera rodado así!”
Durante Octubre y Noviembre, Soledad realizó tres presentaciones en el teatro Gran Rex de Buenos Aires donde contó con la participación de Luciano Pereyra, Mario Bonfill, Facundo Saravia, Jaf, Afo Verde, y como en 1998, Diego Armando Maradona.

Además, Mercedes Sosa quien debido a compromisos ya asumidos no puedo asistir, fue grababa en video cantando a capela “Canción del Jangadero”, para que Soledad pudiera hacer un dúo con ella en el escenario.En 2007, mientras realizaba una extensa gira por Argentina, preparaba el momento más importante de su vida. El día 21 de Abril, en Arequito, contrae matrimonio por civil con Jeremías Audoglio. Una semana después, el sábado 28, ante más de 2000 personas, se realizó la ceremonia religiosa en la iglesia Nuestra Señora del Rosario.

El 10 de octubre de 2010, en Arequito, su pueblo natal, realizó un concierto en el cual se grabó un recital en vivo que brindó para celebrar su cumpleaños número 30 y el aniversario de los 15 años de carrera profesional con la música. Es así que nace el último disco de Soledad titulado Vivo en Arequito. Desde 1997, los seguidores de Sole se reúnen en forma espontánea para saludarla. Por eso Sole comenzó a brindar todos los años un show en vivo para sus fans en esa fecha. El año 2010, fue un año muy especial en su vida por la llegada de su hija Antonia, su cumpleaños número 30 y los 15 años de carrera, por eso decidió plasmar ese encuentro íntimo en un disco en vivo.

Los Panchos - Nosotros

2011-04-30T00:00:00.000-07:00

(conocidos además como Trío Los Panchos) es el nombre de un conocido trío musical internacional.El Trío Los Panchos se formó en la ciudad de Nueva York en 1944, donde los mexicanos Alfredo Bojalil Gil mejor conocido como "El Güero" y José de Jesús Navarro Moreno, mejor conocido como "Chucho Navarro", junto al puertorriqueño Herminio Avilés Negrón, de nombre artístico "Hernando Avilés", decidieron unir sus talentos e innovar el género de los tríos cantando a tres voces y tres guitarras.

Tiempo más tarde, Avilés y Navarro tocaban la guitarra y Gil el requinto de su propia creación. Se iniciaron en el ambiente artístico el 14 de mayo de 1944 al presentarse en el "Hispanic Theatre" de Nueva York interpretando música ranchera mexicana con gran éxito, mismo que pronto les llevó a grabar su primer disco para el sello Coda titulado "Mexicantos" con siete temas de música mexicana y el bolero "Hasta mañana", mismo que les abrió las puertas hacia este género musical con el cual se les identifica en todo el mundo.

Los Panchos ganaron fama internacional con sus boleros románticos, especialmente en América Latina, donde aun son honrados como uno de los tríos más famosos de todos los tiempos. Vendieron millones de copias de sus discos de 78 RPM y álbumes LP a unos pocos años de su fundación.No hay duda que uno de los factores indiscutibles de su éxito, además de su magnetismo artístico y calidad vocal, fue el apoyo de la comunidad latina radicada en New York, especialmente la Puertorriqueña y Dominicana, además del ofrecido por las compañías discográficas SEECO y CBS Columbia (hoy dentro del consorcio Sony BMG Music Entertainment) con las que mantuvieron contratos durante su trayectoria

Tras este triunfo se trasladaron, en 1948 a México, fue un paso muy importante en su carrera ya que por ese entonces México era la capital absoluta de la música latina, pero los recibieron con los brazos abiertos, la emisora XEW (por ese entonces la más importante) les dio un espacio patrocinado por Nestlé, al tiempo que realizaron presentaciones en diferentes centros nocturnos de categoría, como “El Patio” entre otros, con esta fórmula llegaron a captar el corazón de los Mexicanos.Hacia 1951 comenzaron una gira internacional por el Caribe, Centro y Sudamérica, Panamá, Guatemala, Cuba, Puerto Rico, Filipinas, Republica Dominicana, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú, Argentina y Chile. Durante esta gira, en pleno éxito, la agrupación enfrentó su primera crisis, en Bolivia, motivada por el difícil carácter del Alfredo Gil, lo que marcó, tras una acalorada discusión el alejamiento de la primera voz Hernando Avilés.

Inmediatamente, Gil y Navarro convocaron a una audición a varios aspirantes, la cual ganó el músico y cantante Raúl Shaw Moreno quien apenas se iniciaba en el ambiente artístico. Shaw Moreno solo duró unos 9 meses con la agrupación, ya que su voz, más pastosa y fuerte que la de Avilés no terminó de gustar al público.Tras esa crisis Los Panchos continuaron con su carrera marcada por sus siete primeras voces, así mismo intervinieron aproximadamente en 50 películas, a lo largo de su trayectoria. Durante este tiempo, el lugar de Primera Voz fue ocupado por artistas como los puertorriqueños Julio Rodríguez, Johnny Albino y el mexicano Enrique Cáceres, entre otros.

En 1964, CBS propuso a los integrantes del trio (entonces conformado por los dos integrantes fundadores y Johnny Albino) el acompañar por primera vez a una voz femenina. Se trataba de la vocalista estadounidense de ascendencia judío-española, Eydie Gormé quien tenía pocos años de trayectoria discográfica en su país y quien empezaba a grabar en idioma español. De la colaboración entre Gorme y Los Panchos, además de los músicos acompañantes, nació el álbum Great Love Songs In Spanish (titulado Amor, en idioma español). El éxito de este intento, hizo que CBS los reuniera nuevamente para grabar los álbumes Cuatro Vidas y Blanca Navidad. Vale resaltar, como anécdota, que ante la imposibilidad por los compromisos artísticos de Eydie Gorme de ensayar con el ya famoso trio, Alfredo Gil propuso usar la voz de su propia esposa como base para los arreglos vocales de estos discos.

Hacia 1970, a propuesta de la filial mexicana de CBS Columbia, Los Panchos, con ayuda de la tecnología de audio fueron convocados a un estudio de grabación para acoplar sus voces y guitarras, y los sonidos de mariachis a la voz de Javier Solís en un álbum denominado Dos Ídolos Cantando Juntos el cual se convirtió en la primera reconstrucción técnica postmortem de la música de Solís y que no fue desvinculado del género del bolero ranchero. Este álbum precedería, a uno dedicado a la música ranchera mexicana. Después de esto, Los Panchos vuelven a colaborar con vocalistas femeninas haciendo papel acompañante. Es el caso de los LP grabados junto a la italiana Gigliola Cinquetti, Estela Raval y María Martha Serra Lima, con quien se cierra esta etapa.

En 1981 con el retiro de Alfredo Gil se cerró el ciclo del "Trío Los Panchos", a través de una gira por América, que se llamó "Hasta Siempre". Esta última formación del "Trío Los Panchos" estuvo conformada por Alfredo Gil, Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara. Después de la gira de despedida, "Chucho" Navarro decide continuar con la agrupación, contratando a diferentes intérpretes del requinto en sustitución de Gil. En 1991 grabaron en España, para Sony Music, los discos Los Panchos Hoy y Los Panchos a su manera". En 1993, fallece Navarro y tras esta grave pérdida, su primera voz, Rafael Basurto Lara, por exigencias del contrato discográfico vigente, promocionó ambos discos. En la actualidad, Lara continúa activo actuando como solista o con su propio trio.

En el año 2000, y dentro del programa de Miguel Bosé, llamado "Séptimo de Caballería", se grabó el álbum titulado "Mil Años Más de Amor". Es el primer álbum de la agrupación realizado en vivo y en el que se incorpora además de las guitarras, requinto, bajo y percusión, la presencia de las flautas. Destaca en este álbum la presencia de artistas invitados como los vocalistas españoles Nacho Campillo y Tamara y el cubano Amaury Gutiérrez, además de agrupaciones como el sexteto de cuerdas "Ars Ensemble" del músico español Joan Valent, el de Ignacio "Nacho" Mastretta y el pianista y compositor Juan Carlos Calderón, quien acompañó en la grabación a Rafael Basurto Lara.

En la actualidad hay unos pocos trios que llevan el nombre de "Los Panchos" y responde a varias razones, bien porque Alfredo Gil fue propietario de los derechos del nombre de "Trio Los Panchos". A su salida del trio en 1981, cede el derecho de utilizar el nombre de "Los Panchos" (sin el "Trio") a José de Jesús "Chucho" Navarro, integrante fundador de la agrupación original y este a su vez lo cede a su hijo Jesús Dionisio Navarro Vázquez, quien continúa en activo. Por otra parte Gabriel Vargas, quien sustituyó a Alfredo Gil a partir de 1981 en "Los Panchos" continúa en activo bajo el nombre de "Trio Los Panchos" de común acuerdo con las herederas de Alfredo Gil quienes poseen los derechos sobre el nombre. De hecho, la última primera voz del grupo, Rafael Basurto Lara, enfrentó problemas legales con el hijo de Navarro por el uso del nombre.

Después de 49 años de carrera, el Trio Los Panchos deja un legado de aproximadamente 1122 canciones sin contar grabaciones o transmisiones radiofónicas, presentaciones en TV, además de haber grabado en diferentes idiomas además del español, como inglés, japonés, árabe, tagalo, griego e italiano así como haber incursionado en diversos géneros musicales como el tango, country, vals peruano, pasillo, son, rumba, mambo, guaracha, cha cha chá, joropo, merengue, clave, guaranía, galopa, blues, cueca y pasaje venezolano.

Libera - Sanctus

2011-04-23T00:00:00.000-07:00

Es un grupo vocal infantil dirigido por Robert Prizeman. Su nombre proviene de su canción "Libera", que se basa en el "Libera me" de la Misa de Requiem ("Libera" significa libre en latín). La mayoría de los niños de Libera proceden del coro de la parroquia de St. Philips, Norbury, en el sur de Londres. Además de los álbumes, giras y apariciones en televisión, los chicos de Libera forman parte, junto con adultos, del coro parroquial. Libera cuenta aproximadamente con treinta niños, entre las edades de siete y dieciséis años, incluyendo a los muchachos nuevos que todavía no están preparados para participar plenamente en discos o giras. Definitivamente esta es música para el alma.

Diecinueve niños participaron en su visita a EE.UU. en 2008. Veinticuatro niños cantan en su último álbum, New Dawn. Los niños proceden de diversas escuelas de Londres. Su música es excelente para relajarse y te llena de mucha alegría. Nunca se arrepentirán de escuchar a un grupo tan hermoso.

A pesar de ser niños y de cantar, no se ven así mismos como “niños de coro”, sino más bien como chicos de un grupo de música (como he comprobado en alguna entrevista).

Si bien el sonido único de Libera puede ser imposible de encasillar, su atractivo universal ha hecho amar al grupo de fans de todo el mundo, particularmente en EE.UU, Reino Unido, Corea y Japón.El sonido distintivo de Libera ha viajado por el mundo y sus albumes han superado las top list de música clásica en muchos países.

“Brillantes armonías, acordes y éxtasis místico… se diferencia de cualquier otro grupo que he escuchado. Estos son realmente los sonidos que despiertan el alma, sonidos para un nuevo tiempo”, afirma el director de A-cero, Joaquín Torres.

Laurel Aitken - Sally Brown & Skinhead

2011-04-16T00:00:00.000-07:00

(22 de abril de 1927 – 17 de julio de 2005) fue un cantante, conocido como uno de los creadores de la música ska jamaicana a finales de los años 50. Fue el primer cantante jamaicano en hacerse famoso en Europa, adelantándose a Bob Marley.

Aitken, cuyo verdadero nombre era Lorenzo Aitken, nació en Cuba y era hermano del también cantante Bobby Aitken. Se trasladó a Jamaica con 11 años y allí fue donde empezó a cantar calipso para los turistas.

En 1952 hizo sus primera grabaciones, fundamentalmente de mento y R&B, que eran los sonidos que estaban de moda en la isla por aquella época. En 1958 hizo una de las primeras grabaciones de ska, el sencillo "Little Sheila/Boogie in my Bones". Era, además, uno de los primeros trabajos del productor Chris Blackwell, que posteriormente fundaría el sello Island Records.

Emigró definitivamente a Inglaterra en los años 60, donde se le considera como el mayor representante de la música jamaicana y donde tiene una legión de seguidores entre los skinhead y otros fans del ska. Tuvo muchos éxitos entre los años 50 y los 70, mientras grababa para Blue Beat Records, Pama Records y Trojan Records, cantando en numerosos estilos jamaicanos como mento, calypso, ska, rock steady y reggae.

Incansable colaborador, ha dado conciertos con multitud de bandas de ska de los años 60, haciendo lo propio con el revival ska de la nueva ola de finales de los años 70, particularmente con grupos del sello 2 Tone, y con otros grupos de finales de los años 80 y de los 90, como The Busters, The Toasters o los españoles Malarians.

Aitken, que era conocido como Padrino del Ska y Jefe de los Skinhead, dio conciertos casi hasta su muerte. Sufrió una grave enfermedad seguida de un ataque de corazón un año antes de su muerte. Murió por otro ataque en Leicester, Inglaterra, el 17 de julio de 2005. Hay una placa en su honor en su casa de Leicester.

Ofra Haza - Im Nin'Alu

2011-04-09T00:00:00.000-07:00

(en hebreo עפרה חזה), (Tel Aviv, 19 de noviembre de 1957 – 23 de febrero de 2000, Ramat Gan) fue una cantante israelí que alcanzó una gran popularidad en Israel y en todo el mundo con una peculiar mezcla de la música tradicional de los judíos.

Nació en el seno de una familia de judíos en Israel. A los doce años se unió al grupo de teatro del barrio Hatikva, al sur de Tel Aviv. Tras servir durante dos años en el ejército israelí, grabó su primer disco en solitario, con el que obtuvo gran popularidad en Israel. A lo largo de su carrera, consiguió 16 discos de oro y platino. Cantó en hebreo, árabe, arameo e inglés, entre otras lenguas, como el español.

En 1983, participó en el Festival de Eurovisión, y obtuvo el segundo puesto con la canción Jai, lo que le proporcionó fama internacional. Dos años después publicó internacionalmente su disco Yemenite Songs, basado en los poemas del rabino Shalom Shabazi. En 1988 su canción Im Nin'alu, del mencionado disco, alcanzó un gran éxito en Alemania. Con el álbum Kyria (1992) obtuvo una nominación para los Premios Grammy. Intervino en numerosas bandas sonoras, entre ellas la de la película de animación El príncipe de Egipto, que también cantó en su versión castellana.

En 1992, colaboró haciendo los coros con The Sisters of Mercy en la canción Temple of Love. La colaboración de Ofra Haza, permitió que dicha canción se colocase en primeros puestos de listas de venta. Fue uno de los vídeos más vistos en MTV en el año 1992.

En 1994, a petición de Isaac Rabin, actuó en la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz.Su canción Im Nin 'Alu apareció en la BSO del videojuego Grand Theft Auto Liberty City Stories.

Murió, probablemente de neumonía y un fallo multiorgánico complicado por VIH (sida), el 23 de febrero de 2000, aunque las circunstancias de su muerte no fueron confirmadas por la familia. Murió en el Sheba Medical Center de la ciudad de Ramat Gan.

Ernestine Anderson - One Mint Julep

2011-04-02T00:00:00.000-07:00

(Nacida el 11 de noviembre de 1928 en Houston, Texas, hija de un trabajador de la construcción. En la edad tres años, ella podría cantar junto con las consonancias crudas del legendario Bessie Smith -- ella pronto se trasladó encendido a los alrededores refinados de su iglesia local, cantando solos en su coro del evangelio.

Es una cantante estadounidense de jazz y blues, una cantante sin suerte comentan algunos blogs en el internet, injustamente infravaloradas por parte de la crítica especializada que, pese a su indudable calidad, siempre la ha tenido relegada a un segundo plano. Y es una pena, porque posee una abundante discografía que prueba con creces su talento. Estuvo largo tiempo sin que nadie la contratara y permaneció olvidada en los círculos musicales de los Estados Unidos.

En un determinado momento de crisis económica y sin que nadie se acordara de ella para cantar, llegó a trabajar de criada. Pero en 1976 todo cambió. El sello Concord, relanzó su carrera y le suministró selectos acompañantes - la mayoría de las veces, el trío del contrabajista, Ray Brown- que le permitieron recuperar con creces el tiempo perdido. Anderson dice de su vida temprana en el libro, La escena del jazz (1998): “Mis padres usados para jugar expedientes de los azul toda la hora,” Ernestine Anderson me dijeron. "Puta de las heces de Juan, Aguas fangosas, todos los greats de los azul. En Houston, en donde crecí para arriba, usted giró la radio y qué usted consiguió era país y occidental y evangelio. Incluso no recuerdo cuál era mi primera experiencia con música. Clasifico de crecí en él. Mi padre cantó en un cuarteto del evangelio y lo seguía alrededor, y ambos mis abuelos cantaron en el coro de la iglesia de Bautista. Y tenían vendas grandes el venir a través de Houston como Jimmie Lunceford, Billy Eckstine, Erskine Hawkins, y Cuenta Basie.

La “madrina de Ernestine la inscribió en una competencia local del talento cuando ella era doce años. “Sabía solamente dos canciones,” ella admití, En el lado asoleado de la calle y Tan de largo. El jugador del piano me preguntó qué llave yo hizo estas canciones adentro y acabo de decir que “C” por alguna razón y eran la llave incorrecta. Para ahorrar la cara que canté alrededor de la melodía, improvisada entre la melodía, y cuando acabé uno de los músicos me dijo que fuera cantante del jazz. Su familia movida a Seattle, Washington en 1944, cuando ella era dieciséis.

Anderson graduó de High School secundaria de Garfield. Cuando ella era dieciocho, ella a la izquierda Seattle, viajar por un año con Johnny Otis venda. En 1952, ella fue en viaje con Lionel Hampton orquesta. Después de un año con la venda legendaria, ella colocó adentro Nueva York, determinado de hacer su manera como cantante. Su aspecto encendido Gigi Gryce 1955 álbum Tempo de Nica (Col rizada)[5] conducido a una sociedad con el trumpeter Rolf Ericson para un viaje escandinavo de tres meses. Primer álbum de Ernestine en Estados Unidos fue hecho después de su álbum del principio, registrado adentro Suecia y lanzado aquí cerca Expedientes del mercurio bajo título Cargo caliente (1958), que creó una sensación enorme.

En 1959 Anderson ganó abajo la concesión de la “estrella nueva” del batir y registrada para el mercurio a más aclamación, antes de dividir su tiempo a partir de los mediados de los años sesenta entre América y Europa Dio sus primeros pasos musicales con Russell Jacquet (1943), y posteriormente con Johnny Ottis (1947-1949), antes de trabajar para Lionel Hampton entre 1952 y 1953. Su primer álbum lo grabó en 1956 para el sello Metronome, tras una gira con el trompetista, Rolf Erickson.

Fichó para el sello Mercury y allí estuvo cuatro años, entre 1958 y 1962. Aquellos años fueron los mas brillantes de su carrera, y a ello contribuyó de manera decisiva los arreglos de Pete Rugolo y su orquesta. El declive de su carrera comenzó en los años setenta cuando se instalo casi definitivamente en Londres donde pasó unos años en paro hasta el ya comentado resurgir de 1976 con el sello Concord. Allí grabo once álbumes desde 1976 hasta 1990, siendo muy bien valorado el que grabó en directo en el festival Concord de jazz en 1990. “No pienso el jazz muerto siempre.

Sufrió un revés durante los años 60. Tuve que trasladarme a Londres para trabajar porque una persona del jazz no podría trabajar en los Estados Unidos cuando rock-and-roll se convirtió la música. No pensé duraría este largo, y no pienso la gente del rock-and-roll pensó que duraría este largo, pero tenía. Su carrera se ha desarrollado a lo largo de cinco décadas y ha grabado unos 30 discos. A comienzos de los años noventa firmó por la compañía Qwest Records y ha sido nominada cuatro veces a los Premios Grammy.

Ha cantado en el Carnegie Hall, en el Kennedy Center,1 en el Festival de jazz de Monterrey (en seis ocasiones), así como en múltiples festivales a lo largo del mundo. Ernestine Anderson fue ofrecido en un artículo adentro Compartimiento de Tiempo, el 4 de agosto, 1958, “la voz pertenece al cantante Ernestine Anderson del negro, en 29 quizás el jazz mejor-guardado secreto en la tierra” después de que su primer lanzamiento del álbum. La comparan inevitable a Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Día de fiesta de Billie. Ernestine rechaza invariable las comparaciones. “Deseo,” ella dice, “ellos me dejaría ser justo yo.” Ella es, y “apenas” es abundancia bastante buena.

Anderson era una de 75 mujeres elegidas para el libro, Soño un mundo: Retratos de las mujeres negras que cambiaron América (1999), cerca Premio de Pulitzer fotógrafo que gana Brian más largirucho. Dentro de este libro Ernestine Anderson ensambla a compañía tal como Rosa Parks, Rey de Coretta Scott, Oprah Winfrey, Lena Horne, y Sarah Vaughan. Ella ganó la concesión de oro del paraguas en el festival de los artes de Bumbershoot Seattle adentro 2002.[11] La concesión honra a artistas de los Estados Unidos del noroeste “quiénes han contribuido perceptiblemente al paisaje cultural de nuestra región.

Anderson fue elegida por el capítulo del noroeste pacífico del Academia de la grabación para recibir su 2004 IMPACTO. La concesión del IMPACTO honra a profesionales del noroeste de la música que talentos y realizaciones creativos han cruzado todos los límites musicales y que se han reconocido como activo a la comunidad de la música.[12] Academia de la grabación es famoso internacionalmente por Concesiones de Grammy.

Celtas Cortos - La Senda Del Tiempo

2011-03-26T00:00:00.000-07:00

Es un grupo español de música rock con influencias celtas. Es uno de los grupos de Castilla y León más exitosos de todos los tiempos como lo demuestra el hecho de que durante su carrera han llegado a vender más de 2.000.000 de copias de sus distintos trabajos.Las raíces de Celtas Cortos se remontan a finales de 1984 cuando en el Instituto Delicias de Valladolid coinciden como estudiantes cuatro de sus miembros fundadores: Goyo, César, Carlos y Óscar que, junto a Luis, un profesor de francés de la institución, conforman el Colectivo de Música del Instituto Delicias, nombre bajo el cual comienzan a interpretar música folk. Poco después tres chicas se unen al grupo creando la formación Páramo, bajo la que interpretaban música castellana y que tuvo una corta duración en el tiempo.

Paralelamente Carlos formaba parte de otro grupo bastante conocido en los circuitos regionales denominado Almenara y del que a su vez era miembro integrante Jesús Cifuentes a la guitarra española y bajo el que publicaron un disco llamado "Desde aquel día de Abril - Amapolas comuneras" en 1984. Poco después ingresan en Almenara Nacho Castro a la batería y Luis M. de Tejada al violín por lo que en Almenara se juntaron cuatro de los miembros fundadores de Celtas Cortos.3

En 1986 los 5 miembros masculinos de Páramo acompañados por Jesús Cifuentes y Nacho Castro de Almenara, además de por Fernando, un amigo de César que se hace cargo de los teclados, deciden presentarse a un concurso organizado por la discoteca Sheraton de Valladolid. El nombre que eligen para concursar es el de Colectivo Eurofolk y finalmente resultan ganadores del concurso, lo que les reportó 100.000 pesetas (600 euros) y los llevó a no disolver la banda tras el concurso como era la idea inicial.Tras decidir que se hacía necesario un cambio de nombre, finalmente el elegido es Celtas Cortos, haciendo honor a la popular marca de tabaco sin filtro que fumaba uno de los integrantes de la banda.

En 1987 son seleccionados para participar en un concurso organizado por la Junta de Castilla y León en colaboración con RNE cuyo premio era grabar un disco compartido con otras dos bandas. Finalmente resultan vencedores por lo que, junto a los grupos de folk Ágora y Yedra publican Así Es Como Suena. En éste el que interpretan tres temas instrumentales y que desde entonces sería denominado como "disco cero" por los propios integrantes de la banda.5 Del disco sólo se editaron 500 copias que nunca se pusieron a la venta sino que fueron regaladas de forma promocional por lo que hoy en día es una pieza de coleccionista.

En 1988 graban una maqueta de diez temas que distribuyen entre cuantas discográficas van encontrando por toda la geografía española sin que ninguna de ellas muestre interés en ofrecerles una oportunidad. Ante este rechazo se plantean la posibilidad incluso de disolverse, pero es entonces cuando reciben la llamada del productor Paco Martín que por aquellos entonces acababa de crear la discográfica Twins con la que firman su primer contrato.A principios de 1989 graban en una semana y media su primer álbum: Salida de emergencia; un álbum compuesto exclusivamente por canciones instrumentales y del que con el tiempo llegaron a venderse 60.000 unidades.

A comienzos de 1990 la banda graba su segundo disco: Gente impresentable, en el cual por primera vez incluyen letra en sus canciones y además empiezan a fusionar otros estilos con la música celta que hasta entonces habían practicado tales como el rap el reagge o el heavy metal. Paralelamente, Paco Martín vende su sello Twins a la multinacional DRO que automáticamente se vuelca en la promoción de Celtas Cortos. El disco alcanza a un público masivo llegando a vender más de 180.000 copias y colocando varios singles en los primeros lugares de las radiofórmulas. Todo ello supuso que el grupo recibiera multitud de ofertas para ofrecer en directo su espectáculo por toda España, llegando a celebrar más de 100 conciertos durante ese año

En la primera quincena de marzo de 1991 graban su tercer disco, Cuentame un cuento, que se publicó en noviembre de ese mismo año ya bajo la el sello multinacional DRO. El disco, en el que las canciones con letra ganan cada vez más terreno a las instrumentales con 8 de los 13 temas incluyendo texto, vuelve a ser un éxito de ventas superando los 300.000 ejemplares vendidos. Éxitos como "20 de abril" o "Cuéntame un cuento" hacen que la popularidad de la banda sea cada vez mayor. En 1991 ofrecen 126 conciertos que llegan a 140 en 1992 algunos de ellos multitudinarios como el dieron en la Expo de Sevilla o los de las Ventas ante más de 25.000 personas o las fiestas de la Mercé en Barcelona ante más de 63.000.

En 1992 un desafortunado accidente doméstico que sufre el violinista Alberto García en su antebrazo derecho hace que este comience a tocar con asiduidad el trombón lo que a su vez supone que los instrumentos de viento ganen protagonismo en el repertorio de la formación.

El cuarto disco de Celtas Cortos, Tranquilo Majete, fue grabado en los estudios Parkgate de Sussex y lanzado al mercado a comienzos de 1993 conteniendo 9 temas con letra y cuatro exclusivamente instrumentales. El estilo de este álbum da un giro hacia un sonido mucho más rockero y duro que en trabajos anteriores. Además a partir de entonces, la banda trasciende las fronteras de España comenzando a tocar asiduamente en Francia y Alemania.9 El éxito en estos países le lleva a lanzar exclusivamente para los mismos el recopilatorio "Vamos" que entre otros temas incluía una versión de "Cuentame un cuento" interpretada por Willy de Ville

En 1995 Jesús Cifuentes emprende un proyecto paralelo que se llamó El Caimán Verde bajo el que publicó un disco homónimo. Se trataba de un trabajo en el que el rock predominaba fundamentalmente y que contó entre otros con las colaboraciones de Fermín Muguruza10 y del guitarrista Jesús Prieto "Piti".11 Al mismo tiempo, Nacho Martín también se decide a sacar un disco en solitario. Se títuló La Noche de las once lunas y estaba compuesto exclusivamente por canciones instrumentales

En 1996 publican En estos días inciertos, en el que la fusión de la música celta sigue cediendo terreno a estilos como el rock, el pop o el ska en un disco donde las letras reivindicativas y de denuncia social prevalecen sobre el resto. La gira posterior a la publicación de este disco hizo que Celtas Cortos fuera la banda que más conciertos ofreció en territorio español en 1996. En 1997 se publica el primer y único disco en directo de la banda: Nos vemos en los bares, formado por 25 canciones grabadas en las actuaciones que la banda ofreció durante los días 6 y 7 de febrero en Valladolid .En 1998 la formación acepta la oferta de la Junta de Castilla y León para realizar una gira de conciertos por pequeños teatros de la Comunidad. El proyecto, totalemte instrumental, denominado El Alquimista Loco, en el que no participa Jesús Cifuentes en ninguna medida, se convierte en un éxito y finalmente incluso se lanza al mercado un disco homónimo.

En el año 2002 se produce la marcha de Cifu, que supone el punto de giro definitivo después de los anteriores abandonos de César Cuenca y Nacho Martín. Será sustituido por Antuán Muñoz. A comienzos de 2004, Carlos Soto (flauta y saxo) abandona el grupo para crear Awen Magic Land, su nuevo proyecto junto a María Desbordes. Posteriormente a inicios de 2006 Cifu vuelve al grupo16 (con la salida de Antuán) y comienzan a ensayar juntos de nuevo y a preparar su siguiente disco en el que se incluye su éxito Hay que volver, cuando se cumplieron 20 años de su fundación.El 2 de septiembre de 2008 lanzaron 40 de abril, primer disco completamente inédito de la banda tras la vuelta a la misma de Jesús Cifuentes en el 2006.17 En 2010 lanzaron Introversiones, versionando canciones de otros grupos.

Jorge Cafrune - Zamba de mi esperanza

2011-03-19T00:00:00.000-07:00

(Jujuy, Argentina, 8 de agosto de 1937 - †Tigre, Argentina, 1 de febrero de 1978), apodado "el Turco", fue uno de los cantantes folclóricos argentinos más populares de su tiempo, además de un incansable investigador, recopilador y difusor de la cultura nativa. Padre de Yamila Cafrune.

Jorge Cafrune nació en el seno de una familia de origen árabe, en la que sus abuelos paternos y maternos eran inmigrantes provenientes de Siria y El Líbano. Por esa razón recibió el apodo de "El Turco", sobrenombre habitual en la Argentina aplicado a los descendientes de árabes.

Nació en la finca "La Matilde" de El Sunchal, Perico del Carmen, Jujuy. Cursó sus estudios secundarios en San Salvador de Jujuy mientras tomaba clases de guitarra con Nicolás Lamadrid. Luego se trasladó con toda su familia a Salta, y allí conoció a Luis Alberto Valdez, Tomás Campos y Gilberto Vaca, con quienes formó su primer grupo: "Las Voces de Huayra". Con esta formación grabó en 1957 su primer disco de acetato, en la compañía discográfica salteña "H. y R.".

En esa época fueron "descubiertos" por Ariel Ramírez, quien los convocó para acompañarlo en una gira por Mar del Plata y varias provincias. Luego Cafrune y Valdez fueron convocados al Servicio militar y el grupo alternó su formación original con reemplazos de José Eduardo Sauad y Luis Adolfo Rodríguez. Estos nuevos integrantes formarían parte de la formación que ese mismo año grabó un disco de 12 temas para el sello Columbia.

Más tarde serían convocados para grabar un segundo disco para la misma compañía, pero desacuerdos entre los integrantes llevaron finalmente a la disolución del grupo.
Ante una nueva convocatoria de Ramírez, Cafrune forma un nuevo grupo, "Los cantores del Alba", acompañado por Tomás Campos, Gilberto Vaca y Javier Pantaleón,todos ellos de la provincia de Jujuy.

Luego de la nueva presentación con Ramírez, Cafrune decide continuar su camino en solitario y abandona el nuevo grupo. En esta nueva etapa debutó en 1960 en el Centro Argentino de la ciudad de Salta para emprender inmediatamente después una larga gira que lo llevaría por las provincias de Chaco, Corrientes, Entre Ríos y Buenos Aires. Ante una tibia recepción en la Capital, donde no consiguió lugar ni en radio ni televisión, decidió continuar la gira por Uruguay y Brasil. En el primero lograría su debut televisivo, en el Canal 4 del país oriental.

En 1962 regresa a Capital y contacta a Jaime Dávalos, que tenía un programa de televisión. Este le dice que debería probar suerte en el Festival de Cosquín. Cafrune viaja a la ciudad cordobesa y consigue un lugar para actuar fuera de cartel, consagrándose por elección del público como primera revelación. Luego vendría el primer disco en solitario y la consagración definitiva con nuevas presentaciones en radio, televisión y teatros, además de largas giras en las que siempre prefería los pueblos pequeños a las grandes ciudades. Fue en uno de esos pueblitos, Huanguelén, en la provincia de Buenos Aires, donde conoció y promovió a un joven cantor llamado José Larralde. En este período también siguió presentándose cada año en Cosquín y allí, en 1965, sin conocimiento de la organización presentó a una cantante tucumana llamada Mercedes Sosa.

En 1967 presenta la gira "De a caballo por mi Patria", en homenaje al Chacho Peñaloza. En esta gira Cafrune recorrió el país al estilo de los viejos gauchos, llevando su arte y su mensaje a todos los rincones. Sus objetivos también incluían captar los paisajes a través de la fotografía y la filmación de cortometrajes televisivos, además de la recopilación de datos sobre las formas de vida, costumbres, cultura y tradición de las diversas regiones. La gira fue ruinosa para su economía, pero fue un gran éxito si se tienen en cuenta los verdaderos objetivos que se habían propuesto.

Al finalizar esta gira, Cafrune fue convocado para integrar unas comitivas artísticas argentinas que visitaron los Estados Unidos y España. El suceso en la península Ibérica fue fabuloso, y Cafrune llegó a radicarse allí por varios años, formando familia con Lourdes López Garzón. Su retorno al país fue en 1977, cuando falleció su padre. Eran tiempos difíciles para la Argentina, ya que el gobierno estaba en manos de la dictadura militar encabezada por Jorge Rafael Videla.

A diferencia de otros artistas comprometidos, que se exiliaron cuando comenzaron las amenazas y las prohibiciones, Cafrune decidió quedarse y seguir haciendo lo que mejor sabía hacer: cantar y opinar cantando y haciendo. Fue así que en el festival de Cosquín de enero de 1978 cuando su público le pidió una canción que estaba prohibida, Zamba de mi esperanza, Cafrune accedió argumentando que "aunque no está en el repertorio autorizado, si mi pueblo me la pide, la voy a cantar". Según testimonios que se consignan en el informe Nunca Más, eso (sumado a la canción de El orejano, un canto rebelde y libertario) ya fue demasiado para los militares, y en un campo de concentración de Córdoba, el Teniente Coronel Carlos Enrique Villanueva opinó que “había que matarlo para prevenir a los otros”.

El 31 de enero de 1978, a modo de homenaje a José de San Martín, Cafrune emprendió una travesía a caballo que lo llevaría a Yapeyú, lugar de nacimiento del libertador, para depositar allí tierra del lugar de su fallecimiento, Boulogne-sur-Mer. Esa noche, a poco de salir, fue embestido a la altura de Benavídez por una camioneta conducida por un joven de 19 años, Héctor Emilio Díaz. Cafrune falleció ese mismo día a la medianoche, pero el hecho nunca fue esclarecido y para la justicia quedó sólo como un accidente.

Mariza - Rosa Branca

2011-03-12T01:05:00.000-08:00

Es el nombre artístico de Marisa dos Reis Nunes (Maputo, Mozambique, 16 de diciembre de 1973), cantante de fados, una de las más populares de Portugal y una de las artistas lusas con más proyección internacional.

De padre portugués y madre mozambiqueña, Marizaa nació en la freguesia de Nossa Senhora da Conceição en la antigua Lourenço Marques (en la actualidad Maputo), en aquella época capital de la provincia portuguesa de Mozambique y creció en el barrio lisboeta de la Mouraria, cuna del fado. Creció escuchando esta música en los diferentes locales lisboetas; cuando creció sus intereses musicales se ampliaron hacia el gospel, el r&b y la música brasileña. Mariza vivió unos cuantos años en Brasil; por entonces su interés por el fado era nulo, ella, al igual que la mayoría de jóvenes portugueses, detestaba el fado, al asociarlo con la dictadura de Salazar. Sin embargo, se dio cuenta en Brasil de que el fado formaba parte de su cultura, cuando la gente allí le pedía que les cantara fado.

Empieza a ser reconocida en 1999 a raíz de la muerte de la más grande fadista de la historia, Amália Rodrigues, en cuyos homenajes póstumos Mariza participó. Publicó su primer álbum en 2001, Fado em mim, que llegó al cuádruple platino en Portugal. Le siguió Fado curvo en 2003 que la asentó como artista y que le dio el éxito internacional. En 2005 publicó el álbum: Transparente. En noviembre de 2005, este álbum se publica en España con dos versiones en castellano: Hay una música del pueblo (junto al cantaor José Mercé) y Mi fado mío. En 2006 se edita su DVD grabado en directo Concerto em Lisboa.

En 2007 participa en la película Fados del director español Carlos Saura, en la que interpreta el fado Meu fado meu junto al cantaor flamenco Miguel Poveda y Ó gente da minha terra, incluidas en la banda sonora original de la película. Al hilo del estreno de la película realiza una gira de conciertos por diversos escenarios de España junto a Carlos do Carmo y Camané desde noviembre de 2007 y hasta el verano de 2008.

En 2008 se edita en España una caja que recoge sus tres primeros discos y el dvd Concerto em Lisboa, además de un extra que incluye un documental sobre Mariza y el fado. Además en junio de 2008 EMI Music edita su nuevo disco de temas inéditos con el título de Terra, producido por Javier Limón, y con dúos en dos temas junto a Tito Paris y Concha Buika.El 29 de noviembre de 2010 se pone a la venta un nuevo álbum con el título "Fado Tradicional". Es un trabajo que supone un retorno a sus orígenes fadistas, después de las exitosas mezclas con las que había experimentado, especialmente en Terra. Grabado en Lisboa, consta de doce temas y dos más en una edición especial.

Domenico Modugno - Dio, come ti amo

2011-03-05T14:03:00.000-08:00

(Polignano a Mare, 9 de enero de 1928 - Lampedusa, 6 de agosto de 1994) fue un cantautor, compositor, guitarrista y actor italiano. Representó en varias oportunidades a Italia en el Festival de la cancion de Eurovision. Fue también diputado y dirigente del Partido Radical italiano.

Considerado como el Padre de los cantautores italianos y uno de los más prolíficos artistas italianos en general al haber escrito y grabado cerca de 230 canciones, interpretado 38 películas para cine y 7 para la televisión, recitado 13 obras teatrales, conducido algunos programas televisivos y aparecido numerosas ocasiones, sea por televisión o en vivo, en los escenarios.

Fue muy notorio ante un amplio público por sus cuatro victorias en el Festival de San Remo, en modo particular por aquella de 1958 con la canción “Nel blu dipinto di blu”, escrita por Franco Migliacci y universalmente conocida como “Volare”, que se convirtió en una de las canciones italianas más conocidas en el mundo.

De este modo, un treintañero de Apulia, que hasta entonces había tenido un éxito sólo modesto en Italia como cantante y actor, se convierte, con la victoria del Festival de San Remo, en el más notable cantante italiano en el mundo, y su “Volare” la canción italiana más conocida sólo después de “''O sole mio”, único disco de la historia de la música italiana que ha llegado al primer lugar (y en permanecer allí a lo largo de trece semanas) del Hit parade estadounidense, récord inigualado hasta la fecha. Fue un éxito tan extraordinario que "L'Espresso", un periódico italiano, tituló su primera plana: «Modugno ha conquistato l'America», y para fin de aquel año las ventas del mismo aumentaron, batiendo todos los récords para un disco italiano hasta aquel momento: hasta 800.000 copias en Italia y otros 22 millones en el mundo.

Desde muy joven, Domenico quería ser actor. En 1951, después de terminar el servicio militar y gracias a una beca, accedió al Centro Experimental de Cinematografía de Roma, apareciendo más tarde en unas cuantas películas. Después de protagonizar Il mantello rosso (La capa roja), inició su carrera de cantante.

En la década de los 50 se hizo muy popular en los Estados Unidos. Se convirtió en uno de los protagonistas de la música melódica internacional cuando, con Nel blu dipinto di blu (más conocida como Volare), triunfó en el Festival de San Remo de 1958 junto a Johnny Dorelli. Con esta misma canción, participó también el Festival de la Canción de Eurovisión de ese mismo año, quedando en tercera posición (de diez).

En 1960 se le acusó de plagiar la canción de un compositor de ópera, aunque se le declaró inocente. Ganó tres veces más el Festival de San Remo con Piove (1959, nuevamente con Johny Dorelli), Addio, addio (1962, en compañía de Claudio Villa) y Dio, come ti amo (1966, juntamente con Gigliola Cinquetti). En Eurovisión volvió a participar en 1959 y 1966.

Actor teatral y cinematográfico, apareció en la comedia musical Rinaldo in campo (1961), de Garinei e Giovannini, y en Liolà, adaptación de la célebre ópera de Luigi Pirandello. En el cine interpretó Il giudizio universale de Vittorio De Sica, mientras que de 1973 a 1976 fue Mackie Messer en la Opera da tre soldi de Kurt Weill y Bertolt Brecht, dirigida por Giorgio Strehler. Pier Paolo Pasolini usó canciones de Modugno para la banda sonora de Pajaritos y pajarracos, una de sus películas fundamentales.

Artista conocidísimo y de gran presencia escénica, se recuerdan, entre otras canciones, La lontananza (La distancia es como el viento), Piove (Ciao, ciao bambina) (Llueve), Vecchio frack (Viejo frack), Resta cu' mme (Quédate Conmigo) (en idioma napolitano), Dio, come ti amo (Dios, cómo te amo), Piange il teléfono (Llora el teléfono / Le telephone pleure), Un calcio alla città (Un puntapié a la ciudad), Lu pisci spada (El pez espada) (en idioma siciliano) y Come hai fatto (Como has hecho). Domenico Modugno sufrió un ictus en 1984 y fue forzado a dejar la actividad artística. Se dedicó a la política y fue elegido parlamentario en la lista del Partido Radical Italiano de 1987 a 1992.

Entre algunos de sus reconocimientos post-morten, en el 50º Aniversario del Festival de Eurovisión, celebrado en 2005, se nombró a Volare como la mejor canción de la Historia del concurso tras Waterloo de ABBA. Además esta valoración venía a hacer "justicia" con el cero que Domenico obtuvo en el Festival de Eurovisión de 1966 con Dio come ti amo, con el cual se sintió profundamente dolido. En 2008 además, el Ministerio de Comunicación de Italia distribuirá sellos en conmemoración de Volare y Domenico.

Moises Canelo - Amor Pirata

2011-02-26T00:00:00.000-08:00

La canela le viene de origen; su nombre de pila es Moisés Canelas Withol. De padres hondureños, nació bajo el signo de Cáncer un 9 de Julio y su voz se hizo adolescente en los campos bananeros de la costa norte de Honduras, siendo que desde los ocho años, tras sus primeras incursiones en Festivales escolares y concursos radiofónicos, actuaba ante micrófonos profesionales en el puerto de La Ceiba.

En el canto familiar destacaba la aterciopelada voz de su padre, quien a pesar de no haber cantado en forma profesional, consigue alimentar en Moisés el gusto por el buen canto. Esta herencia la disfrutó tanto como a su propia libertad jugando al futbolista, al poeta y al locutor. Pero su canto tenía futuro internacional y fue con el conjunto “Los Robbin’s”, con el que Moisés se proyecta a través del tema “Noche de luna en La Ceiba”, su primer éxito discográfico y convertido hoy en un verdadero clásico para los hondureños. Posteriormente, al inicio de la década de los setentas, realiza con ellos mismos sus primeras giras internacionales que abarcaron las ciudades más importantes de los Estados Unidos.

Una firma disquera de Nicaragua lo lanza como solista en su primer L.P. grabado en Panamá, pegando con el tema, “Yo también soy sentimental” y posteriormente edita otros discos de larga duración producidos en New Orleans. Muy pronto se da a conocer en Acapulco en el segundo Festival OTI Internacional representando a Honduras con la canción “Río Viejo, viejo amigo”, de Horacio Cadalso y de allí su directa vinculación con México, en aquel famoso centro nocturno “El Cardini”, del cual se ausenta sólo para hacer giras por la provincia mexicana.

En el Festival Internacional de la canción en Panamá en 1976, logra uno de sus más resonantes triunfos con el tema “Latinoamericano”, compuesta por Alberto Angel “El Cuervo”, triple éxito por mejor canción, mejor intérprete y mejor arreglo.

Para entonces, ya había grabado en México escuchándose con bastante difusión “Muchacho Pobre”, producido para Discos Orfeón. Graba tres L.P. mas, con la casa disquera RCA Víctor, destacando con “Te quiero cada día más”, “Llegaste” de su propia inspiración y “Por amores como tú”, que compone conjuntamente con el peruano Edwin Alvarado. Realiza después producciones independientes, proyectando los temas “Esta Cobardía” y “Un buen perdedor”, además interpretó “Mensajero del Amor”, tema oficial en la visita que el Papa Juan Pablo Segundo hiciera por tierras centroamericanas y cortina musical en las transmisiones en español de Radio Vaticano.

Produjo también un L.P. de Tangos como gusto personal y luego de obtener un honroso cuarto lugar en el Festival OTI Internacional en Buenos Aires, concursando con la canción “Tú, mi siempre tú”, de Alberto Valladares. Pero el más resonante éxito discográfico internacional lo consigue con el tema de Paz Martínez “Amor Pirata”, con la compañía, Discos Continental de México y que llegaría a convertirse en un tema emblemático en el repertorio de Moisés Canelo. Posiciono el éxito “Honduras, vaya pues” y en época más reciente la producción Honduras, Nostalgia y Tradición con la Marimba Usula Internacional; una fabulosa recopilación de los más bellos temas del cancionero popular hondureño.

Importantes escenarios han sido testigos del arte incuestionable de Moisés Canelo; Madison Square Garden de New York, Teatro Griego de Los Ángeles, Performing Arts de New Orleans, El Capri, El Marrakech y El Cardini en México D.F., El Gimnasio Nilson Nelson de Brasilia, el Círculo Militar de Praia Bermelia, y el Vinicius en Río de Janeiro, el Hotel Hiat en Seúl, Corea, Auditorio de La OEA en Washington DC.

Sus apariciones en Televisión comprenden los más destacados programas Iberoamericanos, desde 300 Millones de la Televisión española, pasando por Milk Shake de la cadena Manchete de Brasil hasta Mundo Latino, Eco, Mala Noche No con Verónica Castro en Televisa, Un poco Más de Canal 11, y Nostalgia de Canal 13 en México, y en fecha reciente Despierta América de Univisión en Miami.

Ha compartido escenario con las más destacadas figuras del firmamento artístico Hispanoamericano, entre otros: Don Pedro Vargas, Miguel Aceves Mejía, Sandro, Marco Antonio Muñiz, Roberto Carlos, Camilo Sesto, Los Ángeles Negros, José José, Carlos Lico, Gualberto Castro, Moraes Moreira, Armando Manzanero, Vicente Fernández, Rocío Jurado y Juan Gabriel.

Su amplio repertorio recoge las más finas melodías del catálogo Internacional, interpretando con fluidez temas en varios idiomas: inglés, portugués, italiano, francés, hebreo y griego. Dominando una vasta gama de ritmos y formas que lo convierten en un intérprete sumamente versátil y multifacético.Su formación profesional abarca: Solfeo, entonado con la maestra Ana Grave de Peralta, guitarra clásica, con el maestro Gonzalo Torres, Vocalización, con el maestro Carlos Zea, Armonía, con el Maestro Joaquín Pessina, actuación escénica, con el Maestro Sergio Bustamante.

A través de los años ha recibido un sinnúmero de reconocimientos, tanto a su labor artística como humanas. Cuentan, entre otros: La Medalla al Mérito, otorgada por el Congreso Nacional de Honduras, La Medalla del Recital de Otoño, en San Pedro Sula, La hoja de Laurel por la Presidencia de la República, hijo predilecto de La Ceiba, Ciudadano distinguido de San Pedro Sula, las llaves de las ciudades de New Orleans, Los Ángeles, y New York.Trotamundo, autodidacta. La música es la atracción que ha sabido capitalizar hasta llegar a esta madurez de cantante extraordinario. Este no es considerado compositor, más bien cantautor. Victor Donaire, en una entrevista de Diario El Heraldo le considera "la voz más romántica que más ha durado en el tapete artístico nacional"

Sonia Silvestre - La Tarde esta Llorando

2011-02-19T00:00:00.000-08:00

Nació en San Pedro de Macorís, República Dominicana, el 16 de agosto de 1952 en San Pedro de Macorís, y se crió en Hato Mayor hasta 1963, fecha en la cual su familia decidió mudarse a Santo Domingo.

En el nuevo ambiente citadino, la adolescente Sonia se puso en contacto con el rock, el movimiento hippie, las protestas contra la guerra de Vietnam, la guerra de abril de 1965 en Santo Domingo, la doctrina social de la Iglesia Católica y sus movimientos juveniles, los Beatles, el mayo francés, la izquierda de los años setenta y el hervidero que era el mundo de entonces.

Siendo estudiante de Pedagogía en la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña, hizo su debut oficial como vocalista en mayo de 1970, en el programa "Gente", que producía Freddy Ginebra para CERTV, y al poco tiempo inició sus presentaciones personales en la Boite "La Oficina", conocido centro nocturno de entonces.

Un momento decisivo de su carrera es cuando la compositora Leonor Porcella escogió a Sonia para que interpretara su tema "Dónde podré gritarte que te quiero", por cuya interpretación en el IV Festival de la Canción Dominicana obtuvo el segundo lugar.3 Luego de este acontecimiento, grabó para el empresario artistico Bienvenido Rodríguez su primer LP, titulado "Esta Es Sonia Silvestre".

En 1973 Sonia viajó a Cuba, invitada por el Consejo Nacional de Cultura y realizó una gira por toda la isla acompañada por Víctor Víctor y la Orquesta Irakere.

Su participación activa en el movimiento de la nueva canción enriqueció su repertorio y dio a su trabajo y a su imagen un significado social. Con "Sonia canta a Poetas de la Patria", se convirtió en la primera cantante popular que se presentó en un concierto en el Teatro Nacional, acompañada por la Orquesta Sinfónica Nacional.

En 1986, Sonia viaja a Lima, Perú y acompañada por el grupo OFS, se presenta en el "Primer Encuentro" de la "Nueva Canción", durante el evento Semana de Integración Cultural Latinoamericana.

Durante los años noventa, a raíz del éxito obtenido con el álbum "Yo Quiero Andar",5 realizó múltiples presentaciones a lo largo del país acompañada del grupo Trilogía conformado por Chichí Peralta en la percusión, Hector Santana en el bajo y Juan Francisco Ordóñez en la guitarra. Esto contribuyó a madurar el estilo del tecno amargue, género basado en las bachatas de Luis Días.

Luis y Sonia han realizado juntos un intenso trabajo con la bachata, género musical del folklore urbano de Santo Domingo.6 El 2 de noviembre del año 2010, Sonia acompañada del grupo Transporte Urbano presentaron a casa llena en el Palacio de Bellas Artes el concierto "Mi amigo el Terror", como homenaje póstumo a Luis Dias, fundador del rock dominicano.

• Sonia Silvestre se ha presentado en Puerto Rico, Cuba, Nicaragua, Venezuela, España, Colombia, México y los Estados Unidos.
• Fue finalista en el Festival de la Canción de Bogotá en 1971, Segundo Lugar de IV Festival de la Canción de AMUCABA, en Santo Domingo, en 1971.
• Cantante más popular de Tele-3 en 1972.
• Cantante más popular del programa Farándula en 1973.
• Premios El Dorado como cantante más popular en los años 1975, 1976 y 1977.
• Premio El Dorado al mejor espectáculo en 1977
• Premios Casandra como cantante más destacada y mejor video-clip en 1990.
• Premio Paoli como artista internacional del año en Puerto Rico en 1991.

Discografía
• Sonia en Buenos Aires
• Sonia Nueva, Nueva Canción
• Sonia Canta Poetas De La Patria
• Amor y Desamor
• Folkhoy
• Corazón De Bellonera
• Una Verdadera Intérprete
• Mi Corazón Te Seguirá
• Edición Especial de Grandes Éxitos de los Años 70.
• Yo Quiero Andar
• Verde y Negro

Sonu Nigam- Kuchh Tum Socho

2011-02-12T00:00:00.000-08:00

(también conocido como Nigam), (nacido el 30 de julio de 1973 en Faridabad, Haryana, India), es un músico y cantante hindi y es conocido como la vocal musical de Shahrukh Khan en muchas películas de Bollywood. Él mismo ya ha publicado sus diversos Indie-Pop discos y fue también un actor de varias películas. Hace poco él ha cambiado la escritura de su nombre por aspectos de numerología de "Nigam" a "Niigaam".

Sonu Nigam ha comenzado su carrera musical con 3 años cuando el ha apoyado a su padre en el escenario con la canción "Kya Hua Tera Wada" de Mohammad Rafi. A esos tiempos el ha acompañado a su padre a diversas bodas y fiestas. Durante sus años juveniles el ha participado con éxito en varias competiciones musicales. Con 18 años el se mudó a Bombay con su padre y empezó su carrera musical ahí.

Sonu ha tenido lecciones de canto de Naveed de Fazalabad Pirwadhai. Sus primeros años en Bombay estaban muy difíciles - el ha comenzado a imitar canciones de Mohammad Rafi, máxime para su disco serial "Rafi Ki Yaadein". Este álbum ledio su imagen como "Rafi Clon". Su primera canción en película como cantante de playback fue en la película "Janum" (1990), pero ésa nunca fue publicada. El punto clave en su carrera como cantante de playback el ha tenido con la película "Aaja Meri Jaan" de Gulshan Kumar. Después el ha cantado la canción "Accha Sila Diya" del álbum "Bewafa Sanam" (1995) y le trajo reconocimiento definitivo en su carrera.

Sonu ha comenzado a moderar "SaReGaMa", un show de TV para talentos musicales como hay diversos en todos los países. Este Tv show se volvío en una de las más exitosas en India. El primer episodio de "SaReGaMa" estaba emitido al 1. de mayo de 1995. Desde este tiempo el ha tenido más y más pedidos para canciones de playback. Una fama grandiosa el ha recibió para su canción "Sandese Aate Hain" de la película "Border" (1997). Anu Malik fue el director musical de esta película. Su imagen como "Rafi Clon" perdió con la canción "Yeh Dil Deewana" de la película "Pardes" (1997). Con esto él ha creado su auténtico y único estilo y se ha vuelto un ídolo para muchos nuevos músicos jóvenes en India.

Con los años Sonu se ha convertido en una fuerza motriz guía en la industria musical en India. Él fue el cantante de playback para muchísimas películas hindi y ha recibido muchos diversos galardones. "Kal Ho Na Ho" es la canción más conocida y querida hasta hoy. Sonu es conocido para su vocal versátil y su gran banda ancha de emociones que el es capaz a expresar. Sonu canta con una pronunciación muy clara en varias lenguas, como el hindi, el bengalí, el kannada, el panyabi, el tamil, el telugú, el marathi y el inglés.

Sonu ha publicado diversos álbumes de pop: "Mausam", "Sapnay Ki Baat", "Kismat", "Deewana", "Jaan, "Yaad", "Chanda Ki Doli" y "Colours of Love". También el ha publicado un álbum que se llama "Pyar" en Panyabi. En septiembre de 2007 el ha publicado un disco serial con 6 CD llamado "Kal Aaj Aur Kal Rafi" que contienen 100 canciones del Maestro Mohammad Rafi. Actualmente (2008) el ha publicado dos nuevos álbumes "Classically Mild" y "Rafi Resurrected" y también el single "Punjabi Please".

Con los años el ha hecho muchos conciertos en varios países: USA, Canadá, Inglaterra, Francia, Alemania, Bélgica, Holanda, España, Australia, Nueva Zelanda, Pakistán, Nepal, Bangladesh, Rusia, Afganistán, UAE, Arabia Saudí, Bangkok, Indonesia, Singapur, Malasia, West India, Mauricio, Nigeria y en África del Sur. En Mayo/junio de 2007 el estaba en la tour "The Incredibles" en América con otros cantantes de India como Asha Bhosle, Kunal Ganjawala y Kailash Kher.

En Septiembre/Octubre del mismo año el estaba solo a la tour "Simply Sonu" en Canadá y Alemania (en Alemania el estaba el primer cantante de India en un concierto). En abril de 2008 el comenzado una nueva tour en India para presentar su nuevo single "Punjabi Please".

En julio de 2008 el ha tenido una tour especial en Inglaterra en tres ciudades (Birmingham, Mánchester y Londres) con el famoso " City Of Birmingham Symphony Orchestra"(CBSO) para presentar los mejores éxitos del Mohammad Rafi. Con este tour y la publicación del nuevo álbum "Rafi Resurrected" —del CBSO y de la editorial de música Saregama— va a entrar en los anales de la historia de la música.

Amén de su función como moderador para “SaReGaMa”, Sonu también estaba moderador para la TV show "Kisme Kitna Hai Dum" y estaba miembro del jurado para “Indian Idol” (de Sony Entertainment Television) relevo 1, 2 y especial miembro del jurado en relevo 3. En el 2006 el ha moderado su radio show "Life Ki Dhun with Sonu Niigaam" en Radiocity 91 FM. El ha aprovechado esta opportunidad para entrevistar otros grandes músicos como la famosa Lata Mangeshkar.

Sonu está casado con su esposa Madhurima desde el 15 del febrero de 2002; el la conocío muchos años antes del casamiento. Ellos tienen un hijo llamado Nevaan qien nació el 25 de julio de 2007.

Sonu tiene cuidado a su gymnasia y le gusta mucho hacer Yoga. El denomina más esperitual que religioso.Además Sonu tambián hace mucho para varias organizaciones benéficas en India y en el extranjero; así por ejemplo para fundaciones y organizaciones de ayuda para enfermedades de cáncer y lepra, y ayuda para ciegos y para la protección de las mujeres, y ayuda para las víctimas bélicas y sismicas. Sonu también apadrina de un niño de la "Crayon"-organización

Bread - Guitar Man

2011-02-05T00:00:00.000-08:00

Fue una banda de rock estadounidense de los años 70, fueron los representantes de lo que más tarde sería conocido como soft rock. Tuvieron su origen en Loa Angeles, California a finales de los 60.Todas las agrupaciones van de nombre en nombre y cambiando de miembros hasta conformar la que los lleva a la cima y Bread no podía ser la excepción, estuvo conformada por: David Gates:Líder vocal y guitarra, Jimmy Grifin: Vocal y guitarra, Robb Royer: Bajo, fue sustituído por Larry Knechtel en 1971, Mike Botts: Batería .

Aparte del soft rock, algo que caracterizó a esta banda fue la voz de David Gates, ideal para este tipo de música, algo impensable para el rock.Para que tengan una idea Bread colocó 13 temas en la cartelera del Billboard Hot 100, su primera producción Bread salió en 1969 llegando a la pos #127 en el Billboard 200. Su segunda producción On The Waters llegó a la pos #12 del Billboard 200 y, esto se debió al tema Make It With You #1 Billboard Hot 100 en 1970, fue la única canción del grupo que alcanzó tal sitial.

El tema que les presento es precisamente Make It With You, como es mi costumbre no debo dejar pasar en que película fue utilizado, Good Morning Viet Nam con Robin Williams aunque les parezca extraño, suena en esta película de guerra. A comienzo de los 70 cuando el rock se abría a nuevas tendencias el sonido de Bread fue un verdadero calmante, a parte de su música las letras de sus canciones siempre giraban en torno a el amor, no podían faltar en ninguna de las fiestas de la época. Si no la vivió, es una buena la oportunidad de escuchar como era la música y/o de recordarla.La banda se separó en 1977 y tuvieron una breve reunión en los años 96/97, fueron ingresados en el Vocal Group Hall Of Fame en 2006.

Como solista David Gates tuvo un éxito relativo, siendo el mayor Goodbye Girl de la película The Goodbye Girl de 1978. Griffin y Botts murieron de cáncer en 2005 a la edad de 61 años, Knechtel falleció de un ataque al corazón en agosto de 2009 a los 69 años. Al Bread original le sobreviven Gates y Royer.

Vitas - The Star

2011-01-29T00:00:00.000-08:00

Es un cantante ruso de pop, compositor, actor y diseñador de moda, nacido en la entonces república soviética de Letonia el 19 de febrero de 1981. Es mejor conocido por su primer nombre Vitas, o Витас en ruso,tambien apodado ``la voz de diamante´´ . Gran variedad de su música pop está influenciada por el tecno, y en ocasiones, por la ópera clásica.

Gran parte de su fama se debe a la televisión rusa, pero actualmente ha tenido apariciones en países como China, Corea y Japón en los que además ha firmado acuerdo para expandirse hacia esos mercados. Gracias a videos como Opera No.2 (Опера 2) y Lucia di Lammermoor, los cuales tuvieron una amplia difusión y aceptación en Internet, ha logrado gran reconocimiento mundial.

El 29 de marzo de 2002 participó del concierto "San Remo en Moscú" en el Palacio Estatal del Kremlin, convirtiéndose en el cantante más joven en actuar en el mismo.Como diseñador de moda, Vitas presentó su colección "Sueños de Otoño" en el mismo escenario el 29 de septiembre del mismo año.

Al año siguiente, fue invitado por el compositor "Lucio Dalla", autor de Caruso, para interpretar juntos esta canción en la presentación "San Remo en Moscú". De resultas de esta actuación Dalla también invitó al cantante a participar de una puesta en escena de la ópera Tosca. En noviembre de 2003, Vitas presentó su segundo programa como solista llamado "Canciones de mi Madre" (Песни моей мамы) en el salón de conciertos "RUSIA" en Moscú. A partir de ese programa fueron lanzados dos álbumes: "Canciones de mi Madre" y "Mama" para su estreno.

El primero incluía las canciones consideradas "reservas de oro" (grandes hits) de la música pop rusa. El otro álbum, incluía solo las nuevas canciones compuestas por Vitas. En marzo de 2003 ofreció 264 conciertos como solista en lugares como Rusia, Australia, Estados Unidos,Canada, Israel, Alemania, Kazajistán, Lituania, Letonia, Estonia, Georgia, Tayikistán, Ucrania, Bielorrusia, entre otros.

El álbum "Un Beso Largo como la Eternidad" (Поцелуй Длиною В Вечность) , lanzado el 8 de octubre del 2004 tuvo ventas sin precedentes en Rusia, vendió más de 2.000.000 de copias en menos de seis meses. El número total de ventas de CD durante el periodo de actividad creativa del cantante exceden los 10 millones.

Sergey Nickolaevich Poudovkin, su productor, firmó un contrato en agosto de 2005 con la compañía productora taiwanesa Avant Garden Records, quienes planeaban lanzar el álbum en Taiwan en septiembre de ese año. Sin embargo, en noviembre de 2005, Poudovkin rompió el contrato sin explicaciones, cancelando el lanzamiento. Durante 2004 y 2005, Vitas se convirtió en uno de los más populares cantantes de Rusia, llevando a cabo una importante gira por todo el país. El estreno de "Canciones de mi Madre" fue considerado El evento musical del año.

El Centro de Productores Poudovkin organizó una gira sin precedentes con el programa "Canciones de mi Madre" en Rusia, Estados Unidos, Canadá, Alemania Kazajistán, Israel y Países bálticos durante 2004 y 2006. Vitas ofreció más de 250 presentaciones con ese programa en 2004.

En junio de 2006, Vitas fue invitado por la cadena de televisión CCTV (China Central Television) para formar parte del evento "El Año Ruso en China", presentado en Pekín. Vitas interpretó dos canciones, "La Estrella" (Звезда) y Opera No. 2 en un programa de esa cadena llamado "Los Años de Rusia en China" dedicado especialmente a esos eventos.

El estreno de "Regreso a Casa" se presentó en marzo de 2007 en el escenario de Kosmos. Más de 20 nuevas composiciones del cantante fueron incluidas en el estreno. Muchas de sus nuevas canciones pronto se convirtieron en favoritas de los fans a través de Internet como "Con el grito de las grullas", "Las Costas de Rusia", "Pido a todos los Santos", "El pequeño príncipe", "Repito tu nombre", entre otros.En octubre de 2007, Vitas firmó con la compañía productora estadounidense "Gemini Sun Records" un contrato. Esta compañía plena en lanzar sus DVD y CDS lanzados anteriormente en el verano de 2008 en un nuevo empaque y subtítulos en Español e Inglés.

La voz de Vitas es una de las más controvertidas del planeta en la actualidad ya que abarca 5/8, su voz pertenece a la de un contratenor y su registro se extiende de un C2 (do 2 ) hasta un D#7 (re#7), esta última nota se puede encontrar el la canción "Dedication" "Посвящение" de su álbum "Canciones de mi madre" "Песни моей мамы" una de sus notas más graves se presenta en Lucia di Lamerrmoorr.

El sonido de los álbumes de Vitas muestran un alto registro vocal inusual, lo que ha dado que surjan diversas controversias que especulan que sus grabaciones están alteradas y que en sus presentaciones en vivo usa playback. Tales rumores ganaron atención en la televisión rusa. Vitas y sus productores negaron esos rumores. Los asistentes a sus conciertos afirman que él canta en vivo. Durante una presentación en vivo en 2003 Vitas balanceaba su micrófono lejos de su voz en muchas ocasiones para probar que estaba cantando en vivo.

Otros, sin embargo, rumorearon sin fundamentos que la voz de Vitas era un ejemplo de castrato, sin embargo que este rango vocal se puede alcanzar fácilmente por un contratenor o un soprano masculino que este entrenado en la interpretación de obras clásicas, sin necesidad de ejecutar la emasculación. Similar al "registro de silbido" de la voz femenina, el contratenor canta lo que muchos describen como un registro de falsetto muy alto, al igual que un soprano canta con su voz de cabeza utilizando una técnica diferente.Haciendo alusión a tal controversia, Vitas protagonizó una serie de televisión en la cual interpretó a un cantante de pop con una alta e inusual voz.Vitas en ocasiones es conocido como Bumac, debido a que su nombre en ruso cursivo (Витас) es muy parecido a las letras del alfabeto latín que forman esa expresión.

Gigi- Mengedegna

2011-01-22T00:00:00.000-08:00

Ejigayehu Shibabaw (1974), conocida como GiGi, es una cantante etíope de música jazz, soul y afrofunk.

Nació en el seno de una familia campesina, dedicada al cultivo del café, que se trasladó a Addis Abeba en 1984. Ante la oposición de su familia a que siguiera la carrera musical, huyó a Kenya, donde formó su primer grupo. Actuó por primera vez en Nairobi en 1993. En 1996, de regreso a Etiopía, juntó el grupo de teatro "Salomon et Saba" de Massimo Schuster, junto con Fantahun Shewankochew y Wores Egziabher, y actuó en varias ciudades de África Oriental y del Sur. El grupo visitó también Francia, donde Ejigayehu y sus compañeros grabaron un disco para la "Maison des Cultures du Monde", titulado Éthiopie/Chants d'amour (1997).

En 1998 se instaló en San Francisco, California, donde grabó un nuevo disco, One Ethiopia, con instrumentos electrónicos. El disco llamó la atención de Chris Blackwell, fundador de Palm Pictures, sello en el que Ejigayehu grabaría posteriormente GIGI (disco en el que se combinan jazzm, funk, dub y varios estilos musicales africanos) y Radioaxiom: A Dub Transmission.

En marzo de 2003 editó Illuminated Audio. Ese mismo año, en diciembre, se publicó Abyssinia Infinite Zion Roots, en el que GiGi canta melodías tradicionales, con acompañamiento de instrumentos acústicos, como el arpa Kirar o la flauta washint.

Una grandiosa voz, con aroma y sabor etíope.
Una super-superbanda.
Una producción que va a cumplir una década y que acabará siendo clásica.
Un disco perfecto.

La primera vez que la escuche la voz de Gigi me quede maravillado, sobre todo todo con el tema Good Fella, pero bueno todo el album es una maravilla.

Gladys Moreno - Lunita Camba

2011-01-15T00:00:00.000-08:00

(1933-2005), Famosa Cantante boliviana nacida en Santa Cruz de la Sierra, el 28 de noviembre de 1933, hija de Rómulo Moreno y de Hortensia Cuéllar. La afición por la música empezó desde corta edad interpretando chovenas y taquiraris que escuchaba cantar a su madre, ya en la escuela era la voz preferida de maestros y alumnos en las horas cívicas, cuando cumplía los 13 años se presento en una función de beneficencia, donde fue admirada por la gracia y prestancia que acompañaba su cálida y exquisita voz.

Durante varios años radico en la ciudad de La Paz, presentándose en varios escenario importantes, pero fue en Radio Electra de la ciudad Oriental en 1948 donde inicia una serie de actuación artística.Dos años mas tarde, es invitada a inaugurar el conocido restaurant “La Pascana” en Santa Cruz de la Sierra.

Gladis Moreno de retorno a la ciudad de La Paz, realiza sus primeras grabaciones discográficas en el sello “Méndez”en discos de 78 rpm. con el marco musical del conjunto Nacional “Los Planetas” donde incluyen los taquiraris “Haragán” y “Cuando un Camba se enamora” el bolero “Para decir te quiero” y la polka “Vida de mi vida”, grabaciones que son todo un éxito en el País; Posteriormente realiza una gira a la Republica del Brasil donde su arte es bien apreciado en muchos escenarios de Río de Janeiro y San Paulo llegando a grabar en el sello “Masterdisc” de la RCA. Víctor internacional junto a la gran orquesta del maestro Daniel Salinas cuyo trabajo esta considerado como la mejor etapa del arte de la “Señora de la Canción” en el que se citan obras de los mejores compositores bolivianos, con ese amplio y variado repertorio realiza giras a diferentes Países donde fue recibida admirablemente en centros mineros, pueblos y ciudades de su amada Bolivia.

En 1962 es nombrada “Embajadora de la Canción Boliviana” y posteriormente canta en la sede de la OEA. Su arte ha sido reconocido por el Gobierno al recibir la condecoración del “Cóndor de los Andes”y de varias instituciones publicas y privadas del País, declarada ciudadana notable en su natal Santa Cruz de la Sierra, de donde es fiel exponente de la música, el canto y el estilo oriental con una técnica completa que nunca fue igualada, convirtiéndola en dueña de una voz de dulce sonoridad, de fonación exquisita, que con una correcta dicción expresa inigualables emociones y sentimiento, con la que dejo impresa muchas grabaciones de la que destaca la canción mas popular que se canta en su tierra , el taquirari del Compositor Orureño Gilberto Rojas “Viva Santa Cruz”

Gladis Moreno formo una familia con el Sr. Alfredo Tomelic y su hija Ana Carola.La “Diva de la Canción Boliviana”, falleció en su ciudad natal Santa Cruz de la Sierra, la noche del jueves 3 de Febrero del año 2005, a consecuencia de un infarto, sus restos fueron velados en el Salón Los Cirios, donde recibió varios homenajes de las instituciones y el publico Boliviano.

Henri Salvador- Jardin d'hiver

2011-01-08T20:01:00.000-08:00

(Cayenne, Guayana Francesa , 18 de julio de 1917 - París, 13 de febrero de 2008) fue un cantante y guitarrista francés de música popular y jazz.

Músico de gran recorrido artístico (estuvo en activo desde los años treinta hasta el año de su muerte), fue un personaje relevante dentro de la música francesa y mundial; algunas de sus canciones forman parte de la cultura popular francesa (entre ellas, "Syracuse", "Une chanson douce", etc.) y se le considera el primer cantante francés de rock and roll (desde 1956) y uno de los iniciadores de la bossa nova brasileña.

Compuso para numerosos artistas, especialmente para Régine y Sheila, e hizo conocer al gran público a la cantante Keren Ann. Art Mengo compuso para él.Llegó a Francia junto con toda su familia desde la Guayana francesa cuando tenía 12 años, el 16 de agosto de 1929.

Su padre, Clovis, y su madre, Antonine Paterne, hija de un indio caribeño, eran ambos nativos de Guadalupe: su padre de Morne-à-l'Eau y su madre de Puerto-Luis. Tuvo una hermana, Alice, y un hermano, André, con el cual cantaba a dúo al principio de su carrera. André Salvador llegó a ser galardonado con el Grand prix du Disque de 1947 con "Hey-ba-ba-re-bop", acompañado de la orquesta de André Ekyan.

En 1933 obtuvo sus primeros trabajos en los cabarets parisinos. Su talento como músico y humorista le hacen ganarse el aprecio del público. En 1935, actúa en el Jimmy’s Bar, famoso cabaret de la época. Django Reinhardt le acoge entonces como acompañante.

En 1941, huye de Francia donde la guerra se va extendiendo. No volverá hasta la capitulación de Alemania.

De diciembre de 1941 a diciembre de 1945 formó parte de la orquesta de Ray Ventura durante una estancia en América del Sur, en la que recorrió países como Brasil, Argentina, Colombia, Uruguay, etc. Destacó ya entonces por su talente como guitarrista y cantante, aparte de por su habilidad cómica para imitar al personaje de Popeye.

Más adelante, ya como cantante profesional, empezó a combinar en su repertorio canciones originales con temas más románticos y tradicionales, siendo respaldado más habitualmente con las primeras, dado que en las segundas la competencia era muy fuerte con cantantes como André Claveau y Jorge Ulmer.

En 1949, obtuvo el gran premio musical de la Académie Charles-Cros y entró a trabajar en el ABC, templo de los music-halls parisinos, en la revista de Mistinguett Paris s’amuse. Es ahí donde conoce a su futura mujer y representante Jacqueline.

Bajo el seudónimo de Henry Cording, cantó en 1956 temas de rock and roll en francés, escritos por Borís Vian y compuestos por Miguel Legrand y él mismo. Paralelamente, grabó un disco de jazz como guitarrista titulado Salvador plays the blues.

Su carrera tomó un rumbo determinante en los años sesenta, en gran parte gracias a las emisiones de variedades de Maritie y Gilbert Carpentier, en las que él interpretaba canciones de humor que le consagrarían como cantante popular: "Faut rigoler", "Zorro est arrivé", "Juanita Banana", "Le travail c'est la santé", etc. Como consecuencia de este éxito, consiguió su propio programa de radio vespertino titulado « Salves d'Or ».

En 1975, participó en un relato musical para niños titulado Émilie Jolie, escrito por Philippe Chatel, en el que interpretaba al cuentista y cantaba tres canciones, una de ellas con Françoise Hardy y Émilie Chatel.

Tras la muerte de su esposa Jacqueline en 1976, Henri Salvador volvería a casarse en 1986 con Sabine Elysabeth Marie-Chantal.Su carrera sufrió un eclipse en los años ochenta y noventa.En 2000, regresó al primer plano de la actualidad con el disco Chambre avec vue.

Salvador fue también un jugador de petanca de alto nivel, llegando a publicar un tebeo sobre el tema: Passion... Pétanque y a inventar también bolas para el mismo que llegaron a comercializarse. Fue también doblador de películas de animación, como hizo en 1990 en La Petite Sirène, de los Estudios Disney, haciendo de Sebastián. En 2006, con motivo de la edición en DVD de la película, grabaría también los diálogos de la secuela La Petite Sirène 2 : Retour à l'océan.

En noviembre de 2001, se casa con la productora de televisión Catherine Costa.Su último disco, Révérence, apareció a finales de 2006.

Henri Salvador puso fin a su carrera artística tras una actuación en el Palacio de Congresos de París el 21 de diciembre de 2007.

El fotógrafo Juan María Périer es hijo de Henry Salvador. Salvador falleció en su casa de París de un aneurisma, Tenía 90 años. dijo Carine Herve, del sello Polydor.
Su dulce voz pareció desafiar el paso del tiempo, permaneciendo suave y flexible hasta el final.

"Yo no canto, yo susurro", dijo a la AP en una entrevista en el 2006. "Cuando uno le susurra al micrófono, uno puede transmitir un verdadero sentimiento".

Ya sea cantando jazz, blues, rock "n roll o pop francés, el sentimiento fue un ingrediente clave en su prolífica y variada carrera musical.

Carlos Carreira- Hubiera Jurado

2011-01-01T11:02:00.000-08:00

Nace en la Ciudad de México. Inicia sus estudios musicales a la edad de cuatro años en Yamaha de México, A los 15 años comienza a incorporar letra a su músicay es en 1998, junto con un grupo de amigos, que queda como finalista del concurso “A todo rock” organizado por Bacardi y Cía.

En el 2000 gana el primer lugar estatal, con una canción de su autoría, en el certamen de Cantares organizado por Cervecería Superior. A partir del año 2001 comienza a preparar una serie de canciones para completar su primera producción discográfica que sale de manera independiente en el año 2003. El disco llamado “Sin más que hablar” que cuenta con la participación de cantautores poblanos reconocidos como Carlos Arellano, Gerardo Pablo, Miguel Ángel Méndez, Gareli Ramírez y Juan José Lavaniegos, cantautor Hidalguense.

Participó en el concierto “Aguanta corazón” de Abel Velásquez “El Mago” en diciembre de 2004, en el Teatro San Francisco en Pachuca, Hidalgo.

En el 2005 estrena su segunda producción titulada “Quiero cantar” contando con una coautoría con Abel Velásquez “El Mago” (Q.E.P.D) y la participación vocal de Edgar Oceransky, Miguel Inzunza y “El Mago”, este disco lo llevó a nuevos escenarios en diversas partes de la República Mexicana.

En 2006 publica su tercera producción discográfica que lleva por título “Basado en una historia real” en la cual sorprende con tendencias frescas dotadas de gran calidad músico-vocal; así como una madurez en su manera de escribir. Cabe destacar que en esta producción participan músicos de talla internacional, como Aarón Cruz, Giovanni Figueroa y Chatrán González, quienes han aportado su gran talento y con los cuales ha seguido trabajando desde entonces.

En 2007 participa en el concierto de aniversario del programa Cantares, conducido por Alejandro Ramírez, en el Polideportivo de BUAP en Puebla, compartiendo escenario con Fernando Delgadillo, Alejandro Filio, Mexicanto, Edgar Oceransky y Gerardo Pablo. En 2008 presenta su cuarto disco, titulado “Agua”, dando un salto a la escena musical nacional en donde la distribución de sus discos por Fonarte Latino le da presencia en todas las tiendas Mix Up, Gandhi y Tower Records de la República Mexicana.

Su más reciente producción, “La manera de contar”, fue grabada en vivo en el Teatro del Complejo Cultural Universitario en julio de 2009, con el apoyo de varias instituciones, como Sicom, Cantares, Albanta Films y Procanto, producido por Francisco Álvarez y contando con Salvador Tercero en la grabación del audio.

Autor de música y letra de sus temas, en las que se puede encontrar gran variedad de estilos y géneros musicales, creando así una propuesta original y contemporánea que lo ha llevado a contar con un lugar especial en el gusto del público que escucha la canción de autor. Su trabajo abarca diversas áreas, como la composición, la producción, grabación, mezcla y masterización, se desenvuelve también como arreglista y músico de sesión; todo esto tanto en producciones de talla nacional como internacional y así se ha logrado presentar en diferentes foros de México y el extranjero, compartiendo escenario con grandes artistas.

Bela Mavrak- Besame mucho

2010-12-25T04:56:00.000-08:00

FALIZ AÑO 2011, SON LOS MEJORES DESEOS DEL BLOG DEL ANDROIDE!

Bela Mavrak nació en Austria. En 1989 estudió en la academia de música de Belgrado y siguió su preparación en la Universidad de Música de Colonia donde recibió el diploma en artes en 1994. En 1991 fue contratado por un canal de TV para una gira por Estados Unidos donde fue una grata revelación como tenor y fue ovacionado de pie en sus presentaciones. Entre otros premios ha obtenido la medalla de oro a primer lugar en la competencia internacional de canto de Santa Margherita en Italia.

Hizo su debut en 1994 en la obra Réquiem de Verdi en el Beethoven Hall acompañado de la filarmónica de Hungría. En 1998 el teatro nacional alemán de Weimar, lo contrató por dos años como solista del evento cultural Weimar, ciudad cultural europea en 1999

El tenor europeo Bela Mavrak, solista principal de la orquesta de André Rieu, cumplió uno de sus más grandes sueños: grabar en español al lado de famosos músicos cubanos de Las Estrellas de Buenavista, lo que resulta todo un acontecimiento internacional.

Este CD que además contiene un DVD titulado Bela Mavrak and the Stars of Buenavista, ya se encuentra disponible en el mercado mexicano, con interpretaciones del cantante como Bésame Mucho, original de Consuelo Velázquez y que es la canción mexicana más grabada en todo el orbe; Veinte Años, Amada mía, Dos Gardenias, Lili Marlene, Golden Earrings, She, Smile (de la cinta Tiempos Modernos, del inmortal Charles Chaplin) y Damisela Encantadora, entre otras.

Vicente Feliu- Creeme

2010-12-18T10:45:00.000-08:00

Vicente Feliu Miranda (La Habana, (Cuba) 1947). Músico, cantante, guitarrista y cantautor.

Aprende a tocar la guitarra de mano de su padre , y simultáneamente comienza a componer en 1964, de manera intuitiva y necesaria, cuando cursaba la segunda enseñanza. Por aquellos años otros jóvenes en diferentes puntos de la geografía cubana descubrían a la vez las experiencias sociales y la canción, y años más tarde, en 1972, conformarían lo que se dio a conocer como el Movimiento de la Nueva Trova. Una de sus voces más representativas junto a Pablo Milanés, Silvio Rodríguez, Noel Nicola, Lázaro García y Augusto Blanca, entre otros, Vicente trabajó durante quince años en la organización ocupando diferentes responsabilidades incluyendo la presidencia.

Ha actuado en más de 20 países de las Américas, Europa y Africa, y compartido escenarios con numerosos cantores, entre los cuales se cuentan Silvio Rodríguez y Pablo Milanés (Cuba), Luis Eduardo Aute y Caco Senante (España), Isabel Parra e Inti Illimani (Chile), León Gieco y Mercedes Sosa (Argentina), Jackson Browne, Pete Seeger, Holly Near y Little Stevens (Estados Unidos), Daniel Viglietti y Alfredo Zitarrosa (Uruguay), y Luis Enrique y Carlos Mejía Godoy (Nicaragua).

Ha compuesto música para obras de teatro, televisión y espectáculos y ha colaborado en programas culturales como asistente de dirección y director musical. Fue asesor de música de la radio y la televisión cubanas y guionista, locutor y director de radio.

Actualmente dirige el centro cultural Canto de Todos, que promueve encuentros e intercambios, desde la canción, en los países de Iberoamérica.

Yuja Wang- Mendelssohn piano Concerto No. 1

2010-12-11T01:47:00.000-08:00

Nació 10 de febrero 1987 en Beijing , China ) es una pianista clásica. Comenzó a estudiar piano a los seis años no, y pasó a estudiar en la Conservatorio Central de Música de Beijing.

Wang proviene de una familia de músicos. Entró en Beijing el Conservatorio Central de Música a los siete años y estudió durante tres años. Wang se mudó a Canadá a los 14 años para aprender Inglés y estudio en el Mount Royal College en el Conservatorio de Calgary . Actualmente vive en Nueva York, pero viaja la mayor parte del tiempo dando conciertos en todo el mundo.

En 2001, Wang ganó el tercer premio y premio especial del jurado (que se concede a un superior, finalista en especial de menos de 20 años de edad, el premio en metálico de 500.000 yenes japoneses) en la sección de piano en el Primer Concurso Internacional de Música de Sendai , en Sendai , Japón.

En 2003, Wang hizo su debut en Europa con la Orquesta Tonhalle de Zurich, Suiza tocando Beethoven 's Concierto para piano N º 4, bajo la batuta de David Zinman .

Ella hizo su debut en América del Norte en Ottawa en la temporada 2005-06 sustituyendo Radu Lupu realizar el concierto de Beethoven con Pinchas Zukerman conductor.El 11 de septiembre de 2005, Wang fue nombrado el bienio 2006 Gilmore Young Artist ganador del premio, otorgado a la edad de los pianistas más prometedores de 21 y más joven. Como parte del premio, que recibió $ 15,000, se presentó en conciertos Festival Gilmore, y tenía una obra para piano nuevo encargado para ella

A partir de los quince años, estudió durante cinco años con Gary Graffman , que también era Lang Lang, profesor en el Instituto de Música Curtis en Filadelfia, Pennsylvania y se graduó en mayo de 2008. Ella está aumentando el número de conciertos que se está reproduciendo, y ha "desarrollado una reputación novela" de la sustitución de los pianistas enfermos, sin embargo, va a "entregar un rendimiento de octavos de final."

En 2006-2007, se realiza con la Filarmónica de Nueva York , la Sinfónica de Houston , la Orquesta Sinfónica de Chicago y San Francisco Symphony , la Orquesta Sinfónica de la NHK de Japón, la Filarmónica de San Petersburgo en los Países Bajos, la Orquesta Filarmónica de China en Pekín y el de Guangzhou Sinfónica y el Santa Fe Festival de Música de Cámara.

En marzo de 2007, Wang reemplazó a la legendaria pianista Martha Argerich en conciertos en Boston. [6] Argerich había cancelado sus presentaciones con la Orquesta Sinfónica de Boston en cuatro conciertos de abono de 8 marzo-13 marzo. [6] Wang realizó Tchaikovsky 's Piano Concierto N º 1, con Charles Dutoit realizar, recibiendo críticas muy favorables.

El 14 de marzo de 2007, Wang fue presentado en la National Public Radio de All Things Considered

Wang jugó dos veces en Albuquerque en el verano de 2007, y en tres conciertos de Kansas City con su Sinfonía en noviembre de 2007.

El 21 de enero de 2008, Wang jugó en la Colina Auditorio en Ann Arbor, MI y, en ovaciones de pie, volvió a los escenarios en varias ocasiones para una repetición triple que incluye Gluck 's Mélodie de Orfeo (de la transcripción Wang, después de Giovanni Sgambati ), Marcha Turca por Mozart ( Volodos 's y la transcripción), Rimsky-Korsakov 's El vuelo del abejorro ( Cziffra 's disposición virtuosa).

El 2 de abril de 2008, Wang jugaba con la Academy of St. Martin in the Fields en el Boston Symphony Hall , en un concierto que estaba previsto se llevará a cabo desde el teclado por Murray Perahia . en el 2008 participio en el Festival de Verbier con gran éxito.

En enero, Wang firmó un contrato exclusivo de grabación de cinco discos con Deutsche Grammophon . En marzo, hizo su debut con la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Sinfónica Nacional, Orquesta Sinfónica de Dallas y Pittsburgh Symphony Orchestra.

El 15 de abril 2009, Wang realizó en la Orquesta Sinfónica de YouTube evento celebrado en Nueva York en el Carnegie Hall . En mayo, se realizó Sergei Prokofiev Piano número Concierto para dos con el Francisco Sinfónica de San .

En agosto, jugó su tercera Concierto para piano en virtud de Claudio Abbado en el Concierto de Apertura del Festival de Lucerna , con transmisión en vivo y transmisión en el primer suizo nacionales programm SF 1 . En junio y julio, apareció, al igual que el año anterior, en el Festival de Verbier , y en noviembre, tuvo su primer concierto en solitario en Zúrich en el prestiguous Tonhalle de Zurich (su segunda visita después de su famosa debut europeo aquí en 2003, véase más arriba), con un programa con Liszt, Schumann y Chopin

Aunque hay informes de que Wang lanzó un CD debut en 1995, hay poca información disponible al respecto. Ella ha publicado dos CDs, Sonatas y Estudios y transformaciones, en la Deutsche Grammophon etiqueta. Su siguiente CD se informa de Rachmaninoff conciertos, con Claudio Abbado conductor.

Además, EuroArts ha lanzado un DVD en el que se realiza Sergei Prokofiev 's Concierto para piano N º 3 en Do Mayor , con la realización de Abbado.Sonatas y Estudios es el primer CD de Wang en el comunicado general. Fue grabado en noviembre de 2008 y puesto en libertad 20 de abril 2009. Fue nominado para el 2010 del Premio Grammy en la categoría de Mejor Solista Instrumental de rendimiento (sin orquesta).Esto incluye las siguientes pistas.Transformación es el segundo CD de Wang en el comunicado general. Fue lanzado el 13 de abril 2010.

Arielle dombasle - Rhum and Coca Cola

2010-12-04T03:33:00.000-08:00

Cuyo verdadero nombre Arielle Sonnery de Fromental nació el 27 de abril de 1953 a Norwitch, Connecticut (EE.UU.). Pasó su infancia y adolescencia en Mexico, donde su abuelo fue embajador en Francia. Formado en danza clásica, que se eleva también un pequeño teatro a la edad de doce años. En 1976 abandonó Mexico a París para estudiar teatro y canto. Es el Conservatorio Nacional de Música.

En 1978, Arielle se inició en el cine en "Perceval le Gallois" Eric Rohmer se convirtió en su musa hasta 1983, tanto en cine y teatro.

En 1981 Arielle sucediendo en el otro lado de la cámara mediante la realización de "Chassé Cruz" a seguir en 1987 con "Blue Pirámides". En junio de 1993 se casó con Bernard-Henri Lévy.

A pesar de sus muchas ocupaciones en el teatro y el cine sigue a dedicar a cantar, su primera y verdadera pasión y en 2003 lanzó su primer álbum, "éxtasis", que vende 200 000 ejemplares, donde canta en Gounod y Faure versión electrónica. Alentó y motivados por la positiva acogida del público, Arielle volver a finales de 2004 con una segunda obra con el prometedor título: "Amor Amor".

En 2006, Arielle Dombasle está de vuelta en los cines a ser el cartel de "Nueva Oportunidad". El mismo año publicó su obra troième, "C'est Si Bon", el álbum incluye títulos de América Judy Garland a Marilyn Monroe a través de Billie Holiday. En 2008 fue el cartel de "La Posibilidad de una Isla" y "Françoise Sagan". En 2009 regresó a la música con el álbum "Chicas lindas asesinato" llevada por el único "extra-terrestre". De pleno derecho artista Arielle Dombasle no deja de sorprender al público y con éxito todo lo que toca y muy bien así.

Zap Mama- Brrrlak

2010-11-27T00:44:00.000-08:00

El grupo Zap Mama está formado básicamente por mujeres con técnica vocal excelente y que experimentan con sonidos guturales que van desde la música pigmea y otros cantos tribales africanos, al pop árabe, reggae, soul y gospel; para ello, incorporan nuevas tecnologías y estilos más electrónicos como el hip-hop, el drum'n'bass y la electrónica.

Marie Daulne, natural de Zaire pero residente en Bélgica, formó Zap Mama en 1990 y, desde entonces, ha lanzado al mercado cinco discos, los últimos cuatro publicados por el sello Luaka Bop.

También conocemos la evolución de Zap Mama durante los últimos 13 años. A principios de los 90, las voces femeninas a capella sedujeron a todo el mundo con sus canciones Pygmy y melodias salsa. Pero mientras, Marie Daulne transformó su música en una cadena de sonidos que combinan hiphop, R&B, dub, Afropop y soul. “Listen Again to Zap Mama” (1991), “Sabsylma” (1993), “7” (1997) y “A Ma Zone” (1999) y mira: Marie Daulne quiere explorar nuevos horizontes.

Marie comenzó a sentir que había llegado una muerte final en Bélgica. Así que decidió irse a Nueva York. Trabajó, las cosas comenzaron a moverse en USA después del entusiasta lanzamiento para “A Ma Zone”. “Necesitaba encontrar nuevos horizontes”, dijo Marie. “Me sentía como Tintín: Después de Tintín en África y Tintín en Europa, era hora de pensar en Tintín en América. Nueva York era bastante duro para vivir, pero el trabajo bien hecho, era muy estimulante. Mi creatividad se alimentaba por día trabajado y floreció como nunca antes”.

Tras un año en la Gran Manzana, Marie temporalmente se fue a Filadelfia, donde pudo trabajar en el estudio de Roots. Su manager, Richard Nicols, estuvo de acuerdo en producir su nuevo álbum “Ancestry in Progress”, con inviados desdea.o. Erykah Badu, Guestlove, Common, Talib Kweli, Bilal y Bahamadia. “El álbum estaba listo a finales de 2002 y estábamos deseando lanzarlo a principios de 2003, pero la crisis en la industria de la música originó algún retraso. Luaka Bop se encontró con algunas dificultades pero yo quería realmente comenzar con ellos. “Prefiero un gran pez con un pequeño sello que un pequeño pez con un gran sello”.

No hubo frustración en absoluto sobre este retraso en la música para “Ancestry in Progress”. Las 15 canciones sonaban esperanzadores y positivas. “veo el mundo como un YingYang”, dice. “Hay mucho bueno y mucho malo, en un camino u otro, ambos se mantienen en una perfecta balanza”. Es mi tarea reflejar un mensaje positivo en mi música, porque eso es lo que el mundo necesita. Mis nuevas canciones son sobre cosas pequeñas, cosas de cada día”.

¿Cuál es la historia que está detrás del título “Ancestry in Progress”? “Zap Mama trae una mezcla de estilos diferentes. Música tradicional africana, clavada en sonidos modernos. En esa combinación de pasado, presente y futuro que me fescina – una jornada humanitaria que recalca el significado de la palabra “Amor”.

Hoy, Marie Daulne ha vuelto a vivir en Bruselas de nuevo después de 3 años en USA. Sin embargo, ella siempre mantendrá un punto de apoyo en Nueva York a causa de las grandes amistades que hizo allí con sus amigos/músicos. “Actualmente, siento que necesito ir a Inglaterra, porque muchas cosas interesantes están sucediendo allí. En mi grupo, hay muchos músicos jóvenes que me enseñan cosas complentamente nuevas. Me desafían y ese es el camino que me gusta. Por otro lado, también me gustaría mostrar mis propias experiencias de los últimos años con artistas de aquí. En los Estados Unidos, los artistas interactuan muy bien y nuevas ideas son rápidamente intercambiadas y eso es algo que quiero conseguir también en Europa – traer artistas y juntos sacar lo mejor de ellos.

En su último álbum, "A ma zo ne", esta 'ciudadana del mundo', como le gusta denominarse, contó con colaboradores como Manu Dibango, Speech de Arrested Development o el grupo The Roots, reputado grupo de hip hop estadounidense que la ha acercado a registros más propios del pop étnico urbano.

Tras un retiro obligado por su maternidad, en el cual Marie editó un EP de remezclas bailables a cargo de Roger Sanchez, Chris Cuben y Dj Wally, está ya preparando junto a The Roots y la cantante Erica Badu lo que será su nuevo trabajo discográfico.

Los Machucambos - Pepito

2010-11-20T05:44:00.000-08:00

Fue un trío formado a finales de los 50 y afincado en París. Formado por un Español, Rafael Gayoso, una Costaricaine, Julia Cortés (nieta del antiguo presidente León Cortés Castro) y uno Peruano, Milton Zapata reemplazado al finalizar el año 1960 por un Italiano, Romano Zanotti.

Los Machucambos grabaron aproximadamente 700 canciones a lo largo de su carrera artística que duro como 40 años, durante su carrera como interpretes estas canciones que ellos grabaron pues muchas casi en su totalidad del repertorio folklórico latinoamericano cuando todavía no había ese resurgimiento que después se da en Francia y este trió le canto a los mejores compositores de América latina de las canciones más conocidas en su repertorio; Pepito, que se volvió famosa alrededor del mundo en 1959 otra canción importante Esperanza , Cuando calienta el sol , LA BAMBA, basada en un famoso baile mexicano que Ritchie Valens grabará y popularizará en versión rock and roll, que casi siempre fue su tarjeta de presentación, Otra canción importante Granada

en 1958 hicieron giras por Europa y África de hecho fueron más conocidos en estos dos continentes que en la misma América. Su música, alegre y bailable, estaba enfocada en Sudamérica, aunque también grabaron otros tipos de canciones de autores franceses y españoles.

Sus grabaciones en Francia, tuvieron repercusión en España, donde actuaron muchas veces en la legendaria TVE de Prado del Rey y Miramar en Barcelona y como producto de sus presentaciones obtuvieron cuatro discos de oro y dos de platino cuando realmente los discos por sus ventas valían, grandes ventas y su única presentación en América la realizo este grupo la fundadora esta Julita Cortes de costa rica la realizo en 1963 en el cines palace allá en su natal costa rica.

El nombre extraño Los Machucambos es tomado al nombre dado por los Indios de América del Sur al armadillo, animal cuyo utilizan el caparazón para fabricar el charango, tipo de pequeña mandolina, instrumento usado por el grupo.

Julita Cortes quien forma este trió de los machucambos fue de las primeras ticas en abrirse paso en la escena internacional, ella desde los 12 años mostro un gran interés por la música, Julita dio sus primeros pasos como artista a los 20 años cuando se mudo a Madrid, España a trabajar como secretaria de la embajada de Costa Rica luego se fue a Roma, Italia y luego aparece en Francia específicamente en Paris donde se vinculo a los machucambos a estos integrantes y por cierto de uno de sus integrantes encontró el amor Rafael Gayoso y con el músico y abogado estuvo casado hasta el 2005 cuando firmaron el divorcio.

Se formaron en 1958 y para 1960 eran conocidos en gran parte de Europa .Ellos cantaban en restaurantes de París antes de que fueran conocidos , hasta que una vez los escuchó el cantante Charles Aznavour que los contacto con la disquera decca London y grababan su primer disco de acetato de esos long play de 33 revoluciones por minuto unos extraordinarios discos con una calidad suprema.

Cuando esta música latinoamericana allá en Europa poco se escuchaba, poca gente la conocía pues los machucambos con el cual debuto en esos escenarios europeos hizo una exitosa carrera que duro poquito menos de 40 años.

Con los Machucambos hicieron grandes éxitos como el otorrinolaringólogo, duerme negrita y la última vez que los costarricenses vieron cantar a Julita Cortes y los machucambos fue en junio del 2005 cuando la agrupación dio un concierto en el teatro popular Melico Salazar, ella muere el 21 de noviembre del 2008 de cáncer de garganta muere olvidada casi inadvertida y discreta sus cenizas que fue su voluntad fueron lanzadas a la montaña de Escazú, donde pasó sus últimos años.

“Mi vida no es muy interesante, es la realidad, pero me dejó una gran cosa: nuestra carrera musical ha sido fundamental. Comenzamos en el 58 y en el 60 ya éramos famosos”, contó la artista en una ocasión al suplemento Áncora .

A criterio del crítico de música Alberto Zúñiga, la pérdida de la cantante dejo un gran vacío en la escena musical no de Costa Rica sino del mundo entero.
“Ella cumplió una etapa, lo que ellos hacían nadie lo ha vuelto a hacer. Con ella muere una manera de cantar y un tipo de espectáculo”, aseguró el especialista.

Sin duda uno de los mejores grupos latinoamericanos fieles en sus interpretaciones a las composiciones de origen y que dieron a conocer como pocos la música latinoamericana y que no se les ha hecho justicia en reconocimiento a la gran labor que ellos llevaron a cabo, en verdad enormes interpretes.

Los Tres Caballeros- El Reloj

2010-11-13T00:15:00.000-08:00

Aunque el trío se forma en 1952, el éxito se tardó 4 años en llegar. Pero en 1956 sus canciones La barca y El reloj dominaban la escena musical en todo el territorio mexicano.

Leonel Gálvez, de Acapulco, primera voz de una altura insospechada; Chamín Correa, segunda voz y creativo musical del trío, dueño de un requinto imposible de imitar, sobre todo en la expresión, y Roberto Cantoral, de Tampico, tercera voz, uno de los más grandes compositores de México. Ellos fueron los integrantes originales de este trío que cosechaba un gran éxito en cada canción que grababan. De hecho, las 12 canciones del primer disco fueron éxitos cada una en lo individual. Recordemos: La barca, El reloj, Tu condena, No sé qué pasa conmigo, Dónde estás, Chamaca, El teléfono, Te me olvidas, Demasiado tarde, El gran bohemio, El libro, Volveré a buscarte.

Posteriormente Leonel sale del trío, y Raúl Shaw Moreno, que fuera primera voz de Los Panchos después de la primera época de Avilés y antes de Julito Rodríguez, se incorpora como primera voz de Los Tres Caballeros. Grabaron un disco con 10 hermosas canciones, entre otras: Cuando tú me quieras, Lágrimas de amor, Si supieras tú, Dónde fue tu amor, Tres palabras, Rival...

Posteriormente se reincorpora Leonel al trío, pero en 1964 se desintegra definitivamente. Chamín se convierte en arreglista de grandes cantantes: Luis Miguel, Julio Iglesias, Rocío Dúrcal, Gloria Stefan, Tania Libertad...

Leonel vive alternativamente en Acapulco y Laredo, Texas; Cantoral también, en México D.F. y Brownsville, Texas, y Chamín Correa en la ciudad de México.Cantoral es Presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de Música de México.

Sinn Sisamouth- Tnorm jet

2010-11-06T06:23:00.000-07:00

Sinn nació en 1935 en Stung Treng, ciudad situada en las orillas del río Mekong. fue un famoso y muy prolífico cantautor de Camboya en la década de 1950 hasta la década de 1970. Ampliamente considerado como el "Rey de la música jemer", Samouth, junto con Ros Serey Sothear, Pan Ron y otros artistas, fue parte de una floreciente escena musical pop en Phnom Penh, que mezclaba elementos de música tradicional en jemer con sonidos rhythm and blues y rock and roll para crear un sonido occidentalizado similar a la psicodelia o el gararge rock.

Él era el más joven de cuatro hermanos, con un hermano y dos hermanas. Su padre era guarda de la prisión en la provincia de Battambang y era entonces soldado durante el período colonial de Camboya . Su padre murió de la enfermedad y de su madre se volvió a casar y la unión dio lugar a dos más niños.

Ya desde pequeño se intereso por la música haciendo sus pinitos con la guitarra, al acabar se trasladó a la capital, Phnom Penh, para estudiar medicina. Esto no fue óbice para seguir componiendo hasta llegar a compatibilizar sus estudios con algunos bolos.

Ya siendo Camboya país independiente su fama se dispara hasta llegar a ser protegido de la reina. Así podemos encontrar desde baladas tan preciosas como "Waiting for the moon" (2.7) o "Moonlight my love" (4.19), temas propios influenciados por el sonido garage sesentero como "Nothing To Worry" (1.11) y versiones impagables, ese "Quando, my love" (1.1) versión del "dime cuando", "I'm still waiting" del "The house of rising sun" popularizado por The Animals, "I love petite woman" del "Black magic woman" de Santana o "Always Hope" (2.1.) que es el "Hey Jude" de The Beatles...

A mediados de los sesenta ya es un ícono popular, compatibiliza la grabación de nuevos temas y la composición para otros con apariciones en diversas películas donde tiene como compañeros a otros personajes de la escena khmer que estaba en su época dorada. Llega hasta un punto su fama que no tiene tiempo para componer, y es cuando echa mano de compositores locales y versiones foraneas, ya fuesen del mundo occidental como de la cercana Tailandia.

Sinn Sisamouth tenía una reputación para ser muy serio sobre su trabajo. En asuntos de negocio, según el editor Kruoch Polin, él entregaría siempre lo que él prometió. En el país, él era un hombre reservado, y no hablaría a veces más de diez palabras en un día entero. Cuando él no se realizaba, Samouth se trabaría en su sitio y dedicaría su tiempo a escribir más canciones. Su falta de socializar contribuyó a una reputación para ser elitista.

Pero en 1970 con el golpe de estado de Lon Nol cambia su suerte. Es obligado a cantar canciones favorables al nuevo régimen que apoyaba a los estadounidenses en la guerra de Vietnam (hasta entonces oficialmente el país era neutral) y en contra de la familia real en el exilio. Con la guerra de Vietnam todavía en marcha el ejercito jemer lanzo una ofensiva que acabó con la conquista de todo el país a pesar de los últimos intentos estadounidenses.

En contra de lo que se creía, Pol Pot, el jefe de los jemeres rojos, se hace con el poder y se dedica a "purificar" a la sociedad, en esos momentos el país tenía seis millones de habitantes, dos millones fueron asesinados y otros dos se fueron al exilio. Sinn debido a sus conexiones con el antiguo régimen es ejecutado.

Más de 1200 canciones grabo. Algunas fueron escritas y cantadas por él mismo, otras interpretadas conjuntamente a Ros Sereysothea o Pan Ron.

María Dolores Pradera - Amarraditos

2010-10-30T04:00:00.000-07:00

(Madrid, 29 de agosto de 1923 87), conocida artísticamente como María Dolores Pradera, es una cantante melódica y actriz española.Es una de las intérpretes de su país que ha alcanzado mayor fama internacional por su excepcional voz y su difusión de la canción en español, difundiendo en España la canción popular latinoamericana y la obra de sus más grandes autores.

Nació en Madrid, el 29 AGOSTO DE 1926 y durante su infancia vivió en España y en Chile, donde su padre tenía negocios. En la década de 1940 comenzó a trabajar como actriz de cine y teatro, al tiempo que evidenciaba sus dotes para el canto. Intervino en filmes como Yo no me caso (1944, de Juan de Orduña) o Los habitantes de la casa deshabitada (1946, de Gonzalo Delgrás), en la que también intervino el actor Fernando Fernán Gómez, con quien estuvo casada desde 1947 hasta 1959, y con quien tuvo dos hijos: Fernando y Helena Fernán Gómez.

Posteriormente actuó en diversos teatros de España, Francia y México, representando obras de Enrique Jardiel Poncela, José Zorrilla, Federico García Lorca o Edmond Rostand.

Como cantante, estuvo acompañada durante muchos años por los guitarristas Santiago y Julián López Hernández, conocidos como Los Gemelos. Ha interpretado con gran sensibilidad y éxito internacional las canciones de compositores como el mexicano José Alfredo Jiménez, la peruana Chabuca Granda, el cubano Miguel Matamoros, el uruguayo Alfredo Zitarrosa, el argentino Atahualpa Yupanqui, la chilena Violeta Parra y muchos otros autores latinoamericanos. Su voz suave y su perfecta dicción en diversos registros —baladas, boleros, coplas, rancheras, fados, etc.—, así como sus grandes dotes dramáticas sobre el escenario, han convertido sus versiones de Flor de la canela, Fina estampa, Limeña o Rosario de mi madre, clásicos peruanos, en clásicos de la canción popular en habla hispana.

Ha obtenido numerosos galardones españoles e internacionales, tanto por su faceta teatral como por su carrera como cantante, como el Premio Nacional de Teatro, la Medalla de Bellas Artes y el Premio Lara. Entre sus últimos trabajos se encuentran diversas colaboraciones con Joaquín Sabina o Rosana sin olvidar su disco homenaje a Carlos Cano, cantautor andaluz con el que hizo la gira Amarraditos. En 2006 publicó un nuevo álbum junto a Los Sabandeños, titulado Al cabo del tiempo que alcanzó el disco de oro.

En 2007 lanza un recopilatorio en CD y DVD titulado En buena compañía, que recoge sus mejores duetos con artistas de la talla de Joaquín Sabina, Caetano Veloso, Rosana, Víctor Manuel o Maria del Mar Bonet.En noviembre de 2008 publica "Te canto un bolero" acompañada por Los Sabandeños y seleccionando once boleros entre lo mejor del repertorio clásico, donde se incluyen canciones como Contigo en la distancia, Cómo han pasado los años (muy popular en la voz de Rocío Dúrcal), Camino Verde, En un rincón del alma o No sé por qué te quiero, entre otras.

Julio Sosa - Rencor

2010-10-23T00:00:00.000-07:00

Julio María Sosa Venturini (Las Piedras, Uruguay; 2 de febrero de 1926 – Buenos Aires, Argentina; 26 de noviembre de 1964), más conocido como Julio Sosa y apodado El Varón del Tango, fue un cantante de tango que alcanzó la fama en Buenos Aires en las décadas de 1950 y 1960.

Nació en el seno de una familia humilde, hijo de Luciano Sosa, peón de campo, y Ana María Venturini, lavandera. En su juventud, a causa de la pobreza, ejerció varios empleos (popularmente conocidos como "changas").

En 1942 se casó, con tan sólo 16 años, con Aída Acosta, de quien se separó dos años más tarde, en 1944. Sus comienzos profesionales fueron como vocalista en la orquesta de Carlos Gilardoni en la ciudad de La Paz. Se fue a Buenos Aires en 1949. Llegó a triunfar en el Río de la Plata, siendo considerado uno de los cantores de tango más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

Durante sus 15 años de trayectoria en Argentina, Sosa fue cantor de tres orquestas. La primera, Francini-Pontier (1949-1953), con la que realizó 15 grabaciones en RCA Victor, entre ellas Por seguidora y por fiel, Dicen que dicen, Viejo smoking y El hijo triste (Unica grabación a dúo de su discografía, junto a Alberto Podestá); la segunda, la de Francisco Rotundo (1953-1955), con el que grabó 12 temas en el sello Pampa, entre ellos Justo el 31, Mala suerte, Secreto, Yo soy aquel muchacho y Bien bohemio; y la tercera, la de Armando Pontier (1955-1960), ya desvinculado de Francini. En esta etapa Sosa grabó en total 33 registros, 8 de ellos para RCA Victor (1955-1957) y los 23 restantes en el sello CBS Columbia (1957-1960). Algunos temas destacados son: Tiempos viejos, Araca París, Cambalache, Al mundo le falta un tornillo, Padrino pelao, Tengo miedo, Margo, El rosal de los cerros, Brindis de sangre y Azabache.

Fue bautizado por el periodista Ricardo Gaspari como El Varón del Tango, llamándose así también su primer disco de larga duración. Leopoldo Federico hizo que el cantor se volviera famoso a través de sus composiciones.

En 1958 se casó con Nora Edith Ulfred, divorciándose poco después y poniéndose en pareja con Susana "Beba" Merighi. En el año 1960 escribió su único libro, Dos horas antes del alba.

Sosa tenía una pasión por los autos, y había tenido varios accidentes de tránsito por conducir a desmedida velocidad. Como consecuencia, falleció a los 38 años, a las 9:30 horas del 26 de noviembre de 1964, en un accidente automovilístico ocurrido en la esquina de la Avenida Figueroa Alcorta y Mariscal Castilla del barrio de Palermo de la ciudad de Buenos Aires.

Sus restos fueron velados en el Salón Argentina pero la multitudinaria concurrencia obligó a trasladar los cortejos fúnebres al Luna Park. Hoy sus restos están en el cementerio de Las Piedras, Canelones, Uruguay.

Calypso Limonense

2010-10-16T04:45:00.000-07:00

Finalmente, después de un año completo de investigación, conciertos, grabaciones y trabajo de estudio, Papaya Music está presentando su nuevo disco, Calypso Limón Legends.

Calypso Limón Legends fue la confección de un nuevo sonido para el calypso limonense, en el que se conserva el espíritu festivo de la música de carnaval, pero se renueva gracias a la fuerza de un expresivo jazz piano al mejor estilo de Nueva Orleans. Esta fusión en nada sorprendió a los calypsonians limonenses, ya que la música de la cuenca del Mississippi había entrado a Puerto Limón en los acetatos de moda que alguna vez trajeron los barcos mercantes procedentes del sur de Estados Unidos. Por la naturalidad con que se mezclan ambos géneros, también es fácil adivinar su cercanía.

Con este disco, Papaya Music continua su labor de rescate y reinvención de la música centroamericana, ahora con el disco mejor producido que se ha hecho hasta ahora sobre el calypso limonense. Este disco reinventa el calypso costarricense gracias a un año completo de investigación acerca de los artistas y el repertorio clásico del tiempo más prolífico del calypso en Limón, un tiempo en que el Carnaval era una época mágica que transformaba a los vecinos en estrellas de la canción. También fue un año de trabajo de dirección musical conjunta entre Manuel Obregón y Manuel Monestel, quienes pusieron todo su talento, su experiencia y sus respectivas pasiones por el calypso limonense y el jazz de Nueva Orleans para crear un calypso jazz fresco, alegre y renovado.

Esta producción es el fruto de una larga investigación de los caminos paralelos del calypso y el jazz, que culminó en los conciertos “Miércoles de Calypso y Jazz”, una reunión periódica dirigida por Manuel Obregón y Manuel Monestel. Ellos partieron de una profunda investigación y de su talento en el jazz y el calypso, para experimentar al lado de algunas de las grandes leyendas de la época más floreciente del calypso limonense. El proceso de investigación, los conciertos y su grabación, fueron posibles gracias a la colaboración del Ministerio de Cultura y el Centro Cultural de España.

En esta producción grabada en vivo, revivimos temas emblemáticos de las décadas de los 50 y 60, cuando las comparsas de calypso de los barrios eran la principal atracción de los Carnavales de Limón. Calypso Limón Legends contiene la tradición de la era gloriosa de las comparsas de calypso, pero se refuerza con jazz piano de Nueva Orléans, lo cual le da un sonido fresco. El ingeniero de sonido Draxe Ramírez, es una estrella más de esta producción gracias a sus meses de trabajo de precisión para que las grabaciones de los conciertos pasaran de diamantes en bruto a brillantes joyas musicales.

Los Calypsonians

Cyril Sylvan fue pescador y carnicero del mercado municipal de Limón durante 40 años y cantante estrella de las comparsas “Lobsterband” y “Skelintan” del barrio Cieneguita, junto con sus hermanos, sobrinos, su hija y hasta su mamá.
Reynaldo Kenton “Shanty” formó parte Lobster y Skelintan junto a Sylvan, y siguió tocando clásicos con bandas como New Revelation, banda del barrio de Cieneguita fundada por Julio Medina.

Natural de Bluefields, Nicaragua, Emilio Álvarez “Junny” fue marinero y mecánico fuera de borda, pero también viajó por Centroamérica y las islas del Caribe con el grupo Bárbaros del Ritmo.

Herberth Glinton “Lenkí” impresiona por la voz desgarradora con que este calypsonian interpreta “Fire” y “Nowhere like Limón”. Apasionado de la música sureña, nos canta una versión del clásico del country “Please help me I'm falling”. Roberto "Congoman" Watts, sastre y barbero limonense criado en Panamá, confiesa que siempre los inspiró Clarence Martin "un musicazo" quien le enseño a amar el jazz.

Los Directores Musicales
Además de su larga trayectoria como compositor y concertista de piano, Manuel Obregón ha hecho de su carrera un completo muestrario de las formas musicales de la región centroamericana. El jazz ha sido la base de sus ideas musicales, de su experimentación, y el mejor vehículo para conectarse con la Naturaleza y con los músicos tradicionales. Obregón ha logrado una síntesis entre formación académica, tradición y experimentación, una habilidad que le fue reconocida en la cuna misma del jazz, Nueva Orleans. Allí recibió el premio de Mejor Concierto del Año en el 2000, otorgado por los críticos, y fue declarado Ciudadano Internacional Honorífico por el alcalde Marc H. Morial.

Un gran equilibrio entre conocimiento académico y talento musical siempre han distinguido a Manuel Monestel. Su profundo interés por investigar el calypso autóctono de Limón ha hecho posible que generaciones enteras conozcan y aprecien esta forma musical. Su amplia producción musical con diversas bandas, especialmente como director de Cantoamérica durante sus más de 25 años de existencia, compite con las múltiples publicaciones en casi treinta años de incansable curiosidad. Gracias a esta trayectoria, Manuel Monestel ha perfeccionado versiones de temas de Walter Ferguson, Lenkí, Buda, y otros compositores emblemáticos de Limón, además de haber acuñado un amplio repertorio de temas de su autoría. Recientemente publicó “Ritmo, Canción e Identidad: el Calypso Limonense”, el texto más profundo y mejor fundamentado que se ha hecho acerca de esta música.

Sarah Vaughan - Don't Blame Me

2010-10-09T14:00:00.000-07:00

(Newark, 27 de marzo de 1924 – Los Ángeles, 3 de abril de 1990), conocida como Sarah Vaughan (pronunciado Vo:n) y apodada Sassy y La Divina, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Billie Holiday y Ella Fitzgerald, está considerada por muchos como la más importante e influyente voz femenina del jazz, aunque su magisterio se extiende a toda el área de la música popular.

La voz de Vaughan se caracteriza por su tonalidad grave, por su enorme versatilidad y por su control del vibrato; su tesitura, similar a la de una cantante de ópera, le permitía saltar del registro grave al de soprano con gran facilidad. Sarah Vaughan fue uno de los primeros vocalistas en incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, en su caso, al nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de la improvisación. A lo largo de los años, su voz se fue haciendo más oscura, aunque no llegó a perder nunca su poder y su flexibilidad. Fue también una maestra en el scat.

Vaughan cantó en su infancia, como otras muchas cantantes de jazz, en la iglesia; recibió, además, intensas lecciones de piano entre 1931 y 1939. Tras ganar un concurso para aficionados en el Apollo Theater, se unió a la big band de Earl Hines como cantante. No ha quedado registro sonoro de esta colaboración de los años 1943-1944. Cuando su gran amigo el también cantante negro Billy Eckstine formó su propia orquesta, Sarah se unió a él, haciendo su debut en la grabación discográfica. En la orquesta de Hines recibió la influencia de Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

Más allá de unos pocos meses con John Kirby entre 1945 y 1946, Sarah Vaughan desarrolló su carrera en solitario. Aunque hacia 1945 su imagen fuera mejorable (su primer marido George Treadwell la habría de ayudar mucho en este aspecto), su voz era ya incuestionable. Realizó unas primeras grabaciones para la compañía Continental entre las que destaca la del 25 de mayo de 1945, en la que estuvo acompañada por Gillespie y Parker. Sin embargo, fueron sus grabaciones de entre 1946 y 1948 para Musicraft (que incluían temas como "If You Could See Me Now", "Tenderly" y "It's Magic") las que demostraron su maduración como cantante y su fraseo orientado al bop aplicado a las canciones populares.

Firmó con Columbia y grabó para ella durante el periodo 1949-1953, consolidando su popularidad. Aunque algunas de estas grabaciones tienen un matiz típicamente comercial, sus ocho temas grabados con la banda de Jimmy Jones durante el 18 y 19 de mayo de 1950 se encuentran entre sus interpretaciones más memorables, demostrando su capacidad indudable para cantar jazz.

Durante los años cincuenta, Sarah grabó para Mercury música pop con orquestas, y material puramente jazzístico para el sello subsidiario de aquél, EmArcy, entre el que se encuentra su muy elogiada colaboración con Clifford Brown. Más tarde, grabaría para Roulette (1960-64), volvería a Mercury (1963-67) y, tras un periodo de inactividad de cuatro años, para Mainstream (1971-74); Vaughan estuvo también en el sello Pablo de Norman Granz desde 1977 a 1982.

Vaughan estuvo casada en tres ocasiones con George Treadwell (1946-1958), Clyde Atkins (1958-1961) y Waymond Reed (1978-1981). Siendo incapaz de tener hijos biológicos, Vaughan adopto a una bebé (Debra Lois) en 1961. Debra trabajó como actriz en los 80 y 90 bajo el nombre de París Vaughan.

La vida personal de Sarah Vaughan fue un cúmulo de paradojas. Tenía una personalidad mercurial y podía llegar a ser extremadamente difícil trabajar con ella (especialmente en otras áreas fuera de la música), pero numerosos colegas músicos recordaban sus experiencias con ella como algunas de las mejores de su carrera. Ninguno de sus matrimonios tuvo éxito, aunque mantuvo largas e íntimas amistades con algunos hombres dentro del negocio y estaba enteramente dedicada a sus padres y su hija adoptiva. A pesar de la aclamación efusiva del público, Vaughan era una persona insegura y sufría de miedo escénico, que en ocasiones casi la incapacitaba. Aunque tímida y a menudo al margen con los desconocidos, era bastante gregaria y generosa con sus amigos.

El apetito de Vaughan por la vida nocturna era legendario y solía quedarse de fiesta después de sus actuaciones hasta bien entrado el día. Vaughan era una bebedora empedernida aunque, que se sepa, nunca hubo ningún incidente de intoxicación obvia sobre el escenario, que afectara a su habilidad interpretativa. Vaughan fue, supuestamente, usuaria habitual de marihuana y cocaína a lo largo de su carrera, pero era discreta en su uso y nunca sufrió de adicciones que la debilitaran o problemas con la ley que acabarían descarrilando la carrera de muchos de sus colegas. Vaughan fue fumadora durante toda su vida, lo que casi con seguridad contribuyó a su muerte prematura por cáncer de pulmón a la edad de 66 años.

Anita Mui - Live Performance "Home Coming

2010-10-02T00:00:00.000-07:00

(10 octubre 1963 hasta 30 diciembre 2003) fue una cantante popular y actriz nacida Hong Kong . También fue la hermana menor de la cantante de Hong Kong, Ann Mui . Durante su primer año hizo grandes contribuciones a la cantopop escena musical, al recibir numerosos premios y honores. Ella seguía siendo un ídolo en la mayor parte de su carrera, y fue considerado generalmente como un cantopop diva . [1] Una vez que se ha celebrado un concierto de espera vender en Hammersmith , Londres, Inglaterra, donde fue apodado el " Madonna de Asia ". Que el título se ha quedado con ella a lo largo de su carrera, y se ha utilizado como una comparación de ambos medios de comunicación occidentales y orientales.

En la década de 1980 la gangtai estilo de música fue revolucionada por su baile salvaje y la feminidad en el escenario. [7] Ella era famosa por haber impulsado vestimentas extravagantes y altas prestaciones también. [3] Su base de fans mucho más allá de Hong Kong, y en muchas partes de Asia, incluyendo Taiwán , China continental , Singapur , Malasia , así como el mercado de ultramar. En la industria del entretenimiento de Hong Kong, donde las estrellas suelen ir y venir, Mui fue capaz de seguir siendo una gran estrella en el centro de atención durante 20 años. Su carrera sólo se detuvo en 2003 cuando le diagnosticaron de repente con el cáncer cervical , murió a la temprana edad de 40 años. [1] [5] Aún así, su música y su legado continúa cine para vivir. Su éxito llegó mucho más allá del círculo de entretenimiento con la labor humanitaria, donaciones y las organizaciones benéficas que han jugado un papel importante en ayudar a la sociedad, incluso hasta bien entrado el día de hoy.

Mui experimentado muchas dificultades y las dificultades de su infancia. Ella era la hija menor de una familia con cinco hijos. [5] Su padre murió cuando ella tenía sólo cinco años, por lo tanto Mui y sus hermanos fueron criados en una familia monoparental de la familia. A temprana edad tuvo que ayudar a mantener a sus hermanos, que abandonan la escuela para hacerlo. Siguen otras dificultades en su familia cuando su madre tenía un bar, que también había sido incendiada. [3] Para ganarse la vida, Anita se, entró por primera vez el mundo del espectáculo a la edad de cinco años. [8] [4] Ella realizó chinos óperas y canciones pop en los teatros y las calles. [8] [4] Tanto Anita y su hermana mayor Ann Mui básicamente a cabo en cualquier club nocturno que les ofrecía la oportunidad de ganarse la vida
En 1982, la primera de Nuevos Talentos Canto premios se llevó a cabo. Mui tiene una gran oportunidad de ganar el concurso con la canción "la época de nortes" (风的季节), superando a más de 3.000 concursantes. [8] [9] A pesar de su título de "nuevos talentos" en ese momento, ella ya había sido un cantante por más de 10 años a partir de la calle y actuaciones club durante su infancia.

Como un premio al ganar el concurso de talento nuevo en el tiempo, primero álbum Mui fue lanzado con la empresa local de registro de artistas de Capital . [10] Su debut tuvo una respuesta poco entusiasta de la audiencia. Pero este álbum le siguieron le fue mucho mejor, ya que desarrolló su estilo personal y la imagen. En 1983 y 1984, ganó el RTHK Top 10 Premio de Oro Canciones espalda con espalda. [11] [12] Su racha continuó cuando ella ganó otro premio importante en 1985, su primer top 10 Solid Gold Mejor Cantante Jade Hombre de adjudicación . [ 13] Durante los siguientes cuatro años, ganó el premio consecutivamente cada año hasta 1989.

Mui lanzado 50 álbumes en total. [18] Su álbum más vendido fue el de 1985 "Bad Girl" (坏女孩), que vendió más de 400.000 copias (8x platino por las normas de Hong Kong). [10] En su carrera ha vendido 10 millones de álbumes. [8] [4] Cabe señalar que la población de Hong Kong en la década de 1980 fue sólo de 5 millones.

En cuanto a las actuaciones en directo, su primer concierto se celebró en 1985 una duración de 15 noches. A partir de finales de 1987, una serie de 28 conciertos consecutivos en el Coliseo de Hong Kong se llevaron a cabo hasta principios de 1998

Esto estableció un récord en la época y de la copia Mui el título de "Ever Cambio Anita Mui" (百变梅艳芳), que se había convertido en su marca registrada. [19] Su popularidad también fue adquiriendo una importancia fuera de Hong Kong. A medida que fue invitado a cantar en el Juegos Olímpicos de 1988 ceremonia de apertura en Seúl , Corea en el mismo escenario con Janet Jackson . [20] Ella se realizó en 300 conciertos en su carrera.

En 1990, Mui anunció que pondría fin a recibir premios de la música para dar una oportunidad a los recién llegados. Sostuvo despedida conciertos para 33 noches consecutivas antes de retirarse del escenario. A la edad de 28 se retiró de la industria, sólo para regresar de su retiro en 1994. [21] Anita mentor de varios cantantes de Hong Kong, que recién llegado se han convertido en las cuales destacan Andy Hui , Denise Ho , Edmond Leung y la banda de saltamontes . [10] Como un premio a la trayectoria en la música, Mui fue galardonado con el Premio Aguja de Oro RTHK en 1998.

Mui también era conocida como una actriz en toda la región asiática. A medida que protagonizó más de 40 películas en un período de 20 años. [23] Sus películas eran principalmente de la acción - thriller y kung fu variedad, pero también había tomado papeles cómicos y dramáticos. Su actuación primer premio como actriz secundaria fue ganado en el Hong Kong Film Awards para la película Destino en 1984. Tres años después, en 1987, la película Rouge ganó su mejor actriz en el Golden Horse Award . [5] Ella ganó el premio de nuevo en 1989 en el Hong Kong Film Awards . En 1993, protagonizó el heroico trío con Michelle Yeoh y Maggie Cheung , y ha demostrado ser una de sus películas de acción más populares. En 1995, se encontró con un cierto reconocimiento internacional trabajando junto a Jackie Chan en Rumble in the Bronx .

Más tarde, en 1997, también ganó el mejor otra actriz de reparto en Hong Kong Film Award con la película Dieciocho Springs. En 2002, ella ganó como Mejor actriz en Festival de Cine de Changchun Ciervo de Oro Premios a la mejor actriz con su actuación en julio Rhapsody . [24] Su habilidad para jugar con éxito una amplia gama de papeles de la comedia a la tragedia, le ha permitido tomar parte en muchas papeles principales. Anita fue lanzado originalmente para Zhang Yimou s '2004 de la película House of Flying Daggers . Ella renunció a su cargo en la película sólo dos semanas antes de su muerte. Zhang había celebrado sus partes de la filmación de la última debido a su mal estado de salud. [25] Por respeto a Anita, Zhang no reemplazó su papel con otra actriz. El guión fue modificado para tener en la historia de su carácter original.

Ella recibió una dedicación durante los créditos finales.
A principios de septiembre de 2003, Mui hizo el anuncio público de que había cáncer de cuello uterino a los medios de comunicación. [1] [8] Se cree ampliamente que renunciaron a adquirir el tratamiento temprano porque quería mantener la posibilidad de concebir . Sabiendo que no iba a hacerlo más allá de la enfermedad, había una serie final de la muestra titulada "Anita Clásico Momento Live Concert".

La serie constaba de ocho shows en el Coliseo de Hong Kong en 2003. Era su última serie de conciertos antes de su muerte. [10] invitados musicales incluidos Jacky Cheung , Sandy Lam , David Tao , Eason Chan , Andy Hui , Alan Tam , Lee Hacken y Kelly Chen . [26] Su acto simbólico final fue " casarse con el escenario ", que fue acompañado por su éxito" Puesta de sol Melody "(夕阳之歌) como ella salió del escenario por el tiempo final. Su última canción muy realizó en el escenario era "Cherish cuando nos reunamos otra vez" (珍惜再会时), una versión de El Manhattan "" Let's Just Kiss And Say Goodbye ". Mui finalmente perdió su batalla contra el cáncer de cuello uterino y murió de complicaciones respiratorias que conducen a una insuficiencia pulmonar en el Sanatorio de Hong Kong y el Hospital el 30 de diciembre de 2003 a las 02:50 ( hora local de Hong Kong ). [1] [5] [6] Ella era de 40 años de edad. [8] Miles de fanáticos asistieron a su funeral en North Point en enero de 2004. A lo largo de su carrera, el tabloide revistas fueron implacables. Los rumores nunca dejó de peste Mui, quien fue acusado de ser adicto a las drogas, se someten a cirugías plásticas, que se suicida, está vinculado a la muerte de una tríada de líder. [10] Los rumores de aventuras con protagonistas también eran conocidos.

En 2007 una serie de televisión fue producida en China titulada "Anita Mui Fei" (梅艳芳菲) para decirle a los dramas muchos en su vida. El episodio 42 serie fue transmitida por Televisión Educativa de China . Miembro actores Andy Lau y Leslie Cheung fueron presentados también en la serie, aunque algunos de los temas sensibles, como su sufrimiento de cáncer, de suicidio de Leslie y su madre es real dilema de la propiedad de su se evitaron. [27] La actriz Alice Chan (陈炜) juega el papel de la Mui en la serie.

El 11 de octubre de 2008, un show en TVB fue dedicado a ella "Nuestros Anita Mui" (我们的梅艳芳). Muchos fans fuera de la escena y el personal que trabajó con ella tuvo la oportunidad de hablar sobre sus experiencias personales con la Mui. Los cantantes que participaron en el espectáculo incluía Andy Hui , Edmond Leung y Stephanie Cheng .

Sus cenizas están enterradas en el monasterio de Po Lin mausoleo s 'en la isla de Lantau .

The Cranberries - Linger

2010-09-25T03:43:00.000-07:00

Es una banda irlandesa de rock, formada en Limerick en 1989 bajo el nombre de The Cranberry Saw Us, más tarde cambiado por la vocalista Dolores O'Riordan. Aunque muchas veces es asociada con rock alternativo, el sonido de la banda también incorpora elementos de indie, indie pop, Rock, post-punk y pop rock

The Cranberries saltó a la fama internacional en la década de 1990 con su álbum debut, Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?, que se convirtió en un éxito comercial y vendiendo más de cinco millones de copias en Estados Unidos. El grupo fue uno de los grupos de rock más exitosos de los años 90 y vendió más de 14,5 millones de álbumes sólo en los Estados Unidos, mientras que a nivel mundial la cifra asciende a más de 40 millones de discos. La banda ha logrado cuatro top 20 álbumes en el Billboard 200 (Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?; No Need To Argue; To the Faithful Departed y Bury the Hatchet)2 y 20 singles en el puesto ocho de las Alternative Songs.2

En 1989 varios jóvenes se unieron con el propósito de formar un grupo: Noel Hogan (guitarra), su hermano Mike Hogan (bajo), Fergal Lawler (batería) y Niall Quinn (vocal). El grupo no poseía nada nuevo en lo que se refiere a originalidad: guitarras punk-pop, canciones melodiosas y letras cómicas. El vocalista de la banda, Niall, era quien componía las canciones. Aquella primigenia banda fue llamada originalmente The Cranberry Saw Us' (El arándano nos vio). En realidad el nombre es un juego de palabras, ya que se pronuncia igual que The Cranberry Sauce (Salsa de arándanos)Los hermanos Hogan vivian en un lugar de Limerick llamado Moycross (pegado al río Moy)y tras acabar la educación obligatoria, comenzaron a ayudar a sus padres en la panadería que regentaban. Una noche en un concierto conocieron a Fergal Lawler, quien compartía sus gustos musicales. Fergal (Limerick, 4 de marzo de 1971) se había criado en Parteen, donde ejercía de peluquero en la peluquería de su tío.

En ese momento nació lo que hoy conocemos como Cranberries
Tras la marcha de Niall Quinn de la banda, fue Dolores O'Riordan la vocalista de la banda. Ella sería quien escribiese la canción de «Linger». "The Cranberry Saw Us" dejaron de existir cuando Dolores entró a formar parte del grupo siendo "The Cranberries". Dolores tomó parte directamente del repertorio musical de Noel, y empezó a componer letras para las melodías. Finalmente, el grupo fue fichado por una pequeña casa discográfica de Limerick, Xeric Records. Con sus primeros demos tuvieron bastante éxito a nivel local. Su primer EP se llamó Uncertain.

En 1992 rompieron con Xeric Records y firmaron con Island Records, que contaba en sus filas a PJ Harvey y U2. El grupo empezó a grabar su primer álbum, producido por Stephen Street (Morrissey y Blur). El 1 de marzo de 1993 se publica el primer álbum de The Cranberries, Everybody Else Is Doing It, So Why Can´t We? (Todo el mundo lo hace. ¿Por qué nosotros no podemos?). Musicalmente, el disco fusiona el pop-rock tradicional inglés de finales de los 80, con el folk y los ambientes místicos irlandeses. Líricamente, sus letras expresan un punto de vista ingenuo, donde Dolores abandona el mundo terrenal para adentrarse hacia un mundo idealista lleno de esperanza y sueños. En el disco predominan canciones amables, afectuosas y afable para el oído, canciones que aportan la placidez para poder dejarse escuchar. El disco apenas tuvo acogida entre el público. Su sonido a pesar de traer un aire fresco entre diferentes corrientes provenientes de América como el grunge y el pop, se le comparó con el shoegazers de aquellos momentos por la ensoñación de sus canciones y poco más.

The Cranberries fue de gira por Estados Unidos teloneando a Suede y a The Matt Johnson. La gira sería suspendida por la escasa acogida de estas bandas entre el público estadounidense, que iban a ver a ese nuevo grupo salido de Irlanda. The Cranberries había triunfado en EE.UU. sin quererlo, teniendo mas éxito que las bandas que teloneaban. Se publicó el disco en Estados Unidos y pronto tuvieron un enorme éxito entre el ambiente independiente de las universidades norteamericanas vendiendo más de un millón y medio de discos. Se reeditaría el disco en Reino Unido, donde tuvo una enorme acogida y de allí al resto de Europa. El álbum llegaría a vender mas de 8 millones de copias en el mundo. Durante todo el año participaron en festivales de música por Estados Unidos y Europa. El 14 de enero de 1994 actuaron en el mítico concierto del Astoria 2, donde el repertorio de canciones traía algunas nuevas como Zombie y Empty.

En 1994 lanzan su segundo disco titulado No Need to Argue el cual inmediatamente tuvo mucho éxito entre el público llegando a vender más de 16.7 millones de copias. El disco traía sonidos nuevos mezclando más el sintetizador con la guitarra. El disco fue titulado como su obra maestra y con la que la mayoría del público los reconoce, en este disco más maduro e irónico que el anterior, Dolores hace alusión a la infancia en muchas canciones, donde ella reconoce "Los niños son el futuro del mundo, no entiendo como alguien quiere hacerles daño". En una gira que estaban haciendo Dolores conoció a Don Burton el productor de Duran Duran después de unas semanas juntos se comprometieron, concretándose un tiempo después en una polémica boda donde el número de reporteros era mayor al de invitados.

El año 1995 fue muy próspero para la banda debido a que sus canciones empezaron a escucharse más en las radios, traduciéndose en mayores ventas de sus discos. Hicieron su Unplugged de MTV y tanto fue el éxito que en la ceremonia de los MTV Europe Music Awards, «Zombie» recibió el premio como mejor canción del año.y mejor canción de rock.También cantó con Luciano Pavarotti en el concierto benéfico "Pavarotti & Friends: Together for the Children Of Bosnia" en 1995. En este evento Dolores cantó «Ave María» con Luciano Pavarotti, «Linger» con Simon Le Bon de Duran Duran y los temas «Turandot» y «Nessun dorma!» con todos los artistas al final del concierto.

En 1997 después de la agotadora y devastadora gira, la banda decidió tomarse un descanso, Dolores se dio tiempo para cuidar a su hijo, Fergal recorrió el mundo con la mochila al hombro; Noel quería reunirse con viejos amigos y Mike quería ver el fútbol. A mediados de 1997 el grupo volvía por fin a reunirse. Entonces, decidieron participar en el álbum tributo que se estaba preparando al grupo americano Fleetwood Mac. Poco después Fergal contraía matrimonio con la que había sido su novia, Lauri Guerin, en abril de 1997.

Durante el final de la década de los 90's la banda empezó con su nuevo disco que reflejaba una reconciliación y un sentimiento de querer empezar todo desde cero. En la celebración de la entrega del Premio Nobel la banda actuó interpretando "Linger", "Dreams" y "Promises", una de las canciones que se escucharía en su próximo disco. La banda habla más de temas como el amor, los hijos, el matrimonio y muchas emociones en el disco Bury the Hatchet, que se lanzó el 1 de abril de 1999. El álbum consiguio disco de oro en los Estados Unidos y vendió mas de 4 millones de copias en el mundo. La banda empezó una gira alrededor del mundo, pero mucho más relajada, para no cometer el error de las giras anteriores.

El canto a garganta o "Yodel Style" de Dolores es una de las características más representativas del grupo, tanto así que se ha convertido en una de las máximas exponentes de este registro vocal en la música moderna y su sencillo «Zombie» es la mejor carta de presentación.La personalidad de las canciones se debe a que Dolores pertenece a ese grupo de cantantes que durante los 80 y 90 hicieron de su interpretación vocal, un instrumento que rompen con los moldes de las reglas vocales melódicas y haciéndose totalmente protagonista de la canción.

Dolores posee una voz sobrecogedora que pasa del más mínimo susurro al grito sobrecogedor en tan solo un instante, enfrascando su voz entre las cuerdas y el bajo de los hermanos Hogan, y dejando constante que su voz es un instrumento más dentro de la canción y del disco.

En 2001 editaron el que es hasta el momento su último disco de estudio, Wake up and Smell the Coffee, el que no alcanzo mayor éxito convirtiendose en el álbum menos vendido de la banda con 1,4 millones de copias vendidas.En septiembre de 2002 editaron el disco compilatorio Stars - The Best of 1992 - 2002 , el que contenía todos sus éxitos, incluyendo dos temas ineditos. Este disco compilatorio tuvo más éxito que su anterior álbum de estudio. Hasta el momento ha vendido mas de 2,1 millones de copias.

Es The Cranberries, que traducido al español significa Arándanos, fruta parecida a la mora azul.El martes 25 de agosto del 2009, Dolores O´riordan confirma en la radio de Nueva York (101.9) la unión de "The Cranberries". El tour de reunión comenzó el 12 de noviembre en Estados Unidos y terminará a finales de Octubre en Latinoamérica.

Frank Quintero- Química

2010-09-18T00:00:00.000-07:00

Juan Francisco Quintero Mendoza, mejor conocido como Frank Quintero (Caracas, Venezuela, 27 de noviembre de 1952) es un músico, compositor e intérprete venezolano.Fue bautizado como Juan Francisco Quintero Mendoza por sus padres, el contrabajista José Quintero y Carmen Mendoza, ambos venezolanos. Tiene seis hermanos, de los cuales dos también se dedicaron a la música: Marycruz, quien es cantante; y Leonardo (Leo) Quintero, que es guitarrista y compositor.Inicia su vida musical a muy temprana edad, sin la aprobación de su padre, aunque éste se convirtió en la influencia más cercana y determinante para su formación, al igual que el ambiente musical que siempre hubo en su hogar.

A pesar de la negativa de su padre, éste le regaló su primer instrumento musical al cumplir los diez años de edad: una batería profesional. Según relataría años más tarde el intérprete, entre los siete y los ocho años su padre le enseñó la ejecución del ritmo del bossa nova, aparentemente por haber visto a su hijo intentando tocar percusión con objetos domésticos o que emitieran sonidos que simularan tambores. Dos años después, le regalaría la batería, que perteneció hasta entonces a un músico de un programa musical de la épocaEn 1964, con sólo doce años de edad y al tiempo que cursaba la educación secundaria en el Liceo Militar "Gran Mariscal de Ayacucho", formó el grupo musical Licmilaya.

El nombre del mismo lo obtuvo combinando las tres primeras letras del nombre del instituto. En 1966, próximo a cumplir los catorce años, su padre lo inscribió en la Escuela de Música "José Angel Lamas", en Caracas, donde realizó estudios formales de teoría, solfeo y armonía con profesores como el director de bandas Pedro Antonio Ramos y el maestro Vicente Emilio Sojo. Un año después (1967), participó como baterista en la banda de rock "Loving King",
Al llegar el año 1968, luego de algunos cambios en la formación de "Loving King", Frank Quintero inicia con su hermano Leo, y luego junto a Ivan Velásquez, el grupo "La Fe Perdida", proyecto musical con el cual se daría a conocer. Con ella comenzó su actividad de vocalista y compositor, sin dejar de interpretar la batería. Al principio, el grupo centró su trabajo en hacer versiones de bandas de rock, tanto inglesas como estadounidenses. Sin embargo, posteriormente, comenzó a componer, de manera tal que el grupo se inició en la interpretación de material propio. La agrupación permaneció trabajando desde el año 1968 hasta 1971, tiempo en el cual llegaron a grabar cuatro discos de 45 RPM, A comienzos de 1972, el grupo "La Fe Perdida" se disuelve y a finales de ese año Quintero entra formar parte del coro del grupo de La Onda Nueva de Aldemaro Romero. La actividad desarrollada en esta agrupación duró poco más de un año (hasta 1973), tiempo en el cual la agrupación realizó una gira por Europa, recorriendo Suiza, Francia, Suecia, España y Grecia.Una vez separado de "La Onda Nueva", en el año 1973, Frank Quintero incursiona en el campo de la producción musical, realizando arreglos, componiendo y, en líneas generales, produciendo grabaciones para artistas como Diana Fontalvo.

En 1974, a raíz del trabajo desarrollado en el campo de la producción de música para publicidad y grabaciones como cantante, y en unión de otros músicos, formó una banda que en un primer momento se llamó "Frank Quintero y su Grupo", y que unos meses más tarde se dio a conocer como Frank Quintero y Los Balzehaguaos, contratada por la filial venezolana de CBS Columbia. El trabajo musical de esta agrupación amalgamaba una gran variedad de estilos que iban desde la música impresionista hasta la psicodelia, pasando por el rock, el jazz, la balada y la música latina, aunado esto a la continua experimentación con nuevos sononidos e instrumentos. De esta experiencia salieron canciones como La Dama de la Ciudad, Apóyate en Mí y Por Tenerte Cerca. En 1978, la agrupación se disuelve debido, principalmente, a las limitaciones de tiempo que cada uno de los integrantes tenía para dedicarle a la banda, y a la decisión de Quientero y su hermano Leo de viajar al exterior para estudiar música en el Berklee College of Music de Boston, Massachusetts, Estados Unidos.

Carrera como Solista A partir del año 1979, mientras estudiaba en Boston, Frank Quintero inició su carrera como cantante solista y compositor, mientras desarrollaba en paralelo su trabajo de ejecutante; hecho que desembocó en la realización de su primer LP en esta nueva etapa "De Noche y Con Poca Luz" (1980), cuyo tema promocional, Canción para Ti, resultó todo un éxito, permitiéndole entrar en el gusto de las masas y consolidando su carrera.En agosto de 1980, Quintero se presentó en el Poliedro de Caracas junto a su banda, convirtiéndose en el primer cantante venezolano de música pop que se presenta solo en ese escenario y lograra llenarlo. De igual manera, en ese mismo año, Zildjian Cymbals, firma dedicada a la fabricación de platillos para instrumentos de percusión, lo contrató como imagen de sus productos, actividad que desempeñó con dicha firma hasta el año 1992.

Durante la serie de conciertos del Festival Musical de Berklee, del año 1981, denominada Berklee Concert Series Award 1981, la agrupación de Quintero ganó el primer premio como mejor Banda y el intérprete obtuvo el premio Buddy Rich como mejor baterista. De igual manera, se presentó en diversas ciudades de los Estados Unidos como Atlanta y New Jersey. También, en ese mismo año, Frank Quintero se presentó en el programa 300 Millones de Televisión Española (TVE), el cual se transmitía a toda Iberoamérica, e igualmente logró formar su productora independiente denominada Señora Luna, por el nombre de una de sus composiciones.Durante este período, realizó un trabajo constante como solista y grabó los discos "Letra y Música" (1981) y "Pájaros y Estrellas" (1981), con la compañía CBS Columbia. Esta última producción sólo incluía un tema instrumental, poseía menos influencia del género jazz, y contaba con una mayor tendencia hacia los temas vocalizados y al pop.En 1982, obtiene en Berklee los títulos de Músico Ejecutante en Batería y de Productor, dentro de la mención Músico Profesional. Ese año regresa a su país con la intención de continuar ampliando su vida profesional, mientras de manera esporádica continuó viajando a Los Ángeles y Nueva York con la misma finalidad.En 1984 salió al mercado el disco "A través de Mis Ojos", primer álbum en su carrera grabado tanto en Estados Unidos como en Venezuela. Los temas que se extrajeron de este álbum para ser difundidos en las emisoras de radio lo llevaron a realizar su tercera gira por Venezuela.

Luego, en 1985, es contratado por la empresa disquera, hoy desaparecida,Sonorodven, emprendiendo entonces un viaje a los Estados Unidos para grabar su sexto larga duración, el cual llevaría por nombre La Calle del Atardecer. El alto índice de promoción que recibió este material por parte de la compañía disquera y el estilo musical que en éste se manejó, lo convirtieron en un éxito importante, pues la mayor parte de los temas fueron radiados. Las ventas elevadas de esta grabación le hicieron merecedor de un "disco de oro" y un "disco de platino". También le permitió realizar su cuarta gira nacional, dentro de la cual se presentó por primera vez en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela, el 16 de diciembre de 1986. Así mismo, dos de los temas del disco fueron incluidos en la banda sonora de la película venezolana La Generación Halley, realizada ese mismo año, además de otro tema que no forma parte de ninguno de los álbumes que conforman su producción: el Tema de Amor de Sonia.A partir de entonces, Quintero alternará las presentaciones con sesiones de grabación, a través de diversos discos realizados para el sello Sonorodven, destacando entre las giras la realizada durante los meses de agosto y septiembre de 1989 en Venezuela junto a su colega Ilan Chester a la que se le dio el nombre de "Amigos en concierto", a la par de reiniciar sus actividades como productor y compositor para otros artistas nacionales, ya que asumió diversos proyectos para artistas de diferentes sellos disqueros, labor en la que se mantuvo por espacio de tres años aproximadamente.

A finales de agosto de 1990, mientras realizaba de forma individual la gira promocional del disco "Buscando Soles", Quintero tomó la decisión de salir de su país y radicarse en Los Angeles, Estados Unidos. Esta decisión fue motivada porque Quintero pensaba que para la mayoría de los artistas latinos populares, Estados Unidos constituía una base importante por residir allí las oficinas de las principales compañías discográficas transnacionales. Además, había recibido ofertas para crear música publicitaria y la posibilidad de componer canciones para otros artistas. Este hecho vino a representar una oportunidad significativa en la carrera musical de Frank Quintero, ya que su campo de trabajo se amplió, permitiéndole desarrollar una actividad constante como intérprete, compositor e instrumentista con la compañía Latin Music Expo. En Este periodo, grabó como vocalista, en calidad de invitado especial, con Sheena Easton, Manoella Torres, John Warren y Willie Colón. También, conformó en la ciudad de Los Angeles una agrupación integrada por músicos de dicha ciudad, presentándose semanalmente en el club Le Café, banda con la cual se dedicó a interpretar material propio, además, grabó un comercial junto al cantante mexicano Luis Miguel y acompañó, como invitado especial, a José Feliciano en la gira de 1991.

De regreso a Venezuela, en ese mismo año, (1992), alternó nuevamente con Ilan Chester en el Teatro Teresa Carreño y participó en la grabación del tema 20 Millones de Corazones, junto a Oscar D'León, Franco de Vita, Soledad Bravo, Ilan Chester, Carlos Mata, Guillermo Dávila, Gustavo Aguado y Yordano. Esta pieza, compuesta y grabada sin fines de lucro, fue estrenada en cadena nacional de radio el 7 de abril de ese año con la intención de promover una visión positiva sobre el país en contraposición a la tensa situación político-social que experimentaba Venezuela durante ese periodo.En 1994 la empresa Sony Music edita un disco realizado con grabaciones tomadas directamente de sus conciertos efectuados en el Celarg (Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos) con el nombre de Francamente Acústico. También en este año, formó conjuntamente con los intérpretes y músicos Guillermo Carrasco, Pedro Castillo y Willie Croes el grupo "Nosotros 4", organización de una trayectoria corta. En ella, Frank Quintero, al igual que los demás integrantes, se desempeñó como cantante e instrumentista.

En 1995 comenzó su actividad como locutor de radio en Caracas, con el programa Francamente, actividad que continúa realizando hasta el momento. Con Francamente, su actividad de locutor la realiza de manera individual ya que en 1991, y por espacio de dos años consecutivos, Quintero incursionó junto a Ezequiel Serrano, Pedro Castillo y Guillermo Carrasco en la conducción del programa No Todo Es Tan Malo.En febrero de 2000 participó como cantante en la grabación del tema Dale la Cara a la Vida, junto a otros músicos e intérpretes venezolanos, con el fin de recaudar fondos para la reconstrucción del Núcleo de la Universidad Simón Bolívar ubicado en el Litoral Central, afectado a consecuencia de la Tragedia de Vargas en diciembre de 1999. Ese mismo año, aproximadamente en septiembre, Quintero compuso el tema Mientras Pueda Soñar, escrito para la telenovela "Amantes de Luna Llena", del canal televisivo Venevisión. Esta pieza le valió notoriedad a nivel de difusión radial, alcanzando nuevas cuotas de popularidad entre el público, lo cual condujo a la publicación del sencillo correspondiente.Paralelo a estas actividades, Frank Quintero fue contratado por la fabricante alemana de instrumentos de percusión Meinl, como imagen de sus productos. Además, participó como ponente en el Primer Encuentro Internacional de Percusionistas, celebrado en la Universidad Central de Venezuela..

Actualmente, Frank Quintero prepara material nuevo para un posible nuevo disco, preparando un segundo volumen del álbum dedicado a los niños ("Canciones Para Mis Pequeños Amigos") y realizando diversas presentaciones en Venezuela con motivo de sus 35 años de vida artística en compañía de otros artistas amigos.Paralelo a todo esto se ha dicho que está escribiendo un libro de memorias titulado tentativamente: "Cómo sobrevivir un Grupo de rock en un país subdesarrollado", con lo cual explora y muestra a la vez una nueva faceta dentro de su carrera.

Alondra de la Parra - Mi Alma Mexicana

2010-09-11T00:00:00.000-07:00

Generalmente se espera ver a un hombre maduro en el podium como director de una orquesta, un oficio en el que generalmente la batuta la llevan los hombres. Pero Alondra de la Parra rompe el estereotipo y hoy en día es una de las mujeres más importantes en la dirección orquestal.

Adentrémonos en el camino lleno de triunfos de Alondra de la Parra. Ella nace en Nueva York el 31 de octubre de 1980 sus papas estaban estudiando una maestria en Nueva York, pero crece en México, y su pasión por la música empieza a muy temprana edad. Desde los siete años estudió piano y a los trece comenzó a aprender a ejecutar el chelo. Su devoción a la música se vio impulsada por su abuela, la famosa escritora Yolanda Vargas Dulché, creadora de exitosas historietas como Memín Pinguín, y precisamente es ella quien le regala su primer piano. Durante la adolescencia, Alondra descubre el gusto por la conducción de orquesta, por lo que a los dieciséis años se muda a Londres a seguir estudiando la preparatoria y música en St. Leonards Mayfield School.

Finalmente en el 2000 y con tan sólo diecinueve años de edad se muda a Nueva York, donde estudió piano en la Manhattan School of Music obteniendo un BM en Piano Performance bajo la dirección de Jeffrey Cohen. En el 2004, a la edad de veintitrés años, Alondra de la Parra funda en Nueva York la Filarmónica de las Américas (POA por sus siglas en inglés), cuya misión es promover la música y los jóvenes talentos intérpretes y compositores del continente americano. Sus estudios en dirección orquestal estuvieron a cargo de su mentor Kenneth Kiesler, recibiendo un MA en el 2008.

Entre las presentaciones más relevantes de Alondra De la Parra, destacan el Concierto de Gala de la Washington National Opera con Plácido Domingo, los conciertos con las orquestas sinfónicas de Dallas, Houston, Phoenix, la Orquesta de Cámara de Los Ángeles, la Orquesta del Nuevo Mundo de Miami y la New York Pops en su debut en el legendario Carnegie Hall. También destaca su participación en Rusia, Uruguay, Argentina y Venezuela. En México, Alondra ha dirigido también las orquestas de Aguascalientes, Jalisco, Sinaloa, Xalapa y la Orquesta Sinfónica Nacional en el Palacio de Bellas Artes.

En el 2008 junto con la POA participa en los Latin Gramys en un homenaje a Gloria Estefan y ese mismo año realizan la musicalización de la película Interior Design del aclamado Michel Gondry, orquestada y producida por De la Parra.

Esta respetada estrella de la música clásica no podía pasar por alto su vestuario, así que ha elegido al reconocido diseñador mexicano Christian Cota como responsable de su guardarropa. Imagínense qué espectáculo: súper-talento + súper-fashion = wow.
Con motivo del Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución Mexicana, De la Parra lanzo un disco narrando los cien años de la historia sinfónica de México, un disco que todos los mexicanos deberíamos tener.

Alondra de la Parra está casada con Carlos Zedillo Velasco hijo del Ex presidente Ernesto Zedillo se casaron el 2 de Agosto del 2008 en Tulum.

Premios

• Premio Pablo Casals, Escuela de Música Manhatthan
• Liga de Orquestas Americana, la realización de otorgar a las mujeres
• Mujer York Nueva Agenda - Rising Star de 2007
• 1010 gana el "Periodistas del Mañana" Premio - ganador en la categoría Artes y Entretenimiento
• "Banda de Honor", el más alto honor dado a los conductores por el Sistema de Orquestas de Venezuela (FESNOJIV)
• Gabe Wiener de Becas al Mérito de un Estudiante Sobresaliente
• Manhattan School of Music Taki Concordia de Becas para Conductores Premio Mención de Honor
• "El Micrófono de Oro", (Precio Máximo asignado anual de la Asociación Mexicana de Radiodifusión)
• Mérito prensatelas Beca de la Escuela de Música de Manhattan
• Amigos de la Música Music Award, Cuernavaca, Morelos

Geraldo Pino - Heavy Heavy Heavy

2010-09-04T00:45:00.000-07:00

Uno de los pioneros inventores del afrobeat ese sonido funky-jazz-rock procesado por África y hecho suyo.....

Gerald Pine más tarde Geraldo Pino nació un 10 de febrero de 1939 en Freetown Sierra Leona, fundó un grupo llamado los Heartbeats e influido por el sonido Motown y James Brown en su música sentó las bases de lo que sería el afrobeat e influyendo a gente como Fela Kuti.

Geraldo Pino fue una figura clave en la escena musical de Nigeria. Originario de Sierra Leona, que había pasado algún tiempo en Ghana durante los años 1960 y emigró a Lagos a principios de 1970 con una marca única de Funky Soul africanos que inmediatamente ajustar la ciudad en llamas. Incluso Fela Kuti créditos Geraldo Pino por haber sido una gran influencia para él, así como para toda la escena. Geraldo Pino aparece aquí con su bomba de 1978 la pista de baile "African Hustle".

Hizo grandes giras por äfrica causando sensación, hizo dinero, se compró un canal de televisión en Lagos en Nigeria, y hasta un hotel, padeció muchas enfermedades (diabetes, cáncer) y murió el 10 de noviembre del 2008, dejando una de las huellas más indelebles en la música, gracias a las reediciones se le empieza a reconocer y a dar su lugar.

El disco Heavy Heavy Heavy, además de esas maravillosas guitarras rasgadas y un ritmazo bárbaro tiene un organito genial, más que recomendable.

Nikki Yanofsky- I Believe

2010-08-28T09:45:00.000-07:00

(nacida el 08 de febrero 1994) es una cantante canadiense de jazz-pop nació en Hampstead , Quebec . Admira a Stevie Wonder , Aretha Franklin , Ella Fitzgerald , The Beatles , Simon and Garfunkel , etc Le encanta la época de los 60's y 70's. [1] Se ha presentado internacionalmente en festivales de jazz y salas de conciertos importantes, tanto en solitario y junto a artistas como Wyclef Jean , Celine Dion , Marvin Hamlisch y El conde Basie Orquesta . Ella está involucrada en causas benéficas y ha lanzado su primer álbum de estudio en su propio sello, 440 espectáculos, y en Decca Records fuera de Canadá. Yanofsky cantó el himno nacional de Canadá en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Invierno 2010 en Vancouver . Ella también se realizó durante la ceremonia de clausura y la ceremonia de apertura Paralímpicos .

Yanofsky registró la de Ella Fitzgerald clásico "correo aéreo especial" para el sello Verve Records y fue lanzado en junio de 2007 en el álbum We all Ella Amor: Celebración de la Primera Dama de la Canción . Producido por Tommy LiPuma , esta canción hizo Yanofsky la cantante más joven jamás a grabar para Verve.

Nikki y se había registrado " Gotta Go My Own Way "en Inglés y Francés para Walt Disney gran éxito de High School Musical 2 . El tema fue incluido como material extra en el lanzamiento mundial de la Blu-ray , DVD y Soundtrack CD .

A raíz de eso, ella colaboró con premios Grammy , ganador músicos Herbie Hancock y Will.i.am (de El Negro Eyed Peas ) para grabar una versión crossover del era del swing golpe " Stompin 'at the Savoy ". Fue lanzado el Kareem Abdul-Jabbar 's de libros de audio, sobre los hombros de gigantes .

En septiembre de 2008, lanzó su Yanofsky de larga duración en el primer álbum, un CD / DVD titulado paquete de conciertos de Ella ... De ti me Swing. Con el apoyo de su compañía de producción, A440 Entertainment, Inc. y se distribuye en Canadá y Japón por Universal Music , que logró el aplauso de crítica y le valió dos premios Juno nominaciones en 2009: "Artista Revelación del Año" y "Jazz Vocal Album del Año ». Ella también ganó "artista de jazz favoritos" en el 2009 Premios de la Música Independiente de Canadá.

Compositores Stephan Moccio y Frew Alan eligió para cantar Yanofsky CTV tema de difusión de la Juegos Olímpicos de Invierno 2010 , " Yo creo ", que azotó las ondas de radio a finales de enero de 2010 y se jugó a lo largo de los Juegos Olímpicos en todos los medios de comunicación socios de la CTV.

Yanofsky grabó su primer álbum de estudio con 14 premios Grammy, el productor ganador Phil Ramone . [2] Junto con el álbum-el lanzamiento de "I Believe", que incluye algunos de Yanofsky la primera obra original-escrito en colaboración con Jesse Harris (de Norah Jones fama), así como compañeros de compositores canadienses Ron Sexsmith y Feist . Fue lanzado en abril de 2010 y será apoyado por una gira internacional.

"I Believe" alcanzó el número uno en el Canadian Hot 100 en la semana de febrero 27,2010. Esto la convirtió en la primera artista canadiense de tener una canción número uno en esa carta, ya que " Novia "de Avril Lavigne encabezó la lista en 2007.

Yanofsky comenzó su carrera como cantante profesional mediante la realización en el 2006 Festival Internacional de Jazz de Montreal . [2] Esta actuación la convirtió en la artista más joven nunca para encabezar en este festival. Ella ha regresado a este festival cada año desde entonces, culminando en 2009 con una actuación al aire libre muy especial para el 30 º aniversario del festival. Sus actuaciones canadiense otro festival incluyen Toronto ( Luminato y centro de la ciudad ), Ottawa ( Jazz y Blues ), Vancouver , Victoria, Quebec , Edmonton, Saskatoon , y Fredericton .

Sus apariciones en festivales internacionales incluyen dos visitas a Jamaica y El Jazz Festival de Blues, así como Ginza Festival de Jazz Internacional en Japón, donde ella jugó a una casa completa en Tokio histórica Kabuki-za .

El 8 de febrero de 2008 - décimo cuarto día de su cumpleaños - Yanofsky inició una gira por varias ciudades con el famoso compositor y director de orquesta, Marvin Hamlisch en el Carnegie Hall .

Esta gira incluyó presentaciones en otros lugares de la clase del mundo como el Avery Fisher Hall , también en Nueva York, así como el Centro Kennedy en Washington, DC Este tour también incluye paradas en Seattle, San Diego, Milwaukee y hasta su ciudad natal de Montreal. En noviembre de 2008 hizo su debut orquestal canadiense con la Orquesta Sinfónica de Edmonton , y desde entonces ha pasado a cantar con la Orquesta del Centro Nacional de las Artes para un homenaje a Oscar Peterson , así como la Orquesta Sinfónica de Saskatoon - ambas dirigidas por el pianista canadiense, el senador y Orden de Canadá oficial, los bancos Tommy .

Yanofsky ha realizado los canadienses y estadounidenses himnos nacionales en los eventos deportivos de varios incluyendo Montreal Canadiens en el Bell Centre , Ángeles Lakers de Los en el Staples Center , Florida Panthers en el BankAtlantic Center , uno de Montreal NASCAR evento en el circuito Gilles Villeneuve , la Grey Cup 2008 en Montreal Olímpicos Estadio y, más recientemente, tanto a la apertura y clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2010 en Vancouver, BC, Canadá. También el 22 de mayo 2010 de la Copa Stanley playoffs partido entre los Flyers de Filadelfia y Montreal Canadiens en el Bell Centre .

Otros lugares interesantes donde Yanofsky ha llevado a cabo son los Bell Centre , tanto para una aparición con Wyclef Jean, así como una actuación en solitario en el UNICEF se unen contra el Sida en los beneficios. Ella también se realizó un concierto privado para The Globe and Mail en frente de la Biblioteca de Celso en el 2000-año de edad ruinas de Éfeso en Turquía .

En julio de 2010, Yanofsky toco en Napa Valley Festival del Sole .

Los Xochimilcas- Cocula

2010-08-21T20:16:00.000-07:00

Es necesario destacar la aportación hecha por un cuarteto fuera de serie. Hay que revalorar la labor de un grupo que se adelantó a su momento y, como suele suceder en estos casos, padeció la crítica de quienes no fueron capaces de comprender la profundidad de su exuberante talento. Me refiero al sesancional grupo Los Xochimilcas.

De 1940 a 1970 y un poco mas…Este grupo se destacó por su singular estilo para hacer la música ya que en aquellos tiempos el hacer música era algo muy serio que necesitaba de mucho estudio y preparación, (ahora aunque igual de serio el asunto hay mas libertad para crear cosas diferentes), en aquel entonces se tenían que cuidar muchos detalles, algunos tan simples como el hecho de que la gente no notara el momento de agarrar aire en el transcurso de una canción, parte de esto fue lo que hizo de este un grupo tan especial.

Pero cada uno de los músicos era extraordinario en su instrumento, por ejemplo, el contrabajista al que apodaban Glostora (nombre de un artículo para el pelo de aquel entonces), no solamente dominaba su instrumento sino que hasta se montaba realmente en él y al momento que tocaba se equilibraba, o en otras ocasiones en su papel de homosexual se bajaba del escenario para ir a sentarse en las piernas de algunos de los espectadores lo cual provocaba un alboroto en aquellos tiempos.

Pero el trompetista y vocal principal del grupo no se quedaba atrás; en cuanto a singularidad se refiere, en aquel entonces se hacían unos festivales (llamados festivales cerveza estrella) en la arena coliseo de esta ciudad, la cual no era un lugar muy pequeño que digamos, pues cuenta la gente que asistía a dichos festivales que el trompetista no necesitaba micrófono más que para cantar y que aún así con griterío del público y los otros instrumentos de los otros músicos, el con la pura potencia de sus pulmones inundaba el lugar entero con su sonido, incluso este músico llegó a ser considerado uno de los mejores trompetistas de aquellos tiempos.

En su estilo lo menos que había era seriedad, no queriendo decir con esto que el grupo no tocara bien, al contrario ellos también se distinguen por ser unos excelentes músicos en cualquiera de los estilos que fuera ya que a petición de la gente igual tocaban un Blues que un Twist que un Danzon o lo que fuera que la gente les pidiera, pero además cada uno de ellos destacaba en su instrumento sin dejar de lado la picardía y alegría que tenían a la hora de tocar.

El acordeonista siempre aparentaba estar de mal humor. Era el patiño. El baterista, siempre anclado por su instrumento, desbordaba energía y con frecuencia estaba del lado del personaje travieso. Por su parte, el trompetista era el típico genio musical: Muy inspirado pero también muy distraído.

El peso de la comicidad estaba a cargo del bajista. Este personaje era del planeta de Régulo y Madaleno pero con una diferencia notable y distintiva: era gay. Sí, también en esta faceta Los Xochimilcas se adelantaron a su tiempo. Ahora ya no llama la atención ver que en las compañías de comedia sea constante la presencia de algún actor que hace el papel de un gay.

Como verán Los Xochimilcas fue un grupo singular pero todo esto sale sobrando basta con oír algunas de sus tan variadas canciones para darse una idea de lo que estoy hablando. Por eso los invito a descargar este sensacional disco de edición especial de los fabulosos Xochimilcas.